Además de buscar en Google ‘diseño de personajes de siluetas’ y ‘jerarquía de volumen’, trata de notar ese momento en el que te sientes como, ‘¡Sí! Acabo de dar con algo interesante ‘, trato de entender qué es eso. Tal vez sea la forma en que interpretas X o Y, pero fíjate en lo que te hace sentir bien. Solo tenga cuidado de no usarlo como muleta.
Alfonso De Anda
(México / EE. UU.)
Otra cosa que me funciona es mantenerme relajado al dibujar y no etiquetar lo que estoy dibujando como bueno o malo, eso viene después. Simplemente vierta garabatos en papel y manténgase abierto a lo que salga; más tarde puede refinar.
Alfonso De Anda
(México / Estados Unidos)
Por último, intenta comprender a tus personajes. Piense en su personalidad, cómo hablarían, cómo caminarían, con quién pasarían el rato y qué tipo de música escucharían.
Brosmind
(Barcelona, España)
“No utilizamos una fórmula científica para crear nuestros personajes, que son positivos y optimistas; de hecho, ese sentimiento surge de forma natural cuando los dibujamos. Hemos intentado hacer un análisis retrospectivo y hemos identificado algunos aspectos comunes en todos ellos.
«Por ejemplo, suelen caminar de una manera que recuerda a los dibujos animados clásicos de payasadas. Además, siempre parecen estar sonriendo, incluso si les faltan algunas partes de la cara o no tienen una cara en absoluto. Un detalle surrealista o un toque de humor se puede encontrar en todos ellos «.
Anima Boutique
(Finlandia)
«Los ojos son las ventanas del alma, y la forma en que se dibujan expresa una gran cantidad de emociones. Su tamaño y posición transmite algo sobre su carácter: los ojos más grandes tienden a dar una sensación de infantilismo o asombro infantil, los más pequeños una sensación de seriedad y profundidad, los ojos muy abiertos dan una sensación de rareza, mientras que los ojos cerrados suelen ser cómicos «.
Dan Woodger
(Reino Unido)
“Si necesito que un personaje parezca que no ha estado haciendo nada bueno, arqueé las cejas hacia arriba en el medio, levantaré la parte inferior de los párpados y le daré una gran sonrisa con dientes. Para terminar, agregue una gota de sudor para enfatizar la culpa».
Docvek
(Reino Unido)
“Comience con una forma abstracta plana simple para una cabeza y luego agregue formas simples en la parte superior para crear ojos y otras características. Recomiendo usar Illustrator para ‘afeitar’ o ‘grabar’ en la forma principal, como si estuviera cortando linóleo o esculpiendo arcilla. Esto les da a los personajes una sensación orgánica y artesanal donde el límite entre el espacio positivo y negativo se vuelve borroso «.
Gal Shkedi
(Tel Aviv, Israel)
“Use una referencia, nunca trabaje solo desde su mente. Tome fotografías de personas que podrían ser un buen material fuente; por ejemplo, el estilo de su ropa, su peinado y, por supuesto, el rostro. Incluso si tu personaje no es humano, piensa en el mundo del que proviene su ADN, ya sean bacterias, gérmenes, criaturas submarinas, animales salvajes, etc. Una vez que comiences a usar material de referencia, tus personajes se volverán más diversos.
“Otro consejo es considerar los límites de diseño de tu personaje; Trate de ver qué tan lejos pueden estar los ojos entre sí, ¿cuál es el mejor equilibrio entre el tamaño de la cabeza y el resto del cuerpo? «
JamFactory (también conocido como Gavin Strange)
(REINO UNIDO)
“Juega con tus puntos fuertes. Personalmente, no puedo ilustrar personajes en medio del movimiento; Nunca seré un diseñador que pueda dibujar un conjunto elaborado de personajes para expresar movimiento, así que para mí la clave es mantenerlo simple. Mi diseño más elaborado hasta ahora ha sido Shirley Creamhorn & Shithawk, una chica con una chaqueta parka con una caca en la cabeza, eso es lo más complejo que se puede «.
Joanne Hawker
(Reino Unido)
“Puedes cambiar la emoción de tu personaje de varias formas. Uno de ellos es la introducción de las cejas y la forma en que se colocan. Tomemos a la señora Foxly, por ejemplo; sin cejas se ve tranquila y contenta (izquierda), sin embargo, con la introducción de cejas, puedes enfadarla o súper enojarla (medio y derecha respectivamente). Este concepto se aplica a todos los personajes, pruébalo «.
Motomichi Nakamura
(EE. UU.)
“Cuando diseño mis personajes, empiezo dibujando ojos. Es porque creo que son la parte más importante de nuestra expresión emocional, y puedes saber las emociones de una persona al mirarle a los ojos. Una vez que estoy feliz con los ojos, los miro y me imagino parado justo en frente de la criatura y comienzo a dibujar el resto «.
Ryan Bubnis
(ESTADOS UNIDOS)
“Me encanta el desafío de mostrar sentimientos y emociones a través de gestos simplificados y líneas de trabajo. Empiezo dibujando, creando formas y probando diferentes características hasta que llego a algo que me gustaría desarrollar más «.
Jorfe
(España)
“Empiece siempre con formas sencillas; los cuadrados son buenos para un carácter fuerte y audaz, mientras que los triángulos son perfectos si lo necesitas para dar miedo. Para hacer un personaje amigable como Mortimer, usa curvas suaves.
«También es una buena idea exagerar las expresiones. Usa cualquier parte del rostro para darle vida a tu personaje, como el cabello despeinado o los dientes con espacios entre ellos. Otro consejo es dibujar secuencias de gestos y experimentar con el movimiento».
Showchicken (también conocido como Nick Sheehy)
(REINO UNIDO)
“Intento tropezar con un diseño o un personaje; juntando partes extrañas y desentrañando el contexto. Dibujo muchas variaciones diferentes de un personaje hasta que estoy feliz de que sean interesantes y diferentes.
«Tener las habilidades de redacción para realizar un personaje en varias dimensiones requiere práctica, pero es invaluable para crear credibilidad y atmósfera».
¿Cómo elevar tus obras de arte de lo atractivo a lo verdaderamente impresionante? Alice Ross habla con artistas que han dominado los secretos de la belleza.
Muchos artistas digitales se esfuerzan todos los días por lograr esa calidad que llamamos belleza. Aquellos que tienen éxito, que crean el tipo de imágenes que te acercan simplemente para que puedas pasar la vista por los contornos y los detalles, han logrado una de las hazañas artísticas más difíciles de todas.
La belleza en el arte es mucho más que superficial: dibujar a una chica bonita es fácil, pero transformarla en una imagen que parece brillar ante el espectador exige habilidad en el color y la composición, y un dominio total del estilo.
Para el artista danés Mads Berg, se trata de ejecución. “Una hermosa obra de arte es aquella que se hace con habilidad, gracia y sensibilidad”, dice. El contenido no es tan importante cuando la estética manda «.
“Creo que el requisito más esencial para que una obra de arte se vea hermosa es que esté bien equilibrada”, dice Murilo Maciel, un artista brasileño radicado en Vancouver, Canadá. «Eso significa una buena composición y combinaciones de colores». Sus fotomontajes han aparecido en anuncios de Coca-Cola y Safeway, entre otros.
“También es fundamental que la obra de arte esté bien acabada. Es una pena cuando ves algo que se ve bien al principio, pero cuando miras más de cerca, las texturas se ven borrosas, por ejemplo. Prestar especial atención a los detalles generalmente hace que algo sea más hermoso «.
Raphaël Vicenzi, un ilustrador belga que trabaja bajo el mando creativo mydeadpony, dice que el equilibrio es lo más importante. Se ha hecho un nombre con diseños artísticamente maltratados con mujeres elegantemente desgastadas: en su obra, el cliché gastado está marcado por un estilo áspero.
“No sé si mis obras de arte son elegantes; Intentó equilibrar el lado femenino de mis trabajos con ideas, bordes y colores más toscos ”, dice. “Es un equilibrio que trato de lograr constantemente. Intento escuchar mi propio sentido de la belleza, por imperfecto que sea, y encontrar reglas internas «.
Raphaël añade que su composición es instintiva: “Hay una simetría en la mayoría de mis obras, pero no es algo que pueda describir. Es más como probar cosas hasta que se alcanza un equilibrio por sí solo.
«Es cuando no escucho esa voz interior que las cosas salen mal».
Patrimonio artístico
Para Ana Montiel, la composición también es instintiva y está informada por siglos de patrimonio artístico.
Habla de principios clásicos como el contrapposto, una forma de posar un modelo de modo que la mayor parte de su peso esté en un pie, lo que da como resultado una postura delicadamente curvada, y la sección áurea, una regla de proporciones basada en una proporción de 1: 1.6, que los estudiosos clásicos creían que agradaban de forma innata, siguen siendo fuerzas poderosas, incluso en el arte digital.
“Hemos estado siguiendo estos conceptos ‘divinos’ durante generaciones. Hemos heredado toda esta información, está en nuestras células ”, dice. “En mi trabajo, son importantes, pero de una manera muy intuitiva, ya que no trato de usarlos particularmente; simplemente vienen de forma natural.
Para las obras de arte de sus carteles, Mads Berg cree que la belleza proviene de lo discreto. “La simplicidad y el equilibrio son cosas que adoro”, dice.
“Supongo que sucede lo mismo con otras creatividades. Estos conceptos son algo muy profundo dentro de nosotros, como nuestra necesidad de comida o amor ”.
