La Mac Pro de Apple, Mac Pro review

La Mac Pro de Apple, Mac Pro review

La Mac 2020 es una estación de trabajo de escritorio de tan alto rendimiento, Apple lanzó la tan esperada Mac Pro en su show de la WWDC en junio del año pasado, pero no se envió hasta diciembre. La losa de aluminio plateado marca un regreso para Apple al extremo más alto de la creatividad de escritorio: es una estación de trabajo destinada a la postproducción de video, animación y efectos visuales que está varios niveles por encima de donde se colocó el modelo anterior de ‘papelera’ , con un diseño que se remonta al escritorio en bloque que lo precedió.  

Los puntos de referencia convencionales no revelarán lo suficiente sobre el verdadero rendimiento de una estación de trabajo como esta, por lo que para una evaluación del mundo real de lo que es capaz de hacer la nueva Mac Pro, nos comunicamos con una de las primeras empresas creativas en el Reino Unido para obtener su manos en un modelo – y utilizarlo en un proyecto de alta gama para un cliente.

«Lunar Animation fue fundada en 2014 por tres artistas que en conjunto tenían 30 años de experiencia en la industria de la animación», dice el director James Rodgers. «El estudio se especializa en animación CG y creamos contenido para varios sectores diferentes, desde avances de videojuegos hasta comerciales, efectos visuales para largometrajes, contenido de atracciones para parques temáticos y recientemente una serie animada».

«Desde que comenzamos el estudio de animación en 2014, toda nuestra cartera se ha basado en Mac. Sin embargo, en los últimos años ha sido más desafiante de lo que nos hubiera gustado. Con cada vez menos actualizaciones de hardware y las limitaciones de la papelera Mac Pro , las cosas ciertamente se veían sombrías. 

«Afortunadamente, en 2017, Apple anunció el iMac Pro, que ha sido nuestra principal máquina de producción de estudio para todos los artistas. Ahora que el nuevo Mac Pro ya se encuentra a la venta y estamos muy emocionados de ver cómo evolucionará nuestro estudio «.

James dice que Lunar siempre ha sido un estudio basado en Mac debido a la confiabilidad de la plataforma y el nivel de soporte, la calidad de las pantallas y que el hardware conserva su valor a lo largo del tiempo.

«Cuando iniciamos el estudio, nos tomamos el tiempo para pensar en cómo queríamos que nuestro estudio permitiera a los artistas hacer lo que mejor saben hacer», dice James. Intentamos olvidar cómo funcionan la mayoría de los estudios y cómo se han hecho las cosas antes e imaginar un escenario en el que creamos el mejor entorno posible para hacer nuestro mejor trabajo. En última instancia, usamos nuestra experiencia previa para tomar la mejor decisión que era adecuada para nosotros y, seré honesto, es una decisión que no es una práctica estándar en el mundo de la animación por computadora de alta gama.

«Antes de comenzar el estudio, los otros dos directores de la compañía y yo habíamos trabajado en otro lugar y soportamos el uso de PC y las molestias que traían consigo. Las constantes pantallas azules de la muerte, tener que reiniciar al comienzo del día para garantizar que la máquina funcionara funciones y problemas continuos de controladores relacionados con las actualizaciones. Queríamos dejar de ser los técnicos y centrarnos en lo que estamos aquí para hacer: crear animación por computadora.

James también describe la estética de esas PC como «una monstruosidad», que no se ajusta a la marca que quiere transmitir a su equipo o clientes.  

«Como somos un diseño guiado por la naturaleza, queríamos asegurarnos de que el espacio que creamos para nuestros artistas refleja el trabajo que están tratando de crear», dice. «Si alguno de nuestros clientes visita el estudio, puede confiar en nuestra ética de diseño porque no es solo lo que creamos usando una computadora, sino el entorno en el que nos rodeamos».

Así que desde aquí se lo pasaremos al equipo de James. para hablar sobre su experiencia con Mac Pro.

El Mac Pro 2020 se encuentra con Jumanji

«Cómo nos especializamos en animación por computadora, pensé en aprovechar la oportunidad para enumerar algunos de los software que usamos, lo que le dará una idea de las formas en que hemos estado probando la nueva máquina: Autodesk Maya, V-Ray, Houdini, Nuke, DaVinci Resolve, Photoshop y Adobe Substance Painter».

Como referencia en este artículo, las estaciones de trabajo iMac Pro estándar que utilizan nuestros artistas son las siguientes: procesador Intel Xeon W de 10 núcleos a 3,0 GHz, memoria ECC DDR4 de 64 GB a 2666 MHz, SSD de 1 TB, Radeon Pro Vega 64 con 16 GB de memoria HBM2.

Mac Pro

Entonces, lo principal que buscábamos era la capacidad de actualización, que la última Mac Pro no tenía y no es algo que se pueda hacer fácilmente en la iMac Pro, por lo que a medida que continuamos ampliando los límites de lo que es posible, podemos agregar más RAM , mejores tarjetas gráficas sin tener que reemplazar toda la máquina. También estábamos buscando una nueva pantalla que obtuvimos en forma de Pro Display XDR.

Primeras impresiones 

La nueva Mac Pro, la nueva Mac Pro es mucho más llamativa de lo que pensábamos, e inmediatamente notas el peso de la máquina en cuanto intentas levantarla. En cuanto al tamaño, no es tan grande como cabría esperar y puede caber cómodamente en el borde de un escritorio para que no tenga que sentarse en el suelo.

Especificaciones del Mac Pro

El Mac Pro que recibimos era un modelo de nivel medio, lo que lo hace excelente para las pruebas: procesador Intel Xeon W de 16 núcleos a 3,2 GHz, 192 GB (6 x 32 GB) de memoria DDR4 ECC, dos Radeon Pro Vega II con 32 GB de HBM2 memoria cada uno, 4 TB de almacenamiento SSD y una tarjeta Apple Afterburner.

También recibimos el nuevo Pro Display XDR junto con el Pro Stand.

Colocar el Mac Pro en un proyecto real

Tan pronto como configuramos nuestra nueva máquina, hicimos las pruebas obvias que implicaban ejecutar Geekbench junto con todas las otras pruebas de hardware que puede tener en sus manos. 

Una vez que hicimos eso, vimos cómo podíamos usar la máquina para la animación para probar un montón de aspectos diferentes y tuvimos el proyecto perfecto.

El momento de recibir la máquina no podría haber sido mejor ya que el estudio estaba a punto de comenzar a trabajar en la nueva película de, JumanjiJumanji: The Next Level. Nuestro cliente nos encargó la tarea de Roger en Los Ángeles Crear Main on Ends (MOE), esencialmente los créditos animados finales de la película.

Este fue un proyecto y una oportunidad fantásticos para nosotros como estudio e involucró una serie de aspectos desafiantes que puede esperar al trabajar en una función.

El proyecto tenía que ser fotorrealista y había 28 paneles únicos para los créditos, cada panel presentaba al menos un accesorio relacionado con la película. Esto se distribuyó en una secuencia de dos minutos.

El proyecto se haría con un solo movimiento de cámara y también había efectos climáticos para crear. Todo esto tenía que hacerse en un plazo de cuatro semanas. Para cualquiera que se pregunte, cuatro semanas no es mucho tiempo.

No solo dos minutos son mucho tiempo, sino que 28 objetos fotorrealistas de alta resolución, cada uno con una gran cantidad de texturas y geometría de alta resolución, pueden comenzar a causar problemas. Una de las cosas inmediatas que notamos tan pronto como comenzamos la etapa de animación en un iMac Pro, es que estábamos luchando por colocar todos los activos en una escena con todos sus mapas de textura de alta resolución sin quedarnos sin RAM de gráficos.

La Mac puede sujetar la resolución de las texturas en la escena y el problema desaparece. Sin embargo, esto está bien para trabajar con la escena, pero debido a que sujetar las texturas se encuentra en toda la escena, nuestro mapa Jumanji 8K se convirtió en una resolución mucho más baja. Esto se convirtió en un problema mayor para nosotros cuando enviamos las actualizaciones del cliente para su aprobación. La única otra opción sería renderizar todo, pero estábamos enviando actualizaciones a diario, por lo que esta no era una opción.

Luego pasamos al Mac Pro.

Con los problemas de textura que encontrábamos en el iMac Pro, abrimos la misma escena en el Mac Pro y todas las texturas se cargaron completamente bien. Esto tiene sentido, ya que hay el doble de memoria gráfica para texturas (32 GB en lugar de 16 GB). Luego nos sorprendió ver que se estaba reproduciendo en tiempo real sin almacenamiento previo en caché, porque incluso con texturas fijadas en el iMac Pro, no obtuvimos 24 fps consistentes durante la reproducción.

Luego desbloqueamos el límite de 24 fps en la reproducción y obtuvimos velocidades de hasta 134 fps. Esto nos permitió revisar, cambiar y obtener una vista previa de todo a la velocidad del rayo, evitando la necesidad de crear texturas y modelos proxy, y pudimos trabajar con el contenido directamente.

Hemos capturado esta actuación a continuación. Una cosa a tener en cuenta al respecto es que todo el contenido se carga a través de una red con Ethernet de 10 GB que viene con la Mac Pro de serie. 

Renderizado en Mac Pro

Mientras estábamos trabajando en el proyecto, estábamos ansiosos por ver el potencial de renderizado. Ahora, para dejar de lado el aspecto de la representación de la GPU, que estamos ansiosos por probar en la máquina tan pronto como se lance RedShift que se ejecuta en Metal, solo pudimos ver el potencial de la CPU.

Mac pro

Nuestras iMacs estándar son máquinas con CPU de 10 núcleos y son increíblemente rápidas, pero la CPU de 16 núcleos en una Mac Pro obviamente ejecutará el proceso más rápido. Hemos grabado un video aquí para que pueda ver la diferencia y para que no se aburra, lo hemos acelerado:

Entonces, como se esperaba, el Mac Pro está renderizando la imagen en el 70% del tiempo del iMac Pro, registrando un poco más de 26 minutos y el iMac pro llegando a casi 37. Hubiera sido realmente interesante ver cómo el 16 -core Mac Pro sería justo contra el iMac Pro de 18 núcleos.

Simulación de efectos en Mac Pro

El proyecto Jumanji requería una simulación de vapor realista, y debía ser renderizado y compuesto sobre el café.

nuevamente, estábamos ansiosos por ejecutar esto en la Mac Pro, ya que las simulaciones necesitan múltiples iteraciones que implican ejecutarlas y ajustarlas una y otra vez. Cuanto más rápido se pueda hacer esto, más rápido podrá obtener la configuración correcta y el resultado final.

Lo interesante aquí es que en una versión reciente de Houdini, ahora puede usar la GPU adicional como acelerador para la simulación. Hemos realizado una prueba en un iMac Pro para demostrar cuánto más rápido fue utilizar el Mac Pro para esta parte de la producción.

¿Cuánto puede hacer todo al mismo tiempo?

Mientras trabajábamos en la Mac Pro, iniciando simulaciones, editando y animando, una cosa quedó clara. Es notablemente mejor para hacer frente a la ejecución de varias aplicaciones a la vez. Así que tomamos algunas de estas aplicaciones y les pedimos que hicieran lo siguiente:

  • Maya: reproduce la Jumanji escena de animación dea 24 fps.
  • V-Ray: renderiza una imagen de la película en Maya.
  • Houdini: Simular Steam
  • DaVinci Resolve: Reproducir el archivo ProRes completo de los títulos finales.
  • Photoshop: Guarde un archivo PSD de 2.4GB del Jumanji mapa.

Queríamos capturar esto para demostrar cómo es trabajar con todas estas aplicaciones ejecutándose al mismo tiempo. Es importante tener en cuenta en este video que cuando cambiamos de pantalla, parece que pierde fotogramas, pero puedo asegurarle que no es así y debe ser el software de flujo de pantalla que usamos para grabarlo. Hemos resaltado los fotogramas por segundo en la reproducción de la escena de animación para que pueda ver que es lo que estamos obteniendo.

El hecho de que sea posible ejecutar una simulación y renderizar una escena mientras se puede revisar y editar la animación, realmente muestra el potencial para un usuario profesional. Esta capacidad realmente nos dejó boquiabiertos.

El verdadero cambio de juego es el Pro Display XDR.

Cuando usamos el nuevo hardware de Apple para crear el Jumanji proyecto, el Mac Pro nos ayudó a evitar algunas dificultades técnicas y hacer todos los aspectos más rápido. Pero el nuevo Pro Display XDR nos dio una capacidad que antes no teníamos en el estudio.

Nos proporcionó una representación visual increíblemente precisa del contenido que estábamos creando. El Pro Display XDR nos permitió cambiar al espacio de color DCI-P3, que es un espacio de color de calidad cinematográfica para largometrajes. Nos permitió ofrecer algo en lo que estábamos realmente seguros; esencialmente, significaba que ahora teníamos un monitor de referencia en el estudio.

Como un estudio más pequeño sin £ 30k para colocar en un monitor, nos ha permitido ver exactamente cómo se veía el producto final tal como estaba previsto para el cliente. Como nuestros productos finales eran archivos EXR, teníamos el rango para ver más allá del brillo máximo de una pantalla iMac estándar.

Saber que nuestros archivos finales eran precisos nos ahorró el costo de gastar dinero para alquilar una instalación para verificar los archivos, lo cual, honestamente, no tuvimos tiempo de hacer debido a los tiempos de entrega ajustados.

Esta es ahora una herramienta invaluable que usaremos en todos los proyectos en el futuro.

