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El mejor monitor para arte y diseño

El mejor monitor para arte y diseño

Aqui encontraras el mejor monitor para diseñadores y artistas, incluidos Lenovo, Eizo y más, además de consejos de expertos sobre cómo elegir la pantalla perfecta para ti.

Tratar de encontrar el mejor monitor para trabajos de arte y diseño no es fácil, con una variedad vertiginosa de opciones y una variedad de especificaciones igual de abrumadora para entender. Los números y las siglas no parecen tener mucho sentido, y puede ser difícil ver qué características justifican el precio con los modelos de gama alta. 

SinDigital Arts ,está aquí para ayudar, y en esta función enumeramos los mejores monitores que existen, que van desde pantallas de alta gama hasta opciones más asequibles. También desglosamos qué es exactamente lo que debe buscar en una compra como creativo, con un vistazo a todo, desde la resolución hasta el color y la estética.

Comenzamos nuestra búsqueda de la pantalla adecuada para ti, al observar el elemento más esencial cómo lo es:

El Tamaño 

El tamaño es obviamente el primer factor a tener en cuenta al buscar el monitor de sus sueños. Los monitores de 27 pulgadas suelen ser una apuesta segura por el precio. Si el dinero no es un problema, opte por un modelo de 32 pulgadas. Ten en cuenta que algunas de las pantallas de 27 pulgadas de gama más alta pueden costar el mismo precio que una de 32 pulgadas de rango medio.

Se puede argumentar que un modelo de 32 pulgadas «puede garantizar a quienes trabajan con video una verdadera relación de aspecto cinematográfico, ideal para una mayor precisión al editar o componer. De lo contrario, es mejor quedarse con una pantalla pequeña si no está seguro de sí necesitará las pulgadas adicionales.

Resolución

La resolución es lo siguiente que debes tomar en cuenta. No vayas más abajo que una pantalla con una resolución nativa de 1920 x 1080, las imágenes te llegan nítidas en Full HD. La siguiente etapa es Quad HD, con resolución a 2560 x 1440 píxeles. La resolución 4K UHD de 3840 x 2160 es la mejor por debajo de 5K; es posible que vea algunos monitores clasificados como 4D y otros como UHD, pero son esencialmente los mismos, y todos vale la pena verlos si trabaja con video y. efectos visuales.

Cosas como el brillo necesitan menos investigación. Solo asegúrese de que el monitor elegido tenga un nivel de brillo de 300 cd / m2 y una relación de contraste de 1000: 1.

Tipos de panel

Todas nuestras pantallas recomendadas tienen paneles de visualización LCD tipo IPS . IPS son las siglas de In-Plane Switching, que se refiere al cambio de patrones de sus cristales líquidos. Los cambios horizontales de estos cristales conducen a un color consistente y preciso desde todos los ángulos de visión; Además, los monitores IPS suelen llevar una luz de fondo LED, que ofrece un mejor brillo y puede durar más que una pantalla LCD o una luz incandescente.

Es mejor como creativo ignorar cualquier cosa que no sea un monitor IPS, por ejemplo, monitores TN o Twisted Nematic, que son un tipo más antiguo de tipo de panel LCD que ofrece ángulos de visión más estrechos.

La distorsión del color en los bordes de estas pantallas es un problema, agravado con pantallas más grandes; arruinado por una gama limitada de pantalla a color, es fácil ver por qué son la peor pesadilla de un diseñador. Sin embargo, son populares entre los jugadores por su alta frecuencia de actualización. La frecuencia de actualización es algo que verá mucho cuando navegue por los monitores, pero puede ignorar con seguridad, ya que esto es algo en lo que solo los jugadores estarán interesados. una frecuencia de 60Hz es su estándar máximo.

Gama de colores 

Dado que hablamos de color, veamos la gama y la precisión.

Como puede adivinar, cuantos más colores haya en su salida, más garantizado tendrá una gradación de color más suave. Un panel de 10 bits puede crear más de mil millones de colores; algo más bajo, como un panel de 8 bits, tiene 64 veces menos de esa cantidad. Los monitores con resolución de alta definición utilizan colores de 10 bits para procesar sus imágenes, pero eso no significa que un monitor con pantalla de 10 bits sea automáticamente un modelo HDR. Los dos términos no son tan intercambiables como se dice, por lo que, como creativo, asegúrese de apuntar a una salida de 10 bits si desea una mejor gradación de color. Todos los monitores que recomendamos a continuación en nuestra lista son de 10 bits.

Es posible que ya lo sepa, pero la gama específica de colores que se puede representar en una foto determinada se denomina espacio de color, y los dos más comunes que ofrecen los monitores son sRGB y Adobe RGB. El primero puede representar la misma cantidad de colores que el segundo, pero la gama de colores que representa es más estrecha. Adobe RGB ofrece una gama más amplia de colores posibles (aunque la diferencia entre los colores individuales es mayor que en sRGB). La mayoría de los monitores le permiten cambiar entre los dos, junto con otros modos de color como B / N, que es útil siempre que bloquee la pantalla en Adobe RGB para el trabajo creativo. Este es el espacio de color que más necesitará debido a su cobertura más amplia, por lo que debe estar atento a una alta tasa de Adobe en comparación con una sRGB cuando revise las especificaciones.

Otro espacio de color en el que puede configurar algunos monitores es DCI-P3, pero tenga en cuenta que este es un espacio de color RGB creado pensando en la proyección de películas digitales.