“La proporción es importante; la simetría no lo es ”, dice Mads Berg. Sus carteles de inspiración Art Déco, altamente estilizados, tienen un sentido de coherencia que es el resultado de una composición meticulosa. «Las cosas que están fuera de balance agradan a la vista … Trato de evitar poner las cosas en el medio, por lo que siempre están un poco descentradas».
Los pilares de la belleza
Aunque Mads no usa la sección dorada, dice que intenta “construir la composición con todo tipo de líneas y curvas que se conectan entre sí. Hay una especie de cuadrícula o arquitectura detrás ”.
Y añade: “Se trata de formas muy simples como actores bastante importantes en el escenario. Lo que hago cada vez más es comenzar con una composición fuerte, una forma que se gira en el sentido de las agujas del reloj unos 35 grados. Me temo que no tengo idea de por qué, todo suena muy técnico, pero parece correcto «.
Si la composición es importante, también lo es el color, ya sea que uses pasteles delicados o tonos sorprendentemente vívidos.
La ilustradora británica Sarah Arnett, que crea impresionantes patrones y fotomontajes semi-abstractos inspirados en la naturaleza, explica: “El color puede tener un efecto real sobre lo bello; afecta tu respuesta emocional inmediata «. Agrega que la paleta de una pieza puede tener un impacto más inmediato que incluso el tema de la obra.
Mads Berg dice que le gusta trabajar dentro de una paleta reducida, generalmente de tres colores o menos. «Siempre trato de tener solo unos pocos colores con los que trabajar y busco matices dentro de esos colores».
El uso del color de Ana Montiel está guiado por la intuición. “Para mí es muy instintivo utilizar mucho color en mi trabajo. A veces estoy de humor para colores más brillantes, pero en otras ocasiones me gustan más los colores apagados y muy pálidos. Realmente no puedo explicar cómo los uso, mi proceso creativo es muy intuitivo «.
Para Ise Ratinan Thaicharoen, que tiene su sede en Bangkok, Tailandia, el color es «uno de los factores más importantes» en sus collages. “El color puede comunicar sentimientos y contarnos una historia.
Me gusta usar una paleta de colores pastel, pero a veces me vuelvo negro, depende de lo que esté sucediendo en mi vida «.
Sarah Arnett agrega que el color y la composición pueden, entre ellos, seducir al espectador sin esfuerzo, y está de acuerdo con que el color puede tener un fuerte efecto narrativo. “Cuando has pensado en la composición y el color y cómo eso puede afectar a alguien, la forma en que el ojo se mueve a través de la imagen y el tema crea un proceso de pensamiento.
La textura realmente puede agregar profundidad y una calidad tangible a las ilustraciones vectoriales. En este tutorial de illustrator, el ilustrador Jeffrey Bowman revela las técnicas que usa para crear textura y luego explica cómo agrega esto a su trabajo.
Aprenderá a tomar texturas escaneadas y convertirlas en vectores usando el rastro de imagen, luego aplicarlas de manera efectiva a su ilustración usando máscaras de recorte. Jeffrey también explicará cómo agregar trazos de pincel a bordes vectoriales duros, para darle una sensación de dibujado a mano a su obra de arte.
Para ayudarlo a seguir con esta clase magistral, Jeffrey ha proporcionado algunas formas vectoriales y texturas de muestra en los archivos del proyecto.
Las técnicas que aparecen en la mayor parte de este tutorial se pueden aplicar a casi cualquier versión de Illustrator, pero el proceso de vectorización de texturas en los Pasos 10-11 requiere CS6.
Paso 1
Primero, configure su documento (Cmd / Ctrl + N). He optado por A4. Luego resolví el área en la que quería trabajar, de modo que otros elementos de la página pudieran colocarse a su alrededor. Dibujé algunas guías (Cmd / Ctrl + R) en las que encajaría la ilustración.
Paso 2
A continuación, crea una ilustración; luego le aplicará texturas. Para este ejemplo, diseñe una escena de campamento con una mezcla de vectores sólidos y líneas.
Paso 3
Es hora de comenzar a agregar pinceladas en el exterior de las formas vectoriales. Illustrator tiene excelentes pinceles prefabricados. Abra el panel Pinceles (F5) y, en el menú desplegable, seleccione Abrir biblioteca de pinceles> Artístico> Artistic_ChalkCharcoalPencil.
Paso 4
Seleccione la forma a la que le gustaría agregar el efecto de pincel; esta forma de árbol está en los archivos del proyecto, Vector Shapes.ai. En el panel Artistic_ChalkCharcoalPencil, seleccione el lápiz de carbón. Esto le da un aspecto realmente agradable al borde de un lápiz.
Verá que su forma ahora tiene un borde rugoso y que ha cambiado el trazo de su forma para que coincida con el de su relleno.
Paso 5
Dependiendo de cuán extremo quieras que sea el trazo, puedes editarlo usando el panel Trazo; configuro el trazo entre 0.5 y 1 pt. Esto le da un efecto más sutil: demasiado hará que la ilustración se vea desordenada en lugar de orgánica.
Paso 6
Una vez que esté satisfecho con el ancho del trazo, debe preparar la forma, para que pueda aplicar máscaras de recorte cuando desee agregar textura más adelante.
Para hacer esto, seleccione la forma, luego vaya a Objeto> Expandir apariencia. Verá que ahora tiene tres caminos dentro. Abre tu panel Buscatrazos (Cmd / Ctrl + Shift + F9 o Ventana> Buscatrazos).
Paso 7
Seleccione la forma, luego presione el botón Unir en el panel Buscatrazos. Esto fusionará los tres caminos en una sola forma. Repita los pasos 4 a 7 para el resto de la ilustración.
Paso 8
Ahora vamos a empezar a vectorizar algunas texturas. Las texturas se pueden hacer a partir de cualquier cosa, pero para este tutorial hay cinco que puede usar en los archivos del proyecto.
Para crearlos, escaneé materiales reales en Photoshop usando la configuración de mapa de bits en blanco y negro en el escáner, ya que esto brinda el mejor contraste al convertirlos en vectores.
Paso 9
Abra la primera textura en Illustrator arrastrando y soltando el PSD en el icono de su ilustrador. Aparecerá en un nuevo documento. Una vez que esté allí, abra el panel Trazado de imagen, que es nuevo en Illustrator CS6 (Ventana> Trazado de imagen).
Paso 10
En el panel Trazado de imagen, configure el Modo en Blanco y negro (en el menú desplegable). Marque Vista previa, para que pueda mover el control deslizante Umbral de izquierda a derecha y experimentar con los resultados.
Cuando esté satisfecho con el resultado, haga clic en Trazar. Vaya a Objeto> Expandir, asegúrese de que Rellenar y Objeto están marcados y haga clic en Aceptar.
Paso 11
Con la herramienta Selección directa, haga clic en cualquier lugar del fondo blanco de la textura para seleccionarla y luego presione Eliminar. Te quedarás con el negro. Ahora cópielo y péguelo en su ilustración, y tendrá una textura lista para aplicar a su objeto.
Paso 12
A continuación, cambie la textura a una versión más oscura o más clara del color del objeto sobre el que se colocará. Haga varias copias de la textura, de modo que cubra el objeto. Produje tres copias y las roté hasta que estuve satisfecho con su ubicación.
Paso 13
Ahora es el momento de crear una máscara de recorte, que enmascara las texturas en la forma del vector, el árbol en este caso. Las máscaras de recorte son una de las funciones más importantes a la hora de crear una ilustración como esta. Copie la forma y péguela en su lugar (Cmd / Ctrl + Shift + V).
Paso 14
Una vez que haya pegado el vector encima de las texturas, deberá convertirlo en una ruta compuesta, ya que sin esto el proceso no funcionará. Vaya a Objeto> Ruta compuesta> Crear (Cmd / Ctrl + 8).
Paso 15
Asegúrese de que su objeto superior esté seleccionado, luego mantenga presionada la tecla Mayús y seleccione todas sus texturas también. Vaya a Objeto> Máscara de recorte> Crear – o presione Cmd / Ctrl + 7. Si esto no funciona, verifique que la versión superior del árbol que está usando para la máscara esté encima de las texturas en la pila de capas.
Paso 16
Ahora puede enviar la textura enmascarada de nuevo a la pila de capas para que no oscurezca ninguno de los objetos que debería estar detrás. Use Cmd / Ctrl + [u Objeto> Organizar> Enviar hacia atrás para hacer esto.
Repita los pasos del 9 al 16 para completar el resto de la ilustración.
No todos los artistas o estudios 3D tienen los recursos de hardware de Weta Digital o Pixar, y para muchos, la etapa de renderizado de CG es la más compleja y requiere más tiempo. y una parte dolorosa del proceso de producción. RebusFarm 2.0 reduce la complejidad y el tiempo y elimina el dolor, proporcionando una alternativa al renderizado interno que es eficiente, asequible y fácil de usar.
Con sede en Alemania, RebusFarm pone a su disposición 3.000 CPU Xeon equipadas con 64 GB de RAM, en forma de una granja de renderizado basada en la nube que admite todas las principales aplicaciones 3D, incluidas 3DS Max, Maya, Cinema 4D, Modo, Lightwave, Maxwell Render , Softimage, Blender y algunos más.
Es accesible y al mismo tiempo, puede escalar para manejar las cargas de trabajo más ambiciosas. Para muchos artistas, animadores y estudios, usar RebusFarm es un enfoque más rentable que comprar y mantener hardware interno, y si necesita más poder para cumplir con una fecha límite urgente, lo tiene disponible.
