Tutorial Illustrator y Photoshop: diseño de camisetas usando arte vectorial

Tutorial Illustrator y Photoshop: diseño de camisetas usando arte vectorial

Use Illustrator para dibujar un gráfico de estilo motero usando formas vectoriales.

Joshua Smith, también conocido como el ilustrador inconformista Hydro74, tiene un estilo que se reconoce al instante: combina las líneas gruesas y limpias del graffiti con la iconografía de los tatuajes y la simetría y los patrones del arte vectorial. Aquí te explica cómo creó su último trabajo, basado en sus motivos habituales de calaveras y remolinos mezclados con el icono de la ilustración de esta primavera/verano, el búho.

A medida que sigues este tutorial, descubrirás muchos trucos que te ayudarán a crear mejores obras de arte y trabajar más rápido en Illustrator. Aprenderás a mejorar tus habilidades con el arte lineal, el sombreado con rellenos planos y técnicas de color para paletas limitadas (para mantener bajos los costos de impresión). 

Joshua dice que como sus técnicas se tratan más de dibujar formas vectoriales con las herramientas de lápiz que con trazos de pincel, obtendrá mejores resultados con un mouse que con una tableta gráfica.

Paso 1

Primero, hice un dibujo muy aproximado de la cabeza de un búho para poner la pieza en movimiento. Luego entré en Photoshop y lo hice simétrico. El objetivo aquí con un dibujo básico y básico es permitirse ser más creativo en Illustrator a medida que hace clic. Nunca solo quieres rastrear lo que hay allí, sino que agrega tu toque a lo que se siente bien y permite que ese demonio creativo interno pregunte: ‘¿Y si hiciéramos esto?’.

Puedes usar tu propio boceto.

Paso 2

Importa tu imagen a Illustrator, amplíela a un tamaño decente y reduzca la transparencia al 50%. A partir de ahí, configure una guía en el centro de la imagen.

El objetivo es ahorrar tiempo, dibujando así un lado y perfeccionándolo. Crea una nueva capa que le permita hacer clic en el dibujo para ver cómo va el progreso.

Paso 3

Ahora es el momento de hacer clic y arrastrar con la herramienta Pluma (P). Al hacer clic, comience a agregar pequeñas cantidades de detalles y explore lo que funciona.

No sigas tus líneas directamente desde el dibujo, pero permítete ser libre: lo estás haciendo para explorar.

Paso 4

Cuando llegues a un buen lugar, copia el arte y dale la vuelta. Una vez que pongo los dos lados juntos, puedo ver dónde están mis errores o si estoy en el objetivo.

Este es un buen momento para alejarse por unos momentos y tomar una taza de té, para que pueda mirar la pieza con ojos nuevos. 

Paso 5

Una vez que haya dibujado el contorno, es hora de agregar algunos detalles. Trabajé un poco de grabado en la pieza creando piezas largas y delgadas en forma de triángulo dispuestas juntas en una fila. 

Paso 6

Tome el elemento de grabado y juegue con él estirándolo y luego colocándolo sobre las cejas del búho. Para canalizarlo entre las cejas, seleccione el elemento, abra el Buscatrazos (Shift + Cmd / Ctrl + F9) y usa la función Recortar.

Una desventaja de esta función es que cada vez que recortas, notarás molestas líneas en blanco. Para eliminarlas, usa la herramienta Pluma para hacer una línea sin color ni trazo, luego haga clic en Seleccionar> Mismo> Relleno y trazo. Presiona Eliminar y listo. Mantén una copia de las líneas de grabado cerca. 

Paso 7

Detalla la frente creando unos semicírculos y alineándose en una fila. Apile estas filas para cubrir el área que desea llenar.

Es útil agrupar (Cmd / Ctrl + G) estas formas antes de colocarlas en la parte superior de la ilustración para que no tengas que hacer clic en ellas individualmente si cometes un error.

Paso 8

Repita las técnicas del Paso 6 para agregar grabado a estas ‘plumas’ (por eso te dije que guardaras una copia de esas líneas de grabado). Puedes llenar cada semicírculo por separado, o llenar toda la sección con este elemento. Para ganar tiempo. Decidí hacer cada uno individualmente, ya que se ve mejor.

Paso 9

Para rellenar cada semicírculo individualmente, duplique el elemento recortado que acaba de crear, en lugar de recortar cada área. Una vez que haya terminado de llenar esas áreas, selecciona cada una y recórtala en la cabeza. Si deseas experimentar aquí, intenta usar formas más anchas o más pequeñas, o puntos de semitono.

Paso 10

Ahora para algunos detalles. Este es un buen punto para comenzar a rellenar áreas con negro y agregar pequeños rasguños de textura. El objetivo es que parezca algo orgánico.

En este punto, también me gusta comenzar a eliminar cosas que no necesito, pero no quiero perder nada en lo que trabajé en caso de que cambie de opinión. Crea una copia, arrastrala hacia la parte superior y podrás experimentar sin preocupaciones.

Paso 11

Agrega algunas plumas a los lados, fluyendo hacia abajo para atar los elementos del cuerpo. También completan las dimensiones de la obra de arte para adaptarse mejor a la impresión de una camiseta. Quiero poner una calavera debajo de la cabeza, pero si las calaveras no son lo tuyo, agrega una pequeña nube esponjosa, o un arbolito feliz, o algo.

Paso 12

Si tiene un cráneo con marca registrada Hydro74 a mano, no dude en usarlo ahora. La tipografía personalizada también funciona bien aquí. Suelta el cráneo y comienza a construir las áreas circundantes. Está empezando a juntarse un poco ahora.

Paso 13

Separe los diferentes componentes, el búho y el cráneo, como elementos individuales. Para hacer esto, agrupe la cabeza del búho y trace su contorno en blanco. Repite con el cráneo. De esta manera, puede cambiar el tamaño de esos elementos más fácilmente.

Paso 14

Ya que tiene las dos cabezas rellenas, comience a colocar algunos reflejos y áreas oscuras en una de las alas para agregar detalles. Juega con algunos elementos de grabado y envíalos a la parte de atrás, detrás de la cabeza y el cráneo del búho. Para detallar la otra ala, toma el lado en el que trabajaste, duplícalo y dale la vuelta. Finalmente, para el contorno, agregue algunos ojos al cráneo. Trate de ignorar el hecho de que su búho ahora tiene ojos en lugar de pezones.

Paso 15 

Es hora de agregar color. Esta es la parte difícil, pero aquí hay un truco: crea una versión de arte lineal de tu obra de arte debajo de la ‘grabada’, para que puedas rellenar las partes sin jugar con el sombreado. Para hacer esto, coloca un rectángulo grande en la parte superior y selecciona Recortar en la paleta Buscatrazos. Elimina todos los trazos y rellenos en blanco. Bloquea todo excepto la pieza actual.

Haz clic en Cmd / Ctrl + Shift + D para obtener un fondo transparente. Selecciona un trozo de blanco en tu ilustración, luego haz clic en Seleccionar> Mismo> Color de relleno y elimínalo. Todo lo que queda debería ser el negro. Fusionarlos juntos. Ahora crea una nueva capa y colócala debajo de tu arte lineal. Bloquea la capa de arte lineal.

Paso 16

Para completar la impresión y hacer que parezca más icónica, agregué algunos remolinos y formas orgánicas alrededor del diseño principal.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Revisión de Dell Canvas: la alternativa barata de Wacom Cintiq

Revisión de Dell Canvas: la alternativa barata de Wacom Cintiq

El Dell Canvas se siente como una versión reutilizada, actualizada y más barata de la Cintiq 27QHD Wacom, la pantalla de tableta del tamaño de un escritorio. Es más que una simple copia, a pesar de que tiene la marca de un producto Dell, las dos compañías han trabajado juntas para crearlo, pero no cumple con lo que esperamos, incluso a un precio más barato.

Tuve la oportunidad de dibujar y pintar en mi aplicación de escritorio preferida, Photoshop, en Dell Canvas en oficinas de Londres. Entonces, aunque se actualizó de alguna manera desde el dispositivo Cintiq Wacom anterior, ahora es una tecnología obsoleta. Por ejemplo, los nuevos Wacom Pros más grandes tienen una resolución de 4K, el Dell Canvas es solo QHD (2.560 x 1.440).

Antes de entrar en mayores detalles, mi propia configuración actual es la siguiente. Soy un ilustrador independiente profesional y actualmente estoy usando una tableta Intuos Pro Medium con una iMac Retina 5k. También trabajo con un iPad Pro. He revisado numerosos dispositivos de dibujo para artes digitales y otros a lo largo de los años, incluido el producto profesional insignia anterior de Wacom, el 27QHD.

También es importante tener en cuenta en este punto que, si bien los Cintiq de Wacom son compatibles con Mac y PC, el Dell Canvas es solo para PC. Esto puede ser un factor decisivo instantáneo para algunos. Lo probé conectado al competidor iMac Pro de Dell, el Precision AIO 5750, que tiene el tipo de hardware de gráficos que necesita para alimentar la pantalla de dibujo QHD de Canvas junto con su propia pantalla 4K.

Pantalla grande y de bajo costo 

Para la mayoría de los artistas y diseñadores, la razón clave para considerar el Dell Canvas es que es notablemente menos costoso que los Cintiq más grandes de Wacom (Wacom también vende Cintiq Pros de 13 y 16 pulgadas).