Precisión del color

La siguiente pregunta que deberías hacerte es si tu monitor garantiza una precisión total del color. Para hacer esto, puede buscar las palabras mágicas ‘Delta-e’ o dE. Suena bastante de ciencia ficción, pero dE es esencialmente un número que representa la diferencia entre dos colores.

Los números Delta-E se pueden usar para saber qué tan lejos está una impresión del original y qué tan efectivo es un perfil de color en particular para imprimir o realizar pruebas. Idealmente, su monitor estará calibrado a un dE de menos de tres. Para poner eso en perspectiva, sepa que no puede obtener nada con un Delta-E de cero, y que el dE del ojo humano es alrededor de uno. Sin embargo, no todos los monitores incluyen esta información en sus especificaciones, lo que puede resultar un poco frustrante.

Calibración de color

Si bien aún no podrá replicar a simple vista, se puede garantizar un nivel óptimo de precisión de color mediante el uso de un sistema de calibración de color. Esto se puede lograr mediante opciones de software o hardware.

Los sistemas con Windows 10 y superior, junto con Mac OS, tendrán herramientas integradas de calibración para que juegues, mientras que las aplicaciones en línea como Calibrize y QuickGamma ofrecen resultados más precisos. Los usuarios ocasionales pueden optar por estos, pero los resultados son puramente subjetivos a medida que calibra los colores como mejor le parezca.

Colorímetros

Teniendo en cuenta la subjetividad que acabo de mencionar, como creativo probablemente querrá invertir en la opción de hardware de un dispositivo colorímetro. Este es un dispositivo que se conecta a la pantalla y se conecta a través de USB, que luego recorre varios colores como parte del software incluido, lo que garantiza que su pantalla esté optimizada para cada parte de la gama.

El líder del mercado de hardware de calibración de color es la serie Spyder5, que se presenta en tres opciones. El más barato es Spyder5Express (£ 99 / $ 129 de Amazon), que ofrece dos configuraciones de calibración fijas y sin monitoreo de luz de la habitación. El siguiente es el Spyder5Pro (£ 114.96 / $ 129.99 de Amazon), que ofrece una gama más amplia de configuraciones en 16 opciones y tres configuraciones de luz ambiental para monitorear la luz en su habitación (todo importante, ya que la luz ambiental afecta la salida de color en la pantalla).

La opción más cara es el Spyder5Elite (£ 188.50 / $ 199.99 de Amazon), que tiene opciones de calibración ilimitadas y cinco configuraciones de luz ambiental. Una buena ventaja es que le ofrece la oportunidad de ver sus propias imágenes de usuario de ‘Antes y después’ después de la calibración en modo de pantalla completa; bueno, más grande es mejor, después de todo.

Otros accesorios y opciones

Si desea mantener la luz natural alejada de su pantalla, considere invertir en un parasol. Aunque no está tan de moda en estos días, puede ser útil para trabajar en una habitación llena de luz natural para asegurarse de ver todos los colores correctamente en la pantalla. Opte por la funcionalidad, no por la moda con estos: la capucha ideal viene en negro y forrada con terciopelo negro para garantizar que no se reflejen en su pantalla.

Hablando de función, el monitor ideal tendrá una buena variedad de puertos de video. Tendrá un puerto para HDMI; una para DVI estaría bien, pero las conexiones HDMI son más comunes. Siempre es bueno tener puertos adicionales para mayor comodidad, así que trate de evitar cualquier cosa con muy pocos agujeros.

Finalmente, desde un punto de vista estético, los monitores sin bisel o con biseles delgados se consideran los más elegantes. Cómo sabrás, un bisel es el marco de plástico que rodea la pantalla real de un monitor; pero creo que pueden ser útiles para pegar Post-Its.

Ergonomía

Si no quieres que tu monitor sea demasiado inflexible, no importa cuán asombroso sea el resultado. Esto significa que deberá verificar si un monitor tiene altura ajustable e inclinación vertical para reducir la tensión del cuello. El giro vertical es una buena ventaja; Si desea ir a la ciudad en una pieza en retrato, puede mover todo su monitor para que coincida con su pieza, en lugar de ser una pieza de retrato en una pantalla horizontal.

Dónde comprar

Por supuesto, puede encontrar monitores en todo Amazon, y los enlaces a nuestra lista de mejores monitores a continuación son principalmente del sitio. Si desea asesoría con su compra, recomendamos indagar y buscar un ejemplo de sitios donde puedes buscar estás accesorias es Color Confidence  un sitio dedicado a monitores, calibradores y otros accesorios.

El mejor monitor para arte y diseño: Eizo ColorEdge CG2730 27 «

Con una cobertura 100% RGB, el Eizo CG730 se destaca en un mercado sobresaturado. Sin embargo, son los pequeños detalles los que lo convierten en un gran monitor: el bisel completamente negro, la autocalibración sensor, sus espléndidas opciones de puerto.

Sus competidores directos en el mercado serían el Dell UP2718Q del mismo tamaño (arriba), y el Lenovo ThinkVision P32u más grande (abajo). El Eizo supera a ambos por tener algo que no tienen con el sensor. También tiene un puntaje Delta-E más bajo que cualquiera de los dos.

Si deseas algo más grande con puertos Thunderbolt, el Lenovo es para usted, pero el CG730 aún se mantiene más fuerte en las especificaciones visuales esenciales: los colores resaltan, las sombras se ven geniales en Photoshop y Al final del día, eso es lo que realmente necesita como creador visual. Lea más sobre el monitor en nuestra revisión y vea cómo se compara con las pantallas de la última Macbook Pro y la iMac 27 «2017.