Desde su apertura en 2006, RebusFarm ha estado ayudando a estudios, artistas y animadores a entregar trabajos de la más alta calidad, a tiempo y dentro del presupuesto. Ahora, con RebusFarm 2.0, la experiencia es más fácil y accesible que nunca. El servicio combina tres componentes clave, cada uno mejorado para hacer que el uso de una granja de renderizado remota sea tan simple e intuitivo como el uso de hardware local.
Farminizer
Actualizado y mejorado para el nuevo sistema RebusFarm, Farminizer es un complemento de exportación fácil de usar que conecta su aplicación 3D a la granja de renderizado.
Los artistas no quieren que se les moleste con cambios en su flujo de trabajo, por lo que Farminizer está diseñado para darles control y, al mismo tiempo, hacer que el proceso sea lo más fluido posible. Ahora es un complemento en vivo, puede funcionar en segundo plano, cargando datos imperceptiblemente de su escena mientras trabaja. Cuando presione exportar, muchos de los archivos de su proyecto ya se habrán cargado. Y mientras Farminizer revisa la escena en busca de errores antes de la carga final, puede apretar el gatillo sabiendo que no perderá el tiempo.
Rebus Drop by Drop
El Mejorado es un administrador de carga / descarga inteligente, que controla el flujo de datos hacia y desde RebusFarm como un Dropbox para renderizado 3D. Los artistas 3D no quieren tener que esperar mientras se cargan los activos o se sincronizan los archivos con un servidor.
Rebus Drop funciona de manera inteligente para maximizar el ancho de banda disponible y minimizar los retrasos, de modo que se sienta como si estuviera trabajando en un potente sistema local, no en una granja de renderizado a muchas millas de distancia. Mantiene un flujo de trabajo constante y fluido, al mismo tiempo que le brinda actualizaciones útiles sobre los costos y el estado del proyecto, a través de notificaciones en OSX y Windows 7 y Windows 8.
ControlCenter
El nuevo Control Center es una interfaz de administración totalmente basada en Web, donde puede verificar los trabajos de renderizado desde su navegador, con actualizaciones e informes continuos en tiempo real.
No es necesario esperar a que la aplicación y los servidores se sincronicen, como era el caso antes de Rebus Manager antes de la actualización de la versión 2.0. Ahora puede verificar el estado de su renderizado instantáneamente y, como funciona en cualquier navegador, puede hacerlo desde su casa, la oficina o cualquier lugar con acceso a Internet.
Lleve su tableta a la cafetería y podrá iniciar sesión y obtener una actualización de su renderizado. Además, si necesita más control en dispositivos móviles, la aplicación RebusFarm le permite acceder y controlar proyectos de render sobre la marcha, mirando, deteniendo, pausando e incluso viendo renderizados en progreso desde su tableta o teléfono inteligente.
ControlCenter ofrece a RebusFarm una flexibilidad increíble. Puede editar trabajos en línea incluso si todavía están en proceso de carga. Puede iniciar, pausar y cancelar trabajos, o verificar los costos y el estado en curso. ControlCenter incluso le brinda el poder de equilibrar los costos de renderizado con la urgencia de su proyecto.
RebusFarm siempre tiene puestos de trabajo prioritarios, ofreciendo tres escalas de servicio: económico, empresarial y premium. Ahora, con RebusFarm 2.0 puede cambiar un trabajo de económico a comercial, o incluso premium, no solo antes de que los trabajos entren en la cola, sino mientras se procesan, lo que garantiza que si necesita cumplir con una fecha límite urgente, lo hará.
Cuando confía en una granja de procesamiento de terceros, quiere saber que es segura y que no le defraudará. RebusFarm 2.0 viene respaldado por un servicio y soporte 24/7, con todas las conexiones encriptadas con SSL para mayor seguridad.
Animaciones renderizadas con RebusFarm
iMapp 555 Bucharest Building Projection de Maxin10sity en YouTube
Sci-Fi London Titles 2013 de Jordi Pages en Vimeo
En general, RebusFarm 2.0 ofrece a los artistas, animadores y estudios 3D el poder de abordar los proyectos más exigentes sin costosas inversiones en hardware. Si tiene un estudio más grande, puede ayudarlo a reducir sus costos. Si eres un estudio más pequeño, puedes golpear por encima de tu peso. RebusFarm 2.0 reduce el tiempo de renderizado y elimina el dolor de la tubería.
Las indicaciones están aquí para Inktober: ¿qué creará?
La llegada de octubre solo puede significar una cosa: Inktober, el desafío de un mes en el que los artistas publican una obra dibujada con tinta para cada día del mes de acuerdo con una serie de indicaciones.
Las reglas de Inktober son simples: haga un dibujo a tinta (puede usar un dibujo a lápiz si lo desea) y publíquese en sus redes sociales favoritas el 1 de octubre con el hashtag #inktober y #inktober.
Aunque muchos ilustradores utilizan este período como una excelente manera de mostrar su arte, Inktober está abierto a todos, incluso a artistas sin talento como nosotros en Digital Arts. El hashtag se ha vuelto tan popular ahora que su creador incluso lo ha registrado, lo que ha creado cierto revuelo que puede afectar su popularidad a largo plazo.
Lista de avisos oficial de Inktober
Puede usar la lista de avisos oficial de Inktober a continuación si se queda sin inspiración, como lo soñó el creador y artista de Inktober por derecho propio, Jake Parker. Las indicaciones también están disponibles en diferentes idiomas en el sitio de Inktober.
Por lo general, hay un montón de indicaciones de Inktober ‘no oficiales’ que también puede seguir, como estás de 2018 de Brut Magazine basadas en 31 películas de culto. Aquí hay un tributo al terror de 1987 Street Trash de OEK Design.
31 dibujos nuevos pueden ser un desafío abrumador, así que no se presione indebidamente. Comoilustrador tuiteó el Matt Saunders el año pasado: «No olvides que es algo que te has impuesto a ti mismo; no necesitas disculparte si no puedes hacerlo. Disfruta de lo que haces, no te castigues en tu tiempo libre y si lo haces, trata de disfrutarlo».
Aqui encontraras el mejor monitor para diseñadores y artistas, incluidos Lenovo, Eizo y más, además de consejos de expertos sobre cómo elegir la pantalla perfecta para ti.
Tratar de encontrar el mejor monitor para trabajos de arte y diseño no es fácil, con una variedad vertiginosa de opciones y una variedad de especificaciones igual de abrumadora para entender. Los números y las siglas no parecen tener mucho sentido, y puede ser difícil ver qué características justifican el precio con los modelos de gama alta.
SinDigital Arts ,está aquí para ayudar, y en esta función enumeramos los mejores monitores que existen, que van desde pantallas de alta gama hasta opciones más asequibles. También desglosamos qué es exactamente lo que debe buscar en una compra como creativo, con un vistazo a todo, desde la resolución hasta el color y la estética.
Comenzamos nuestra búsqueda de la pantalla adecuada para ti, al observar el elemento más esencial cómo lo es:
El Tamaño
El tamaño es obviamente el primer factor a tener en cuenta al buscar el monitor de sus sueños. Los monitores de 27 pulgadas suelen ser una apuesta segura por el precio. Si el dinero no es un problema, opte por un modelo de 32 pulgadas. Ten en cuenta que algunas de las pantallas de 27 pulgadas de gama más alta pueden costar el mismo precio que una de 32 pulgadas de rango medio.
Se puede argumentar que un modelo de 32 pulgadas «puede garantizar a quienes trabajan con video una verdadera relación de aspecto cinematográfico, ideal para una mayor precisión al editar o componer. De lo contrario, es mejor quedarse con una pantalla pequeña si no está seguro de sí necesitará las pulgadas adicionales.
Resolución
La resolución es lo siguiente que debes tomar en cuenta. No vayas más abajo que una pantalla con una resolución nativa de 1920 x 1080, las imágenes te llegan nítidas en Full HD. La siguiente etapa es Quad HD, con resolución a 2560 x 1440 píxeles. La resolución 4K UHD de 3840 x 2160 es la mejor por debajo de 5K; es posible que vea algunos monitores clasificados como 4D y otros como UHD, pero son esencialmente los mismos, y todos vale la pena verlos si trabaja con video y. efectos visuales.
Cosas como el brillo necesitan menos investigación. Solo asegúrese de que el monitor elegido tenga un nivel de brillo de 300 cd / m2 y una relación de contraste de 1000: 1.
Tipos de panel
Todas nuestras pantallas recomendadas tienen paneles de visualización LCD tipo IPS . IPS son las siglas de In-Plane Switching, que se refiere al cambio de patrones de sus cristales líquidos. Los cambios horizontales de estos cristales conducen a un color consistente y preciso desde todos los ángulos de visión; Además, los monitores IPS suelen llevar una luz de fondo LED, que ofrece un mejor brillo y puede durar más que una pantalla LCD o una luz incandescente.
Es mejor como creativo ignorar cualquier cosa que no sea un monitor IPS, por ejemplo, monitores TN o Twisted Nematic, que son un tipo más antiguo de tipo de panel LCD que ofrece ángulos de visión más estrechos.
La distorsión del color en los bordes de estas pantallas es un problema, agravado con pantallas más grandes; arruinado por una gama limitada de pantalla a color, es fácil ver por qué son la peor pesadilla de un diseñador. Sin embargo, son populares entre los jugadores por su alta frecuencia de actualización. La frecuencia de actualización es algo que verá mucho cuando navegue por los monitores, pero puede ignorar con seguridad, ya que esto es algo en lo que solo los jugadores estarán interesados. una frecuencia de 60Hz es su estándar máximo.
Gama de colores
Dado que hablamos de color, veamos la gama y la precisión.