Tanto el Dell Canvas como el modelo Cintiq más antiguo atraerán a los creativos con presupuestos más bajos, tal vez a aquellos que estén considerando comprar una tableta de pantalla grande por primera vez.

Los precios de 32 pulgadas por supuesto, volverán a ser significativamente más altos, pero no está claro exactamente cuánto, y la fecha de lanzamiento sigue siendo TBC también. Quizás el costo de la Wacom 27QHD disminuya aún más una vez que finalmente se lance la de 32 pulgadas, o Wacom dejará de venderla, pero eso es mera especulación en este momento. 

Dell Canvas vs Wacom Cintiq

Sin importar cómo lo mire, si planeas invertir en un nuevo dispositivo de este tipo hoy, y los fondos son tu principal preocupación, Dell Canvas representa la forma más barata de ingresar a este mundo por un margen significativo. ¿Tienes algún inconveniente con este punto de entrada más bajo? Bueno, en primer lugar, hay otra ventaja. La Wacom Cintiq 27QHD se lanzó en 2015 y la pantalla Dell Canvas utiliza tecnología más reciente. Es notablemente más brillante que el Cintiq anterior y también hay una mejor gama de colores. El paralaje (el espacio entre la ubicación del lápiz en la pantalla y el lugar donde realmente aparecen las marcas en dicha pantalla) también se ha reducido gracias a la tecnología de pantalla más delgada.

Al ver todo esto primero, al principio me impresionó y tenía muchas ganas de empezar a dibujar en el dispositivo. Tiene una sensación más angular que las esquinas de radio de la Wacom 27QHD, pero aparte de eso, es claramente un dispositivo de gama alta que se notará en su escritorio, y no solo por el espacio que ocupa. Aparentemente, el lápiz también se ha producido en colaboración con Wacom, y aunque es ciertamente aceptable en términos de tacto, y mejor que el lápiz Microsoft Surface en cierta medida, también se queda corto con el Wacom Pro Pen 2 y el Apple Pencil.

A diferencia de los bolígrafos Wacom, tampoco tiene un borrador en el otro extremo. Tiendo a elegir mis borradores como lo haría con otros pinceles, es decir, desde la interfaz del software que estoy usando. Como tal, no es realmente algo que me moleste personalmente, pero solo en términos de «llevar la cuenta» de las pequeñas diferencias, es otra pequeña rebaja para el Dell Canvas.

Control deficiente del pincel

Descargué un trabajo que había comenzado en mi iPad. Cuando trabajo en un retrato, después de los lápices iniciales, mi siguiente paso es construir mis tonos con aerógrafos suaves. Aquí es donde tuve el mayor obstáculo. Dibujar líneas individuales se sintió cómodo y receptivo, pero cuando probé un sombreado suave, realmente tuve problemas. En teoría, el lápiz Dell tiene la misma sensibilidad de lápiz que el Wacom equivalente (2048 niveles), aunque el Wacom Pro Pen 2 es aproximadamente cuatro veces más sensible (8192 niveles). Cuando estoy acostumbrado a controlar la opacidad de imperceptiblemente débil a muy fuerte, a veces con un solo trazo, solo pude lograr un efecto escalonado con manchas. De hecho, me sorprendió mucho.

Me preguntaba si había configurado algo mal, ya sea en Photoshop o en la configuración general del lápiz, pero por más que lo intenté, no pude arreglarlo. Solo pude controlar manualmente la opacidad del pincel desde el menú, lo que me llevó a una experiencia frustrante de parada y arranque en la que no podía simplemente pintar sin pensar en ello. Dado que mi tiempo en el dispositivo es relativamente corto, es difícil decir si este es un problema fundamental que los pintores que necesitan hacer marcas sutiles van a experimentar en todo momento, por lo que el dispositivo es esencialmente redundante. ¿O es algo que se puede mejorar dedicando más tiempo a investigar la configuración o tal vez incluso descargando un nuevo controlador?

También es posible que este sea un problema del que Dell esté al tanto, y tal vez mejore/solucione en una futura actualización del controlador. Todo lo que puedo decir es que, después de haber usado muchos dispositivos Wacom a lo largo de los años, tanto en mi trabajo diario como cuando revisaba nuevos productos para artes digitales y otros, nunca había experimentado algo como esto. Esperaba poder decir que Dell funcionó bien como un Cintiq 27QHD ligeramente actualizado y, al ser más barato, era una forma sensata de ingresar al mundo de los dispositivos de dibujo profesionales, pero hasta saber si esto se puede arreglar, honestamente no puedo recomendarlo a los artistas.

Si no necesitas poder variar la presión en un solo golpe, es posible que esto no sea un problema para ti. Este dispositivo no es solo para ilustradores y artistas, después de todo, y no hay ninguna razón por la cual, incluso si este problema realmente no se puede solucionar, no sería una pantalla interactiva fantástica para otros esfuerzos creativos como, por ejemplo, editar una película o creación de animación.

Subiendo arriba el dial

Pasando de este tema ciertamente problemático, hay más que discutir. Con un dispositivo de este tamaño, la forma en que interactúas con él, más allá del uso del lápiz, es muy importante. En revisiones anteriores tanto de la Cintiq 27QHD Wacom como de los nuevos modelos Pro, noté cómo una vez que su teclado ya no está fácilmente al alcance, hay una curva de aprendizaje notable en términos de hacer que su flujo de trabajo vuelva a ser fluido.

El Wacom de 27 ”presentó el control remoto portátil, que cuenta con numerosos botones físicos que se pueden programar con accesos directos. También se puede colocar magnéticamente en el Cintiq o sostenerlo en la mano.

Dell ha optado por un ‘Totem’, un dispositivo de rueda giratoria similar al Microsoft Surface Dial. Este último sólo funciona cuando se coloca en la pantalla y no tiene botones físicos (aunque tocar la parte superior actúa como un solo botón). En su lugar, hace clic y mantiene presionado y aparece un menú radial. Una vez que seleccione una opción desde aquí, puede girar el tótem hacia la izquierda o hacia la derecha para disminuir o aumentar la selección. Por ejemplo, esto podría usarse para cambiar el tamaño del pincel a la mitad del trazo, para acercar o alejar, o incluso para marcar hacia atrás a través de numerosos estados de deshacer. Personalmente, prefiero la idea de los botones físicos del Wacom Remote, porque luego, eventualmente, puede usar la memoria muscular para mejorar su flujo de trabajo.

Con un Dial (o Totem en este caso), siempre debes mirarlo primero para seleccionar el modificador en el menú. Además, donde el Surface Dial se sentía como si permaneciera mayormente en su lugar, al girar el Totem descubrí que no giraba bien en absoluto y se deslizaba considerablemente por la pantalla. Como tal, solo los ajustes que requieren pequeñas rotaciones fueron prácticos/cómodos, porque estaba tratando de girar la rueda y también empujando contra ella para mantenerla en su lugar al mismo tiempo.

Una vez más, quizás pasar más tiempo con esto podría revelar la mejor manera de aprovecharlo al máximo, pero hay otra característica, exclusiva de este dispositivo, que potencialmente ofrece una mejor solución a los problemas del flujo de trabajo. Llamadas Dell Canvas Palettes, puede personalizar una interfaz visual en pantalla de botones para accesos directos e incluso archivos. Esto debería anular algunos de los problemas con el dial, permitiéndote realizar rápidamente las acciones que estás usando para hacer con tu teclado. Luego también están ‘Fences’, que le permite dividir la pantalla en varias ventanas de aplicaciones, similar a la pantalla dividida de Apple en iOS, pero no limitada a dos. Esta es otra característica que lo coloca por delante de Wacom 27QHD en términos de flujo de trabajo personalizable.

Revisión de Dell Canvas: Veredicto

Para concluir, si bien el Dell Canvas tiene algunas características interesantes, los problemas que tuve con la sensibilidad a la presión del lápiz y la resolución más baja en comparación con los nuevos modelos grandes de Cintiq Pro, significa que me resulta difícil recomendar esto, ciertamente para cualquiera que quiera usarlo como artista.

Sí, está en el extremo más bajo del rango de precios para una pantalla de dibujo grande. Además, debido a que es tan grande, todavía se necesitará un brazo Ergo adicional (y un adaptador) para aprovecharlo al máximo en términos de postura y comodidad, y de todos modos todavía está mirando la marca de 2k.

Puede ser que tenga un uso creativo para él que no se verá frenado por la falta de sensibilidad a la presión que experimentamos (que puede ser reparable) o la resolución más baja. Si ese es el caso, aún puede pensar en él como un Wacom 27QHD con una mejor pantalla y algún software a medida útil para mejorar el flujo de trabajo, donde Dell ha pensado detenidamente cómo puede usar un dispositivo tan grande sin reducir la productividad.

Sin embargo, en general, el Dell Canvas se siente como si estuviera en un área gris inusual, ni lo suficientemente barato como para funcionar realmente como un dispositivo de nivel de entrada, pero también obviamente se está quedando atrás en términos de resolución. Se verá absolutamente impresionante en un escritorio para un observador casual, y su multitáctil puede reconocer hasta 20 dígitos en la pantalla al mismo tiempo, lo que lo hace ideal para el trabajo colaborativo, pero esto se siente como un caso de uso de nicho.