El mejor monitor para usuarios de Macbook Pro : Lenovo ThinkVision P32u

 El ThinkVision P32u recientemente y quedamos impresionados por su estética minimalista y sin complicaciones. El bisel es delgado y un vástago simple une la pantalla a la base, lo que lo convierte en un regalo de apariencia elegante, y los colores se ven muy bien en él con su alta resolución y cobertura total de Adobe. Dicho esto, sus modos ‘Escenario’ preestablecidos están bastante mal definidos (¿alguien quiere decirnos la diferencia real entre las pantallas Professional y Vivid?) 

A los usuarios que buscan una configuración de pantalla dual les gustará el puerto Thunderbolt 3 que le permite conectarse y cargar su Macbook Pro, con la opción de hacer coincidir el color del monitor con la pantalla del Pro. Una buena idea, incluso si las diferencias de especificaciones entre ambas pantallas hacen que sea difícil trabajar en ellas de manera eficiente como pantallas duales.

Con una opción Thunderbolt 3, ya puede adivinar que el P32U tiene un buen puerto de juego, incluso si carece de una opción de Ethernet. Todas sus opciones de altura y giro están ahí, e incluso puede conectar auriculares en la parte posterior.

El mejor paquete de monitores: BenQ SW320 31.5 «

BenQ es un nombre respetado en el mercado de monitores, y el SW320 se destaca como una de sus opciones de gama alta con una cobertura perfecta del espacio de color Adobe RGB, resolución 4K UHD y un Delta-E de menos de 2.

Su calibración de hardware le permite ajustar el chip de procesamiento de imágenes en el monitor sin cambiar los datos de salida de la tarjeta gráfica, lo que significa que las imágenes no se ven afectadas por la configuración gráfica, manteniéndose consistente con las versiones originales. Mientras tanto, la calibración de software es compatible con calibradores como Datacolor Spyder 4 y 5.

Dos bonificaciones de BenQ incluyen un parasol de sombra desmontable y un Hotkey Puck para cambiar entre Adobe RGB, sRGB y otros modos. Este hardware redondo se puede colocar en la base del SW320, listo para que lo gire con su manos – no más hacer clic con el mouse a través de los modos de color, en otras palabras.

Una nota adicional rápida sobre el color, ya que estamos impresionados con el preajuste avanzado de blanco y negro del SW320 y la función GamutDuo que en le permite comparar dos fuentes diferentes, por ejemplo, PC y computadora portátil simultáneamente en diferentes espacios de color, una al lado de la otra, para una comparación adicional.

Mejor monitor económico: BenQ PD2710QC 27 «

Si buscas una opción de bajo costo, el PD2710QC será más que suficiente.

Comercializado como el primer monitor USB Type-C de BenQ, el PD2710QC tiene una estación de acoplamiento USB-C incorporada, lo que brinda una excelente gama de opciones de conectividad sin tener el inconveniente de los cables y una estación de acoplamiento separada.

También hay modos de visualización interesantes como Cuarto oscuro, Animación y Diseño / Fabricación asistido por computadora (CAD / CAM) basado en ingeniería. También tiene la opción de escritorio partición, dividiendo así su pantalla en varias ventanas.

La construcción en sí es excelente, con un elegante acabado metálico gris espacial en la parte posterior y una pantalla habilitada para conexión en cadena que le permite extender la pantalla de su ordenador portátil en un máximo de cuatro pantallas. 

Para redondear apagado, obtienes las consideraciones de cuidado de los ojos de BenQ, el monitor diseñado con poca luz azul, tecnología de retroalimentación sin parpadeo y una pantalla antirreflejo con acabado mate. Eso debería mantener tus ojos frescos un poco más durante el día de trabajo. y (o de noche, como sea que trabajes).

Mejor monitor ecológico: Dell UP3216Q 32 «

El UP3216Q de Dell es una opción más grande, pero a unos cientos de libras menos. Ofrece una tasa de Adobe RGB ligeramente más baja, la misma precisión Delta-E y casi la misma resolución que esa. del UP2718Q. El brillo y la relación de contraste son mucho más bajos, pero aún más que suficientes para la mayoría de los usuarios. Lo que obtienes con este modelo exclusivamente es un lector de tarjetas de medios 6 en 1 y una función de ‘Easy Arrange’ que te permite mostrar las ventanas una al lado de la otra en la pantalla.

Este modelo no se calibrará desde el principio, lo que significa que deberá confiar en su modo de color personalizado o en los ajustes realizados con una tabla de búsqueda de hardware accesible para el usuario. También puede usar el software de calibración provisto, pero para que funcione, deberá desembolsar un colorímetro compatible: el X-Rite i1Display Pro.

Quizás el mayor punto de venta son las credenciales ecológicas del monitor. Fabricado con materiales de primera calidad, el monitor está libre de productos químicos y plásticos degradables como BFR and PVC. También cuenta con un vidrio sin arsénico, un panel LED sin mercurio y un chasis hecho de más del 25% de plásticos reciclados post consumo. Una construcción respetuosa con el medio ambiente como esta es rara, por lo que esto puede darle una ventaja sobre otros competidores si está particularmente preocupado por el futuro de nuestro planeta.