Como puede adivinar, cuantos más colores haya en su salida, más garantizado tendrá una gradación de color más suave. Un panel de 10 bits puede crear más de mil millones de colores; algo más bajo, como un panel de 8 bits, tiene 64 veces menos de esa cantidad. Los monitores con resolución de alta definición utilizan colores de 10 bits para procesar sus imágenes, pero eso no significa que un monitor con pantalla de 10 bits sea automáticamente un modelo HDR. Los dos términos no son tan intercambiables como se dice, por lo que, como creativo, asegúrese de apuntar a una salida de 10 bits si desea una mejor gradación de color. Todos los monitores que recomendamos a continuación en nuestra lista son de 10 bits.
Es posible que ya lo sepa, pero la gama específica de colores que se puede representar en una foto determinada se denomina espacio de color, y los dos más comunes que ofrecen los monitores son sRGB y Adobe RGB. El primero puede representar la misma cantidad de colores que el segundo, pero la gama de colores que representa es más estrecha. Adobe RGB ofrece una gama más amplia de colores posibles (aunque la diferencia entre los colores individuales es mayor que en sRGB). La mayoría de los monitores le permiten cambiar entre los dos, junto con otros modos de color como B / N, que es útil siempre que bloquee la pantalla en Adobe RGB para el trabajo creativo. Este es el espacio de color que más necesitará debido a su cobertura más amplia, por lo que debe estar atento a una alta tasa de Adobe en comparación con una sRGB cuando revise las especificaciones.
Otro espacio de color en el que puede configurar algunos monitores es DCI-P3, pero tenga en cuenta que este es un espacio de color RGB creado pensando en la proyección de películas digitales.
Precisión del color
La siguiente pregunta que deberías hacerte es si tu monitor garantiza una precisión total del color. Para hacer esto, puede buscar las palabras mágicas ‘Delta-e’ o dE. Suena bastante de ciencia ficción, pero dE es esencialmente un número que representa la diferencia entre dos colores.
Los números Delta-E se pueden usar para saber qué tan lejos está una impresión del original y qué tan efectivo es un perfil de color en particular para imprimir o realizar pruebas. Idealmente, su monitor estará calibrado a un dE de menos de tres. Para poner eso en perspectiva, sepa que no puede obtener nada con un Delta-E de cero, y que el dE del ojo humano es alrededor de uno. Sin embargo, no todos los monitores incluyen esta información en sus especificaciones, lo que puede resultar un poco frustrante.
Calibración de color
Si bien aún no podrá replicar a simple vista, se puede garantizar un nivel óptimo de precisión de color mediante el uso de un sistema de calibración de color. Esto se puede lograr mediante opciones de software o hardware.
Los sistemas con Windows 10 y superior, junto con Mac OS, tendrán herramientas integradas de calibración para que juegues, mientras que las aplicaciones en línea como Calibrize y QuickGamma ofrecen resultados más precisos. Los usuarios ocasionales pueden optar por estos, pero los resultados son puramente subjetivos a medida que calibra los colores como mejor le parezca.
Colorímetros
Teniendo en cuenta la subjetividad que acabo de mencionar, como creativo probablemente querrá invertir en la opción de hardware de un dispositivo colorímetro. Este es un dispositivo que se conecta a la pantalla y se conecta a través de USB, que luego recorre varios colores como parte del software incluido, lo que garantiza que su pantalla esté optimizada para cada parte de la gama.
El líder del mercado de hardware de calibración de color es la serie Spyder5, que se presenta en tres opciones. El más barato es Spyder5Express (£ 99 / $ 129 de Amazon), que ofrece dos configuraciones de calibración fijas y sin monitoreo de luz de la habitación. El siguiente es el Spyder5Pro (£ 114.96 / $ 129.99 de Amazon), que ofrece una gama más amplia de configuraciones en 16 opciones y tres configuraciones de luz ambiental para monitorear la luz en su habitación (todo importante, ya que la luz ambiental afecta la salida de color en la pantalla).
La opción más cara es el Spyder5Elite (£ 188.50 / $ 199.99 de Amazon), que tiene opciones de calibración ilimitadas y cinco configuraciones de luz ambiental. Una buena ventaja es que le ofrece la oportunidad de ver sus propias imágenes de usuario de ‘Antes y después’ después de la calibración en modo de pantalla completa; bueno, más grande es mejor, después de todo.
Otros accesorios y opciones
Si desea mantener la luz natural alejada de su pantalla, considere invertir en un parasol. Aunque no está tan de moda en estos días, puede ser útil para trabajar en una habitación llena de luz natural para asegurarse de ver todos los colores correctamente en la pantalla. Opte por la funcionalidad, no por la moda con estos: la capucha ideal viene en negro y forrada con terciopelo negro para garantizar que no se reflejen en su pantalla.
Hablando de función, el monitor ideal tendrá una buena variedad de puertos de video. Tendrá un puerto para HDMI; una para DVI estaría bien, pero las conexiones HDMI son más comunes. Siempre es bueno tener puertos adicionales para mayor comodidad, así que trate de evitar cualquier cosa con muy pocos agujeros.
Finalmente, desde un punto de vista estético, los monitores sin bisel o con biseles delgados se consideran los más elegantes. Cómo sabrás, un bisel es el marco de plástico que rodea la pantalla real de un monitor; pero creo que pueden ser útiles para pegar Post-Its.
Ergonomía
Si no quieres que tu monitor sea demasiado inflexible, no importa cuán asombroso sea el resultado. Esto significa que deberá verificar si un monitor tiene altura ajustable e inclinación vertical para reducir la tensión del cuello. El giro vertical es una buena ventaja; Si desea ir a la ciudad en una pieza en retrato, puede mover todo su monitor para que coincida con su pieza, en lugar de ser una pieza de retrato en una pantalla horizontal.
Dónde comprar
Por supuesto, puede encontrar monitores en todo Amazon, y los enlaces a nuestra lista de mejores monitores a continuación son principalmente del sitio. Si desea asesoría con su compra, recomendamos indagar y buscar un ejemplo de sitios donde puedes buscar estás accesorias es Color Confidence un sitio dedicado a monitores, calibradores y otros accesorios.
El mejor monitor para arte y diseño: Eizo ColorEdge CG2730 27 «
Con una cobertura 100% RGB, el Eizo CG730 se destaca en un mercado sobresaturado. Sin embargo, son los pequeños detalles los que lo convierten en un gran monitor: el bisel completamente negro, la autocalibración sensor, sus espléndidas opciones de puerto.
Sus competidores directos en el mercado serían el Dell UP2718Q del mismo tamaño (arriba), y el Lenovo ThinkVision P32u más grande (abajo). El Eizo supera a ambos por tener algo que no tienen con el sensor. También tiene un puntaje Delta-E más bajo que cualquiera de los dos.
Si deseas algo más grande con puertos Thunderbolt, el Lenovo es para usted, pero el CG730 aún se mantiene más fuerte en las especificaciones visuales esenciales: los colores resaltan, las sombras se ven geniales en Photoshop y Al final del día, eso es lo que realmente necesita como creador visual. Lea más sobre el monitor en nuestra revisión y vea cómo se compara con las pantallas de la última Macbook Pro y la iMac 27 «2017.
El mejor monitor para usuarios de Macbook Pro : Lenovo ThinkVision P32u
El ThinkVision P32u recientemente y quedamos impresionados por su estética minimalista y sin complicaciones. El bisel es delgado y un vástago simple une la pantalla a la base, lo que lo convierte en un regalo de apariencia elegante, y los colores se ven muy bien en él con su alta resolución y cobertura total de Adobe. Dicho esto, sus modos ‘Escenario’ preestablecidos están bastante mal definidos (¿alguien quiere decirnos la diferencia real entre las pantallas Professional y Vivid?)
A los usuarios que buscan una configuración de pantalla dual les gustará el puerto Thunderbolt 3 que le permite conectarse y cargar su Macbook Pro, con la opción de hacer coincidir el color del monitor con la pantalla del Pro. Una buena idea, incluso si las diferencias de especificaciones entre ambas pantallas hacen que sea difícil trabajar en ellas de manera eficiente como pantallas duales.
Con una opción Thunderbolt 3, ya puede adivinar que el P32U tiene un buen puerto de juego, incluso si carece de una opción de Ethernet. Todas sus opciones de altura y giro están ahí, e incluso puede conectar auriculares en la parte posterior.
El mejor paquete de monitores: BenQ SW320 31.5 «
BenQ es un nombre respetado en el mercado de monitores, y el SW320 se destaca como una de sus opciones de gama alta con una cobertura perfecta del espacio de color Adobe RGB, resolución 4K UHD y un Delta-E de menos de 2.
Su calibración de hardware le permite ajustar el chip de procesamiento de imágenes en el monitor sin cambiar los datos de salida de la tarjeta gráfica, lo que significa que las imágenes no se ven afectadas por la configuración gráfica, manteniéndose consistente con las versiones originales. Mientras tanto, la calibración de software es compatible con calibradores como Datacolor Spyder 4 y 5.
Dos bonificaciones de BenQ incluyen un parasol de sombra desmontable y un Hotkey Puck para cambiar entre Adobe RGB, sRGB y otros modos. Este hardware redondo se puede colocar en la base del SW320, listo para que lo gire con su manos – no más hacer clic con el mouse a través de los modos de color, en otras palabras.
Una nota adicional rápida sobre el color, ya que estamos impresionados con el preajuste avanzado de blanco y negro del SW320 y la función GamutDuo que en le permite comparar dos fuentes diferentes, por ejemplo, PC y computadora portátil simultáneamente en diferentes espacios de color, una al lado de la otra, para una comparación adicional.