Daniel Gray (Australia)

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Brillantes consejos para crear mapas ilustrados

Brillantes consejos para crear mapas ilustrados

Ya sea que estés dibujando ilustraciones de mapas a mano o diseñando con vectores, aquí hay algunos consejos de ilustradores destacados

Al elegir colores para un mapa ilustrado, me gusta comenzar con el color de un monumento o símbolo de la ciudad. Para mi mapa de San Francisco, el primer color que elegí fue el rojo del puente Golden Gate. Luego construí mi paleta de colores a su alrededor.

Benoit Cesari (FR)

Para la composición de tú mapa, intenta jugar con la geografía de la ciudad. No es gran cosa si las cosas no están exactamente en el lugar correcto. Dibujar algunos monumentos o lugares más grandes de lo que realmente son o con una forma diferente a la que tienen puede agregar más carácter a tu diseño.

Benoit Cesari (FR)

La claridad es fundamental para que un mapa transmita información y se entienda perfectamente. La armonía de los elementos gráficos es muy importante, así que intenta ceñirte a una paleta de colores limitada (con colores que contrasten bien) y dos tipos de letra como máximo.

Romualdo Faura (SP)

Cuando diseño un mapa, lo primero que hago es analizar la información que tengo que incluir y los puntos más importantes del mapa. Luego busco mapas (generalmente en Google) que se pueden usar como plantilla para comenzar a dibujar.

Trabajo con capas y uso la herramienta Pluma para dibujar contornos de mapas, usando un mapa real como guía. Trabajo con ángulos rectos y de 45 °, luego agrego elementos al mapa (casas, árboles, etc.) y finalmente comienzo con el color.

Romualdo Faura (SP)

Si tienes objetos repetidos como árboles y casas en tu mapa, crear tu propio conjunto ilustrado de símbolos para agilizar el proceso de trabajo puede ahorrar mucho tiempo.

Romualdo Faura (SP)

No te obsesiones demasiado con que todo esté exactamente en la posición geográfica correcta. A menudo me dan una lista de puntos de referencia que el cliente quiere que ilustre en mis mapas, pero generalmente están distribuidos de manera irregular y se ven incómodos como composición cuando se trazan en un mapa. Mover las cosas un poco, y también jugar con la escala, te da ese poco de flexibilidad para asegurarte de que tu composición no sufra.

Owen Gatley (Reino Unido)

Rara vez necesito ser geográficamente preciso para poder acentuar ciertas características o exagerar áreas de interés. Encuentro que es más fácil comenzar eligiendo un esquema de color que mejor se adapte al área que se está representando.

Livi Gosling (Reino Unido)

[Al iniciar un mapa], me dirijo a Pinterest para buscar puntos de referencia y lugares populares de comida y bebida. Luego dibujo sin apretar los contornos de mi mapa o carreteras con tinta.

Livi Gosling (Reino Unido)

Mientras el fondo de mi mapa se seca, empiezo a entintar mis puntos de referencia e iconos elegidos. Esta parte ocupa la mayor cantidad de tiempo: es importante hacer que los edificios se vean lo suficientemente precisos como para ser reconocibles, pero no tan detallados como para dibujarlos durante horas y horas.

Livi Gosling (Reino Unido)

Luego escaneo todos mis dibujos a tinta en Photoshop y compongo la imagen allí. Ahora tiendo a colorear mi trabajo digitalmente y estoy tratando de simplificar mis esquemas de color.

Livi Gosling (Reino Unido)

Creo que la composición es el aspecto más desafiante del diseño de un mapa. A menudo queda atrapado entre el diseño realista de la ciudad y las dimensiones del diseño en el informe. Aquí es donde la licencia artística se vuelve bastante útil.

Recientemente he dibujado algunas ubicaciones muy deformadas. También es complicado cuando tienes cinco o seis íconos que deben encajar en un área geográfica particular del mapa. Pero si haces tu investigación y bosquejas aproximadamente las ubicaciones de antemano, te saldrás del camino. 

Livi Gosling (Reino Unido)

Intenta representar la «sensación» general del lugar que estás ilustrando. Si tu informe solo enumera los edificios, agrega algunas delicias locales, vida silvestre y follaje. Solo puede contribuir a la estética. 

Livi Gosling (Reino Unido)

La clave para hacer un mapa ilustrado bien diseñado es crear un equilibrio visual y mantener la legibilidad. Esto puede ser un desafío cuando se busca la precisión geográfica. Es probable que tenga problemas de espacio y tenga que colocar demasiado o muy poco en un área. También puede encontrarse con problemas de tamaño, en los que los elementos más grandes en el mapa eclipsan los puntos de interés más pequeños. Estos problemas hacen que sea difícil mantener el equilibrio y la legibilidad, por lo que es importante comprender primero las necesidades del cliente y cuánto puede distorsionar la realidad.

Michael Mullan (EE. UU.)

Para empezar, investigo mucho. Encuentro todos los puntos calientes de viaje, puntos de referencia y palabras asociadas con el área. A continuación, busco un mapa actual del área y lo utilizó como guía al diseñar mis palabras y elementos. A partir de aquí, usó mi maqueta digital como guía para comenzar a dibujar.

Durante la fase de boceto, soluciono cualquier problema de diseño. Me aseguro de que haya un flujo uniforme de elementos y de que nada parezca desproporcionado o ilegible. Una vez que se establece el boceto, elijo mi paleta y comienzo la ilustración terminada. Es importante asegurarse de que todos los colores se utilicen de manera uniforme. Normalmente no uso más de 5 colores.

Michael Mullan (EE. UU.)

A lo largo del proceso, retroceda con frecuencia y mírelo desde más lejos. Un diseño de mapa sólido será legible y sin problemas desde lejos. Ningún color o elemento de diseño debe distraer o llamar la atención (a menos que esté específicamente destinado a ello).

Michael Mullan (EE. UU.)

Destaca la tipografía: las palabras son una gran tendencia en este momento y son una forma divertida de ser expresivo. Simplifique los iconos y use un máximo de dos colores por icono.

El mapa estará demasiado ocupado si intentas incorporar demasiado color en cada pieza.

Michael Mullan (EE. UU.)

Más es más. Un poco de espacio vacío está bien, pero para un mapa con impacto visual, intente llenar el espacio con muchas formas dinámicas y formas de letras. Divide el mapa en secciones y trabaja pieza por pieza.

Apunta al equilibrio y la legibilidad en las secciones más pequeñas y eso se trasladará a la pieza como un todo.

Michael Mullan (EE. UU.)

En un mapa ilustrado tienes la estructura geográfica (calles, fronteras, lagos, ríos), los elementos tipográficos (textos, números, etiquetas) y las ilustraciones (o iconos). Todos deben trabajar juntos como un todo cohesionado.

Los elementos ilustrados pueden parecerse más o menos a iconos, pero mantén los simples, de lo contrario, el mapa se volverá confuso.

Nik Neves (Porto Alegre – RS)

Trabajo con Marina C en muchos proyectos de mapas. Así es como trabajamos. Primero ella crea la estructura geográfica, luego discutimos la paleta de colores e investigamos fotos y referencias, para que yo pueda ilustrar los íconos y hacer la tipografía.

Eventualmente hago un boceto de todo el mapa, para poder determinar dónde deben ubicarse las ilustraciones con mayor precisión.

Nik Neves (Porto Alegre – RS)

Cuando trabajes en un mapa encargado, es mejor si tienes un buen resumen de lo que debes resaltar. Aunque principalmente necesitas ajustar el diseño del mapa a cómo existe en el mundo real, esto puede ser complicado a veces. Ahí es cuando la distorsión es de gran ayuda para el ilustrador.

Nik Neves (Porto Alegre – RS)

El mapa es una ilustración, con muchas capas de información entre los elementos gráficos. Juega con un mapa como en un dibujo, pero ten en cuenta que debes trabajar por etapas. Pero al final no olvides ponerlos todos juntos.

Nik Neves (Porto Alegre – RS)

En primer lugar, dedico tiempo a averiguar qué ríos, lagos, bulevares famosos o calles atraviesan el área del mapa en la que me voy a centrar. Creo que esto hace que el mapa se sienta más icónico. En este caso, estoy usando el mapa de París que ilustré como ejemplo, ya que la mayoría de nosotros sabemos que el Sena es muy icónico para París, así que me aseguré de incluirlo allí. El río Sena también ayuda a dividir mi espacio y descubrir mi composición. 

Los clientes generalmente me piden que incluya ubicaciones específicas, pero me dejan completar el resto de las áreas vacías con ubicaciones o íconos que quiero incluir. Esto hace que la experiencia de crear un mapa sea divertida para mí y, en el proceso, aprendo muchas cosas nuevas sobre una ciudad a la que nunca he viajado. Para París, quería ilustrar algunos de los lugares que visité durante mis viajes allí.

Josie Portillo (EE. UU.)

El fondo se creó utilizando muestras de gouache escaneadas en mi computadora. El efecto combinado de Photoshop, pinturas gouache y tintas de archivo es genial. Para colorear: nunca he sido de los que usan paletas de colores, así que simplemente sigo lo que creo que se ve bien y hace que la imagen general se vea cohesiva. Esto hace que el proceso sea divertido.

Josie Portillo (EE. UU.)

Dibuja todos los edificios e íconos a mano con un bolígrafo de micrones de punta fina antes de escanearlos y colocarlos de acuerdo con su ubicación geográfica.

Josie Portillo (EE. UU.)