Veredicto

Entonces podemos decir con seguridad que Mac Pro y Pro Display XDR nivelaron (disculpe el juego de palabras) lo que pudimos hacer dentro del plazo que teníamos en el proyecto Jumanji. Como una escena de animación única complicada, pudimos ver la secuencia en tiempo real con los recursos de resolución completa y sus texturas. Podríamos hacer correcciones y cambios rápidamente, y ahorrar una explosión de reproducción para mostrarla al cliente (ahorrando a 139 fps).

Podríamos ejecutar nuestras simulaciones y renderizar fotogramas más rápido. Para hacer esto aún mejor, pudimos hacer todas estas cosas al mismo tiempo y con el Pro Display XDR, pudimos asegurarnos de que nuestros entregables finales fueran una representación precisa de lo que queríamos enviar al cliente.

A continuación, mientras esperamos que el software de terceros integre aún más Metal y admita el nuevo hardware y el sistema operativo reciente, probaremos el rendimiento de la animación de personajes en Maya y cómo la máquina afectará el flujo de trabajo de un animador.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

31 Consejos para el diseño de patrones repetidos

31 Consejos para el diseño de patrones repetidos

Los ilustradores y diseñadores destacados discuten sus técnicas para crear hermosos patrones utilizando su elección de Photoshop, Illustrator, bolígrafos, pinturas o lápices.

Yehrin Tong (Reino Unido)

Yehrin Tong crea patrones hipnóticos e ilustraciones tipográficas ganó el premio V&A Book Cover Illustration Award en 2015 por su portada de The Book of Strange New Things.

«Estudié diseño gráfico en Central St Martins, pero la mayor parte de mi aprendizaje fue después de la universidad a través de proyectos en los que trabajé para amigos. Tuve la suerte de encontrar trabajo en proyectos comerciales que ayudaron a armar un folio. Uno de ellos fue crear algunos patrones para una marca de ropa de calle llamada Maharishi. Uno de los primeros patrones que diseñe todavía está siendo utilizado por diferentes compañías en varios productos, lo cual es tranquilizador».

Yehrin Tong

«Disfruto del diseño de patrones por la misma razón por la que encuentro divertidos los rompecabezas, hay algo realmente satisfactorio y hermoso en encontrar el orden en el caos».

Se extiende desde ser un fanático del diseño desde la década de 1920 hasta, más recientemente, amar la naturaleza gráfica del arte indígena.

Al crear patrones, recuerde alejarse y tener una idea de la vibra general del patrón y lo que otras personas extraen de él cometí el error de entrar en detalles elaborados solo porque disfruté usando una técnica. Es fácil dejarse llevar y terminar con un desenfoque gris por demasiados detalles. A veces es mejor mantener las cosas simples y limpias.

Piensa en la fluidez de la pieza, debe fluir de manera rítmica y su ojo debe poder seguirlo fácilmente. Intento tejer una pieza tanto como sea posible para que se vea perfecta.

Intento tener una idea de cómo se verá un patrón en un producto final. Hay muchas aplicaciones 3D que te ayudarán a visualizar esto. Lo que se ve muy bien plano en su pantalla bien podría ser un fracaso una vez que se convierte en una bolsa o se envuelve alrededor de una botella.

En los últimos meses, disfruté mucho trabajar con la directora de arte Hannah Wood en una serie de portadas de libros para el 40 aniversario de Virago Modern Classics. Fue muy desafiante, ya que supuse que querían patrones de repetición sencillos, pero en realidad también querían un diseño que enmarcará sus cuadros de texto.

Fue una lucha encontrar la manera de que todos los patrones se adaptaran al diseño. A pesar de lo desafiante que fue, realmente disfruté trabajar en él por esa razón y creo que el set parece único para él. Me dieron rienda suelta para hacer lo que quisiera dentro de la plantilla, así que la usé como una oportunidad para probar diferentes enfoques para la creación de patrones para cada libro. El resultado es ecléctico pero claramente mi estilo.

El proyecto de patrones más difícil en el que he trabajado fue para Bombay Sapphire. Se esperaba que produjera una imagen detallada que representara su campaña “Infundida con imaginación” hecha de solo cinco tamaños de puntos. Fue reproducido como una enorme escultura usando cinco tamaños diferentes de cristales, así que tuve que ser increíblemente preciso. Era como producir joyas a gran escala.

Dan Funderburg (EE. UU.)

Dan Funderburgh es un ilustrador y diseñador de papel tapiz con sede en Brooklyn para el estudio Flavor Paper. Los papeles pintados se han presentado en el Museo de Arte y Diseño y forman parte de las colecciones permanentes del Museo Cooper-Hewitt y Brooklyn.

«Mi trabajo en indumentaria requería que aprendiera a hacer patrones para textiles. Primero me enamoré del camuflaje, sus increíbles variedades. Esto llevó a estampados florales y botánicos y luego a paislies y damascos. Me di cuenta de que hacer una repetición para una sudadera con capucha era genial, pero quería algo más grande y más permanente. Tuve la suerte de encontrarme con Flavor Paper, una impresora de papel tapiz que comparte mi afinidad por el arte mural hermoso y extraño». Dan Funderburg (EE. UU.)

No sé exactamente por qué me encanta el diseño de patrones, quizás la juventud que pasé haciendo graffitis terribles me hizo apreciar la idea de ocupar un espacio. 

Diseñar papel tapiz lo permite. El patrón se convierte en el entorno: puede expandir y alterar un espacio, pero en este caso legalmente y con suerte con la estética y la consideración que el espacio merece.

Lo que tengo que recordar constantemente es recordar la escala de la pieza terminada. Odio desperdiciar papel, pero es una necesidad total tener una muestra física para sostener o pararse al lado.

Respeta el espacio negativo. Muchos de nosotros sentimos la compulsión de llenar hasta el último centímetro, pero el espacio para respirar es bueno. Especialmente si está haciendo un papel tapiz para un espacio habitable. Puede volverse claustrofóbico.

Cuando te quedas atascado, la respuesta suele ser mirar el arte de otras personas.

Encuentro inspiración en la historia del arte decorativo en todas sus formas. No es necesario que sea antiguo u oscuro. Libros sobre ornamentación, Libros sobre textiles, El Museo Metropolitano, los detalles arquitectónicos de los edificios. Me encantan los motivos desiguales y contradictorios que ves en cada esquina de la ciudad.

El hotel Wythe me encargó la creación de un papel tapiz basado en la historia del edificio. Siguen siendo uno de mis clientes favoritos porque me dieron el tiempo y la libertad para construirlo exactamente como me pareciera conveniente.

«Terminé pasando casi seis meses y diseñando tres patrones diferentes, uno para cada iteración del edificio, primero alrededor del cambio de siglo era una tonelería, en los años 40 fabricaba ropa y cuerdas para barcos, y actualmente es un hotel elegante en el norte de Brooklyn». Dan Funderburg (EE. UU.)

«Probablemente he bloqueado de mi memoria los proyectos más dolorosos. Sí sé que cada vez que intento ilustrar un toile de jouy termina volviéndome un poco loco tratando de imitar los papeles pintados de estilo grabado. Ahora soy un poco mejor en eso, pero todavía significa que no puedo dormir. Simplemente no hay filtro, no hay sustituto para poder dibujar realmente bien, y es una batalla perdida comparar uno mismo con los grabados de los maestros del siglo XIX». 

Dan Funderburg (EE. UU.)

Lotta Kühlhorn (SE)

Para crear un patrón repetitivo llamativo, primero dibuje una variedad de motivos y formas a mano. No tengo una caja de luz, en su lugar utilizo dos bolígrafos de diferentes grosores y un bloc de papel de dibujo transparente del tamaño de una carta para trazar formas y motivos directamente de mis fotografías.

«Solo trazó los contornos: los contornos alrededor del objeto real y los contornos alrededor de las luces. Una cosa importante acerca de esta técnica en particular es que no debe haber interrupciones en la línea; cada motivo debe estar completamente contenido. De lo contrario, el color se ejecutará cuando complete el objeto en la computadora. Es fácil pasar por alto un espacio, pero puede completarlo más tarde en Photoshop».

Lotta Kühlhorn

«Normalmente, cuando escaneo mis dibujos, hago las líneas negras y elimino los parches del papel ajustando los niveles en Photoshop. Aplico diferentes controles, para que el negro se vuelva aún más negro y el blanco aún más blanco».

Divido las imágenes si resulta necesario para poder usar Photoshop, de modo que cada parte del motivo que tenga el mismo color se convierta en una imagen separada en una capa.

Cree tres originales diferentes (por ejemplo, para la lata de sardinas, elegí uno para las cosas que van a ser rosa, uno para el negro y otro para el amarillo). Colorea de negro en el área que es sólida usando el bote de color en Photoshop.

Es en esta etapa que la línea debe ser sólida para que el negro no ocupe toda la página. Continúe desmontando imágenes y guárdelas nuevamente de tonos de gris a blanco y negro. Espere hasta que haya ensamblado el patrón antes de comenzar a colorear.

Dinara es una ilustradora y diseñadora autodidacta, originaria de Uzbekistán, pero que ahora vive en Ohio. Recientemente ha publicado un libro de arte de grabado para niños, Hidden Forest.

Crear patrones para mí es como jugar un rompecabezas mental, como construir Lego o jugar al Tetris el ritmo de cada patrón depende de cómo se vaya a utilizar y el propósito del mismo.

Cuando diseño algo para papel tapiz, necesito asegurarme de que la repetición se vea uniforme y suave en una pared de 8 pies.

Dinara Mirtlipova (UZ)

Cuando se trata de una tela, la escala no es un gran problema, pero los colores pueden serlo, así que evito combinar tonos similares. Si pones rosa al lado de naranja, o azul cielo y azul bebé uno al lado del otro, probablemente aparecerán del mismo tono una vez impresos en una tela.

En mi tiempo libre me gusta el «patrón libre». No es un término técnico, simplemente se me ocurrió. Eso significa que sin un plan en mi cabeza: simplemente creo un cuadrado de 6×6 pulgadas y empiezo a crear un patrón.

Me gusta usar ilustraciones existentes y experimentar con ellas para hacer patrones; es un ejercicio divertido. Es como un caleidoscopio: cada vez que cambio o agrego un elemento, el aspecto general de un patrón cambia drásticamente.

Abigail Borg (Reino Unido)

Abigail es diseñadora e ilustradora de patrones de superficie, que anteriormente ganó el premio al Mejor Diseño Británico de Patrones y el nuevo Diseñador del Año.

No tengas miedo de experimentar con el color. Olvídese de las reglas sobre qué colores deben y no deben verse juntos. Si crees que funciona, hazlo.

Juegue con su diseño y, a menos que tenga una fecha límite de cliente, no se apresure.

Las repeticiones pueden ser complicadas, a menudo me resulta útil volver a los diseños días o semanas después de comenzar y mirarlos nuevamente con ojos nuevos para averiguar hacia dónde se dirigen.

Tómese su tiempo para experimentar con elementos que en su cabeza cree que no están juntos. No se limite ni intente planificar previamente de qué elementos desea que se componga su repetición.

Quizás podría comenzar un patrón y decir ‘Quiero que esto incluya rosas y peonías y eso es todo’. Es difícil imaginar cómo se verá el patrón final y, en mi caso, a menudo las repeticiones más llamativas son completamente accidentales.

Abigail Borg (Reino Unido)

Rachel Cave (Reino Unido)

Rachel es una diseñadora de patrones independiente con sede en Londres que se especializa en crear patrones a medida para artículos para el hogar, textiles, moda y más.

Todas mis obras de arte comienzan en Illustrator, ya que prefiero sumergirme directamente y comenzar a crear formas con la herramienta Pluma. A veces puedo hacer algunos bocetos de diseño rápido, pero generalmente juego con formas e ideas de patrones en la computadora.

Rachel Cave

«Con la herramienta Pluma, empiezo diseñando las formas básicas del patrón, que generalmente son diseños florales o geométricos. También utilizo la barra de herramientas de textura que tiene algunos efectos geniales, como carboncillo, lápiz y pincel. Mi estilo tiene un aspecto gráfico plano muy simple, pero es bueno jugar con estas texturas».

Rachel Cave (Reino Unido)

Una vez que se dibuja y colorea cada elemento, dependiendo de cómo quiero que se vea el patrón, simplemente lo repetiré hasta que haya creado un resultado con el que esté satisfecho.

Un consejo realmente útil es usar las ‘Guías’ en Illustrator. Estos le ayudan a medir con precisión una muestra repetible, lo que lo convierte en un patrón que se repite perfectamente.

Rachel Cave (Reino Unido)

Tengo una biblioteca o un trabajo. Siempre es muy útil conservar todo lo que diseñas, ya que siempre sabrás cuándo querrás devolverlo y reutilizarlo. 

Se pueden volver a trabajar y colorear muchos diseños; además, siempre es útil mantener sus ideas de diseño como material de referencia.

Rachel Cave (Reino Unido)

Mary Tanana (EE. UU.)

Mary es una diseñadora con experiencia en moda, y después de una carrera como diseñadora de joyas, ha abrazado su amor por el diseño de superficies y patrones y la ilustración.

Recuerdo que uno de mis profesores de ilustración me dijo en la universidad: «No hiele el pastel antes de que esté horneado: todavía me adhiero a esta filosofía al diseñar mis patrones.

Realmente dedico mucho tiempo al diseño, o los huesos de  cada patrón. Empiezo a diseñar en blanco y negro, ya que me resulta demasiado confuso agregar color de inmediato.

Mary Tanana (EE. UU.)