Mejor monitor económico: BenQ PD2710QC 27 «
Si buscas una opción de bajo costo, el PD2710QC será más que suficiente.
Comercializado como el primer monitor USB Type-C de BenQ, el PD2710QC tiene una estación de acoplamiento USB-C incorporada, lo que brinda una excelente gama de opciones de conectividad sin tener el inconveniente de los cables y una estación de acoplamiento separada.
También hay modos de visualización interesantes como Cuarto oscuro, Animación y Diseño / Fabricación asistido por computadora (CAD / CAM) basado en ingeniería. También tiene la opción de escritorio partición, dividiendo así su pantalla en varias ventanas.
La construcción en sí es excelente, con un elegante acabado metálico gris espacial en la parte posterior y una pantalla habilitada para conexión en cadena que le permite extender la pantalla de su ordenador portátil en un máximo de cuatro pantallas.
Para redondear apagado, obtienes las consideraciones de cuidado de los ojos de BenQ, el monitor diseñado con poca luz azul, tecnología de retroalimentación sin parpadeo y una pantalla antirreflejo con acabado mate. Eso debería mantener tus ojos frescos un poco más durante el día de trabajo. y (o de noche, como sea que trabajes).
Mejor monitor ecológico: Dell UP3216Q 32 «
El UP3216Q de Dell es una opción más grande, pero a unos cientos de libras menos. Ofrece una tasa de Adobe RGB ligeramente más baja, la misma precisión Delta-E y casi la misma resolución que esa. del UP2718Q. El brillo y la relación de contraste son mucho más bajos, pero aún más que suficientes para la mayoría de los usuarios. Lo que obtienes con este modelo exclusivamente es un lector de tarjetas de medios 6 en 1 y una función de ‘Easy Arrange’ que te permite mostrar las ventanas una al lado de la otra en la pantalla.
Este modelo no se calibrará desde el principio, lo que significa que deberá confiar en su modo de color personalizado o en los ajustes realizados con una tabla de búsqueda de hardware accesible para el usuario. También puede usar el software de calibración provisto, pero para que funcione, deberá desembolsar un colorímetro compatible: el X-Rite i1Display Pro.
Quizás el mayor punto de venta son las credenciales ecológicas del monitor. Fabricado con materiales de primera calidad, el monitor está libre de productos químicos y plásticos degradables como BFR and PVC. También cuenta con un vidrio sin arsénico, un panel LED sin mercurio y un chasis hecho de más del 25% de plásticos reciclados post consumo. Una construcción respetuosa con el medio ambiente como esta es rara, por lo que esto puede darle una ventaja sobre otros competidores si está particularmente preocupado por el futuro de nuestro planeta.
El mejor monitor 5K para arte y diseño: LG 27MD5K 27 «
Esta pantalla de LG es el único modelo 5K en nuestra lista, en parte porque creemos que puede estar satisfecho con la resolución 4K, y en parte porque este modelo lo deja boquiabierto en comparación con otros de su clase.
la opción del rayo 3 es su primera ventaja, como si estuviera usando un MacBook o MacBook Pro con pantalla de la retina, a continuación, las marcas 5K para la configuración de pantalla dual perfecta (que es probablemente por qué Apple están dispuestos a empujar este modelo Mucho).
Alejándose de las opciones de conexión, hay algunas ópticas impresionantes. A pesar de que tiene un rango de Adobe RGB del 92%, todavía hay esa resolución mágica de 5120 x 2880 y un brillo de 500 cd / m², que es unos cientos más de lo que obtiene con los modelos Dell de gama alta. Si está buscando un software de calibración, busque en otro lado, pero si está comprando una pantalla 5K para trabajar, probablemente se tome en serio estas cosas como para tener una colorímetro a mano.
Todo el diseño se ve muy bien, y con sp estéreo incorporado altavoces, cámara y micrófono, obtienes lo que pagas con este.
El mejor monitor para sorprender a la multitud: Philips 499P9H 49 «Philips llama la atención
Este monitor de 49 pulgadas definitivamente hará que sus colegas se pongan celosos.
Si está buscando seriamente una manera de mantener abiertas tres o incluso cuatro ventanas minimizadas al mismo tiempo sin necesidad de una segunda pantalla, o solo dos en tamaño completo, entonces la Philips 499P9H es el modelo para usted. Pero tenga en cuenta que la pantalla no ofrece los conceptos básicos de color que todos los creativos necesitan para su trabajo, con un Adobe RGB más bajo que el Otros monitores en la lista.
La unidad en sí tiene un diseño decente y no es demasiado engorrosa de armar y administrar. Solo asegúrese de tener un escritorio que pueda acomodar este coloso panorama de monitores, y una tarjeta gráfica decente, también.
Dale un nuevo giro a este efecto de destello de lente de Photoshop tan usado (y abusado).
El filtro Lens Flare de Photoshop es un efecto que se ha usado tanto a lo largo de los años, que se ha convertido en una especie de cliché en la ilustración digital. Lo cual es una pena, ya que en la situación adecuada, puede proporcionar una poderosa mejora de iluminación a una pieza.
Afortunadamente, Fabio Sasso nos ha proporcionado un tutorial que le muestra que si tienes una idea sólida y una ejecución única, no importa si toca un efecto que ha estado sobreexpuesto durante mucho tiempo para lograr el resultado que desee.
Aprenderás a presentar variaciones interesantes sobre un tema antiguo cambiando la posición de los destellos de la lente y el uso creativo de los modos de fusión, las herramientas de pincel y el color.
Así que prepárate para volver a familiarizarse con uno de los efectos más potentes del software de imágenes digitales. Así que simplemente manténgase alejado de esas configuraciones predeterminadas .
Paso 1
Abra Photoshop y crea un nuevo documento. Agrega una nueva capa y rellénala con cualquier color. Etiqueta esta capa como ‘Degradado azul’, luego ve a Capa> Estilo de capa> Superposición de degradado. Para los colores degradados, use # 0c0c36 para el azul oscuro y # 25245e para el violeta claro.
Paso 2
Agrega una nueva capa y rellénala de negro. A continuación, vaya a Filtro> Renderizar> Destello de lente y seleccione el Tipo de lente principal de 105 mm con 100% de brillo.
Luego seleccione Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano y use 30 píxeles para el Radio. Lo último que se puede hacer con esta capa es cambiar su modo de fusión a Sobreexponer color.
Paso 3
Agrega otra capa y nuevamente, rellénala de negro. Luego, vaya a Filtro> Renderizar> Destello de lente y elija el Tipo de lente de zoom de 50-300 mm con 100% de brillo.
Repita los mismos procesos para el Desenfoque gaussiano y el modo de fusión que en el Paso 2.
Paso 4
Con la herramienta Rectángulo (U), agregue un rectángulo blanco del ancho de la página y colóquelo en el centro. Seleccione esta capa y vaya a Capa> Capas de grupo.
La capa de rectángulo estará dentro de una carpeta. Cambie el modo de fusión de la carpeta a Sobreexponer color.
Paso 5
Seleccione la capa del rectángulo y vaya a Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano. Utilice 20 píxeles para el radio. Como esta capa está dentro de una carpeta con Color Dodge, los bordes borrosos crearán un efecto de iluminación realmente interesante.
Paso 6
Agrega una nueva capa dentro de la carpeta con el rectángulo. Seleccione la herramienta Pincel (B) con un pincel muy suave y, usando blanco como color, pinte una segunda fuente de luz.
Paso 7
Repita el mismo proceso con la herramienta Rectángulo (U) y la herramienta Pincel (B) para agregar más elementos a su diseño.
Para la luz en el centro, crea algunas líneas verticales y luego ve a Filtro> Desenfocar> Desenfoque de movimiento. Use 90º para el Ángulo y establezca la Distancia en 90. Esto creará un elegante efecto de reflexión.
Paso 8
Ahora ve a Ventana> Pincel. Seleccione un pincel redondeado básico y establezca la Dureza al 0% y el Espaciado al 80%. Luego agregue otra capa dentro de la carpeta con los otros efectos de luz. Haga clic en un área cercana al centro y, manteniendo presionada la tecla Mayús, haga clic en la parte inferior izquierda para crear una línea de puntos.
Si el efecto es demasiado fuerte, ve a Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano y suavízalo un poco. Cambie la opacidad al 70%.
Paso 9
Agregue otra capa y pinte algunos puntos de luz con la herramienta Pincel (B) usando blanco para el color cerca del destello de lente grande. A continuación, vaya a Filtro> Desenfocar> Desenfoque radial. Utilice 15 para la cantidad, Zoom para el método de desenfoque y mejor para la calidad.
Paso 10
Agregue una capa encima de las demás y luego, usando la herramienta Pincel (B) con un pincel grande y suave, pinte una gran mancha rosa y dos grandes manchas azules. Cambie el modo de fusión a Luz intensa y la Opacidad al 50%.
Paso 11
Con la herramienta Elipse (U) agregue una elipse blanca. Vaya a Capa> Estilos de capa> Opciones de fusión. Cambie la Opacidad de relleno a 0, luego seleccione Sombra interior. Utilice Rosa para el color y Sobreexposición lineal para el modo de fusión. Establezca el ángulo en 90º, la distancia en 0, el estrangulador en 14% y el tamaño en 250 píxeles.
Paso 12
Agrupe esta capa en otra carpeta y hágala invisible (Capa> Máscara de capa> Ocultar todo). Seleccione la herramienta Pincel (B) y con un pincel redondeado de tamaño mediano, pinte con blanco sobre la máscara de capa para que un poco de las áreas izquierda y derecha de la elipse sean visibles.