Me encanta incluir títulos escritos a mano para los puntos de interés. 

Josie Portillo (EE. UU.)

Con el diseño de tu mapa, puedes ser flexible con la ubicación de los elementos y la forma del terreno para que se adapte mejor. Los puntos de interés deben estar posicionados aproximadamente entre sí, pero puedes jugar con la escala para poner más énfasis en ciertos elementos y hacer que el mapa sea más dinámico. No te limites demasiado a ser exacto y preciso.

Daniel Gray (AU)

Al colorear tus líneas, un consejo útil es bloquear los píxeles transparentes en sus capas de trabajo de líneas aisladas. Esto significa que cualquier color que aplique solo afectará a los píxeles negros y no a los píxeles transparentes.

Daniel Gray (AU)

También uso la función Mapa de degradado en Photoshop para colorear capas enteras de trabajo de línea en un solo color.

Daniel Gray (AU)

Si está trabajando con una fecha límite, el tiempo es un factor importante. Dibujar un mapa puede llevar más tiempo de lo que crees debido a lograr este equilibrio de elementos correctamente; tómate el tiempo suficiente para planificar y, una vez que se apruebe el borrador, también da tiempo para editar y colorear, ya que generalmente colorear cada elemento individualmente. Si el plazo lo permite, trato de dedicarme al menos un día entero a esta etapa.

Daniel Gray (Australia)

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

20 brillantes consejos para dibujar cómics

20 brillantes consejos para dibujar cómics

Artistas súper talentosos revelan cómo dibujar cómics tanto para ilustraciones como para cómics independientes.

Kristyna Baczynski (Reino Unido)

«Si estás interesado en comenzar los cómics, hazlo sobre algo que te guste dibujar. Si eres un mago dibujando follaje, entonces coloca tu dibujo en una jungla. Si te encanta la arquitectura, entonces tu personaje principal podría ser un edificio, deambulando por las ciudades».

«En última instancia, debido a que estás trabajando con secuencias y creando algo que sucede con el tiempo, estarás dibujando lo mismo una y otra vez, por lo que ya estás en ventaja si incorporas tus pasiones visuales a la narrativa».

«Cuando empiezo un cómic, tendré una historia en mente, que generalmente se basa en una experiencia personal envuelta en alguna premisa fantástica». El desarrollo del personaje, los puntos de la trama narrativa, los momentos clave, los entornos y los hitos emocionales comienzan a desarrollarse uno al lado del otro.

20 brillantes consejos para dibujar cómics

«A partir de aquí, comienzo a seleccionar las mejores partes para volver a dibujar y comienzo a secuenciar los momentos principales. Esto podría ser solo el final, u otro fragmento del que trabajo hacia afuera. Una vez que lo básico de la historia esté en su lugar, escribiré un guión página por página que incluye el texto editorial, así como una descripción de la acción, los sentimientos y las imágenes».

«Me encanta colorear mis cómics. Es la parte final del proceso para mí y da vida a las páginas. Tiendo a utilizar paletas de colores selectivas, limitadas a uno, dos o tres colores. Uso del color como narrativa elemento puede ser muy eficaz».

«En mi reciente cómic ‘Vessel’ utilicé una paleta simple de tonos azules para el comienzo de la historia, para comunicar estancamiento y mundanidad. A medida que se desarrolla la aventura, cada nuevo descubrimiento se codifica con un nuevo toque de color y esto culmina en una página de artefactos de colores del arco iris reunidos. Así que a medida que avanza la historia, también lo hace la paleta de colores «.

» Siempre tenga en cuenta al lector al hacer cómics. Tiendo a tener muchos diálogos prolijos o leyendas inicialmente y luego dedicó el tiempo a tomar tanto tiempo como sea posible para contar la historia visualmente. Edito texto que explica la imagen, o imágenes que simplemente ilustran el texto, eso es decir lo mismo dos veces. Cuando tus dibujos se comunican en armonía con tus palabras, tu lector se verá inmerso en los paneles. «

Dan Berry (Reino Unido)

» Para mí, lo que hace que un cómic sea genial es que tiene una idea en el centro. Ninguna cantidad de dibujos sofisticados, líneas de velocidad o bordes flotantes brillantes disimulan la falta de una idea. La idea no necesita ser compleja o profunda, pero debe comunicarse con el lector. Todo lo que ponga en la página debe impulsar la historia».

20 brillantes consejos para dibujar cómics

» Preste mucha atención a su uso de la tipografía tan pronto como pueda en la etapa de planificación. La tipografía tiende a ser una de las cosas en las que la gente piensa al final, pero saber con anticipación dónde irá el texto y cuánto espacio ocupará lo ayudará a componer sus paneles de manera más efectiva, además de hacer que la experiencia de lectura sea más placentera «.

George Heaven (Reino Unido)

«Trate de ser bastante holgado y trabaje en papel de mierda con un bolígrafo, ¡no se vuelva demasiado precioso! Tal vez eche un vistazo a algunas obras de arte en bruto de algunos artistas ya exitosos en busca de inspiración. «

» Elija un tema, una historia o una observación extraña o ingeniosa en la que desea basarlo. Esta forma de pensar es particularmente útil a la hora de realizar trabajos editoriales. Dedique un poco de tiempo a garabatear diferentes poses, ángulos y personajes y piense en cosas como marcos, composición y otras cosas. Diga algo con sus dibujos; disfrutará haciéndolo más. «

20 brillantes consejos para dibujar cómics

» No evite agregar detalles: si está creando una sola ilustración, si desea que la gente lo  busque por más tiempo, agregue pequeños detalles como manchas , cicatrices, tiritas, relojes, anteojos y cosas así. ¡Se trata de darle vida a tu trabajo! «

» Si tu obra de arte incluye bocadillos y letras, dependiendo de tu competencia, consideraría usar la computadora y agregar eso en la etapa final. Tengo un banco de bocadillos dibujados a mano para ir cuando los necesito. ¡Recomiendo hacer esto como si arruinaras uno de ellos podrías terminar haciendo que tu obra de arte original se vea un poco desordenada! «

» Para la composición siempre uso el mismo panel de cuadrícula cuadrada. Sin embargo, trato de asegurarme de que la página de la composición funcione por sí sola. Cada panel debe participar de toda la imagen. Intento equilibrarlos hasta que esté satisfecho con el aspecto general.

Simon Landerein (Reino Unido)

«Tenga mucho cuidado con las formas, el negro versus el vacío y la ubicación de la textura. Creo que es la parte más importante. Esto también ayuda a crear abstracción dentro de la narración. Como resultado, la interpretación diferirá mucho de una persona a otra «.

«Creo que la clave para un cómic exitoso es la composición de la página y cómo la historia mantiene su fluidez. Me gusta cuando sientes que se ha pensado en el lugar para mirar. Pero también me gusta que el significado de la historia permanece abierta a diferentes interpretaciones. Creo que un buen cómic trata de equilibrar las cosas con mucho cuidado «.

20 brillantes consejos para dibujar cómics

«Todo está dibujado en Cintiq o Wacom en Photoshop. No soporto moverme bezier, todavía me encanta sostener un bolígrafo cuando hago una ilustración. Una vez que el contorno está terminado, agrego elementos negros. Por lo general, dedico un poco de tiempo para asegurarme de que estoy satisfecho con el contraste. Luego agrego la textura. Luego comienzo a usar un color, podría usar otro si me gusta, pero generalmente me quedo con sólo un color, ya que dedico mucho tiempo a equilibrar los colores «.

«El diseño de personajes es bastante importante. Me aseguro de que cada personaje sea reconocible con solo uno de sus rasgos / detalles. También utilizo muchos primeros planos en mi panel y eso crea una especie de rompecabezas, divide la historia y el dibujo en sí. De esa manera mantengo cierta coherencia con la audiencia «.

«La idea es dejar pistas y pistas sobre lo que está pasando. Algunos de mis cómics tienen historias muy obvias, otros son muy abstractos, pero siempre encontraremos algunos elementos visuales similares».

«Crear un cómic es un poco como hacer una película. Tienes un número limitado de fotogramas para crear un mundo entero. Los mejores cómics te sitúan en el corazón de un mundo (ordinario o fantástico ) sin ceder demasiado de su espacio de panel a la puesta en escena.

Lizzy Stewart (Reino Unido) 

«Utilizan colores, encuadres y perspectiva para contar la historia, tanto como el diálogo y los subtítulos. ¡No te das cuenta de que está sucediendo, y cuando es realmente genial, simplemente te dejas llevar! «

» Varía las formas y tamaños de tus paneles tanto como sea posible para permitir que los personajes se muevan hacia arriba y hacia abajo para obtener una sugerencia de altura y espacio. «

20 brillantes consejos para dibujar cómics

» Creo que la escritura es tan importante como el dibujo. Incluso si tu cómic no tiene palabras, escribir la historia antes de comenzar a dibujar es esencial. Debes construir un cómic en torno a la narrativa y no solo a las cosas que quieres dibujar. «

» Para mí, la dificultad con los cómics viene con el ritmo. Disfruto de «preparar la escena», por lo que a menudo me inclino a pasar demasiado tiempo creando un escenario y un estado de ánimo y luego me quedo sin espacio para relacionar la historia de manera agradable.