Una vez que el diseño está listo, agrego color. El color debe distribuirse de manera uniforme, por lo que utilizo el herramienta de zoom para comprobar mi patrón en una vista en miniatura para comprobar el equilibrio. Dedico mucho tiempo a ajustar mis combinaciones de colores para que sean las correctas.

Mary Tanana (EE. UU.)

Una vez que finalice mis colores, realizó una prueba de puntos para ver cómo reaccionan cada color entre sí. Esto me ayuda a diseñar impresiones complementarias y me ayuda a ahorrar tiempo.

Mary Tanana (EE. UU.)

Lesley Todd (Reino Unido)

Lesly Todd dirige un estudio de diseño de patrones de superficie, Finch Five, de Cheshire, Reino Unido.

Crea la ilusión de variedad en su patrón volteando un motivo repetido, girándolo o dándole un color diferente.

Lesley Todd (Reino Unido)

Me encanta agregar textura y patrón a mis motivos, pero es importante recordar que Adobe Illustrator solo le permitirá tomar una forma con un relleno de patrón en la herramienta de creación de patrones si primero expande el patrón. ¡Me tomó un tiempo darme cuenta de eso!

Lesley Todd (Reino Unido)

Es muy divertido jugar con la herramienta de patrones de Adobe Illustrator. Cuando creo un patrón, creo que los resultados más dinámicos e interesantes se obtienen cuando utilizo varios motivos.

Lesley Todd (Reino Unido)

Leslie A Wood (EE. UU.)

Leslie Wood es una ilustradora con sede en Brooklyn que produce un trabajo colorido y vibrante para clientes editoriales como Buzzfeed, Reader’s Digest y Anorak Magazine.

Dibuje formas algo básicas y luego construya el diseño colocando individualmente las formas capa por capa en Photoshop. Aunque consume mucho tiempo, el efecto es más interesante que un patrón de repetición estándar. Creo una capa para cada forma y luego copio y pego cada una para ver cómo encajan.

Es útil tener al menos cinco formas para que pueda haber una buena variedad dentro de la composición: la misma forma nunca aparecerá una al lado de la otra. Dejar espacio entre las formas también proporciona flexibilidad para volver y dibujar detalles más pequeños para ayudar a equilibrar la imagen general.

Leslie A Wood (EE. UU.)

Siempre hago varios bocetos cuando estoy trabajando en una nueva ilustración, pero lo encuentro especialmente útil cuando estoy desarrollando un nuevo patrón, ya que me ayuda a determinar qué diseño será el más exitoso. 

Leslie A Wood (Estados Unidos)

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Las 11 mejores conferencias de diseño: eventos de diseño brillantes en todo el mundo

Las 11 mejores conferencias de diseño: eventos de diseño brillantes en todo el mundo

Las conferencias de diseño son una de las mejores formas para estudiantes y profesionales trabajar dentro de la industria creativa para aprender nuevas habilidades, obtener inspiración y, lo que es más importante, hacer nuevos contactos que podrían conducir a futuros empleos o colaboraciones emocionantes.

Hay cientos de conferencias de diseño que tienen lugar en todo el mundo, por lo que aquí hemos recopilado 11 de nuestros favoritos para ayudarte a comenzar. Se llevarán a cabo este año y el próximo, y encontrarás eventos en el Reino Unido, Estados Unidos, Europa y más.

Los hemos puesto en orden cronológico dando como inicio con el evento que ocurrirá antes.

Las mejores conferencias de diseño: Reasons to be Creative

Reasons to be Creative llegará a Brighton el 7 de septiembre y es un evento de tres días que cubre varias disciplinas, como diseño, desarrollo, tipografía, sonido, juegos, ilustración, arte, cine y más.

Reasons to be Creative

El programa incluye Storytelling gráfico con Noma Bar, Cómo construir una startup con Jolyon Russ y The Art of Misuse con Evan Roth. Otros oradores incluyen a Lizzie Mary Cullen, Jeff Greenspan, Jon Hicks y más, muchos de los cuales se muestran aquí.

Disfrutamos particularmente del Elevator Pitch, en el que 20 oradores presentan su trabajo en rápidos lanzamientos de tres minutos.

Las mejores conferencias de diseño: Brand New Conference

El próximo mes en Nueva York, lados días Brand New Conference de se centrará en la identidad corporativa y de marca y ofrecerá charlas de la gerente de cuentas creativas de Hallmark, Christine Taylor, el CEO de Johnny Cupcakes, Johnny Earle, y el director creativo de Etsy. Julia Hoffman.

El evento tendrá lugar los días 24 y 25 de septiembre en el BMCC Tribeca Performing Arts Center.

Mejores conferencias de diseño: Adobe Max

Este año Adobe Max conferencia se acerca rápidamente, dando inicio el 3 de octubre, y estaremos allí para lograr la inspiración y el asesoramiento de los muchos oradores increíbles y talentosos del evento. Tiene lugar en Los Ángeles y, además de darnos un primer vistazo a las nuevas funciones de Creative Cloud, también veremos Adobe Sneak Peeks y muchas charlas y talleres fantásticos de ilustradores, diseñadores, fotógrafos, cineastas y más.

Las mejores conferencias de diseño: AIGA

La conferencia de diseño de AIGA se llevará a cabo en Nueva Orleans entre el 8 y el 10 de octubre de este año, con charlas y talleres que incluyen «Haz tu propio monograma», «El futuro del diseño de UX», «Diseño de marca versus diseño de producto». «Construyendo su marca en línea: cómo destacar entre la multitud» y más.

AIGA National Conference

La conferencia está diseñada para reunir a la comunidad creativa «para experimentar oradores provocativos, cultura local, exposiciones, sesiones de desarrollo profesional y mesas redondas cara a cara con sus héroes del diseño», y con una gran variedad de talleres y sesiones de afinidad disponibles para elegir. 

Mejores conferencias de diseño: Offset

venir a Londres el 12 de noviembre de Offset es atrae tanto a asistentes profesionales y estudiantes por ofreciendo talleres, charlas y discusiones para ayudarle a mejorar sus habilidades, hacer contactos de suma importancia dentro de la industria creativa y obtener asesoramiento profesional para ayudarle a alcanza tus sueños.

Los oradores incluirán a McBess, Seb Lester, Johnny Kelly, Mother London, Pony, The London Police y muchos más.

Otro dato es que Offset también se llevará a cabo en Dublín en abril de 2016.

Las mejores conferencias de diseño: Webstock

Hasta ahora se sabe poco sobre Webstock 2016, pero esperamos que sea una gran conferencia, ya que representará la décima conferencia celebrando su aniversario de este previsto que se llevara a cabo del 9 al 12 de febrero en la capital de Nueva Zelanda, Wellington.

Webstock ha dicho que su conferencia de 2016 será una «celebración de proporciones verdaderamente épicas», celebrando específicamente «la magia de la web y quienes la crean».

Las mejores conferencias de diseño: Internation set

Internation Set  tendrá lugar en Helsinki, Finlandia, del 2 al 4 de marzo de 2016, Interaction 16 será el noveno año en que se lleve a cabo esta conferencia de diseño. La Interaction de 2015 se llevó a cabo en San Francisco y contó con charlas y talleres de personas de Google, Twitter, Soundcloud, Facebook, Microsoft y muchos más.

Hasta ahora, para 2016 sabemos que Alexandra Deschamps-Sonsino de Design Swarm estará entre los oradores principales, al igual que el empresario y diseñador finlandés Marko Ahtisaari.

Las mejores conferencias de diseño: SXSW de 2015

SouthWest ha ido y se ha ido, pero ya estamos esperando la conferencia de 2016 que tendrá lugar en Austin, Texus del 11 al 15 de marzo.

SXSW consta de tres partes: Música, Cine e Interactivo. Este año vimos el lanzamiento explosivo de Meerkat, muchos wearables nuevos y una gran cantidad de emocionantes avances en robótica.

El año que viene, ya sabemos que los oradores incluyen al CEO de Giphy, Alex Chung, y a la ingeniera de Pinterest, Tracy Chou. 

Las mejores conferencias de diseño: HOW Design Live

Otro evento estadounidense tendrá lugar en Atlanta en mayo de 2016.Design Live se describe como «todo lo que necesita para perseguir una carrera creativa satisfactoria y exitosa, en un evento esencial».

Tenemos un poco de tiempo para esperar hasta que veamos el calendario de la conferencia del próximo año, pero puedes hacerte una idea de qué esperar si echas un vistazo al calendario de 2015, que incluyó charlas como «Cómo hacer que los precios por hora funcionen», » Sea su propia marca, sea su propio entusiasmo «,» Empaque del mañana «,» Diseñando para la web «y» Respondiendo a las estafas «.

Las mejores conferencias de diseño: 

La conferencia de 99U Behance llegará a la ciudad de Nueva York en mayo de 2016.

«El objetivo de la conferencia 99U es cambiar el enfoque de la generación de ideas a la ejecución de ideas».

 «Brindamos información probada sobre cómo hacer realidad sus ideas. Reunimos a algunos de los visionarios creativos e investigadores líderes más productivos del mundo para compartir ideas pragmáticas sobre cómo las ideas cobran vida».

99U Conference Behance

Habrá más de 16 charlas en el escenario principal que te ayudarán a «entusiasmarte para hacer que las cosas sucedan». Los oradores anteriores han incluido a Stefan Sagmeister, James Victore,Nest Tony Fadell de y muchos más.

Las mejores conferencias de diseño: 

Las entradas de OFFF Barcelona para OFFF Barcelona 2016 ya están disponibles, que comenzarán el 26 de mayo de 2016. El evento de tres días incluye conferencias, talleres, performances y otras actividades para diseñadores de todo tipo, y es adecuado tanto para profesionales como para estudiantes.

Algunos de los eventos del taller ya se han anunciado, incluido un taller basado en tipografía dirigido por Letters Are My Friends y Art vs Design dirigido por el estudio The Six and Five. 

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Tutorial de Illustrator: Cómo crear retratos vectoriales

Tutorial de Illustrator: Cómo crear retratos vectoriales

Aprende a utilizar Adobe Illustrator, y un poco de Photoshop, para desarrollar una nueva apariencia al crear retratos vectoriales a partir de fotografías, utilizando este sencillo proceso paso a paso.

A todos nos gusta mantener las cosas frescas. Desarrollar un nuevo estilo es una de las partes más divertidas y gratificantes de ser artista, pero también puede ser exigente.

Para minimizar la frustración, el diseñador Bram Vanhaeren ha desarrollado un proceso que permite experimentar con nuevos estilos al tiempo que conserva los principios artísticos fundamentales que ofrecen obras de arte de gran apariencia una y otra vez.

En este tutorial para Adobe Illustrator y Photoshop, revela cómo Vanhaeren elige la foto correcta para trabajar y diseña las formas clave que respaldan el estilo del retrato, ya que el uso de diferentes tipos de formas, desde suaves hasta nítidas, puede afectar realmente la forma en que la el trabajo final se siente.

Vanhaeren muestra cómo ha creado un entorno para encontrar nuevas formas de crear sus retratos, utilizando una plantilla construida dentro de Illustrator para guiar su proceso.

Luego muestra cómo trabaja su borrador inicial en el trabajo final, agregando iluminación y efectos adicionales en Photoshop.

Paso: 1

«Para comenzar con la mentalidad correcta, vas a fallar algunas veces en el camino y está bien, pero con un proceso de experimentación y refinamiento, vas a crear algo asombroso al final.

Todo lo que sé en este momento es el hecho de que quiero crear; Revise algunos de mis blogs favoritos, en este caso baubauhaus, en busca de inspiración y fotografías para basar mi ilustración. Sigo mirando hasta que una fotografía me detiene naturalmente. Debe sentirse bien, y la foto debe llamar su atención de los cientos que ve». Afirma Vanhaeren

Paso: 2

Siempre que busco una fotografía con la que trabajar, hay tres cosas principales que estoy buscando. Uno: el modelo debe tener ojos interesantes. Los ojos hacen o deshacen tu retrato. Dos: los labios. Estos aprovechan el valor emocional de los ojos.

Por último busco algo extraño, una imperfección que lo haga interesante.

Paso: 3

Una vez que haya encontrado su fotografía, abra Adobe Illustrator y cree un nuevo documento. «Elijo un tamaño A3 para comenzar cualquier ilustración, ya que es posible que desee usarlo en la impresión (o como una impresión), por lo que es más fácil reducir la escala para el resultado final que aumentarla. Además, cargue su mouse mágico y / o tableta, es súper molesto pausar su dibujo en medio de una sesión».

Paso: 4

«Soy muy estricto con la organización. Organizar las cosas primero significa que no tendré que lidiar con un desorden total de carpetas y capas más tarde».

«Antes de pegar mi fotografía en mi archivo para comenzar a dibujar / calcar, siempre comienzo creando estas carpetas, para tener una visión general del trabajo final».

Coloqué su foto en la carpeta Fotografía. Si es una imagen más oscura, cambie su opacidad al 80% para que pueda ver mejor los negros que dibuje sobre ella.

Paso: 5

Antes de empezar a dibujar, me gustaría dar dos ejemplos de formas típicas de estilo Bram que dibujo en mis retratos. El estilo de la parte superior es una forma más deportiva y enérgica para mantener la ilustración nítida y vanguardista. El estilo de la parte inferior se usa más para retratos emocionales, juguetones y suaves.

Asegúrese de experimentar para encontrar sus propias formas únicas.

Paso: 6

Al hacer doble clic en la herramienta Lápiz, puede ajustar la fidelidad y suavidad de sus formas.