Repite la misma técnica para crear otro reflejo de lente, pero esta vez más pequeño.
Paso 13
Ahora vamos a poner un efecto de filtro amarillo sobre todo. Vaya a Capa> Nueva capa de ajuste> Filtro de fotos. Seleccione Amarillo para el Filtro y 90% para la Densidad.
Paso 14
Seleccione todas las capas y duplíquelas, luego combine todas las capas duplicadas en una sola capa. También puede hacer esto usando un atajo de teclado (Cmd / Ctrl + Alt + Shift + E). A continuación, vaya a Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano.
Mueva esta capa para que esté debajo de la capa Filtro de fotos, luego cambie el modo de fusión a Pantalla con la Opacidad establecida en 50%.
Inspírate con los mejores artistas de personajes que encontrarás hablando en el festival Pictoplasma.
1:Jeron Braxton
El arte de personajes es divertido y, por tanto, el evento anual Pictoplasma es definitivamente una de las entradas más divertidas en el calendario creativo, y siempre se garantiza que los ilustradores, artistas y dibujantes más emocionantes trabajan en el campo hoy en día.
El evento del año pasado en su sede habitual de Berlín contó con Edel Rodríguez, los creadores de juegos ustwo y el genio del 3D Jack Sachs.
Se han comenzado a anunciar nombres para el evento de este año que tendrá lugar en mayo, incluidos Hilda creador de, Luke Pearson, la colaboradora de Wes Anderson, Félicie Haymoz, y el querido Cabeza Patata. Puedes consultar ejemplos representativos de estos increíbles artistas de personajes, comenzando con el nuevo nombre genial Jeron Braxton como presenta.
Otras selecciones incluyen interesantes creadores de Gif, talentos de juegos independientes y de realidad virtual y algunas manos hábiles para crear personajes a partir de basura vieja. Cómo puede esperar, aquí hay una gama global de talentos, formada por nombres establecidos y recién llegados emocionantes.
2:Jeron Braxton
autodidacta 3D Jeron Braxton animador explora la experiencia americana negro a través surrealistas Playstation 2 estética.
Detectamos una vibra de animación vapor wavey y punk de los noventa en su trabajo, que recuerda al extraño segmento de MTV Liquid Television, y algo así como Julian Glandery los primeros Pixar. Casualmente, Jeron y Julian han unido fuerzas en el pasado, haciendo animación de 2017 Plant Room juntos la.
Glucose, el cortometraje de Jeron que investiga la historia del azúcar como motor de la trata de esclavos, logró ganar nada menos que el Premio del Jurado de Cortometraje de Animación en el Festival de Sundance 2018.
Su tan esperado seguimiento, Octane, toca temas como la genealogía de la policía de los patrulleros esclavos fugitivos.
Encuentra el sitio oficial de Jeron aquí. Mientras tanto, las películas mencionadas anteriormente se pueden ver en la Jeron en Vimeo curiosamente, al igual que sus contemporáneos Glander y Mushbuh, Jeron también incursiona en la música, como se puede escuchar en su página de Soundcloud.
Definitivamente un artista de personajes a seguir en 2019.
3:Laurie Rowan
Un animador e ilustrador galardonado con sede en la costa sur de Inglaterra, Laurie Rowan es conocido por su imagen en movimiento comercial y trabajo de diseño de juegos para clientes y campañas de alto perfil.
Recientemente emergió con su propia marca de personajes tambaleantes, explorando la corporeidad, el ritmo y el movimiento grotescos.
Laurie opera a la vanguardia de la creatividad y la tecnología trabajando en juegos basados en HTML5 y Unity para campañas y clientes de alto perfil, incluidos BBC, Channel 4, Droga5, Disney y Google.
Recientemente llamó la atención con sus ingeniosas animaciones para los Premios Anuales ADC, como parte de su convocatoria abierta para inscripciones.
4:Félicie Haymoz
La ilustradora suiza de Brooklyn Félicie Haymoz se ha convertido en la creadora de personajes de Wes Anderson, primero en Fantastic Mr. Fox y luego en Isle of Dogs (en la foto). Todos sus diseños se han producido como elaborados títeres para películas stop motion.
Félicie también trabaja en varios proyectos comerciales, creando una amplia variedad de personajes y arte conceptual para stop motion, 3D digital y producción de animación recortada. También produce pintura y diseño gráfico para libros, revistas y carátulas de álbumes.
Los amantes de Wes Anderson pueden ver a otros colaboradores suyos que hemos presentado en el sitio a través de estas entrevistas del año pasado: la de Isle of Dogs diseñadora principal, Erica Dorn, sobre la elaboración del mundo preciso de Wes Anderson, la diseñadora gráfica de Wes Anderson, Annie Atkins, sobre el diseño del pasado y asegurando futuros talentos en el campo
5:Philippa Rice
La autora número uno en ventas del New York Times de Soppy Philippa Rice trabaja en un amplio espectro de medios, desde cómics, ilustración y animación hasta creación de modelos y crochet.
Sus otros trabajos incluyen el webcomic basado en collage My Cardboard Life y sus personajes de crochet animados en stop-motion.
Vive en Nottingham con su pareja Luke Pearson y su hija. Luke es el creador de la serie de libros para niños Hilda , más sobre él en un segundo. Su romance con Luke inventó los cuentos que se encuentran en Soppy, que comenzó como un webcomic en 2011.
Philippa usa su propia vida como la base de gran parte de su trabajo, como puedes ver en esta tira de vida deliciosamente coloreada tomada de Soppy.
6: Nikita Diakur
El cineasta nacido en Rusia es mejor conocido por sus proyectos Ugly and Fest, que han recibido muchos elogios de la crítica en festivales de cine de todo el mundo.
Su estilo característico es la simulación dinámica por computadora que abarca la espontaneidad, la aleatoriedad y el error.
Diakur imparte regularmente charlas y talleres en festivales y universidades, recientemente realizó una residencia en Q21 en Viena y es miembro de la Academia de Cine Europeo.
7: Dina Amin
Dina Admin es una diseñadora de El Cairo a la que le encanta explorar las intersecciones entre varias disciplinas.
En 2016 comenzó Tinker Friday, un proyecto de Instagram donde combinó su pasión por el diseño de productos y el stop motion para reflexionar sobre el consumismo.
dina (sic) continúa jugando, haciendo nuevos artículos a partir de lo antiguo y recientemente se expandió a Tinker Studio, donde produce videos stop motion para diversos clientes y empresas de todo el mundo.
8:Kitty Calis / Jan Willem Nijman
Los diseñadores y productores holandeses de juegos Kitty Calis y Jan Willem Nijman recientemente co-lanzaron el ahora famoso Minit, un juego de aventuras jugado en incrementos de sesenta segundos con un personaje icónico con pico (en la foto), creado con la ayuda de Dominik Johann y Jukio Kallio.
Los jugadores emprenden viajes para ayudar a personas inusuales, descubrir secretos y vencer enemigos, todo con la esperanza de levantar la maldición que termina cada día después de solo un minuto.
Con su diseño minimalista en blanco y negro, el juego se hace eco de la cultura de píxeles de las consolas.
9: Sos Sosowski
El científico loco autoproclamado de los videojuegos Sos Sosowski es el creador de Thelemite, McPixel y muchos otros juegos de los que quizás nunca hayas oído hablar.
El ex maestro de escuela se volvió irremediablemente adicto a los juegos y actualmente está en una búsqueda para crear el ‘peor’ videojuego de todos los tiempos: Mosh Pit Simulator.
Esta es una experiencia de realidad virtual sobre un mundo que está invadido por humanoides sin cerebro que intentan desesperadamente continuar como de costumbre (ir de compras, tener citas, conducir autos).
10: Cornelia Geppert
Cornelia Geppert es CEO y directora creativa de Jo-Mei Games, y responsable de todos los aspectos artísticos de su próximo videojuego de aventuras Sea of Solitude.
En este juego, el jugador controla a una joven llamada Kay mientras explora una ciudad abandonada y sumergida y su criatura para revelar por qué Kay se ha convertido en un monstruo.
Cornelia describe el proyecto como el más personal y artístico, ya que la llevó a sondear sus propios miedos y emociones.
11: Cabeza Patata
El nombre de Cabeza Patata se traduce como ‘cabeza de papa’ y sus caracteres característicos tienen cabezas muy redondas en cuellos delgados.
El estudio de ilustración y animación formado por la artesana e ilustradora inglesa Katie Menzies y el artista y animador 3D español Abel Reverter está construyendo un mundo de personajes fuertes pero divertidos con colores atrevidos y actitudes sensatas.
Sus personajes están apareciendo en todas partes, desde murales callejeros en Barcelona hasta animaciones en 3D para la Royal Society for the Arts.
Echa un vistazo a nuestra entrevista y galería de su trabajo del año pasado aquí donde hablaron sobre su serie Everyday Women, compuesta por ilustraciones estilizadas de mujeres poco convencionales.
También debería ver su trabajo como parte de esta gran campaña animada para la campaña VOW del año pasado para poner fin al matrimonio infantil.
La campaña también contó con grandes toons de I Saw John First, Kijek / Adamski, Wednesday, Caitlin McCarthy y Sacha Beeley.
12: Luke Pearson
Probablemente ya conozcas a Luke Pearson, el ilustrador y dibujante de cómics de Nottingham, mejor conocido como el creador de las Hilda novelas gráficas de.