El mejor monitor 5K para arte y diseño: LG 27MD5K 27 «

Esta pantalla de LG es el único modelo 5K en nuestra lista, en parte porque creemos que puede estar satisfecho con la resolución 4K, y en parte porque este modelo lo deja boquiabierto en comparación con otros de su clase.

la opción del rayo 3 es su primera ventaja, como si estuviera usando un MacBook o MacBook Pro con pantalla de la retina, a continuación, las marcas 5K para la configuración de pantalla dual perfecta (que es probablemente por qué Apple están dispuestos a empujar este modelo Mucho).

Alejándose de las opciones de conexión, hay algunas ópticas impresionantes. A pesar de que tiene un rango de Adobe RGB del 92%, todavía hay esa resolución mágica de 5120 x 2880 y un brillo de 500 cd / m², que es unos cientos más de lo que obtiene con los modelos Dell de gama alta. Si está buscando un software de calibración, busque en otro lado, pero si está comprando una pantalla 5K para trabajar, probablemente se tome en serio estas cosas como para tener una colorímetro a mano.

Todo el diseño se ve muy bien, y con sp estéreo incorporado altavoces, cámara y micrófono, obtienes lo que pagas con este.

El mejor monitor para sorprender a la multitud: Philips 499P9H 49 «Philips llama la atención

Este monitor de 49 pulgadas definitivamente hará que sus colegas se pongan celosos.

Si está buscando seriamente una manera de mantener abiertas tres o incluso cuatro ventanas minimizadas al mismo tiempo sin necesidad de una segunda pantalla, o solo dos en tamaño completo, entonces la Philips 499P9H es el modelo para usted. Pero tenga en cuenta que la pantalla no ofrece los conceptos básicos de color que todos los creativos necesitan para su trabajo, con un Adobe RGB más bajo que el Otros monitores en la lista.

La unidad en sí tiene un diseño decente y no es demasiado engorrosa de armar y administrar. Solo asegúrese de tener un escritorio que pueda acomodar este coloso panorama de monitores, y una tarjeta gráfica decente, también.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Mejores alternativas a Adobe Illustrator

Ilustrando portadas de libros: la guía de información privilegiada

Ilustrando portadas de libros: la guía de información privilegiada

Ya sea que sea un profesional experimentado con una cartera variada y con ganas de ingresar a un nuevo mercado, o un ilustrador emergente con el corazón puesto en ver su obra de arte en Foyles, aca tienes la guia para ilustrar portadas de libros y libros en general.

Para esta función, hemos hablado con ilustradores que trabajan en una amplia gama de estilos cuyo trabajo ha sido encargado por las principales editoriales en una amplia gama de géneros, pero primero es importante que los ilustradores comprendan el proceso mediante el cual las editoriales de libros conciben. y portadas de comisiones, para lo cual hablamos con The Folio Society.

Fundada en Londres en 1947, The Folio Society publica ediciones imaginativas cuidadosamente elaboradas de los mejores libros de ficción y no ficción del mundo, ofreciendo una rica experiencia literaria a lectores de todas las edades. Un libro en folio es un objeto único, en el que la tipografía, la ilustración, el papel y las técnicas de impresión y encuadernación juegan un papel en la creación de un todo armonioso.

La directora de arte Raquel Leis Allion es una de las dos únicas directoras de arte en The Folio Society, responsable de todas las encuadernaciones y encargos de artistas en todos los géneros, desde historia a poesía, ciencia a ciencia ficción.

“Antes de trabajar en cualquier libro, nos reunimos con el editor y el equipo de producción para discutir un enfoque y si hay algo específico que necesiten de una comisión”, dice. “Examinamos imágenes seleccionadas, si se trata de un libro investigado con imágenes, y analizamos los materiales que podríamos usar para las encuadernaciones. Luego está la colaboración continua con los artistas y, por supuesto, hay nuevos encargos por hacer ”.

Los libros en folio se han ganado la reputación de trabajar con ilustradores increíbles para dar vida a sus libros. Encargan a talentos emergentes, incluidos Jonathan Burton, Jillian Tamaki, Sam Weber y Anna y Elena Balbusso, además de maestros experimentados como Quentin Blake, Paula Rego, John Vernon Lord y Tom Phillips. Dependiendo de la cantidad de ilustraciones, su complejidad y el medio elegido por el artista, puede llevar entre seis y 12 meses pasar de la planificación a la obra de arte terminada.

Raquel explica el proceso, diciendo que “siempre comenzamos con la investigación y la discusión internas; y presentó al artista en nuestra reunión semanal, y verifico su disponibilidad, antes de buscar la aprobación del autor o del patrimonio si es necesario «.

Luego, el artista leerá el libro por sí mismo y se le pedirá que sugiera escenas para ilustrar y detallar el tipo de encuadernación que cree que debería usarse.

“Una vez que todo está resuelto, comenzamos el trabajo real”, dice Raquel. “Los borradores de encuadernación serán revisados ​​y aprobados, antes de que la obra de arte final sea entregada y aceptada. Luego decidimos los colores, materiales y láminas, y recibimos las hojas de prueba de encuadernación, verificando que todos los elementos funcionan perfectamente juntos antes de firmar la versión final para la prensa «.

Raquel señala que la variedad es lo que es posible, el uso de diferentes medios es enorme: el uso de tela, cuero, papel o seda en una paleta de colores que va desde pasteles apagados hasta neón vibrante.