Asegúrese de probar diferentes opciones para obtener el efecto que desee. Dibujo con un mouse en lugar de un lápiz y una tableta, por lo tanto, no presiono el control deslizante hasta el final hacia la Precisión. Empujarlo hacia Suave puede hacer que el dibujo sea más rápido, aunque tendrá menos detalles y menos imperfecciones (lo cual es bueno o malo, dependiendo de su estilo).

Paso: 7

Siempre comienzo con la herramienta Lápiz con un relleno negro puro al 100% de opacidad. Primero dibujo las características faciales definitorias como simples bloques de negro sobre blanco, luego construyo el detalle, de modo que si bien ese detalle y color agregan profundidad e interés visual, las cosas que inicialmente lo atraen a la imagen son claras (especialmente desde la distancia) o como miniatura en línea).

Dibuja una cantidad relativamente pequeña de trazos y formas para crear los ojos. Para cada uno, comience con la pupila y el iris, seguido de la esquina interior y exterior. Luego pasa a los párpados y pestañas, terminando con la ceja.

Dibuja ambos ojos, luego aleja el zoom para revisar tu dibujo. Esta es la parte más importante de la ilustración, ¡así que haz que los ojos se destaquen!

Paso: 8

Continuar definiendo el rostro del modelo dibujando la nariz y los labios. Use incluso menos trazos y formas aquí, y no cree demasiados detalles; solo es importante que la cara sea reconocible. Por ejemplo, la boca puede tener solo algunas formas básicas a los lados de los labios, como lo he hecho aquí, aunque a veces desea incluir algunas formas de dientes si la boca de su modelo está abierta

Lo más importante de todo, cualquier emoción clara en la cara del modelo debe ser reconocible.

Siga ajustando estas pocas partes hasta que quede perfecto.

Paso: 9

Una vez que tenga los conceptos básicos más importantes, ahora puede perderse en los detalles del cabello, la ropa, las texturas y cosas por el estilo de la modelo.

Personalmente, me gusta dibujar el cabello colocando formas similares una encima de la otra, como hicimos antes, agregando una forma tras otra según la iluminación de la fotografía.

Paso: 10

Una vez que crea que ha completado todos los puntos más oscuros de sus retratos, cree áreas más claras utilizando un gris más suave cada vez. Comience con un 80% de negro para menos oscuridad, seguido de 60% y 40% para tonos medios y 20% para reflejos (dejando los reflejos más brillantes en blanco).

A veces siento que el 20% de negro es demasiado oscuro para algunas partes, así que siéntete libre de ajustar tu opacidad a lo que te parezca adecuado. Utilizo un 5% de negro para algunas áreas más claras e incluso usé un 1% de negro en un área que necesitaba una sutil diferenciación del resaltado más brillante)

Construya su obra de arte hasta que tenga un retrato completo en blanco y negro.

Paso: 11

A continuación, mejore los detalles con un nuevo grupo de capas encima de todo, dentro del cual usaremos formas rellenas de blanco puro. Piense en los destellos en los ojos de la modelo, las pecas en sus mejillas y nariz, el brillo de labios, cualquier cosa que la haga especial.

También dibuja algunas líneas abstractas. Esto no tiene un objetivo real más allá de simplemente agregar caos a su ilustración, que de otro modo sería perfecta, una soltura que le da carácter.

Paso: 12

Este paso es donde nos volvemos más experimentales. Como acabamos de completar una ilustración con cinco muestras de color, intente cambiar las muestras en un color diferente para obtener un efecto único. Para hacer esto, simplemente seleccione cada forma y luego ajuste el color de Relleno de cada una.

Paso: 13

Mezclé una paleta de colores azul y violeta para resaltar sus ojos y el lado más brillante de su rostro.

Paso: 14

Impresionante, ahora ha completado el 90% de la obra de arte.

 Es el momento de abrir Photoshop y agregar más color. Cree un nuevo documento con los mismos parámetros que antes (A3, 300 ppp). Nuevamente, asegúrese de organizar su documento, antes de copiar y pegar todas sus capas de Adobe Illustrator, que aparecerán como objetos inteligentes.

Paso: 15

Lo primero que debe hacer en Photoshop es usar un pincel redondo suave para agregar algo de profundidad al fondo, detrás del modelo. Es muy sutil en este ejemplo.

Paso: 16

A continuación, quiero suavizar los bordes de los reflejos extremos para que sean menos discordantes: los brillos en su cabeza y la parte superior de los hombros, por ejemplo. También me gustaría suavizar el color alrededor de sus ojos.

Nuevamente use un pincel redondo básico con un color brillante al 60% de opacidad. Juega con las opciones del modo de fusión, probando combinaciones de Trama, Superposición y Sobreexposición de color. Cepilla los puntos que te gusta realzar, como si estuvieras maquillando.

Paso: 17

Últimamente he estado jugando con la adición de formas geométricas simples para agregar otra dimensión a los retratos. Estos indican movimiento y agregan un sentido de. Lo hice gotear para agregar profundidad y agregué algunas gotas de pintura realistas solo porque me gustó su apariencia.

Finalmente, apliqué un degradado suave a las formas para agregar más profundidad.

Paso: 18

Para terminar la obra de arte, agregué un grupo pre-creado de capas que he creado con opciones de fusión específicas para dar a mis colores el ‘pop’ que quiero.

Para crear la suya propia, primero agregue una nueva capa en la parte superior de la pila de capas. Rellénelo con un color rosa sólido y cambie la opacidad al 30%. Agregue otra capa nueva: verde brillante con un modo de fusión de Saturación al 10% de opacidad. A continuación, azul real con un modo de fusión Diferencial y una opacidad del 5%. Finalmente, un azul real con un modo de fusión Soft Light al 30% de opacidad.

Juega con el orden de estos hasta que obtengas un grado de color uniforme sutil en toda la imagen.

Paso: 19

Repita este proyecto un día o una semana después para ver si todavía le gustan los colores, las formas y otros efectos. Continúe su viaje para encontrar nuevas técnicas de coloración, formas únicas para crear su ilustración. Nunca te rindas y repite el proceso.

Después de un tiempo, dominará diferentes estilos que puede aplicar en futuros trabajos con clientes.

Paso: 20

Como los ojos y los labios son las partes más importantes de un retrato, dibuja nuevos ojos y bocas todos los días. Solo te toma de cinco a 10 minutos dibujar un conjunto, pero una vez que hayas dominado estas dos partes específicas de tus retratos, te prometo que verás una gran diferencia en tu trabajo.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Tendencias visuales: de color, diseño, marca y fotografía imprescindibles

Tendencias visuales: de color, diseño, marca y fotografía imprescindibles

La sociedad está reinventando y luchando con la identidad a nivel global, como el derecho a la privacidad, la migración y el desplazamiento y la percepción de las mujeres en los medios. Para ayudar a navegar a través de este cambio, buscamos una claridad sin concesiones a medida que los recursos naturales disminuyen, buscamos reutilizar los desechos a medida que un mayor clamor por la sostenibilidad se propaga a través de la vida moderna, dictando lo que vestimos, lo que compramos y lo que comemos.

2017 es el año en que volvemos a las raíces orgánicas. El reciclaje, la agricultura alternativa y la naturaleza de la ingeniería son tendencias que dominan las disciplinas del diseño como la moda, los artículos para el hogar y los colores, que influyen en las composiciones y las tendencias visuales dentro del diseño gráfico, la ilustración y la fotografía.

La Generación Z impulsada por la tecnología en ascenso está inundada de imágenes todos los días y produce las suyas en una variedad de plataformas de redes sociales. Con el peligro de que este entorno se vuelva fácilmente artificial, 2017 verá un regreso a lo natural. La sociedad anhela la emoción cruda, la imperfección sin filtrar, la individualidad y los recursos no fabricados.

Exploramos cómo esto se traduce en pronósticos de tendencias visuales para el próximo año en las áreas en las que trabaja y con las que trabaja, ya sea marca, diseño gráfico y digital, medios de movimiento o fotografía, y en otras áreas de diseño en las que debe buscar inspiración, como menaje, moda y bienestar.

Color

Pantone ha coronado el color de 2017 como Greenery, basado en su representación de nuevos comienzos, frescura y ambientalismo.

Manifestando como un «tono amarillo verdoso fresco y picante que evoca los primeros días de la primavera», Greenery envuelve la noción de respirar, revitalizar y apreciar el aire libre.

Además de la vegetación, espere ver un aumento en tonos profundos como el caqui y el verde oliva, junto con los rojos ladrillo, marrón granate y gris carbón para recrear una sensación de minerales y materiales ricos y terrosos.

How Pantone Branded Color and Built a Cult Following

Una revista de futuros del color de FranklinTill Studio con el apoyo de Pantone. Verá páginas de la revista a lo largo de este artículo. 

El diseño reciclado introducirá colores brillantes acentuados de la naturaleza sintética de los plásticos, creando una estética en capas, texturizada y en collages que aporta personalización.

El pronóstico de color a largo plazo, según lo dado por laPantone Viewpoint Color de revista, es una tendencia en los colores primarios de rojo, azul y verde, colores que se usan a menudo en las banderas de los países. En tiempos complejos, buscamos paletas restringidas e intransigentes, afirma la revista.

Diseño gráfico / Branding

El Branding se centrará en cómo se ve el producto en sí mismo, que en el empaque que lo oculta. Existe una demanda de que la verdad esté a la vista.

Esto no podría ser más evidente que en el envasado de alimentos. Las botellas transparentes y los ingredientes fácilmente legibles surgen a medida que nos preocupamos más por el origen de nuestros alimentos o productos y el proceso involucrado en la producción y fabricación. El gobierno está cuestionando la introducción del impuesto al azúcar, los superalimentos como la col rizada y el aguacate se están convirtiendo en un fenómeno de las redes sociales y seguramente conocerá a un vegetariano o vegano orgulloso si aún no lo ha hecho.

Pero esta necesidad de productos éticos también se puede ver en la tecnología. Tome el Fairphone, por ejemplo, una empresa ética de teléfonos inteligentes que rastrea todos los pasos de fabricación del teléfono. Desde obtener minerales libres de conflictos, hasta proporcionar buenas condiciones de trabajo en la fábrica de fabricación, con un Fairphone usted sabe exactamente cómo llegó a su mano ya que el empaque también es transparente para mostrarle exactamente de qué está hecho su teléfono. 

10 creativos ejemplos de branding con diseño original | paredro.com

A medida que nuestro mundo se vuelve cada vez más global, las imágenes de las marcas se volverán más interculturales y socialmente sin fronteras, como predice Getty Images. Nuestro mundo tiene la aceptación de las diferencias de todos como la máxima virtud.

Espere ver líneas simples y patrones de colores llamativos que crean interfaces claras, como las que se usan para teléfonos inteligentes. Ya lo hemos visto emerger con la popularidad de los logotipos en forma de vector entre las nuevas empresas digitales o las marcas tradicionales relacionadas con un consumidor más joven: NatWest, Co-op y Kodak se han movido recientemente en esta dirección.

Fotografía

Mujeres valientes: las representaciones de mujeres en 2017 reflejarán a una mujer más preocupada por lo que hace que por lo que viste. Las mujeres modernas son activas, no tienen miedo de ensuciarse las manos y definitivamente no deben ser subestimadas. Nada resume esto mejor que este anuncio de Nike.

La nostalgia de los 90 – 90 seguirá siendo tendencia en las comunicaciones visuales. Las instantáneas tipo Polaroid, las fotos con flash y un estilo audaz y colorido surgirán a medida que los niños nacidos en los años 90 continúen siendo embajadores de la marca, manejen las redes sociales y se conviertan en un público objetivo importante para las marcas más jóvenes.

Sincero: los retratos sinceros y sin filtros están de vuelta. La espontaneidad, el movimiento y la emoción cruda deben estar a la vista. Fotos relacionadas que personalizan una historia y capturan un momento, predice Depositphotos, ensombrecen el estilo de fotógrafos de los 90 como Woflgang Tillmans y Terry Richardson.

Un ejemplo de esto es el proyecto fotográfico de Hyung S Kim, The Haenyeo, en el que documenta a mujeres buceadoras, “ecofeministas”, que capturan peces del extremo sur de la península de Corea en la forma más pura.

Haenyeo by Hyung S. Kim - gestalten EU Shop

Función sobre forma: la lista de tendencias visuales de Adobe Stock para 2017 menciona el deseo de simplicidad y verdad: diseño que valora la función sobre la forma. 

“Maximice el espacio en blanco y el diseño simple, limpio y auténtico. Además, la fotografía editorial destacarán las realidades que atraen a los consumidores modernos y a los equipos de diseño que desean adoptar la claridad y la transparencia. Los materiales limpios, funcionales y sin filtros lideran la búsqueda de lo común.

Fashion

Dior, Gucci y Versace experimentaron incorporando ropa deportiva en sus guardarropas de pasarela Primavera / Verano 2017, como menciona Vogue Reino Unido.

La ropa deportiva se ha convertido en ropa casual en una sociedad occidental que valora la vida sana, el ejercicio y el bienestar. Incluso la nueva marca de ropa de Beyonce, Ivy Park, se basa en la ropa de alto rendimiento que ofrece «elementos esenciales modernos tanto dentro como fuera del campo».

Casi todo el mundo está experimentando con el caqui para la primavera de 2017, desde las damas que almuerzan hasta las marcas de ropa de calle, como observamos en la semana de la moda de Nueva York.