El éxito de Hilda ha llevado a una serie animada de Netflix basada en la serie, e incluso se ha creado un juego en torno al personaje también.
Luke ha trabajado como artista de guiones gráficos en Adventure Time, ocasionalmente dibuja cómics que no son de ‘Hilda’ y también le gusta crear animaciones con su compañera, ilustradora y autora Philippa Rice (a quien mencionamos anteriormente).
13: Elenor Kopka
Elenor Kopka es una animadora e ilustradora independiente mejor conocida por sus personajes granulados, gusanos en blanco y negro y manchas en constante transformación.
Inspirándose en los fantasmas y la metamorfosis de los dibujos animados, crea sin esfuerzo cortometrajes animados, GIF y videos musicales interesantes.
Nos gusta mucho su estilo enigmático y nos fascinan los juegos surrealistas en los que ha trabajado.Ghost Coin es un pequeño juego sobre el viaje de una moneda fantasma a través de un mundo de muchas paredes y caras. Divertido, aunque todavía macabro código de vestimenta: Human te da dos minutos para vestir a un esqueleto para una fiesta.
Te explicamos las formas de hacer que tu tableta Wacom funcione mejor y más fácilmente con las herramientas de Photoshop, Intuos Pro, Intuos 5, Intuos 4, Intuos 3 Wacom, lo que brinda a los y tabletas Cintiq de son increíblemente populares en las industrias creativas diseñadores, ilustradores y fotógrafos más fluidez de movimiento y mucha más precisión en todo su procesamiento digital.
Sin embargo, asegurarse de que Photoshop y su tableta funcionen juntos a la perfección requiere algunos ajustes para adaptarse a cómo le gusta trabajar. El fotógrafo e ilustrador Tigz Rice explica cómo aprovechar al máximo su tableta Wacom cuando se usa con Photoshop.
También hay muchas funciones en Photoshop, incluidas algunas que no esperaría, que utilizan las funciones de presión e inclinación de las familias Wacom IntuosPro, Intuos 5, Intuos 4, Intuos 3 y Cintiq, así como el control táctil que se encuentra en Intuos Pro. y tabletas Cintiq. Tigz también te explica algunos de sus favoritos, dando ejemplos de cómo funcionan algunos de los tipos de pincel y cómo puede acceder a ellos y modificar la configuración para que se adapte a su propio flujo de trabajo digital.
Antes de comenzar, diríjase al sitio web wacom para asegurarse de haber descargado e instalado los controladores más recientes. Siga las instrucciones de descarga e instalación, que solo deberían tomar uno o dos minutos.
Paso 1
Comencemos con algunas de las funciones táctiles integradas en la gama Wacom Intuos y Cintiq. Si ha usado un teléfono inteligente o una tableta antes, algunos de los gestos son muy similares a los que ya conoce, cómo hacer zoom y desplazarse. También puede girar el pulgar y el índice en el sentido de las agujas del reloj o en el sentido contrario a las agujas del reloj para rotar el lienzo.
Hay 13 ‘Gestos estándar’ integrados en las gamas Wacom Intuos Pro y Cintiq que funcionan con Photoshop. Puedes encontrar una lista de ellos, junto con algunas animaciones de demostración de gestos útiles, en las preferencias de la tableta Wacom en preferencias del sistema (Mac) o Panel de control (Windows).
Paso 2
Además de los 13 gestos estándar, hay 5 gestos totalmente personalizables para que programes tus propios accesos directos de Photoshop que utilizan tres, cuatro y cinco dedos.
Estos se pueden programar con cualquier pulsación de tecla que desee, incluida una selección de prácticos atajos de Photoshop, como Stamp Visible.
Paso 3
Para aquellos de ustedes en Cintiq Companion y Photoshop CC 2014, llevarán sus habilidades táctiles un paso más allá. Para activarlo, vaya a Photoshop> Preferencias> Funciones experimentales (Mac) o Photoshop> Preferencias> Funciones experimentales (Windows) y seleccione Usar gestos táctiles.
Deberás reiniciar Photoshop antes de poder comenzar a utilizar las funciones táctiles.
Paso 4
Si cambia constantemente el tamaño de su pincel, haga clic en el botón usar siempre presión para el tamaño en la barra de opciones. Esto permite que la presión del lápiz anule el tamaño de la marca en el documento.
Un toque suave esto dará como resultado una pequeña marca, mientras que un toque firme llenará toda el área de la marca del pincel. Esta función funciona con una amplia gama de herramientas, incluidas las herramientas Pincel, Borrador, Clonar, Curar, Esquivar y Grabar. Simplemente establezca el tamaño máximo de su pincel en el panel Pinceles y su pincel nunca se hará cargo de su trabajo.
Paso 5
De manera similar, si siempre cambia la opacidad de su pincel, haga clic en el botón ‘Usar siempre presión para opacidad’ para tener el mismo efecto en la opacidad de su herramienta.
De hecho, ¿por qué no probar los dos botones de presión juntos? Estos dos íconos son excelentes herramientas para los artistas digitales que intentan replicar marcas dibujadas a mano, que varían en ancho y presión.
Paso 6
Sobre el tema de las marcas dibujadas a mano, desde Photoshop CS5 en adelante, Adobe presentó Bristle Tips. Cuando se combinan con un Wacom Intuos Pro o Cintiq, estos simulan el movimiento de un cepillo de la vida real.
Con un mouse, estos no parecen hacer nada especial, pero la tableta Wacom detecta la dirección en la que el lápiz se acerca a la tableta e inclina el pincel en consecuencia para reproducir el ángulo.
Puedes elegir entre una variedad de tipos de pincel, incluidos pinceles puntiagudos, romos, angulares y en abanico. Hay algunos ejemplos de lo que puedes lograr con un lápiz, en comparación con usar la misma configuración con un mouse.
Consejo: si ha invertido en un bolígrafo Wacom Art, también puede mejorar la rotación del bolígrafo. Esto le permite girar el «cepillo» 360 grados completos sobre la función de inclinación.
Paso 7
Desde CS6 en adelante, Adobe también introdujo Erodious Brushes. Estos funcionan exactamente de la misma manera que los pinceles de cerdas, pero con la excepción de que se desgastan como un lápiz o una tiza cuando se usan, cambiando el tamaño, la textura y la forma de las marcas a medida que el medio se embota.
Puedes elegir entre una variedad de formas de punta, así como configurar la suavidad de la punta para controlar qué tan rápido se desgasta.
Estos cepillos se pueden ‘restablecer presionando el botón’ Afilar punta ‘en el Panel de cepillos.
Paso 8
Si eso no fuera suficiente para ti, también hay una gama de aerógrafos controlados por Wacom disponibles, donde puedes controlar todo, desde el ángulo del aerógrafo hasta el tamaño y la cantidad de salpicaduras de pintura.
Estos pinceles son particularmente buenos para cielos estrellados. un par de ejemplos de técnicas de pincel que puede lograr con su Wacom.
Paso 9
Por otro lado, si estás utilizando una tableta Wacom pero desea fijar el ángulo en el que está trabajando su pincel para un proyecto en particular, puedes establecer anulaciones para X Tilt, Y Tilt, Rotación y Presión en la sección Brush Pose del panel Pincel.
Paso 10
Otro de mis efectos de pincel favoritos es Color Dynamics, que le permite hacer la transición entre los colores de primer plano y de fondo mientras dibuja.
Simplemente elija sus dos colores y luego, en el submenú Dinámica del color del Panel de pincel, elija entre Presión del lápiz o Inclinación del lápiz. Finalmente, marque la casilla de verificación aplicar por propina y estará listo para dibujar, este efecto es ideal para sombrear superficies.
Paso 11
Después de haber jugado con la dinámica del pincel y tener una idea de cómo funciona su tableta, es posible que desees personalizar la sensibilidad a la presión de su tableta para requerir más o menos presión del lápiz (dependiendo de su estilo de trabajo).
Vuelve al panel de preferencias de la tableta Wacom y haga clic en el icono del lápiz. En el puede cambiar el Tip Feel de suave a firme.
Paso 12
También puedes personalizar la curva de presión si desea ser realmente preciso.
Paso 13
En este panel de preferencias de la tableta Wacom también podemos establecer preferencias para zurdos y diestros. Primero, haga clic en Opciones en la parte inferior y elija su ‘Mano’.
Paso 14
Luego, diríjase al submenú Mapeo y elija la orientación de sus ExpressKeys. Las personas zurdas suelen tener sus ExpressKeys a la derecha, por lo que pueden acceder a ellas con la mano que no dibuja.
Paso 15
Para los amantes de los accesos directos, todas las tabletas Wacom vienen con varias ExpressKeys en un borde, que le permiten programar más de sus accesos directos favoritos. Estos también se pueden configurar por paquete de aplicación, por lo que puede tener un conjunto para Photoshop y otros separados para (por ejemplo) Illustrator o Lightroom.
Lo que hacen las ExpressKeys se puede configurar en el panel de Preferencias de Wacom yendo al menú Funciones y eligiendo de los menús desplegables o escribiendo sus propias pulsaciones de teclas.
Paso 16
Si eres un amante de los accesos directos y te quedas sin ExpressKeys, todos los modelos Wacom Intuos Pro y Cintiq ofrecen la opción de crear tu propio menú radial, donde puedes agregar una gran cantidad de accesos directos y submenús en una ExpressKey.
Esta función es particularmente útil para cualquier persona que trabaje en el Cintiq Companion mientras está de viaje o en un espacio de trabajo reducido donde es posible que no tenga acceso a un teclado.