“Tenemos una vasta biblioteca de telas y papeles, que varían en colores, pesos y texturas, y trabajaré con el artista para elegir el color y el material perfectos”, dice. “A menudo esto es intuitivo, pero a veces elegiré un color por una razón muy específica; por ejemplo, un libro puede contener un uniforme histórico particular, por lo que igualará su color y, a veces, incluso su textura «.

A partir de aquí, la comisión se fija y comienza el proceso de ilustración, por lo que hemos hablado con ilustradores como Diana Beltran Herrera, Matt Saunders, Melissa Castrillón y Harry Goldhawk para obtener información sobre cómo crean ilustraciones artísticamente brillantes, deleitan a los editores y, lo más importante de todo es quizás vender libros.

Artesanía de papel para libros de bolsillo

Diana Beltrán Herrera, artista de papel con sede en Bristol, disfruta haciendo cosas, transformando materiales y replicando el mundo que la rodea.

“Trabajo principalmente con papel porque es un material muy flexible, fácil de transformar y económico”. explica Diana. “Me gusta hacer estructuras y esqueletos que luego cubro en papel, pero generalmente todo lo que hago se hace con papel”.

Para obras en 2D como cubiertas de libros, Herrera utiliza una combinación de elementos escultóricos, capas, texturas y superficies.

“Por lo general, con las cubiertas de los libros hay diferentes capas y la disposición y las técnicas de corte son importantes para que todo pueda encajar en el marco y tener sentido visualmente”, explica.

Encargada por clientes que incluyen a Marina Rinaldi, Mercedes Salazar y Greenpeace, también ha diseñado una serie de portadas de libros para las editoriales Hodder & Stoughton utilizando su enfoque único de artesanía en papel.

“Me gusta hacer capas con papel, cortar cosas y exponer texturas. Las sombras se han vuelto bastante importantes recientemente, y el papel puede dar más vida a un diseño simple para la portada de un libro «. agrega Diana.

Inspirada en ilustradores asiáticos, objetos cotidianos, libros de arte y elementos naturales, planifica su trabajo de forma meticulosa. Los bocetos son muy importantes, al igual que decidir la técnica específica a utilizar, ya que hay muchas formas de trabajar con papel, explica Herrera.

“Intento [planificar] todo primero digitalmente para que el proceso de creación sea fácil”, dice. “De lo contrario, puede desviarse demasiado y tener dificultades para acotar las ideas. Me gusta usar el corte de papel con un poco de escultura, así que tengo partes planas y luego partes con mucho volumen y textura ”.

Salpicar un poco de magia 

El ilustrador y director de arte londinense Matt Saunders llamó la atención de los editores por primera vez con su trabajo para Pottermore de JK Rowling, el editor digital global de Harry Potter y el mundo mágico que creó las escenas ilustradas para The Sorting Ceremony y la selección de varitas.

“Estaba creando proyectos personales en ese momento que visualmente quizás se prestan a las portadas de libros y eso es quizás lo que me atrajo”, dice. «Pottermore abrió mi trabajo a los editores a nivel mundial; la mayoría de los libros que hago ahora se originan en los Estados donde mi trabajo realmente resuena».

Saunders ha ilustrado alrededor de 50 portadas de libros para clientes de todo el mundo. Inspirándose en el mundo natural y su amor por el cine y el cine, su trabajo a menudo se centra en paisajes impactantes, iluminación dramática y escenas atmosféricas creadas a mano y luego coloreadas digitalmente.

“Yo era un estudiante de la era de los comentarios en DVD y aprendería por qué los directores tomaban ciertas decisiones con la iluminación, la puesta en escena y las lentes”, señala.

Un enfoque impresión 

Basado en la ilustradora colombiana Melissa Castrillón prefiere una mezcla de dibujos tradicionales dibujados a mano y coloración y composición digital para las ilustraciones de sus libros, abordando el diseño de cada imagen como lo haría con una serigrafía.

“Combinó una paleta de colores limitada y capas dibujadas a mano con un lápiz mecánico”, dice. “Luego, cada capa se escanea y se colorea digitalmente en Photoshop como una serie de capas de un solo color; por ejemplo, las capas en blanco y negro terminan siendo rojas, azules y amarillas en la computadora. Luego, los superpongo en Photoshop y, con suerte, si lo he planeado bien, hará una ilustración completa».

Fue durante su Maestría en Ilustración de Libros para Niños en la Escuela de Arte de Cambridge, donde perfeccionó su técnica de impresión y desarrolló el estilo por el que es conocida hoy.

“Tienen una sala de impresión increíble con todo lo que pueda desear: grabado, tipografía, litografía, impresión Riso y serigrafía, que me atrajo de inmediato”, explica. «Me obligó a pensar en una ilustración como un número limitado de capas de color que podrían traducirse en una imagen completa».

Una de sus portadas más recientes fue la nueva edición de regalo de Northern Lights de Philip Pullman, que se centra en un oso blindado.

“Jugué con la forma del oso y cómo puede funcionar en el formato de la portada, pero también cómo el título y el nombre del autor pueden encajar y no luchar por el espacio en el diseño”, explica Castrillón. “Todos los elementos deben considerarse en todo momento y funcionar como un todo cohesionado. El color ya estaba mapeado después de hablar con el editor, así que fue bastante divertido tenerlo decidido y luego tener el desafío de ‘¿Cómo voy a hacer que esa paleta funcione y complementar mi diseño?’. A veces, tener parámetros preestablecidos puede ser agradable, pero obviamente no todo el tiempo «.