También se espero ver prendas hechas con desechos que celebren la reparación, como la diseñadora de ropa china Ma Ke. Apareció en el Design Museum Fear and Love: Reactions to a Complex World exposición. Su proyecto en curso Wuyong, o Useless, se centra en la ropa que está conectada con la tierra y las tradiciones rurales en China, rechazando el consumismo.

También se incluye en la exposición es Christien Meindertsma’s de fibra Mercado – explorar el potencial de reciclaje textil como suéteres de lana. El trabajo de Christien destaca el vínculo entre las materias primas con los productores, los productos y los consumidores, que a menudo es invisible.

Artículos para el hogar

Se ha demostrado en numerosos estudios que nuestra salud se beneficia de la exposición a la naturaleza. 2017 verá un aumento en la manipulación del mundo natural para llevarlo al hogar urbano: plantas en estructuras de concreto, papel tapiz botánico y recolección de desechos para producir muebles.

La celebración de los procesos incontrolados y la crudeza será deseable en las superficies de menaje del hogar; Los tableros de mesa con dibujos de sal, los azulejos de carbón ardiente y los patrones que imitan las texturas de la roca traerán una calidad orgánica diseñada a la estética interior.

Dominarán los recursos reciclados como la madera, la roca y el metal. Llevando esto un paso más allá es la agricultura alternativa: formas innovadoras de cosechar recursos poco probables como el cabello y las algas y utilizarlos para productos de menaje para el hogar.

Se elogian y fomentan los proyectos de bricolaje: artículos personalizados y hechos a mano frente a la producción en masa y el consumismo.

Se espera una tendencia de ordenación, que solo presenta algunos objetos de declaración en la habitación.

Un ejemplo de esto es Croft House en  la colección 2017 de el minorista restaura muebles antiguos del centro de Los Ángeles y los vende a un precio razonable, mientras ofrece personalizar un mueble. Su colección es simple, con un uso intensivo de madera y metal.

Otro son los diseños de Tina Frey, esculpidos a mano en su estudio de San Francisco basados ​​en la función y la simplicidad.

Para los fotógrafos y diseñadores gráficos, estos deben ser el contexto y los hogares en los que se sumergirá el producto del cliente.

Bienestar

Aunque no es una tendencia visual en sí, es importante comprender las razones psicológicas detrás de las tendencias visuales emergentes.

El impacto del medio ambiente en nuestro bienestar personal siempre debe ser considerado por los diseñadores de espacio, producto y materiales. Con el aumento de los estilos de vida urbanos y digitales, es importante regresar a los hábitats naturales para descansar y recuperarse.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Tutorial de Photoshop: Diseña una serigrafía

Tutorial de Photoshop: Diseña una serigrafía

Aprenda a crear carteles o camisetas con los consejos prácticos de los expertos en serigrafía Waste.

La serigrafía le da a sus diseños un color increíblemente rico y una calidad de imagen que simplemente no es posible con la mayoría de las otras técnicas, lo que explica en parte por qué se ha vuelto tan popular para las impresiones de diseñadores en los últimos años.

Sin embargo, crear un diseño serigrafiado no es tan simple como dibujar algo y luego presionar Imprimir. Con la serigrafía, su paleta de colores está limitada por la cantidad de tintas que puede usar, lo que significa que necesita algunos trucos bajo la manga si va a crear las mejores imágenes posibles.

El estudio de diseño Waste comenzó a hacer serigrafías con una configuración casera en su garaje, donde producían carteles simples de un color. Rápidamente se vieron mordidos por el error de la serigrafía. Ahora tienen un estudio de impresión profesional en el sótano de una antigua ferretería en Nottingham.

En este tutorial, aprenderá a colorear un diseño de cuatro colores para serigrafía usando Photoshop e Illustrator. Hay consejos de expertos sobre cómo darle más profundidad a su imagen usando luces y sombras, cómo crear rellenos de semitonos que crean dos tonos a partir de un color y cómo crear separaciones de color.

Incluso si no va a serigrafiar sus diseños, esto le muestra cómo falsificar de manera convincente el aspecto.

Software

Adobe Illustrator

Adobe Photoshop

Tiempo para completar

3 horas

Paso 1

Si está creando su propia obra de arte para este tutorial, escaneelo a 300 ppp en escala de grises. A continuación, ajuste el boceto para que las líneas sean negras y elimine las áreas grises. Elija Imagen> Ajustar> Brillo y contraste, marque la casilla ‘Usar heredado’ y ajuste el brillo y el contraste hasta que las líneas sean lo más negras posible.

Paso 2

Cree una nueva mesa de trabajo (Archivo> Nuevo) y en la nueva ventana nombre el documento ‘impresión zombie’ y cambie su tamaño a 297×420 mm, estableciendo la resolución en 300 ppp y el modo de color en CMYK. Crea una nueva capa (Cmd / Ctrl + Shift + N). Nombra la capa ‘contorno’ y establece el modo de fusión en Multiplicar.

Paso 3

Luego copie el boceto ajustado y péguelo (Cmd / Ctrl + C> Cmd / Ctrl + V) en nuestro nuevo documento, y cambie el tamaño para que quepa dejando un pequeño espacio alrededor de la ilustración.

Paso 4

Cree una nueva capa y asígnele el nombre ‘Color 01’. Empiece a colorear la ilustración con la herramienta Pincel (B). Elija un solo color y empiece a colorear las áreas relevantes. El color se ubicará detrás de la línea porque hemos configurado la capa de contorno en Multiplicar; esto nos ayuda a ver dónde y cómo se ve el diseño mientras lo coloreamos. Este diseño tendrá cuatro colores. Necesitamos asegurarnos de que cada nuevo color se cree en una nueva capa y se le asigne un nombre para nuestra referencia: esto facilitará la división en separaciones de color más adelante.

Paso 5

Necesitamos asegurarnos de superponer ligeramente las áreas adyacentes de colores para evitar espacios causados ​​por errores de registro en el proceso de impresión. A esto se le llama «atrapamiento».

La mejor manera de agregar reventado a sus colores es agregando un trazo a cada relleno de color. Haga esto presionando Cmd / Ctrl + clic en la primera capa de color. Esto selecciona su primer color. Luego elija Editar> Trazo e ingrese el ancho del trazo que desea agregar, establezca el color para que coincida y la ubicación en Exterior.

Paso 6

Verifique si necesita agregar más o menos trazo cambiando la opacidad de la capa de contorno para que pueda ver los colores a través del contorno. Intenta que tus colores se sientan a la mitad del contorno.

Paso 7

Una vez coloreado el diseño podemos darle profundidad agregando reflejos y sombras. Esto lo hacemos en Illustrator para que podamos obtener líneas nítidas. Guarde su diseño hasta ahora y abra Illustrator. Elija Archivo>  presioné Abrir y elija su diseño guardado,  y en las opciones de importación elija ‘Acoplar capas de Photoshop en una sola capa’, ya que solo lo estamos usando como guía en Illustrator. Bloquea el diseño (Cmd / Ctrl + 2) y oculta la mesa de trabajo.

Paso 8

Ahora, usando la herramienta Pluma (P), agregue reflejos blancos al diseño. Vale la pena tomarse su tiempo aquí para seguir la forma del diseño; jugar con formas adicionales como círculos. Una vez que esté satisfecho con sus aspectos más destacados, selecciónelos todos con la herramienta Selección (V) y cópielos y péguelos en el archivo de Photoshop. Cambie el nombre de la nueva capa ‘aspectos destacados’ y reorganice el orden de las capas para que la capa esté directamente debajo de la capa de contorno.

Paso 9

Repita el paso 7 para agregar las sombras, pero esta vez con un relleno de 20% de negro. Una vez que esté satisfecho, seleccione y copie sus sombras. Vuelve a tu archivo de Photoshop y crea una nueva capa nombrelo ‘sombras’ y cambie el modo de fusión a Multiplicar. Pegue sus sombras como píxeles y organice la capa para que esté directamente debajo de la capa de contorno.

Paso 10

El diseño debería tener mucha más profundidad ahora. Anteriormente dijimos que era un trabajo de cuatro colores, pero ahora hemos agregado las sombras de color gris claro que parece un cinco colores: esta es nuestra arma secreta. Ahora necesitamos convertir el relleno de sombra en puntos de mapa de bits que luego fusionaremos con la capa de contorno negro para crear un color con dos tonos. Selecciona y copia tus sombras nuevamente. Elija Archivo> Nuevo y cree un documento del mismo tamaño pero en escala de grises. Pega las sombras en la mesa de trabajo.

Paso 11

Ahora elija Imagen> Modo> Mapa de bits, configure la salida en 300 ppp y configure el método en Trama de semitonos. Ahora, en la pantalla de medios tonos, establezca la frecuencia en 45 líneas por pulgada, el ángulo en 90º y la forma en Redondo.

Paso 12

Ahora verá que el relleno gris sólido se ha cambiado a puntos negros que, cuando se imprimen, darán la ilusión de un tono gris. Si está satisfecho con la cantidad de puntos, seleccione Todo y cópielo (Cmd / Ctrl + A> Cmd / Ctrl + C).

Paso 13

Haga clic en la ventana principal de diseño y cree una nueva capa directamente debajo de la capa de contorno llamada mapa de bits y cambie el modo de fusión a Multiplicar. Pega tu nueva sombra de mapa de bits.

Paso 14

Ahora oculte su capa de sombra original haciendo clic en su símbolo de ojo en la paleta Capas (no la elimine, en caso de que decida crear un relleno de mapa de bits diferente). Ahora combine las capas de contorno y mapa de bits seleccionando ambas capas y eligiendo Capas> Combinar hacia abajo (Cmd / Ctrl + E) y cambie el modo de combinación de la capa de nuevo a Multiplicar.

Paso 15

Incluimos nuestras propias marcas de registro, que ayudarán a alinear el arte correctamente cuando se trata de imprimir para que los colores ‘registren’ o combinen perfectamente. Esta es una cuadrícula simple formada por cuatro cuadrados. La cuadrícula se dibuja en una línea de tres píxeles en la capa de contorno, y los bloques que llenan los agujeros en la cuadrícula se dibujan en las capas de color.

Paso 16

Ahora es el momento de crear separaciones de color. Para crear separaciones de color listas para imprimir, cambiamos el color de cada capa de ‘color’ a negro, con una opacidad del 100%. Elija Imagen> Modo> Escala de grises y marque No aplanar. Ahora use la función Niveles (Imagen> Ajustes> Niveles o Cmd / Ctrl + L), seleccione la gota de color negro y haga clic en cada relleno de color excepto en la capa de resaltado para cambiarlos a negro absoluto.

Paso 17

El archivo ahora está listo para su salida. Imprima sus separaciones en una película para obtener mejores resultados. La mayoría de las impresoras láser pueden imprimir en acetato o transparencias OHP que son aceptables para películas de pantalla. Apague todas las capas excepto la que desea imprimir y la capa resaltada, luego imprima. Ahora, apague esa capa y encienda la siguiente capa para imprimir. Una vez que estén todos impresos, pégalos a una ventana uno por uno, asegurándote de que estén alineados correctamente y asegurándote de que sean 100% negros opacos. 

Ahora estás listo para hacer pantallas.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Tutorial de Photoshop: Cómo crear efectos vintage

Tutorial de Photoshop: Cómo crear efectos vintage

El fotógrafo Graham Boyd tiene una gran receta para envejecer imágenes digitales con resultados realistas, mucho mejores que los de Instagram o filtros en Photoshop.

¿Hay algo en la imagen principal de la que parece, bueno, no del todo correcto? 

De hecho, presenta una paradoja temporal importante digna del Dr. Who: a pesar de su estilo de los años 50, en el centro de la foto se encuentra un iPhone. Se coloca cómodamente en una de una nueva serie de fundas para iPhone del fabricante de accesorios Proporta, diseñada en colaboración con la marca de ropa vintage Lalita.

El flujo de trabajo de Photoshop para lograr ese aspecto antiguo fue ideado por el diseñador de productos de Proporta, Graham Boyd, quien también tomó la foto. 

Los pasos que describe le permitirán usar efectos sutiles para crear una imagen efectiva, y el uso inteligente de una serie de técnicas y capas debería brindar resultados de manera rápida y confiable. 

Como dice Graham, agrega una nueva dimensión a la fotografía digital.

Paso 1

Abra la imagen elegida en Photoshop. Seleccione Capa> Nueva capa de ajuste> Niveles y aumente la cantidad de negro en la imagen deslizando la flecha negra a 8. Duplique la capa de fondo y mueva la nueva capa a la parte superior de la pila de capas.

Haga clic con el botón derecho en la nueva capa en el panel Capas y seleccione Convertir en objeto inteligente. Esto le permite revisar o corregir fácilmente los efectos que aplica, en caso de que lo necesite.

Paso 2

Necesitamos aumentar el contraste y el grosor de la línea de la imagen, así que aplique un filtro de paso alto a la nueva capa (Filtro> Otro> Paso alto). Use un radio de 14. Establezca el modo de fusión de la capa en Superposición. Se acentuará las texturas estampadas, como la chaqueta de la modelo en esta foto.

Paso 3

Ahora disminuimos el contraste de la capa de fondo. Vaya a Capa> Nueva capa de ajuste> Brillo / Contraste y use una configuración de contraste de -20.

Paso 4

Agregue una nueva capa de ajuste de Curvas. Vaya al menú desplegable Canal y manipule cada canal individualmente. Para el canal rojo, aumente las luces y disminuya las luces bajas usando una curva en forma de S. Para el canal verde: aumenta los reflejos, mantenga los medios tonos neutros y disminuya los bajos. Para el azul, disminuye las luces y aumenta las luces bajas. Ahora debería tener un aspecto similar al anterior.