Paso 17
Finalmente, si ha olvidado en qué configuró todas sus ExpressKeys, la Intuos Pro tiene una práctica función de visualización frontal. Simplemente coloque el cursor sobre las ExpressKeys en este cuadro translúcido aparecerá en su pantalla para informarle en qué está configurada cada tecla.
Hemos estado usando el último iPad Pro de Apple durante aproximadamente un mes, por lo que esta revisión se ha actualizado con lo que hemos descubierto.
El iPad Pro de 2020 es una modesta actualización del modelo de 2018, y el nuevo rendimiento que ofrece se centra más en la preparación para el futuro que en afectar su vida cotidiana ahora. Cuenta con algunas características nuevas en gran parte irrelevantes, y la verdadera innovación está, de todas las cosas, en un accesorio que funcionará igual de bien con el modelo anterior. Pero aún así, el iPad Pro sigue siendo la tableta elegida por artistas y diseñadores; ya estaba tan por delante de la competencia que es posible que haya poco que mejorar en esta etapa.
Si tienes un iPad Pro 2018, no hay nada que ver aquí. Ya sea que estyé mirando el modelo de 11 o 12,9 pulgadas, nuestra unidad de revisión de Apple fue el modelo más grande, desde el exterior, solo hay una forma de notar la diferencia, que veremos más adelante. Detrás de la pantalla hay un nuevo chip: el A12X Bionic, que reemplaza al A12 Bionic con lo que es esencialmente el mismo procesador central pero una GPU mejorada.
Esto significa que cuando se comparó con un punto de referencia sintético como Geekbench, no vimos ningún cambio real en el rendimiento de la CPU, pero un 8% mejor en su prueba de GPU. Sin embargo, esto no hace una diferencia real en el uso: el iPad Pro 2018 no cruje cuando se trata de archivos de Photoshop muy complejos y el 2020 tampoco.
Incluso Apple es consciente de que el rendimiento mejorado es más para que los desarrolladores lo aprovechen en el futuro, en lugar de impulsar las aplicaciones de la generación actual.
La nueva cámara trasera tiene un diseño cuádruple similar al que se encuentra en la generación actual de iPhones de Apple. La calidad es excepcional, aunque todavía tienes que lidiar con el hecho de que cualquiera que use un iPad para fotografiar sin una buena razón debería ser expulsado de la ciudad con horquillas en llamas por cometer delitos con los codos sobresalientes empujando a los transeúntes y compañeros turistas. (Las buenas razones, por supuesto, incluyen no poder pagar un teléfono con una gran cámara y un iPad, o cualquier impedimento que le facilite sostener algo del tamaño de un iPad).
La cámara frontal tiene una resolución relativamente baja para selfies, pero sigue siendo lo suficientemente buena como para mostrar lo elegante que te ves en tu próxima videollamada de FaceTime / Zoom / Teams / Meet, etc. El iPad Pro tiene cinco micrófonos y cuatro altavoces, por lo que la calidad del audio durante las llamadas es nítida tanto en lo que usted como los demás escuchan. La calidad de sonido al reproducir música y películas también es excelente para una tableta, no en parte con la MacBook Pro, por ejemplo, pero lo suficientemente buena como para que no sientas la necesidad de conectarla a un altavoz separado cuando estés en tu escritorio.
Un truco ingenioso, si no nuevo, es qué altavoces hacen qué cambios dependiendo de en qué dirección tenga el iPad, por lo que, ya sea que lo estés usando en modo horizontal o vertical, escucharás los graves en los cuatro altavoces, pero los sonidos de rango medio y de alta frecuencia provienen de los altavoces superiores para una experiencia de audio más placentera.
La cámara también incluye un sensor LIDAR, que la convierte en un escáner 3D que funciona en tiempo real, lo que permite que el iPad combine información en vivo sobre el mundo que te rodea con análisis y datos externos. Esto habilita algunas aplicaciones increíbles, desde aplicaciones médicas que permiten a los médicos ver y analizar cómo se mueven sus extremidades hasta aplicaciones de diseño de interiores como IKEA. Sin embargo, para lo que no es realmente útil es para la creación de contenido: el iPad es demasiado pesado para sostenerlo durante largos períodos de tiempo con una sola mano. Si deseas esculpir, construir o jugar en el mundo real durante más de un par de minutos, deberás esperar a que las gafas y las aplicaciones de AR se pongan al día con la realidad virtual.
Junto a este nuevo iPad Pro, también debuta el Magic Keyboard para iPad , que funciona tan bien con el iPad Pro 2018 como con el nuevo modelo. Y, oh, esto hace que escribir en el iPad sea una experiencia completamente diferente a la del Smart Keyboard Folio que fue el compañero principal de la generación anterior.
El Smart Keyboard Folio Keyboard (izquierda) y el nuevo Magic Keyboard (derecha)
El Smart Keyboard Folio es similar a los teclados delgados que obtienes con tabletas como Surface Pro de Microsoft, con teclas de goma que están bien para correos electrónicos cortos y breves, pero yo no querría escribir algo de la longitud de esta revisión en él. El Magic Keyboard se siente, y funciona, más como el teclado de una computadora portátil.
Las teclas son grandes y se sienten sensibles al escribir: tienen mucho «recorrido», es decir, qué tan profundo caen cuando las presionas. Esto hace que la mecanografía sea sin esfuerzo. No son tan cómodos como la última generación de MacBook Pro o un teclado verdaderamente de primer nivel como las teclas MX de Logitech, pero me encantaría pasar todo el día escribiendo en él.
El Magic Keyboard también cuenta con un pequeño trackpad, que funciona con el soporte de cursor agregado a iPadOS 13.4. Inicialmente, sospeché que la compatibilidad con el trackpad / cursor estaba dirigida principalmente a los usuarios de iPad Pro que no tenían un lápiz, por lo que artes digitales no eran lectores, pero hay momentos específicos en los que usar el trackpad es mucho más rápido y fácil que tomar el lápiz. seleccionar lo que desea, luego dejarlo y volver a escribir. La selección de texto al escribir es el ejemplo más obvio aquí, pero lo encontré muy útil tanto en hojas de cálculo como en aplicaciones de diseño de página como Affinity Publisher.
El trackpad tiene un tamaño pequeño, útil en movimiento, pero si fuera a usar mucho el soporte del cursor, le recomendaría usar un mouse (nuevamente, miraría la gama MX de Logitech aquí).
Al igual que con el Folio, el Magic Keyboard se adhiere magnéticamente a la parte posterior del iPad Pro, sobresaliendo hacia atrás con bisagras en direcciones opuestas para sostener el propio iPad. La principal diferencia aquí es que la bisagra inferior del Magic Keyboard es mecánica, y soporta el iPad de modo que se cierne sobre el resto del teclado, mientras que el Smart Folio se basó en ranuras sobre el teclado para apoyar el iPad. El resultado final es algo que es muy elegante pero también tiene beneficios prácticos, ya que puede ajustar el ángulo de la pantalla del iPad en un grado mucho más fino que con las dos opciones de posición del Folio.
Los fanáticos de Apple también estarán encantados de que la parte del Magic Keyboard que se adhiere a la parte posterior del iPad muestre con orgullo un logotipo de Apple en relieve, lo que no hizo el Folio.
La bisagra inferior también cuenta con un puerto USB-C que le permite cargar el iPad Pro. Técnicamente, puede hacer esto más lentamente que si conecta un cable de carga en la ranura habitual del iPad, pero eso solo importa si ha actualizado su paquete de energía. El puerto del Magic Keyboard admite una carga de hasta 22W, mientras que el adaptador de corriente en la caja del iPad Pro es de 18W. Si usa un cargador más potente, por ejemplo, el cargador de 30 W de Apple, obtendrá hasta 30 W al enchufarlo directamente.
La ventaja de usar el teclado es de nuevo tanto estética como práctica. Tener su cable de carga a lo largo de su escritorio o mesa es mucho más agradable de ver que sobresalir en el aire, pero también convierte el teclado en una base donde puedes dejar tu iPad Pro en ‘modo portátil’, con eso puedes agarrarlo rápidamente y el lápiz para sentarse y dibujar en tu regazo y luego regresar rápidamente.
Es posible dibujar usando el iPad Pro en ‘modo portátil’, donde lo usas casi como un caballete. Sin embargo, tus brazos y muñecas tendrían que estar contentos con la pantalla en un ángulo casi vertical; no puedes inclinarla hacia un ángulo más bajo similar a una mesa de dibujo de lo que muchos artistas encontrarían más cómodos para dibujar.
El lápiz es el mismo que se lanzó junto con el modelo 2018, lo que no es una queja, ya que sigue siendo uno de los mejores estilos. Algunos artistas y diseñadores preferían la mayor sensibilidad a la presión, el control de rotación, los botones y el ancho del Wacom Pro Pen, que funciona con la propia tableta MobileStudio Pro de Wacom, pero en mi opinión, el Apple Pencil se siente mejor en la mano. Contra otros estilos, como el Microsoft Surface Pen, el lápiz es como un rotulador Rotring para el bolígrafo de marca propia del supermercado de los demás.
Lo mismo es cierto para el iPad Pro: la única razón por la que elegiría Surface Pro en lugar de iPad Pro es que muchas aplicaciones de diseño, video y animación no existen en el iPad (Adobe XD e InDesign) o existen en el corte. -Abajo formularios (Premiere Rush). El enfoque torpe de iPadOS para los archivos, carpetas y especialmente mover archivos entre aplicaciones es una de las pocas áreas en las que Windows lo hace mejor, y trabajar con almacenamiento en línea de terceros, ya sea Dropbox, Google Drive o OneDrive, puede ser una molestia.
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