Melissa dice que comprender las imágenes clave que dominan la historia le ayuda a tener una idea clara de la atmósfera, lo que a su vez impacta en la paleta de colores y el diseño general.

“Me gusta elegir una pieza principal de imágenes para usar en la portada e incorporar otros objetos como pequeñas sub imágenes o decoración alrededor del diseño”, explica. “La pieza principal de imágenes tiende a ejemplificar más la historia y también me proporciona la composición más interesante: por lo que una mezcla de esos dos tiende a ser igual a la portada de un libro con el que estoy contento, como la aurora boreal y el oso blindado o La curiosidad de Mary Innings de Monica Kulling y su fósil de ictiosaurio «.

Cubriendo a Shakespeare 

El diseñador gráfico e ilustrador Harry Goldhawk trabaja en su estudio en Cornwall, junto a su esposa y compañera de diseño Zanna. Recientemente completó Shakespeare for Every Day of Year, el tercero de una serie de libros de poesía, editado por Allie Esiri.

“Desde el principio supe que tenía que parecer parte del resto del set, por lo que muchas de las decisiones de composición se tomaron de inmediato”, dice. “Sabía que el texto estaría centrado y rodeado de flores, lo que facilitó mi trabajo de muchas maneras.

“La parte más complicada fue encontrar una manera de encajar la palabra ‘Shakespeare’ de una manera que pareciera orgánica. Me tomó un poco de tiempo encontrar la manera de colocarlo «.

Harry tuvo mucha libertad para la portada y eligió una serie de temas y objetos que aparecen a lo largo de las obras literarias de Shakespeare, entrelazándose con hojas y flores.

“Si hubiera algún elemento del que el editor no estuviera seguro, me lo dejarían saber y discutiremos con qué podríamos intercambiarlo”, explica. “Tuve que tener en cuenta los dos libros anteriores de la serie, Poema para todos los días y Poema para todas las noches, para que las paletas no se superpusieron ni chocaran en absoluto.

“Los esquemas de color se discutieron desde el principio. Sabía que no podía ser azul oscuro o rojo y que tenía que sobresalir en un estante, lo que me llevó a optar por el verde azulado y la lámina dorada «.

No tenga miedo de compartir su trabajo

Promocionar y compartir su obra de arte en línea es crucial para que los posibles comisionados vean su trabajo, y los editores utilizan con frecuencia plataformas como Instagram y Behance para buscar nuevos talentos. Melissa Castrillón dice que las redes sociales la ayudaron a conectarse con los clientes al principio.

«No confiaba en mi trabajo en esa etapa y estaba ansioso por enviar correos electrónicos a los editores». ella admite. Así que se sorprendió al recibir su primer encargo cuando un director de arte de Simon & Schuster US se puso en contacto después de descubrir su trabajo en Pinterest.

“Definitivamente animaría a otros a ser valientes y enviar correos electrónicos directamente a los editores, así como a usar plataformas en línea e ir a ferias de libros”, dice.

La Folio Society anima a los ilustradores emergentes a participar en exposiciones de arte.

«Visitamos con regularidad eventos, como [muestras anuales de graduados] New Blood y New Designers para buscar talentos emergentes y, por supuesto, también investigamos en línea». revela Raquel, quien regularmente mira sitios web de agentes de ilustración, además de mantener sus propios archivos sobre artistas con los que les gustaría trabajar.

“Ocasionalmente, un artista puede contactarnos al mismo tiempo que aparece el proyecto perfecto para ellos”, señala, “pero si no, y nos gusta lo que vemos, los mantendremos en el archivo para, con suerte, usarlos en el futuro”.

La representación de agencias es otra consideración valiosa para los ilustradores deseosos de ingresar al mundo editorial, agrega Melissa, quien está representada por Helen Boyle en la agencia Pickled Ink.

“Son muy cariñosos y realmente quieren que hagas el trabajo que amas y eso te empujará hacia adelante”, dice ella.

Sus agentes tienen una lista extensa de editores con los que están en contacto con regularidad, y ella señala que “antes de tener un agente, era bastante mala para acercarme a los editores. He conseguido todas menos una de las 18 portadas de libros que he ilustrado a través de mis agentes «.

También existen numerosas organizaciones que ofrecen apoyo y asesoramiento, como Picture Hooks, una organización con sede en Edimburgo que brinda acceso, oportunidades y desarrollo. También está el recientemente lanzado Pathways, que ofrece un programa de estudio intensivo de dos años para ilustradores emergentes de libros ilustrados.

Melissa concluye que no se debe subestimar la importancia de los proyectos autoiniciados.

“Establezca sus propios informes personales, en los que produzca una pieza de ilustración narrativa que le encantaría que le encargaran”, dice ella. «Cuanto más trabajo tenga, que le guste y pueda mostrar a los editores, aumentará su interés y les mostrará de lo que es capaz».

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Mejores alternativas a Adobe Illustrator

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un destello de lente realista

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un destello de lente realista

Dale un nuevo giro a este efecto de destello de lente de Photoshop tan usado (y abusado).

El filtro Lens Flare de Photoshop es un efecto que se ha usado tanto a lo largo de los años, que se ha convertido en una especie de cliché en la ilustración digital. Lo cual es una pena, ya que en la situación adecuada, puede proporcionar una poderosa mejora de iluminación a una pieza.