«Definitivamente es una buena idea hacer un guión gráfico, redactar y volver a redactar el texto. Creo que ayuda ver dónde se ubican los eventos dentro de su historia y asegurarse de que haya un poco de espacio alrededor de cada uno para que su lector tenga tiempo digerir.» 

«La frase ‘mata a tus queridos’ se usa mucho, pero definitivamente vale la pena eliminar la información sobrante en la primera mitad (por más agradable que sea dibujar) para garantizar que el final fluya ordenadamente. Vale la pena el tiempo extra y concentración «.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Bolígrafos digitales: los 5 mejores bolígrafos inteligentes para artistas y diseñadores

Bolígrafos digitales: los 5 mejores bolígrafos inteligentes para artistas y diseñadores

Si desea llevar sus bocetos y notas al siglo XXI con bolígrafos inteligente o un bolígrafos digitales, o ya tienes uno y deseas una actualización, está lista te ayudará a encontrar el mejor bolígrafo para ti. 

Ya te hemos traído los mejores lápices para Android y los mejores lápices para iPhone. Ahora, puede aprovechar al máximo el zumbido de transferir instantáneamente todo lo que escribe o dibuja en papel a su teléfono también. 

No importa qué tan rápido sea su pulgar o su buena pronunciación para Siri, a menudo volvemos a la escritura a mano cuando se trata de tomar notas o dibujar rápidamente. Muchos de nosotros hacemos nuestro mejor pensamiento creativo con un bolígrafo en la mano y la evidencia dice que la escritura a mano te ayuda a recordar el contenido.

Lejos de desterrar la escritura a mano al pasado, el mundo digital ha revitalizado la antigua práctica. Los lápices ópticos se adaptan cada vez más a los bolígrafos reales y, en algunas áreas, los superan, por ejemplo, en la facilidad con la que se puede cambiar de un «lápiz» .

Y los bolígrafos inteligentes llevan la tecnología un paso más allá: ahora puede escribir o dibujar como lo haría normalmente en papel, y se digitalizará instantáneamente. Ya no tendrá que mecanografiar o fotografiar bocetos o notas analógicas. Puede combinar la flexibilidad y el control de un lápiz con la comunicación y la capacidad de compartir que viene con la información digital.  

La mayoría de los bolígrafos inteligentes (aparte del Bamboo Spark de Wacom, pero lo veremos más adelante) funcionan a través de una cuadrícula casi invisible de pequeños puntos en el papel, por lo que a menudo se necesita papel especial y un bolígrafo especial. Una cámara dentro del bolígrafo rastrea dónde está la tinta en relación con esos puntos y transfiere esa información a una aplicación con Bluetooth. 

Como es muy pronto para la tecnología, los bolígrafos inteligentes difieren ampliamente en calidad. hemos examinado todo lo que se ofrece para encontrar los mejores bolígrafos inteligentes para diseñadores y artistas. 

Neo smartpen N2

Bolígrafos digitales: los 5 mejores bolígrafos inteligentes para artistas y diseñadores

Neo smartpen ha dado prioridad a acercarse lo más posible a un bolígrafo normal, y no a un bolígrafo barato patrocinado, sino a una experiencia de lujo cómoda de usar. Es liviano (menos de 0,8 onzas), delgado (menos de 12 mm) y tiene la longitud de un bolígrafo normal (poco más de 15 cm). Además, hecho de aluminio y acero inoxidable, es probablemente uno de los bolígrafos más duraderos que jamás haya tenido. 

Las características interesantes incluyen escribir y dibujar en 8 colores diferentes con 3 opciones de grosor diferentes, reconocer la presión del lápiz en 256 pasos, almacenar hasta 1,000 páginas de notas escritas a mano en el propio lápiz, poder transcribir notas escritas a mano y su compatibilidad con tinta estándar. recargas. En la aplicación Neo Notes, puede organizar sus páginas, sincronizar con servicios como Google Drive y Evernote, y personalizar sus notas y dibujos. 

Por lo tanto, con el magnífico diseño, ganó un premio iF Design Award 2015 , y su fácil uso, ¿qué tan bien funciona realmente el bolígrafo inteligente Neo? Principalmente bien. Use presión continua y debería estar bien, pero los golpes ligeros no siempre se registran. Los garabatos y las notas simples generalmente se transfieren de manera brillante, pero es menos probable que los dibujos y diseños intrincados se transfieran con precisión. Sin embargo, podría ser perfecto para tus primeros garabatos e ideas. 

Juego de escritura inteligente Moleskine 

Bolígrafos digitales: los 5 mejores bolígrafos inteligentes para artistas y diseñadores

El nuevo juego de escritura de Moleskine ofrece la forma y el tacto de sus populares cuadernos clásicos alucinantes, y ahora la marca está firmemente en el siglo XXI. Al igual que sus competidores, puede editar notas, transcribir notas escritas a mano en texto digital y compartir sus notas y bocetos.

Sin embargo, sus características destacadas son las opciones de color de escritura, la detección de páginas (escriba en cualquier página y el bolígrafo sabrá cuál) y que el bolígrafo también admite recargas estándar. Al igual que el portátil, el bolígrafo está bellamente construido, con un cuerpo de aluminio. Las características del bolígrafo de Moleskine (como el almacenamiento de hasta 1000 páginas) se superponen con el bolígrafo inteligente Neo, como era de esperar, ya que el de Moleskine se fabricó con la tecnología del bolígrafo inteligente Neo. 

Bamboo Spark 

Bolígrafos digitales: los 5 mejores bolígrafos inteligentes para artistas y diseñadores

Wacom Bamboo Spark La característica más notables en el papel es  gracias a un transmisor dentro de su bolígrafo y un receptor dentro del folio que lo acompaña.

Dentro de la aplicación (a la que puede transferir páginas en solo unos segundos a través de Bluetooth), puede ‘rebobinar’ su dibujo línea por línea y exportar en cualquier punto. Aunque el estuche solo tiene capacidad para 100 páginas (a diferencia de las 1,000 de Moleskine y Neo smartpen), puede almacenar páginas fácilmente en la nube y compartirlas a través de las plataformas típicas. A diferencia de competidores como el Moleskine Smart Writing Set y el bolígrafo inteligente Neo, no se puede recargar con cartuchos estándar. 

El Bamboo Spark es el segundo mejor intento de Wacom de un bolígrafo inteligente, y hace que el Inkling sea bastante irreverente. Puede consultar nuestra revisión práctica para descubrir por qué Bamboo Spark es mejor. 

Livescribe 3

Bolígrafos digitales: los 5 mejores bolígrafos inteligentes para artistas y diseñadores

Puede que sea necesario acostumbrarse a Livescribe 3, ya que es más grueso que los bolígrafos normales, pero definitivamente vale la pena conocerlo, ya que funciona con precisión y facilidad. Al igual que sus competidores, Livescribe 3 ofrece la posibilidad de transcribir, compartir y organizar notas, pero la aplicación también le permite grabar sonido mientras garabatea.

No solo tiene excelentes escritos cuando se trata de usar el bolígrafo, sino que Livescribe 3 puede ahorrarle algo de dinero, ya que no necesariamente requiere papel especial: puede imprimir la variedad de papel de Livescribe si tiene una resolución de 600 ppp. (o superior) impresora de inyección de tinta. Sin embargo, no puede usar cartuchos de tinta estándar con él, solo los de Livescribe. 

BLCK INK

BLCK INK es más nuevo en el juego y, como resultado, es menos probado y conocido. Si sus videos de marketing, que son únicos porque se concentran en el arte, en lugar de tomar notas, son algo para pasar, este es el mejor bolígrafo para dibujar y puede producir resultados realmente hermosos con mayor precisión y exactitud. Ofrece las mismas características que otros bolígrafos de la lista, como compartir y transferir instantáneamente, pero cumpla con su promesa de transferir dibujos a tal calidad que se vean tan bien en su teléfono como en papel.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Pawel Nolbert habla de cómo es realmente diseñar para Nike

Pawel Nolbert habla de cómo es realmente diseñar para Nike

Después de crear obras de arte y patrones basados ​​en trazos de pintura tanto para zapatos como para ropa, el ilustrador y diseñador habla sobre la combinación de su estilo con el de Nike.

Nike está en la lista de clientes de ensueño para la mayoría de diseñadores e ilustradores. Pero, ¿cómo se crea un gran trabajo para la marca de calzado y estilo de vida?

Para averiguarlo, me puse en contacto con el ilustrador polaco Pawel Nolbert, que acaba de actualizar su sitio con ilustraciones y patrones que ha producido para Nike durante los últimos tres años, aunque su primer proyecto no apareció en público durante dos años después de comenzar con él.

 Esto no es inusual cuando se trabaja para Nike, ya que la naturaleza de la empresa, que tiene presencia mundial y vínculos con muchos equipos deportivos profesionales (y el equipo olímpico de EE. UU.), significa que los plazos de entrega son largos.

Pawel Nolbert habla de cómo es realmente diseñar para Nike

Pawel es mejor conocido por sus pinceladas multicolores, que se han utilizado tipográficamente para revistas como Forbes, pero Pawel también ha aplicado este estilo al logotipo de Nike ‘swoosh’.

Más recientemente, usó golpes para imaginar una versión de una camiseta de los NY Giants (que es un equipo de fútbol americano, para nosotros los británicos) para un evento para lanzar el Color Rush de esta temporada, donde los equipos usaron uniformes únicos para promover juegos específicos.