Paso 5

Cree una nueva capa sobre la capa de ajuste de Niveles y rellénela con un magenta completo (R255, G0, B255). Cambie el modo de fusión de esta capa a Trama y reduzca la opacidad a aproximadamente un 6%. Esto agrega un poco de la calidez asociada con el estilo vintage.

Paso 6

Seleccione la capa de fondo y agregue una capa de ajuste de Tono / Saturación. Mueva el control deslizante de saturación a -20. Esto blanquea la imagen sutilmente sin reducir la calidez agregada en el último paso.

Paso 7

Duplique la capa de fondo y seleccione Filtro> Ruido> Agregar ruido. Use una cantidad proporcional al tamaño de su imagen para dar un toque sutil (mi imagen es de 2,408 x 3,508px, también conocido como retrato A4 a 300 ppp, así que usé 8.0). Asegúrese de que Uniforme esté seleccionado y Monocromo deseleccionado.

Paso 8

Con su capa con ruido seleccionada, seleccione Filtro> Corrección de lente (o presione Cmd / Ctrl + Shift + R). Seleccione la pestaña Personalizado y, en la sección Viñeta, reduzca la cantidad a -100 y empuje el Punto medio a +35. 

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

20 consejos para ilustrar alimentos

20 consejos para ilustrar alimentos

Los ilustradores Elena Resko, Ella Ginn, Kendyll Hillegas, Kiki Lung y Luli Reis detallan sus enfoques para dibujar alimentos, alimentos gloriosos.

Kiki Lung

Me enfoco mucho en el color, ya que juega un papel importante en la determinación del estado de ánimo de una ilustración. En mi opinión, los colores deben sentirse audaces y vibrantes, ser fuertes y exigir atención. Cuando se trata de comida, el objetivo es a menudo celebrar, transmitir un sentimiento de alegría y resaltar su poder para unir a las personas el color hace un gran trabajo con eso.

Trabajo con vectores y los huesos de mis ilustraciones suelen ser geométricos. Me encantan los círculos perfectos y las líneas rectas. ¡La comida a menudo es desordenada! Y me gusta el desafío de traducir algo imperfecto en mi estilo limpio y digital. A menudo trabajo a partir de fotografías y crear carpetas con imágenes de referencia para dibujar. A veces trazó en la parte superior o combino un conjunto de imágenes diferentes, como un rompecabezas superpuesto, para crear una ilustración.

La comida es muy divertida de dibujar porque a menudo hay mucho que comunicar, desde colores y texturas contrastantes hasta honrar ciertos elementos culturales. Las consistencia (derretir chocolate) y las cantidades (granos de arroz en un tazón de arroz) pueden ser difíciles de dibujar, y es importante un buen equilibrio entre la estilización y hacer que un plato o comida parezca fiel a sí mismo.

Recientemente trabajé en un campo que lamentablemente fue rechazado ilustrando alimentos del Mediterráneo.Las escenas tenían que ser desordenadas, tener personalidad y mostrar movimiento. ¡Exactamente el tipo de ilustración de comida que me gusta hacer! Utilicé todas mis técnicas habituales, muchos colores vibrantes, composiciones geométricas para dar una ilusión de caos organizado y texturas contrastantes para dinamizar las cosas.

Kiki Lung

Encuentro el color muy importante y pasaré mucho tiempo haciendo bien la paleta. Intento no pensar en el color en absoluto (aparte de averiguar los contrastes con los degradados en blanco y negro) hasta que me haya decidido por una composición. Una vez que se establece, empiezo a incorporar color a medida que perfeccionó el diseño.

Es una respuesta frustrante, pero el mejor consejo para ser bueno en algo es «¡hazlo mucho»! Me gusta pensar en las cosas en términos de proyectos, por lo que podría ser divertido establecerse dibujando desafíos y crear series de proyectos a partir de ellos. «Todas las comidas que comí esta semana», «Recetas de mi infancia», «Alimentos que mis perros robaron del mostrador», etc. Envíe su trabajo a sus revistas de comida favoritas, blogueros o restaurantes locales.

Luisa Reis

Supongo que mi estilo visual se desarrolló al observar a mis artistas y diseñadores favoritos, y también una especie de «prueba y error». Veía algo que me gustaba e intentaba incorporarlo a mi estilo artístico. Sigo haciendo eso y creo que lo seguiré haciendo para siempre, ya que mi estilo siempre está evolucionando.

Mi mayor inspiración es la naturaleza misma, pero también me siento muy inspirado por el arte de otras personas. Mis ideas surgen al azar en mi cabeza y realmente me gusta discutirlas con algunos amigos para «pulirlas». Este método de discutir proyectos ha demostrado ser muy útil para mí a la hora de crear obras de arte.

Creo que retratar las formas y el contraste entre colores es realmente importante. Además, agregar algún tipo de textura hace que la ilustración sea mucho más interesante. Cómo uso acuarelas, me gusta dejar que la pintura fluya libremente y cuando se seca  me gusta obtener texturas y patrones que dan un efecto realmente genial.

Para mí, el mayor desafío es ilustrar alimentos que no son realmente coloridos y atractivos en la vida real (como las papas) o alimentos muy texturizados (por ejemplo, piel de piña o una hamburguesa).

Recientemente he estado trabajando con una técnica de acuarela más suelta y fluida. Empiezo cualquier proyecto analizando mi referencia (su forma, la textura, cómo se refleja la luz en la superficie, cuáles son los colores principales, tiene algún detalle, etc) y decidiendo qué colores voy a utilizar.

Una vez hecho esto, comienzo a pintar pinceladas sueltas en mi papel para crear la forma base, teniendo en cuenta los colores y las luces, y dejo algunos espacios en blanco, sin agregar pintura en absoluto. Con la pintura aún húmeda, agrego algunos detalles y algunos colores más para profundidad y sombras. Después de que la acuarela esté completamente seca, veo si necesito agregar algún otro detalle (como tallos de hojas) y ¡listo!

El color es una de las cosas más importantes cuando se crea una obra de arte sólida y aprender la teoría del color es muy importante. No creo en las elecciones de color correctas o incorrectas porque el arte es una forma de expresión, y si quieres pintar una pizza rosa, ¡hazlo! Pero elegir la paleta de colores adecuada es clave para lograr un resultado final hermoso, equilibrado y sorprendente.

Por lo general, empiezo a pensar en mis colores al comienzo de un proyecto, justo después de elegir un tema de pintura. Decido mi paleta de colores incluso antes de empezar a dibujar. También mantengo un cuaderno de bocetos para estudios de color, donde pruebo nuevas combinaciones de colores y paletas de colores que me llamaron la atención.

Luisa Reis

Concéntrese en los colores de su ilustración. El cerebro humano funciona de una manera asombrosa y percibimos los alimentos no solo por su sabor, sino también por su aroma y color, y dado que no podemos trabajar con el sabor o el aroma en la ilustración, el color es clave para crear ilustraciones atractivas de alimentos. Intente crear una paleta de colores rica y brillante para sus ilustraciones.

Otra cosa a tener en cuenta es que tu ilustración no necesita ser perfecta. Cuando la comida es demasiado perfecta, ¡en realidad parece falsa! No existe una naranja perfectamente redonda o una magdalena supersimétrica, así que no te preocupes demasiado por eso. Y si es nuevo en la ilustración de alimentos, intente crear obras de arte de los alimentos que ama. Esto hace que el proceso sea mucho más divertido y placentero, y es más probable que esté satisfecho con el resultado.

Kendyll Hillegas

Gran parte de mi inspiración temprana más específica provino de la comida porque la cocina y la cultura gastronómica y las historias gastronómicas son algo que me encanta desde la infancia. Aprovechar esa inspiración realmente concreta y accesible fue vital para desarrollar mi práctica creativa, y si no la hubiera encontrado, no creo que hubiera tenido el impulso y la motivación para perfeccionar mis habilidades. Ahora, después de años y años de práctica, puedo encontrar inspiración en casi cualquier tema o tema, ya que lo que realmente amo es esa práctica de observación cercana.

Al principio, pintar comida era algo que hacía por diversión. Me había graduado de la escuela y había trabajado como barista, tutora, organizadora comunitaria, y unos años después, prácticamente había dejado de dibujar y pintar por completo.

Terminé lidiando con algunos problemas de salud importantes que significaron que tuve que dar un paso atrás en el trabajo y quedarme en casa y descansar la mayor parte del tiempo. Estaba aburrido, solo y buscando desesperadamente algo más que mi cuerpo en lo que concentrarme, así que comencé a pintar lo único que me parecía divertido: la comida.

Trabajo principalmente con medios tradicionales. La mayoría de mis ilustraciones son 100% analógicas, utilizando una mezcla de acuarela, lápiz de colores gouache y bolígrafos de pintura. De vez en cuando, para ciertos trabajos comerciales, incorporó un poco de pintura digital al final. Creo que solo he tenido dos asignaciones que eran 100% digitales de principio a fin. Trabajo principalmente a partir de fotos, ya que la comida es perecedera y mis piezas más grandes a veces pueden tardar varios días en completarse.

Para la editorial puede ser un desafío terminar las cosas a tiempo cuando los plazos son ajustados, lo que ocurre casi siempre. Para CPG, un desafío es tener más personas involucradas en el proceso de toma de decisiones y necesitar hacer revisiones para cumplir con muchas expectativas diferentes.

Creo que un desafío al que se enfrentan muchos ilustradores de alimentos principiantes es querer dibujar o pintar alimentos realmente bonitos (cocina ultramoderna, magdalenas elegantes o pasteles de cumpleaños con forma, por ejemplo). Ven las imágenes de este tipo de comida en las redes sociales y quieren utilizarlas como punto de partida para su trabajo. Sin embargo, en mi opinión, dibujar un pastel con forma de lámpara de mesa rara vez es una buena idea.

Creo que la mejor ilustración de comida suele mostrar comida que parece comida. Quieres que sea hermoso, sí, pero también humano y tal vez incluso un poco imperfecto. Si alguna vez tengo que sacar comida que sea realmente regular y ordenada, intentaré hacer algo para despeinarla, como darle un mordisco, agregar un goteo o untar, o partirla por la mitad. Creo que eso ayuda a que las cosas se vean realmente apetitosas y auténticas.

Kendyll Hillegas

Recientemente, decidí hacer un proyecto autoiniciado en el que recreará algunos de los mismos temas que había pintado cuando me inicié en la ilustración de alimentos. Lo llamé «Entonces / Ahora» y animé a otros ilustradores a compartir sus propios Entonces / Ahora en las redes sociales. Una de mis piezas favoritas de la serie fue un frasco de mermelada Bonne Maman. Esta fue una de las primeras ilustraciones de comida que creé, por lo que volver a abordarla después de varios años fue realmente divertido.

Trabajando en papel prensado en frío de peso ultra pesado (Fabriano Artistico), comencé con capas de acuarela. Utilizo muchas formas diferentes de acuarela, incluido el tubo, el molde / pastel y el lápiz de acuarela, pero en los últimos años me he convertido en un gran fanático de la acuarela líquida (usé la línea Dr. Ph Martins Hydrus en esta pieza) porque no se levanta / reactiva después de que se seca. Esto significa que puede esmaltar y aplicar capas fácilmente, sin crear un enturbiamiento. También usé algunos bolígrafos Kuretake Mangaka para hacer las letras.

Mi objetivo al colocar primero la acuarela es doble: primero, me permite trazar los colores y valores de la pieza, similar a una pintura de base, para que cuando pase a los detalles con lápices de colores, no tenga que hacer como muchas de esas grandes decisiones y puede centrarse principalmente en los matices. En segundo lugar, dado que a menudo me gusta trabajar en papel realmente texturizado, usar solo lápices de colores tomaría mucho tiempo (y mucho lápiz) para rellenar el diente del papel.

Esencialmente, usar acuarela primero resuelve el problema de que los trozos de papel blancos se vean en la pieza terminada. Incluso con papeles más suaves como Rives BFK o papel de acuarela prensado en caliente (mis otros favoritos), sigo usando la acuarela como capa base porque hace las cosas mucho más fáciles más adelante.

Una vez que tengo ese mapa de colores, coloco lápices de colores en la parte superior para crear detalles y para refinar aún más los valores y el color. Otro cambio con respecto a la primera iteración de este tema es qué tan lejos voy con el lápiz de color y con el nivel de realismo.

Anteriormente, solo haría pequeños trozos aquí y allá con lápiz de color. Ahora, gran parte de la pieza, o incluso la mayor parte de la pieza, tiene al menos algún desarrollo con lápiz de color. También me he vuelto un poco más realista, tanto en el dibujo como en el color. Esta pieza es lo más lejos que me gusta ir con realismo, y puedes ver si la comparas con la imagen de referencia, que las proporciones / dibujo están muy cerca de la referencia, y el color obviamente se ha extraído de la referencia. pero también he llevado las cosas un poco más lejos.

Empiezo a pensar en el color desde el principio del proceso. Si es para una asignación comercial como las ilustraciones de empaque de Good Culture (arriba y abajo), a menudo sabrás de antemano que se debe usar un color específico o que se debe evitar otro color específico. Si es para un proyecto autoiniciado como Entonces / Ahora, normalmente empiezo a pensar en el color cuando miro la imagen de referencia. En esta referencia, supe de inmediato que quería seguir mis pistas de la referencia, pero quería llevar el color mucho más allá en términos de saturación y vitalidad. Esto es bastante típico, diría yo.