Afortunadamente, Fabio Sasso nos ha proporcionado un tutorial que le muestra que si tienes una idea sólida y una ejecución única, no importa si toca un efecto que ha estado sobreexpuesto durante mucho tiempo para lograr el resultado que desee.

Aprenderás a presentar variaciones interesantes sobre un tema antiguo cambiando la posición de los destellos de la lente y el uso creativo de los modos de fusión, las herramientas de pincel y el color.

Así que prepárate para volver a familiarizarse con uno de los efectos más potentes del software de imágenes digitales.  Así que simplemente manténgase alejado de esas configuraciones predeterminadas .

Paso 1

Abra Photoshop y crea un nuevo documento. Agrega una nueva capa y rellénala con cualquier color. Etiqueta esta capa como ‘Degradado azul’, luego ve a Capa> Estilo de capa> Superposición de degradado. Para los colores degradados, use # 0c0c36 para el azul oscuro y # 25245e para el violeta claro.

Paso 2

Agrega una nueva capa y rellénala de negro. A continuación, vaya a Filtro> Renderizar> Destello de lente y seleccione el Tipo de lente principal de 105 mm con 100% de brillo.

Luego seleccione Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano y use 30 píxeles para el Radio. Lo último que se puede hacer con esta capa es cambiar su modo de fusión a Sobreexponer color.

Paso 3

Agrega otra capa y nuevamente, rellénala de negro. Luego, vaya a Filtro> Renderizar> Destello de lente y elija el Tipo de lente de zoom de 50-300 mm con 100% de brillo.

Repita los mismos procesos para el Desenfoque gaussiano y el modo de fusión que en el Paso 2.

Paso 4

Con la herramienta Rectángulo (U), agregue un rectángulo blanco del ancho de la página y colóquelo en el centro. Seleccione esta capa y vaya a Capa> Capas de grupo.

La capa de rectángulo estará dentro de una carpeta. Cambie el modo de fusión de la carpeta a Sobreexponer color.

Paso 5

Seleccione la capa del rectángulo y vaya a Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano. Utilice 20 píxeles para el radio. Como esta capa está dentro de una carpeta con Color Dodge, los bordes borrosos crearán un efecto de iluminación realmente interesante.

Paso 6

Agrega una nueva capa dentro de la carpeta con el rectángulo. Seleccione la herramienta Pincel (B) con un pincel muy suave y, usando blanco como color, pinte una segunda fuente de luz.

Paso 7

Repita el mismo proceso con la herramienta Rectángulo (U) y la herramienta Pincel (B) para agregar más elementos a su diseño.

Para la luz en el centro, crea algunas líneas verticales y luego ve a Filtro> Desenfocar> Desenfoque de movimiento. Use 90º para el Ángulo y establezca la Distancia en 90. Esto creará un elegante efecto de reflexión.

Paso 8

Ahora ve a Ventana> Pincel. Seleccione un pincel redondeado básico y establezca la Dureza al 0% y el Espaciado al 80%. Luego agregue otra capa dentro de la carpeta con los otros efectos de luz. Haga clic en un área cercana al centro y, manteniendo presionada la tecla Mayús, haga clic en la parte inferior izquierda para crear una línea de puntos.

Si el efecto es demasiado fuerte, ve a Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano y suavízalo un poco. Cambie la opacidad al 70%.

Paso 9

Agregue otra capa y pinte algunos puntos de luz con la herramienta Pincel (B) usando blanco para el color cerca del destello de lente grande. A continuación, vaya a Filtro> Desenfocar> Desenfoque radial. Utilice 15 para la cantidad, Zoom para el método de desenfoque y mejor para la calidad.

Paso 10

Agregue una capa encima de las demás y luego, usando la herramienta Pincel (B) con un pincel grande y suave, pinte una gran mancha rosa y dos grandes manchas azules. Cambie el modo de fusión a Luz intensa y la Opacidad al 50%.

Paso 11

Con la herramienta Elipse (U) agregue una elipse blanca. Vaya a Capa> Estilos de capa> Opciones de fusión. Cambie la Opacidad de relleno a 0, luego seleccione Sombra interior. Utilice Rosa para el color y Sobreexposición lineal para el modo de fusión. Establezca el ángulo en 90º, la distancia en 0, el estrangulador en 14% y el tamaño en 250 píxeles.

Paso 12

Agrupe esta capa en otra carpeta y hágala invisible (Capa> Máscara de capa> Ocultar todo). Seleccione la herramienta Pincel (B) y con un pincel redondeado de tamaño mediano, pinte con blanco sobre la máscara de capa para que un poco de las áreas izquierda y derecha de la elipse sean visibles.

Repite la misma técnica para crear otro reflejo de lente, pero esta vez más pequeño.

Paso 13

Ahora vamos a poner un efecto de filtro amarillo sobre todo. Vaya a Capa> Nueva capa de ajuste> Filtro de fotos. Seleccione Amarillo para el Filtro y 90% para la Densidad.

Paso 14

Seleccione todas las capas y duplíquelas, luego combine todas las capas duplicadas en una sola capa. También puede hacer esto usando un atajo de teclado (Cmd / Ctrl + Alt + Shift + E). A continuación, vaya a Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano.

Mueva esta capa para que esté debajo de la capa Filtro de fotos, luego cambie el modo de fusión a Pantalla con la Opacidad establecida en 50%.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Mejores alternativas a Adobe Illustrator

Lo que nos han enseñado 500 años de ilustración médica sobre el arte y la anatomía

Lo que nos han enseñado 500 años de ilustración médica sobre el arte y la anatomía

La historia de la ilustración médica en Europa Occidental cuenta dos historias entrelazadas de técnica y comprensión en constante mejora.