El diseño de esto se basa en los uniformes de los Giants de la década de 1990.

NB: ¿Cómo llegaste a trabajar para Nike?

PN: «El director creativo de Nike Basketball se acercó por primera vez a mí. Creo que encontró mi trabajo en línea, como con muchos de mis clientes».

NB: ¿Cuál fue su primer proyecto para la marca?

PN: «Primero me pidieron que trabajara en el desarrollo de los patrones del paquete de Pascua de 2015, con motivos florales y algunos huevos de Pascua opcionales. Fue un proyecto bastante pequeño, pero [llevó a] una serie de otros proyectos. Pude saber cómo es la línea de producción de Nike, y que a menudo puedes ver el resultado de tu trabajo dos años [después de haberlo creado] «.

NB: ¿Cuál fue su comprensión inicial de la marca Nike, qué representaba y cómo le gustaba a la compañía verla representada?

PN: «Es difícil no tener una opinión sobre una marca tan omnipresente como Nike. Para mí, la empresa siempre ha sido pionera en lo que respecta a la ropa y el calzado, y siempre trae emoción: ‘¿qué se les ocurrirá a continuación? ? ‘.

«He trabajado principalmente en los proyectos de baloncesto y algo de la NFL, que es una pequeña fracción de lo que hace Nike, pero siempre pude sentir la energía y el dinamismo sorprendente de la marca [cuando estaba trabajando en cada] proyecto – desde el resumen inicial hasta los resultados finales, el marketing adicional y con lo que sucede después de que el proyecto está terminado y vive su propia vida «.

NB: ¿Cuánta libertad creativa tienes trabajando para tal marca claramente definida?

PN: «Por mucho que Nike tenga una estética de diseño distintiva, todavía son capaces de hacer que varios estilos artísticos funcionen con ese lenguaje visual y lo hagan muy exitoso.

Pawel Nolbert habla de cómo es realmente diseñar para Nike

«Tienen mucho que ver con la innovación y creen en las personas que comparten un enfoque similar. Es una gran corporación, pero permite mucha creatividad y se dejan sorprender por sus ideas, en lugar de ceñirse a las preconcebidas. 

NB: Cuéntanos un poco sobre tu proyecto favorito para Nike hasta ahora.

PN: «Todos los proyectos fueron agradables en algún momento, pero me gusta el del evento de lanzamiento de Color Rush, especialmente porque refleja mucho mi propio estilo, incluso si no es tan experimental como otros proyectos que he hecho para Nike «.

NB: ¿En qué te gustaría trabajar para Nike a continuación?

PN:» Seguro que me gustaría hacer algo para la marca Jordan. ¡Es un ícono en sí mismo! ”

El audaz uso del color de Pawel también lo vio crear recientemente esta serie surrealista donde brillantes losas de color cuelgan en espacios reales a través de una mezcla de fotografía y Photoshop.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Una excelente manera de ser creativo con su fotografía es combinar dos tomas en una ‘doble exposición’, replicando la antigua técnica del cuarto oscuro, pero con un control mucho más preciso usando Photoshop. Reunir bien dos (o más) fotos crea una imagen coherente que puede ser dinámica, hermosa, nostálgica o inquietante, según las fotos que use y cómo las combine. 

En este tutorial, el fotógrafo Tigz Rice lo guía a través del proceso de creación de exposiciones dobles en Photoshop, además de mostrarle dos resultados posibles bastante diferentes de la misma primera imagen.

Eliminará su modelo de su fondo utilizando las herramientas de recorte y enmascaramiento de Photoshop, incluido Refine Edge, use modos de fusión para unir las dos fotos y ajuste las capas para arreglar el aspecto de la pieza.

Tigz señala que, si bien algunas de las cámaras SLR digitales modernas de hoy en día, como la Canon 5D MkIII, tienen funciones integradas que le permiten crear fotos de exposición múltiple en ubicaciones, hay momentos en los que simplemente no hay tiempo suficiente para configurar una toma correctamente. – o tal vez solo desee un poco más de control sobre el resultado final. 

Las múltiples exposiciones creadas aquí se basan en una sesión de Tigz de la intérprete Aurora Galore.

Paso 1

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Abra la imagen elegida en Photoshop y haga las correcciones necesarias.

Paso 2

Haga clic en el icono Crear nuevo relleno o ajuste en la parte inferior del panel Capas y elija Color sólido.

Paso 3

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Rellene con blanco y presione OK.

Paso 4

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Haga clic en el candado de la capa ‘Fondo’, nuestra imagen original, para convertirla en una capa normal que podamos mover por la pila de capas. Arrástralo sobre las capas rellenas de blanco para que vuelva a ser visible. 

Paso 5

A continuación, debemos recortar nuestro modelo del fondo para que se siente sobre un fondo blanco puro. La herramienta más sencilla para fondos de color de bloque es la herramienta Selección rápida.

Cree una selección aproximada alrededor del modelo.

Paso 6

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Utilice la herramienta Refine Edge de Photoshop para dibujar alrededor del borde de la línea del cabello del modelo y capturar todos esos pelos finos y detalles. Para obtener instrucciones completas sobre cómo recortar usando el cuadro de diálogo Refinar borde, lea nuestro tutorial Enmascaramiento del cabello: cómo recortar el cabello en Photoshop aquí.

Una vez que esté satisfecho con su selección, elija Máscara de capa en el menú desplegable Salida y haga clic en Aceptar.

Paso 7

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Cambie el nombre de esta capa a ‘Imagen inferior’ y conviértala a Blanco y negro haciendo clic en el botón Blanco y negro en el panel Ajustes.

Paso 8

Así es como se ve mi imagen con la configuración estándar del ajuste Blanco y negro. Podemos ajustar los resultados, pero puede ser más fácil simplemente aplicar otro ajuste que haga exactamente lo que queremos.

Paso 9

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Agregue una capa de Curvas, también desde el Panel de Ajustes y use el panel de Propiedades emergentes para agregar más contraste a su imagen donde sea necesario. 

Las áreas más oscuras de su imagen son donde se mostrará la segunda ‘exposición’, así que asegúrese de tener suficiente área oscura para mostrar.

Paso 10

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Ahora, abra su segunda imagen en Photoshop. La segunda imagen puede ser cualquier cosa que desees; he usado otra pose de la misma sesión.

Realice los ajustes menores que sean necesarios.

Paso 11

Arrastre y suelte la nueva imagen en el primer documento, manteniendo presionada la tecla Mayús para centralizar la imagen. Cambie el tamaño según sea necesario presionando Cmd / Ctrl + T y manteniendo presionada la tecla Alt mientras arrastra en cualquiera de los puntos de las esquinas.

Paso 12

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Cambie el nombre de esta capa a ‘Imagen superior’ y conviértala a Blanco y negro usando el botón Blanco y negro en el panel Ajustes.

Paso 13

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

A continuación, elija un modo de fusión que permitirá que se muestren áreas de ambas imágenes. 

Con ‘Imagen superior’ seleccionada en el panel Capas, elija uno de los siguientes cuatro modos de fusión: Aclarar, Trama, Sobreexposición lineal (Agregar) o Color más claro. Los resultados variarán dependiendo de sus propias imágenes. 

Paso 14

Con la herramienta Mover seleccionada (V), experimente con diferentes composiciones moviendo la capa ‘Imagen superior’ hasta que esté satisfecho con la ubicación.

Paso 15

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Dependiendo de cómo funcionen sus imágenes juntas, es posible que desee agregar otra capa de ajuste de Curvas sobre la capa ‘Imagen superior’, o retroceder y realizar más cambios en su capa de Curvas original para aumentar el contraste en las áreas de doble exposición.

Paso 16

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Agregue una máscara de capa a la capa ‘Imagen superior’ y, con un pincel negro suave, en mascare cualquier área de la máscara superior que crea que no encaja bien con la composición general.

Aquí, he recuperado algunos de los detalles de los ojos de la capa ‘Imagen inferior’.

Paso 17

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Finalmente, agreguemos un toque de color. En el panel Ajustes, haga clic en el botón Agregar tono / saturación. 

Marque la casilla de verificación Colorear en el Panel de propiedades. Desliza las barras de Tono y Saturación hasta que alcances el efecto deseado.

Paso 18

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Avanzando: También puede experimentar con una variedad de otras segundas imágenes, como esta selección de árboles que he almacenado en mis archivos de fotografías. 

Paso 19

Tutorial de Photoshop: Cómo crear una doble exposición

Usando el mismo método que se muestra en los pasos 7-13, apliqué esta imagen de los árboles como una ‘doble exposición’ para una apariencia más espeluznante.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Los 9 mejores sitios web de tutoriales en video para pintura, dibujo, diseño gráfico y más

Los mejores sitios web de tutoriales para pintura, dibujo, diseño gráfico y más

Muchos de nosotros queremos mejorar nuestras habilidades creativas, ya sea aprendiendo los conceptos básicos de la fotografía o dominando la pintura y la ilustración, pero es posible que no tengamos tiempo para asistir a clases de arte. 

Usar videos, cursos y tutoriales en línea es una alternativa simple y accesible, y la buena noticia es que hay muchas opciones para elegir.

Pero en lugar de examinar un laberinto de videos en Google, consulte nuestra lista de nueve sitios de tutoriales de arte en línea de calidad que lo dejarán más hábil, en lugar de confundido, en las áreas de pintura, dibujo, diseño gráfico, fotografía, animación y más. .