En general, mi objetivo es hacer que se parezca en un 80% a la referencia (en términos de color) y luego ser un poco más intenso (subiendo el volumen en los colores existentes) e incluso creativo (usando colores que no existen en absoluto) con el  restante. Mi objetivo es hacer que parezca realidad, pero mejor evitando cualquier sensación de artificialidad. Básicamente, quiero que se vea bien, pero no demasiado. También tiendo a elegir colores para sombras y reflejos en función de lo que creará más vitalidad, por lo que generalmente opto por colores complementarios (por ejemplo, usando un poco de verde en la sombra de un sujeto rojizo).

Como paso final, una vez que termine con el lápiz de color, a veces agrego algunos reflejos opacos con un lápiz de pintura Sharpie (acrílico a base de agua) o con gouache acrílico. Luego escaneo la pieza en alta resolución y, si la estoy creando para un cliente, eliminaré el fondo digitalmente para que pueda colocarse fácilmente en un diseño de página o una línea de corte.

Si ya eres un ilustrador establecido con un estilo bien definido y solo buscas entrar en un mercado, yo diría que comienzas a crear trabajos que se adapten al mercado en el que deseas ingresar. Entonces, si desea ilustrar un libro de cocina, comience a ilustrar algunas recetas que encuentre en línea. Incluso podrías colaborar con un blog de comida para ilustrar una o dos de sus recetas existentes (¡o hacer la tuya propia si te gusta cocinar!). Si desea entrar en la ilustración de envases, comience a observar los tipos de ilustraciones que se utilizan en los envases, tanto el tema como el estilo, y también la composición. Empiece a hacer este tipo de trabajo y a agregarlo a su portafolio. Esto es lo que hice.

Si eres un ilustrador nuevo o aspirante y aún no has encontrado tu ritmo, diría que lo más importante es trabajar para encontrar un sentido sostenido de inspiración y motivación y perfeccionar tu oficio. Esto es cierto si vas a pintar de manera realista o de una manera más estilizada. Si cree que podría querer dedicarse a la ilustración de alimentos, comience de manera simple y dibuje y pinte los alimentos que ya tiene en su cocina. Toma tus propias fotos de referencia o trabaja de la vida si tienes un proceso más rápido que yo.

Lo más importante al principio es simplemente dibujar y pintar tanto como sea posible, enfocándose en desarrollar un estilo consistente y un cuerpo de trabajo inicial. Sabrá que tiene un estilo consistente cuando deje de pensar en el estilo; Es como escribir a mano. Cuando aprendes a escribir por primera vez, piensas en cada aspecto de la redacción de cartas de una manera muy consciente, pero eventualmente se convierte en algo que haces sin siquiera pensar en ello.

Ella Ginn

Durante mi curso de ilustración en la universidad, pasé mucho tiempo en el estudio de impresión experimentando con diferentes técnicas. Descubrí que el linograbado me dio las líneas audaces y el movimiento que estaba buscando en mi trabajo. Intentó replicar lo que aprendí del grabado en mis ilustraciones digitales. Trabajar digitalmente hace que mi trabajo sea un poco más accesible para proyectos comerciales, ¡el grabado puede ser un proceso bastante largo y no siempre es fácil hacer cambios! Grabados antiguos, como obras de arte antiguas de cajas de cerillas, envases / carteles de alimentos e ilustraciones botánicas, también inspiran mis ilustraciones.

Encuentro que con la ilustración de alimentos tengo que exagerar demasiado la vitalidad y el color para que la comida se vea lo más atractiva posible, ¡incluso más que en la vida real! Los clientes siempre quieren que la comida se vea lo más fresca y sabrosa posible, por lo que siempre es importante tenerlo en cuenta. En mis pinturas más fotorrealistas, de frutas, por ejemplo, encuentro un buen par de gotas de agua que ayudan a dar esa sensación de frescura, así que no tengas miedo de usarlas, ¡aunque parezca un poco exagerado!

Me siento más creativo y menos restringido en el trabajo analógico al comienzo de un proyecto. Mi objetivo es dibujar tanto como sea posible sin usar referencias para tener una idea de la composición sin estar colgado de ninguna imagen de referencia; Utilizó principalmente fotografías como referencia, sin embargo, ¡trabajar desde la vida es algo que me gustaría hacer más! Recientemente invertí en un Ipad que me encanta usar, así que terminaré mi ilustración en procreate o photoshop.

A veces encuentro un poco desafiante hacer que las ilustraciones de alimentos sean dinámicas. ¡Aquí es donde el color realmente puede ayudar a dar vida a la ilustración! También trato de agregar tanto movimiento como puedo agregar algunas formas atrevidas y jugando con la composición. También me gusta incorporar letras a mi trabajo para agregar otra dimensión y punto de interés.

Ella Ginn

Recientemente trabajé en un proyecto divertido con Tangent Graphic para los gin-&-tonics premezclados de Eden Mill. El objetivo era ilustrar frutas y lúpulos de forma creativa, incorporando varias historias folclóricas para cada lata. El efecto general parece casi un patrón, por lo que era importante que la fruta se destacará sobre las otras ilustraciones basadas en historias. Empiezo trabajando en un color para crear la ilustración base. Una vez que la composición ha recibido el visto bueno, utilizo un segundo color de tono medio para crear el sombreado, esto me ayuda a resaltar la fruta y hacer que resalte contra el fondo.

El color es algo que solía tener bastante miedo durante la universidad, así que trabajaba principalmente en blanco y negro. Recientemente, he sido mucho más aventurero con mis elecciones de color y realmente ha valido la pena. Debido a esto, tiendo a pensar en el color desde el principio, ya que encuentro que ayuda a informar la ilustración. Tiendo a limitar mi paleta para no aburrirme demasiado con la elección y encuentro que evita que mi trabajo se vea demasiado desordenado.

¡No espere a que llegue el trabajo! Si le gustaría entrar en la ilustración de alimentos, establezca el proyecto de sus sueños y agrégalo a tu portafolio. Una vez que tenga un cuerpo de trabajo que lo represente, comuníquese con los estudios de diseño o las marcas para las que le gustaría trabajar. Nunca se sabe quién se comunicará con usted y qué podrían estar buscando. Finalmente, no tengas miedo de experimentar y divertirte, siempre encuentro que mi mejor trabajo es el proyecto que más me divertí.

Elena Rekso 

La atención al detalle es la clave: imagina cuántos colores, texturas y formas diferentes tiene la comida en la vida real, ¡todo es tan diferente! Casi todo lo que comemos es una creación compleja, incluso si es solo una pieza de fruta o una baya, sin hablar de sándwiches de club o algunos platos locos de 100 ingredientes. Cuanto mejor muestra esta variedad, más rica será la ilustración de su comida. Agregue este queso extra, espolvoree más semillas de sésamo, gotee un poco de esta mayonesa.

Mi trabajo es 100% digital, desde los bocetos hasta el resultado final. Generalmente no dibujo de la vida ni de las fotos. Creo que limita tu imaginación tener un ejemplo de la vida real frente a tus ojos.

Si es necesario, vaya a Google o Pinterest para obtener ayuda visual, intente obtener algún tipo de «memoria colectiva» de cómo podría verse y luego interprete a su manera. ¡Es mucho más divertido así! En caso de algo particularmente complicado, estudie el objeto, tenga la idea de algunas características básicas para hacerlo reconocible y luego coloque la referencia lo más lejos posible para no apegarse demasiado a él. ¡Acercarlo a la realidad no es el punto!

Sin embargo, siempre es una buena idea hacer sus propias fotos de referencia. ¿Le gustó la combinación de colores? ¿Vio un gran arreglo de platos en la cafetería? Toma una foto; definitivamente te lo agradecerás más tarde.

Un proyecto reciente en el que me pidieron que dibujara un pastel como símbolo de unidad y celebración. Tenía que ser delicioso y desordenado. Me dieron los colores pastel Lila y verde para trabajar. Así que creé una paleta que complementaba estos dos colores bastante fríos y agregué trozos de ellos al pastel para brindar apoyo y equilibrio. Agregué mucha dinámica en los elementos / ingredientes para que se vea aún más festivo. Y, por supuesto, muchos detalles: el goteo, las salpicaduras, muchos pequeños detalles para mantenerlo todo lo más rico e interesante de ver como sea posible.

Si soy libre de elegir mi paleta de colores, sucede en la mayoría de los casos, tiendo a pensar en ello mientras ya hago bocetos. Simplemente repasando en mi cabeza cuál podría ser una buena solución de color para la pieza.

El punto principal: no tiene que estar cerca de la realidad en absoluto. ¡Realza los colores naturales, mezcla las cosas! Siempre trato de darle un toque diferente a los «colores normales». Sin embargo, no se exceda, aún debe ser apetitoso.

Tengo los colores que más uso, así que tengo algunos de ellos como elemento básico y luego agrego más a la gama de acuerdo con el tema de la pieza. A veces hay una necesidad de usar un color realmente específico (o el cliente puede pedirlo), así que lo tomo y trato de trabajar el resto de la paleta a su alrededor. También es un gran ejercicio.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Ingresa al paraíso del diseño gráfico con estos carteles japoneses antiguos

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un efecto de vidrio en Photoshop

La mente maestra de la vestimenta de Muji y otras leyendas del diseño japonés se presentan en una nueva retrospectiva expansiva.

Si bien Artes digitales está analizando los talentos japoneses más nuevos y las tendencias artísticas en nuestra serie DADA de Tokio, sería negligente no examinar la rica herencia de tesoros del diseño gráfico de Japón.

Pero no es necesario viajar demasiado atrás para explorar el arte del diseño de carteles japoneses, como se celebra en una nueva exposición en  Ámsterdam Museo Stedelijk este septiembre.

El colorido Japón, es el tributo póstumo del museo al diseñador gráfico japonés Shigeru Watano (1937-2012) y presenta 226 carteles japoneses en exhibición en su Galería de Honor. Watano, que vivía en los Países Bajos, era un vínculo vital entre Stedelijk y numerosos diseñadores japoneses. Gracias a su ayuda, Stedelijk pudo adquirir muchos carteles japoneses y los diseñadores japoneses donaron generosamente su trabajo al museo.

Colorful Japan

En comparación con su primo europeo, el diseño de carteles japoneses es una disciplina relativamente reciente; No fue hasta principios del siglo XX que los carteles se utilizaron para publicidad. Los carteles varían mucho en estilo; algunos hacen alarde de tonos vivos y otros son tranquilos, reservados y mínimos. Los diseñadores japoneses exploran un lenguaje visual muy diferente al que se encuentra en Europa. La cultura visual japonesa es menos directa y más matizada, y también a menudo poética. Esto significa que, para los ojos occidentales, la imagen no siempre parece coincidir con el tema, como un personaje ampliado con un texto lírico para la promoción de un concierto pop, por ejemplo.

La exposición muestra una sección representativa del diseño gráfico único de Japón, con el cartel más antiguo que data de 1937 y el más reciente de 2018. Encuentre una selección de estas maravillas del diseño gráfico en nuestra galería de diapositivas, junto con más información sobre los diversos diseñadores. 

En 2018, la Fundación DNP para la Promoción Cultural entregó al museo un generoso obsequio de 92 carteles, gracias a los cuales la colección Stedelijk de 800 carteles japoneses es la más grande de Europa.

Una pared de la exposición está dedicada exclusivamente al diseñador gráfico y artista de fama internacional Tadanori Yokoo, conocido en estos días como artista de portada de clásicos recientemente reevaluados por el músico Haroumi Hosono. En 1974, con la ayuda de Watano, el Stedelijk fue el primer instituto europeo en exhibir el trabajo de Yokoo.

La curadora Carolien Glazenburg dice sobre la exposición: «Destacando 226 carteles japoneses de nuestra colección, el Japón colorido literalmente explota de color.

«Con carteles del suelo al techo, las paredes de la Galería de Honor sumergen a los visitantes en un mundo caleidoscópico «.

Shigeo Fukuda (febrero 4, 1932 – 11 de enero de 2009) fue un escultor, artista gráfico y diseñador de carteles que creó ilusiones ópticas.

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, Shigeo se interesó en el estilo minimalista suizo del diseño gráfico y se graduó de la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música en 1956.

Shigeo Fukuda

En 1987, Fukuda fue incluido en el Salón de la Fama del director de arte en la ciudad de Nueva York, lo que lo convirtió en el primer diseñador japonés elegido para este reconocimiento. El Art Directors Club destacó el «comentario mordazmente satírico sobre la insensatez of war «que se muestra en esta pieza Victory 1945, que le valió el gran premio en el Concurso de carteles de Varsovia de 1975.

Este cartel fue diseñado como un anuncio de los ferrocarriles japoneses por Muneji Satomi en 1937.

Satomi, nacida en la ciudad japonesa de Osaka, estudió en la Ecole des Beaux Arts de París y fue una de las maestras en el campo del diseño de carteles japoneses.

Esta imagen se incluyó en la exposición V&A Art Deco de 2003. El estilo Art Deco fue popular en Japón, ya que se inspiró en parte en el arte asiático y combinó elementos de tradición y modernidad. La reconstrucción de Tokio después de un gran terremoto en 1923 vio la construcción de muchos edificios Art Deco en la capital.

Este cartel resume el estado de ánimo en Japón en ese momento con su coexistencia de lo antiguo y lo nuevo. Signos tradicionales de la identidad japonesa, como el cerezo, aparecen junto a iconos de la modernidad industrial como los mástiles de ferrocarril y teléfono.

Nacido en Tokio en 1929 y graduado de la Universidad de Hosei, Kiyoshi Awazu fue un artista autodidacta que recorrió los mundos del diseño y el arte de vanguardia con igual aplomo.

El creador dijo una vez que la misión de un diseñador era «extender lo rural a la ciudad, poner en primer plano el folclore, despertar el pasado, recuperar lo obsoleto». Lo logró haciendo carteles como estos, ricos en simbolismo y un surrealismo sorprendente.

En la Exposición de Arte Publicitario de Japón en 1955, recibió el Premio del Club de Artistas Publicitarios de Japón; tres años después, ganó el Gran Premio en el Concurso Mundial de Carteles de Cine en Francia. Más elogios en el extranjero llegaron con los carteles ‘Double Suicide’ y ‘Anti-War’, que ganaron los premios de plata y especiales, respectivamente, en la Exposición Bienal Internacional de Carteles en Varsovia, Polonia en 1970.

Su experiencia fue variada e incluyó el diseño urbano y el cine y proyectos de teatro. En 1969, ganó un Premio de la Academia de Japón a la dirección de arte por la película Double Suicide en Tenno-Amijima. También puedes ver a Kiyoshi interpretándose a sí mismo en el clásico de culto japonés LGTBQ Funeral Parade of Roses.

Ikko Tanaka (13 de enero de 1930 – 10 de enero de 2002) es posible que conozca como uno de los cerebros detrás de la cadena minorista japonesa Muji.

Nacido en la ciudad de Nara, Ikko estudió arte en la Escuela de Bellas Artes de la ciudad de Kioto. Más tarde trabajó en Sankei Shinbun, Nippon Design Center, y posteriormente estableció su primer estudio de diseño en Tokio en 1963. A

Ikko se le atribuye el desarrollo de Muji junto con el consultor de marketing Kazuko Koike y el diseñador de interiores Takashi Sugimoto. Ikko articuló la visión y apariencia de Muji, y proporcionó ideas y prototipos que visualizaron la estrategia de diseño de la marca.

Trabajó como director de arte de Muji hasta 2001. En septiembre de 2012 hubo una retrospectiva del trabajo de Ikko en 21 21 Design Sight en Tokio, comisariada por Kazuko Koike.

Ryuichi Yamashiro se desempeñó como asesor artístico de Asahi, Toshiba y otras empresas industriales. También fue profesor invitado en el Instituto de Diseño de Kanazawa y director del Centro de Diseño Nippon.

Sus obras han recibido numerosos premios; en 1957 y 1960, recibió, entre otras cosas, las medallas de plata y bronce del Art Director Club Tokyo y luego numerosos otros premios nacionales e internacionales.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Camisetas: los mejores lugares para imprimir camisetas con su diseño personalizado

Camisetas: los mejores lugares para imprimir camisetas con su diseño personalizado

Hemos encontrado 10 empresas del Reino Unido que cubren o se especializan en tres métodos principales de impresión de camisetas: serigrafía, impresión directa a la prenda o impresión por sublimación. Algunas entregan el mismo día y otras quizás necesites un poco de margen de maniobra. Algunas empresas ofrecen prendas sostenibles o recicladas, otras una gama especializada de tintas y tintes.

Ya sea que esté buscando imprimir una carga de camisetas a granel para vender, o solo una camisa a medida como regalo, lo tenemos cubierto.

Hemos desglosado las empresas según los procesos de impresión que ofrecen, con un poco de información sobre las diferencias entre los procesos. Primero que nada, serigrafía.

Serigrafía

La serigrafía será su mejor apuesta en términos de calidad para pedidos a granel e impresión de un diseño con solo uno o dos colores. 

La serigrafía funciona empujando la tinta a través de una plantilla de malla sobre la camiseta. Cada color de su diseño necesita una plantilla diferente. Luego, todas las plantillas requeridas se alinean e imprimen en todas las prendas en una prensa automática utilizando las mismas pantallas. Aunque este proceso tradicional parece un poco más laborioso, los que hacen serigrafía suelen ser apasionados de su oficio y dicen que sigue siendo el mejor proceso para imprimir textiles.

Monsterpress

Monsterpress ha estado imprimiendo serigrafía durante más de 10 años. Se sienten apasionados por la calidad que producen en un tiempo de respuesta de entre 7 y 10 días hábiles.

Puede optar por crear su diseño en tintas premium estándar, de descarga, plastisol, plastisol transfer o de lecho de agua, o de una gama de tintas especiales como metálicas, neón, CMYK en Heather y que brillan en la oscuridad. 

Consulte su ropa más popular en la página de ofertas para obtener una indicación de sus tarifas competitivas. También tienen precios para prendas individuales en un catálogo online para que te hagas una idea de la diferencia de precio. Monsterpress tiene un pedido mínimo de 20 piezas por diseño / prenda, pero recomienda al menos 25/50 para obtener mejores precios.

Vale la pena ver algunos hermosos diseños impresos por Monsterpress en su cuenta de Instagram. Un kit de maquetas, una guía de impresión de cuello o una guía de ilustraciones para serigrafía también están disponibles para descargar desde su sitio.

3rd Rail

Presentamos 3rd Rail originalmente en nuestros mejores sitios web para encontrar su próximo resumen de camisetas geniales , pero 3rd Rail también ofrece un servicio de serigrafía personalizado desde su estudio de Londres.

Como un servicio similar a Monsterpress, 3rd Rail tomará tu diseño y lo imprimirá en camisetas. Tienen una gama útil de plantillas de tamaño de obra de arte estándar, como el pecho izquierdo, el centro del pecho o todo el cuerpo, para ayudarlo a comprender qué funcionará bien para su diseño.

Si todavía está un poco atascado, consulte sus kits y plantillas de maquetas de camisetas para que el proceso de diseño sea un poco más claro.

3rd Rail ofrece tipos de tintas estándar como plastisol, a base de agua, de descarga y transferencia, y también una gama de tintas especiales como fluorescentes, agrietadas, laminadas y reflectantes.

Everpress

Everpress es una nueva plataforma en línea dedicada en ayudar a ejecutar su propia serie de camisetas a medida sin costos iniciales. Simplemente cargue su diseño, elija sus prendas y cree su propia página de campaña lista para que los compradores realicen pedidos anticipados.

La plataforma comenzó en 2016 con el deseo de simplificar la producción y distribución de mercadería de venta. Centrado principalmente en diseñadores, ilustradores y la industria de la música, Everpress tiene como objetivo permitir que estas profesiones vendan camisetas, sudaderas con capucha y sudaderas directamente a sus comunidades y fans individuales.

Puede monitorear los visitantes en vivo y las estadísticas de ventas desde la comodidad de su hogar con un tablero en línea, y una vez que finaliza la campaña, Everpress imprime todos los artículos en un lote y los entrega directamente a los compradores a nivel internacional. Los costos de producción provienen de los ingresos por ventas y usted toma todas las ganancias.

Para tener una idea de cómo se ve todo esto, vea lo que Everpress ha hecho para su propia campaña de camisetas 50/50 que incluye diseños de Supermundane, La Boca y más para la organización benéfica contra el cáncer Trekstock.

Blackwater Studios

Blackwater Studios se ha especializado en camisetas de serigrafía durante más de 40 años, por lo que probablemente sea seguro asumir que definitivamente saben lo que hacen.

Respaldando con orgullo las ventajas de la serigrafía sobre otros métodos, como la calidad, el volumen y la flexibilidad, Blackwater Studios ofrece un pedido mínimo de 25 y un formato de pedido en línea simplificado. Solicite una cotización antes de realizar un pedido, luego elija entre sus cómodas tintas estándar y su colección de estilos de serigrafía. Puede elegir el tamaño, el color y el algodón de su prenda en consecuencia.

También ofrecen algunas agradables ofertas de impresión de camisetas.

Merch Asylum

Esta empresa de serigrafía textil en las afueras de Cardiff puede ser un poco menos conocida, pero ofrece algunas buenas oportunidades para serigrafiar camisetas en lotes.

Con instalaciones para imprimir tiradas de productos a pequeña o gran escala y un equipo de gráficos interno para ayudarlo, tiene algunas opciones. March Asylum tiene una base de clientes compuesta por marcas de moda en todo el Reino Unido y Europa.

La compañía del sur de Gales dice que la mayoría de sus trabajos se imprimen en una prensa automática, pero ofrecen serigrafía manual de tiradas más pequeñas y trabajos con ubicaciones de impresión no convencionales.

Un poco más que la oferta de Blackwater Studio, Merch Asylum ofrece 50 camisetas con una impresión a color. Aunque su sitio web no tiene muchos ejemplos de trabajos anteriores, el mejor lugar para consultar es su blog.

Directo a la prenda (DTG)

Si el proceso de serigrafía no le atrae, existe la opción de impresión directa a la prenda (DTG), que se utiliza mejor si su diseño tiene muchos colores o solo desea una pequeña cantidad de productos. DTG tiene un costo ligeramente más alto debido a la tecnología utilizada, pero si desea libertad creativa para usar la mayor cantidad de color posible en su diseño, entonces puede ser el camino a seguir.

Shirt Monkey

Si está buscando una impresión económica directa a la prenda en el Reino Unido, Shirt Monkey son sus hombres. Trabajando desde Cheshire durante los últimos cuatro años, esta pequeña empresa imprime CMYK y tinta blanca en prendas de casi cualquier tipo de tela o camiseta de color utilizando sus nuevas impresoras Kornit.

Shirt Monkey también ofrece «doblar y empaquetar» cada prenda lista para la venta, y para los diseñadores que pueden estar buscando lanzar una tienda en línea, ofrecen un diseño y una configuración de comercio electrónico completamente personalizados.

Ético

Las dos próximas empresas de impresión de camisetas hacen hincapié en la ropa orgánica, de comercio justo, sostenible y reciclada. Si desea su diseño en una camisa ecológica, eche un vistazo a las diferentes opciones de prendas AM Custom Clothing y Rapanui Factory.

Ambos venden camisetas de bambú, una opción de moda ecológica bastante nueva. Las camisas de bambú cuestan menos que muchas otras telas y no implican el uso de pesticidas y fertilizantes en el proceso. Puede leer más sobre esto en el blog de AM Custom Clothing. Rapanui Factory dice que las camisetas de algodón orgánico al por mayor son su artículo más popular, pero también ofrecen la compra de camisetas si se solicita.

AM Custom Clothing

AM Custom Clothing ofrece serigrafía, impresión por sublimación de tinta e impresión DTG, pero lo que distingue a esta empresa es su opción de elegir entre prendas de comercio justo, orgánicas y recicladas. La moda de comercio justo es uno de sus valores importantes, y puede encontrar mucha más información sobre de dónde obtienen sus materiales y prendas en su blog y sitio web.

Si desea imprimir menos de 25 artículos simples, entonces es bastante fácil comprar en línea; de lo contrario, le aconsejan que solicite un presupuesto.

Rapanui Factory

Otra empresa polifacética comprometida con la sostenibilidad es Rapanui Factory. La fábrica fue construida para la marca de moda Rapanui, pero ha crecido para abarcar la serigrafía, DTG y la fabricación de camisetas a granel. Han producido camisetas impresas para empresas como Lush, WWF y Bestival.

Rapanui Factory ofrece impresión DTG para diseños con mucho color y tiradas cortas. Sin cargo de instalación, su obra de arte puede tener la opción de tintas especiales sin costo de instalación. Incluso ofrecen pautas de arte, como plantillas en formato PSD, AI y PDF. Los PNG transparentes son la mejor manera de aprovechar al máximo la impresión DTG.

Impresión por sublimación

La impresión por sublimación es probablemente el método de impresión más económico si desea un diseño que necesite una cobertura total o una impresión completa. Este estilo de impresión utiliza calor y presión para transferir el tinte a la prenda. Su obra de arte se imprime en una hoja de papel de alta liberación y se transfiere con el calor: las partículas de tinte se convierten en gas donde se unen a las fibras. La mejor parte de la impresión por sublimación es que su diseño no se agrieta ni despega fácilmente. Vale la pena señalar que un verdadero negro no se puede lograr con la sublimación de tinta, ya que las camisetas solo pueden absorber una cierta cantidad de tinta.

Printsome

Con clientes anteriores como Facebook y Tate, Printsome ofrece un servicio experto de impresión de camisetas, especialmente para pedidos a granel con un plazo de entrega estándar de 5 a 10 días.

Hacer pedidos con Printsome al por mayor reducirá el precio, mejorará la calidad constante y ampliará sus opciones. Tienen marcas de camisetas listas para que las personalices con tu diseño y, si no estás seguro de cuál es la mejor, su equipo de diseño puede ayudarte.

Aunque atienden pedidos a granel (aceptan pedidos de un mínimo de 10 impresiones), puede pedir menos de 10 unidades con su función de tienda. Esto le permite diseñar, personalizar y comprar en línea.

Su sitio web es muy fácil de usar, con muchos ánimos para simplemente llamarlos y pedir un presupuesto y una opción ingeniosa para tener un chat en vivo. Pero primero puede navegar por su catálogo para tener una idea de lo que ofrecen.

Impresión de prendas de vestir

Si está buscando una respuesta rápida, como en el mismo día o al día siguiente con una tirada de poca cantidad, la impresión de prendas de vestir ofrece serigrafía, sublimación y DTG con esto en mente.

Aunque la impresión de prendas de vestir puede tener un fuerte impulso hacia los productos promocionales o las tiradas de camisetas con un presupuesto bajo, es difícil no entusiasmarse con su eficiencia y la gran cantidad de opciones que se ofrecen.

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