La mayoría de los sitios web requerirán que se convierta en miembro, pague una tarifa única o pague cada tutorial individualmente, pero generalmente es mucho más barato que pagar las clases físicas y casi todos los sitios ofrecen una prueba gratuita o una descripción general decente del tutorial. antes de comprar. También hay algunos tutoriales gratuitos e incluso un sitio que ofrece clases de video en vivo individuales. 

Miss Led

Los 9 mejores sitios web de tutoriales en video para pintura, dibujo, diseño gráfico y más

La ilustradora y directora de arte de London, Joanna Henly, lanzó su ilustración para tutoriales en video de moda hace un año, y ahora están disponibles para comprar y descargar.

Los tutoriales incluyen más de dos horas de aprendizaje organizadas en capítulos basados ​​en tres pasos principales: dibujar una figura básica, agregar color y terminar con lápiz y tinta.

El tutorial también incluye archivos de Photoshop completos para las ilustraciones de Miss Led que aparecen en el tutorial, un conjunto descargable de sus pinceles de Photoshop para usar en su trabajo y texturas hechas a mano para usar en sus propios diseños y posproducción.

Joanna, o Miss Led, es conocida por mezclar técnicas tradicionales y digitales a lo largo de su trabajo, abarcando clientes de marcas de moda, consumo y medios como Nike, Google y Ted Baker.

James White

Aunque Twitch TV está dirigido principalmente a jugadores, facilita la transmisión de video en vivo con chat para que pueda interactuar con lo que sea que esté sucediendo, perfecto también para tutoriales de diseño.

El artista digital canadiense James White, detrás del Signalnoise estudio, quien acaba de comenzar a experimentar con Signalnoise Broadcast utilizando Twitch TV. James solía publicar videos en línea y espera capturar el mismo espíritu y comunidad con una nueva serie de videos.

El primer episodio trata sobre pintar ilustraciones vectoriales en Photoshop, específicamente un Laster Axe, que incluye cómo crear capas planas y recordar de dónde proviene la fuente de luz.

El video es tosco y está listo, con algunos retrasos y problemas de sonido, pero como el yo habitual de James, es conversacional y todos los que miran pueden ser incluidos.

Asegúrese de seguir la cuenta de Twitter de James para averiguar cuándo se realizará la próxima Signalnoise transmisión de Twitch, principalmente los martes y jueves.

Si te unes a sus charlas semanales, de poco más de una hora, te unirás a una apasionada comunidad de diseño y, al mismo tiempo, aprenderás habilidades fundamentales en Photoshop, Illustrator y descubrirás una voz y una carrera creativa.

James tiene un lanzamiento de Skillshare a mediados de febrero y está hablando en OFFF Barcelona.

HowNow

Los 9 mejores sitios web de tutoriales en video para pintura, dibujo, diseño gráfico y más

HowNow permite a los usuarios participar en un chat de video en vivo uno a uno con un tutor, así como la opción de participar en una clase de video grupal en vivo por un precio generalmente menor. 

El sitio web permite a los expertos configurar un perfil con los temas que enseñan y su disponibilidad, y los alumnos pueden ver esto automáticamente, reservar una lección y unirse a una clase en vivo. 

Los expertos establecen su propio precio, disponibilidad, duración de la clase y capacidad y pueden registrarse fácilmente como proveedor de servicios HowNow a través del sitio web. No hay ningún costo de instalación. Todo lo que necesita es una computadora portátil, una cámara web y, por supuesto, Internet. 

Los usuarios pueden decidir con quién prefieren reservar en función de los comentarios de otros usuarios. Puede encontrar información como la experiencia del experto, las calificaciones y lo que necesitará para participar en la clase antes de reservar.

La clase cubre recortar, enderezar fotos, agrandar, distorsionar y doblar, entre otras modificaciones de la imagen.

Udemy  

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Udemy ofrece tutoriales para aquellos que quizás estén más interesados ​​en el estilo empresarial creativo y el espíritu empresarial. Incluye no solo cursos de fotografía y diseño gráfico, sino también de Excel, marketing, uso del lenguaje corporal y mucho más. 

Cada video tiene una calificación de estrellas, lo que lo ayuda a decidir qué es lo que vale su tiempo. Algunos videos tienen 10 horas de contenido, divididos en secciones que cubren una variedad de temas, y algunos son mucho más cortos.

Art Tutor

Los 9 mejores sitios web de tutoriales en video para pintura, dibujo, diseño gráfico y más

Art Tutor está aquí para ayudarlo a dominar el dibujo y la pintura desde su propio estudio. 

Cuando te conviertes en miembro de Art Tutor, obtienes acceso a todos los videos y puedes verlos tantas veces como quieras. Art Tutor también ofrece cursos específicos de dibujo, acuarelas, acrílicos, pasteles, óleos y lápices de colores. 

El sitio web le permite buscar fácilmente a través de videos, seleccionando qué medio desea usar, cuál es su tema, nivel de habilidad y artista.

Una vez que haya creado obras de arte como miembro, puede mostrarlas en la galería Art Tutor y obtener comentarios de otros artistas.

The Virtual Instructor

Los 9 mejores sitios web de tutoriales en video para pintura, dibujo, diseño gráfico y más

The Virtual Instructor es otro proveedor de tutoriales de dibujo, pintura y arte digital para cualquier persona con cualquier nivel de habilidad, y lo bueno es que muchos de los tutoriales son gratuitos.

El instructor virtual también ofrece cursos divididos en módulos, cada uno de los cuales incluye un video y un libro electrónico que se incluye con la membresía.

Descubra cómo dibujar caras con carboncillo, pasteles, tinta o cómo pintar retratos con acuarela y acrílico. Si prefiere trabajar digitalmente, The Virtual Instructor ofrece tutoriales gratuitos sobre Adobe Photoshop, Illustrator y Flash.

Lynda.com

Los 9 mejores sitios web de tutoriales en video para pintura, dibujo, diseño gráfico y más

Lynda.com(LinkedIn Learning) también se centra en los negocios, la tecnología y las habilidades creativas. Ofrece cientos de cursos en línea en cada tema de desarrollo de software, diseño, desarrollo web, negocios y fotografía. 

Dentro de los temas de diseño, los cursos en línea de Lynda.com cubren el software de Adobe, la animación 3D y la configuración de renderización Maya, por nombrar algunos.

Otros temas disponibles incluyen fotografía de viajes, fotografía de restauración y creación de vídeos a intervalos.

Skillshare

Los 9 mejores sitios web de tutoriales en video para pintura, dibujo, diseño gráfico y más

Skillshare ofrece cursos en línea del tamaño de un bocado que ofrecen habilidades en temas como diseño, tipografía, entintado y animación.

Los videos son mucho más cortos que otros sitios en esta lista, por lo que proporciona una alternativa para aquellos que solo pueden tener tiempo para una descripción general rápida y básica. 

Puede obtener una versión gratuita de Skillshare que incluye videos y tutoriales escritos, pero si se registra en la prima, tendrá acceso a casi 4,000 cursos. Premium también le brinda acceso sin conexión.

Craftsy

Los 9 mejores sitios web de tutoriales en video para pintura, dibujo, diseño gráfico y más

Craftsy cubre una amplia gama de manualidades, incluido el tejido y el hogar y el jardín. Pero no dejes que eso te desanime, también tiene una amplia categoría de arte, que ofrece consejos de dibujo, pintura y fotografía.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

8 mejores sitios web para modelos 3D gratuitos

8 mejores sitios web para modelos 3D gratuitos

Después de examinar la naturaleza de los recursos de modelos 3D gratuitos disponibles para descargar de la web, estos ocho archivos existen como los mejores recursos en línea para modelos 3D gratuitos de alta calidad.

Las posibilidades creativas son infinitas con la variedad de modelos 3D que se ofrecen en Free 3D, Archive 3D, NASA 3D, Artist 3D, TurboSquid y CG Trader. Los dos últimos también venden modelos 3D, lo que hace nuestra lista general de los mejores sitios web para modelos 3D.

Sin costo, explore miles de modelos 3D de alta calidad adecuados para profesionales, ya sea un desarrollador de juegos, diseñador gráfico o artista en busca de inspiración creativa.

Smithsonian Open Access

Trabajando con Khronos, el Smithsonian lanzó públicamente su iniciativa Open Access en febrero, que incluyó el lanzamiento de aproximadamente 2.8 millones de imágenes 2D y modelos 3D al dominio público con la licencia Creative Commons Zero (CCO) reconocida internacionalmente.

Además, se lanzará una variedad de plataformas para que sus medios de recopilación, datos de recopilación y datos de investigación estén disponibles para esfuerzos educativos y de investigación, reutilización creativa, análisis computacional y exploraciones innovadoras.

Para distribuir su enorme galería de medios y datos, el Smithsonian ofrece una opción de descarga para sus modelos 3D en glTF ™, una especificación libre de regalías para la transmisión y carga eficiente de escenas y modelos 3D por aplicaciones. Un estándar abierto desarrollado por Khronos, glTF minimiza tanto el tamaño de los activos 3D como el procesamiento en tiempo de ejecución necesario para descomprimir y utilizar esos activos. El Smithsonian ha desarrollado una extensión de proveedor de glTF especializada, pero con este nuevo acuerdo, el museo se relaciona directamente con Khronos y creará una cadena de herramientas de código abierto basada en glTF para lograr escalabilidad y longevidad.

Museo Marítimo de Escocia 

El Museo Marítimo de Escocia, que tiene su sede en Irvine, Ayrshire, ha compartido modelos 3D y recorridos virtuales de 360 ​​° de casi 50 de las embarcaciones históricas, artefactos marítimos y herramientas de construcción naval más importantes de Escocia en Sketchfab, la plataforma más grande del mundo para 3D compartido. contenido.

Los primeros escaneos 3D capturados incluyen MV Spartan, el único ‘puffer’ construido en Escocia que ha sobrevivido; el 1898 construido SY Carola; y el RNLB1898 Jane Anne de, un raro ejemplo sobreviviente de un bote salvavidas autoadrizable de dos extremos que es de gran importancia para la comunidad local de Irvine del Museo. 

Los escaneos del Museo Marítimo de Escocia también incluyen una cabeza de gato  de » del Cutty Sark; un martillo de vapor construido por RG Ross & Sons para la inauguración en 1907 de los talleres de reparación de la Autoridad Portuaria de Clyde (Clyde Navigation Trust) en Renfrew; y la popa del SS Rifle.

Free 3D

8 mejores sitios web para modelos 3D gratuitos

Con más de 15.000 modelos gratuitos, es difícil no encontrar lo que busca en Free 3D.

443,336 usuarios se han beneficiado de miles de modelos 3D de alta calidad, como este Lamborghini Avenger descargado más de 200.000 veces.

Archive 3D

Consulte Archive 3D para ver una gran cantidad de modelos 3D de alta calidad, todos ofrecidos sin costo alguno.

Aunque principalmente está relacionado con el hogar con categorías como mobiliario, equipo, electrodomésticos, estructura y cocina, este recurso también incluye modelos 3D de personas y artículos relacionados, naturaleza, aire y naves espaciales, formas geométricas y más.

NASA

La agencia espacial estadounidense NASA El archivo 3D de la NASA contiene modelos, imágenes, texturas y visualizaciones en 3D que se ofrecen sin costo y sin derechos de autor.

Si está buscando crear un juego de computadora con temática espacial o necesita un telón de fondo astronómico para una película, visite este archivo para ver una variedad de modelos y objetos astronómicos verificados por la NASA.

Artist 3D

Artist 3D 8 mejores sitios web para modelos 3D gratuitos

Por último, pero no menos importante, Artist 3D ofrece a los diseñadores gráficos y artistas nuevos modelos 3D gratuitos mensuales cada mes.

Las calificaciones descargadas por el usuario permiten a los artistas ejercer su discreción antes de descargar modelos.

TurboSquid

TurboSquid vende principalmente modelos 3D, pero tiene una sección completa de modelos gratuitos como esta recreación de un iPad Pro.

CGTrader

TurboSquid 8 mejores sitios web para modelos 3D gratuitos

Al igual que TurboSquid, CGTrader tiene modelos gratuitos y de pago.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Es muy fácil dibujar objetos en 3D en Adobe Illustrator usando ilustración, extracción y sombreando formas básicas, como explica Thomas Burden.

Los gráficos vectoriales no necesitan ser bidimensionales. En este tutorial, Thomas Burden, también conocido como ‘… y habrá unicornios’, muestra cómo las extrusiones 3D y la función Map Art de Adobe Illustrator se pueden usar para crear una habitación imaginaria llena de kits de computadora extraños, maravillosos y definitivamente retro.

Aunque son bastante básicas, estas funciones 3D falsas en Illustrator pueden generar una cantidad infinita de formas y elementos geniales que pueden agregar una dimensión completamente nueva, literalmente, al trabajo con gráficos vectoriales.

Puede agregar más profundidad sombreando estos elementos, ya sea en Illustrator o, con mucho más control, importándolos a Photoshop.

Paso 1

Paso 1 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Como verá cuando abra Digital Future.eps desde los archivos de proyecto de este tutorial, he creado algunos elementos básicos para ahorrarle tiempo; no es que dibujar dos círculos lleve mucho tiempo, aunque es un poco más complicado hacer el franja estampada que se muestra a partir de un rectángulo rojo y un trazo repetido.

Como todos los componentes en la imagen final se crean esencialmente usando un proceso, lo demostraremos haciendo solo uno de los objetos: el ‘fuelle-en-una-campana-tarro’, visto encima del ‘carrete a carrete -Cosa de la máquina.

Paso 2

Para comenzar, haga clic en el panel Símbolos y arrastre la franja estampada en él. En el cuadro de diálogo que aparece, nombre el nuevo símbolo «Franja de patrón» e indique su tipo haciendo clic en el botón «Gráfico». Ahora presione Aceptar para agregarlo a la biblioteca de símbolos.

Paso 3

Paso 3 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

El círculo naranja grande formará la base del objeto. Haga clic en él, vaya a la barra de menú y seleccione Efecto> 3D> Extrusión y bisel.

Paso 4

Paso 4 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

En las opciones de Extrusión y bisel 3D, seleccione Parte superior isométrica en el menú desplegable Posición. Establezca la Profundidad de extrusión en 38 pt y seleccione Sin sombreado en el menú desplegable Superficie. Para ver que la magia 3D tiene lugar en la mesa de trabajo incluso antes de cerrar el cuadro de diálogo, asegúrese de que el cuadro Vista previa a la derecha esté marcado.

Paso 5

Paso 5 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Ahora haga clic en el botón Arte del mapa en el lado derecho del cuadro de diálogo. Haga clic en las superficies en la parte superior hasta que el lado del círculo extruido se resalta en rojo.

Paso 6

Paso 6 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Seleccione la franja de patrón en el menú desplegable Símbolo en la parte superior del cuadro de diálogo.

Paso 7

Paso 7 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Haga clic en Escalar para ajustar. Arrastre el símbolo hacia los lados para que solo cubra el área visible del círculo extruido y luego presione Aceptar para volver al cuadro de diálogo Extrusión y bisel. Haga clic en Aceptar nuevamente.

Paso 8

Ahora seleccione el círculo azul y una vez más use Efecto> 3D> Extrusión y bisel. Seleccione Isometric Top nuevamente, esta vez con una profundidad de extrusión de 208pt. Seleccione Jaggy en el menú desplegable Bisel y establezca la altura en 16 puntos. He aquí que los fuelles de nuestro «fuelle en una campana de cristal» han aparecido.

Paso 9

Paso 9 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Ahora necesitamos agregar algo de sombra al fuelle. Para hacer esto, seleccione Sombreado de plástico en el menú desplegable Superficie y luego haga clic en el botón Más opciones. Establezca la intensidad de la luz al 100%, la luz ambiental al 11%, la intensidad de las luces al 3%, el tamaño de las luces al 90% y los pasos de fusión al 25%.

Seleccione Personalizado en el menú desplegable Color de sombreado y seleccione un gris medio a oscuro (o ingrese estos valores: C41 M33 Y33 K0). Luego haga clic en Aceptar.

Paso 10

Paso 10 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Ahora comenzaremos a hacer la campana. Seleccione la herramienta Rectángulo redondeado de la paleta Herramientas. Haga clic en la mesa de trabajo para abrir el cuadro de diálogo Opciones e ingrese los valores que se muestran. Haga clic en Aceptar.

Paso 11

Paso 11 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Con la nueva forma seleccionada, elija la herramienta Pluma (P) y coloque el cursor sobre los puntos de anclaje inferiores hasta que se muestre un signo menos al lado del cursor. Haga clic dos veces para eliminar los puntos de ancla. Esto deja una curva suave, así que use la herramienta Convertir punto de ancla (Shift + C) y haga clic en los dos puntos inferiores para convertirlos en esquinas.

Paso 12

Paso 12 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Con la herramienta Selección directa (A), seleccione los dos puntos inferiores de la nueva forma haciendo clic y arrastrando un cuadro sobre ellos. Ahora haga clic en uno de ellos y arrástrelos hacia abajo para que la forma de la campana sea un poco más alta, manteniendo presionada la tecla Mayús para mantenerlos en línea recta.

Paso 13

Paso 13 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Seleccione la herramienta Elipse (L). Haga clic y arrastre una elipse para formar la parte inferior de la campana. Usando la elipse del círculo isométrico extruido como guía, cambie su tamaño para que encaje en la parte inferior de la forma de campana.

Paso 14

Paso 14 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Con la herramienta Selección (V), seleccione esta nueva imagen y el resto de la forma de la campana. Rellenelos con la muestra Nueva muestra de degradado 1 en la paleta Muestra.

Paso 15

Paso 15 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Con la herramienta Degradado (G), haga clic y arrastre hacia abajo desde el centro del semicírculo en la parte superior de la campana para crear el sombreado correcto para un objeto 3D.

Paso 16

Paso 16 Tutorial de Adobe Illustrator: Cómo hacer que los objetos se vean en 3D

Ahora seleccione solo la elipse en la parte inferior de la campana. Cópialo y pégalo en la parte superior (Cmd / Ctrl + F). Utilice la herramienta Cuentagotas (I) para cambiar su color al del primer círculo extruido. Luego, encoge ligeramente, manteniendo presionadas Alt + Shift para cambiar su tamaño desde el centro. Establece la opacidad al 45% y agrúpelos con el resto de la campana. Establezca la opacidad de este grupo en 65%.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

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