El primero es el de la anatomía y el creciente conocimiento de los médicos sobre cómo funciona el cuerpo y por qué a veces no lo hace: un conocimiento adquirido a través de la práctica de la disección y el registro de lo que aprendieron en libros de texto ilustrados en colaboración con artistas.

El segundo es la historia de la impresión y cómo los desarrollos tecnológicos permitieron representaciones más detalladas y precisas de la carne, los huesos y los sistemas, lo que permitió a los artistas utilizar una gama más amplia de técnicas y la creación de libros que explican mejor el cuerpo al lector. Una mayor comprensión proporcionada por un médico y un artista conduce a una mayor investigación y representación por parte de otros, un ciclo repetitivo que gana impulso con cada avance médico y de impresión.

“Hay momentos de disyunción en la historia [de la ilustración médica] en los que se ven cambios de la impresión en blanco y negro al color”, dice Katie Birkwood, mientras me muestra la sección Debajo de la piel: ilustrando lacuerpo humano exposición delen la Royal College of Physicians de Londres, que traza la historia de la ilustración anatómica desde 1543 hasta la actualidad. «Ves desarrollos cuando las cosas pasan de las ilustraciones de bloques de madera [arriba] a las ilustraciones de placas de cobre [abajo], donde obtienes muchos más detalles».

Katie es la bibliotecaria de libros raros en el RCP y ha comisariado la exposición basada en la extenso archivo de libros y otros medios, que ha recopilado desde su fundación en 1518, aunque perdió gran parte de su biblioteca durante el Gran Incendio de Londres en 1666. Los libros de texto anatómicos históricos icónicos están más asociados con el médico que realiza la disección. Vesalius (abajo), Blasius o Gray , pero los ilustradores involucrados son igualmente importantes para su creación.

“Estos son proyectos colaborativos muy cercanos”, dice Katie. “A menudo tendemos a pensar que el trabajo colaborativo es algo nuevo, algo muy del siglo XXI. y eso es una tontería «.

«Este libro aquí», dice, señalando una copia de 1799 de la pragmáticamente titulada Una serie de grabados … con la intención de ilustrar la anatomía mórbida de algunas de las partes más importantes del cuerpo humano, «es un proyecto que fue supervisado por el patólogo Matthew Baillie. Él era el hombre que estaba recolectando los especímenes y cortándolos, y luego supervisa a este equipo de artesanos: [William] Clift que hace el dibujo, [James] Basire que hace el grabado, y luego los impresores «.

Los ilustradores de tales libros tendrían experiencia trabajando junto a disectores y habrían acumulado conocimientos médicos que les permitieron representar mejor lo que el disector quería mostrar.

En los primeros libros de texto médicos desde el siglo XV hasta la época victoriana, las ilustraciones médicas generalmente se parecen menos a las obras fotorrealistas o esquemáticas que se ven en los libros de texto modernos, y más al arte de los períodos, que se basan en imágenes religiosas y simbolismo. La razón de esto no es que los artistas estuvieran tomando decisiones conscientes para replicar lo que estaba sucediendo en las ‘bellas artes’, sino que para ellos, eso era el arte. No es hasta mucho más tarde que ve la ilustración médica divergir en algo que pensamos como clínico o científico.

“El artículo más antiguo que tenemos en la exposición es este libro aquí”, dice Katie, señalando un libro del siglo XV sobre derramamiento de sangre. “Es un manuscrito escrito a mano [con] una representación muy medieval del cuerpo. Es una imagen muy estilizada: tiene más en común quizás con una representación de Cristo en la cruz, que con algo que esperas que sea médico.

«En esta imagen de aquí, hay una persona que se está desollando, revelándose su cuerpo, rodeada de lo que efectivamente es un halo. Es como un cuerpo santo, o una mirada a la grandeza de la creación como se manifiesta en este cuerpo».

El comienzo del siglo XIX vio la introducción de la impresión litográfica, que condujo a lo que Katie considera la edad de oro de la ilustración anatómica, cuando las ilustraciones eran tanto artísticas como informativas, antes de que la necesidad de precisión clínica limitará el espacio para la expresión artística.

«Esta es una imagen espectacular», dice. «Está impresa litográficamente con tinta negra y luego coloreada a mano en una amplia gama de colores, lo que le da esta calidad fotorrealista con un juego de luces asombroso.

» Una de las otras cosas notables es que puedes ver las herramientas de disección en funcionamiento en la imagen. Entonces puedes ver ganchos a cada lado que están tirando hacia atrás la carne del cuerpo. Entonces, en lugar de ser una especie de cadáver incorpóreo, estamos viendo el proceso de disección frente a nuestros ojos «.

Una de las cosas más difíciles de representar en la ilustración médica es que estás usando un medio 2D para mostrar una colección tridimensional de partes y sistemas. Con esto en mente, quizás sea sorprendente que no haya más series de imágenes como esto por Francis Sibson en algún momento entre 1840 y 1860, que muestra las diferentes posiciones de las costillas y los órganos cuando los pulmones se desinflan e inflan.

«Esto muestra algunas de las limitaciones de la ilustración anatómica», dice Katie, «porque tenemos que tener dos imágenes aquí para mostrar las diferentes posiciones de los pulmones y los órganos internos. El cadáver ha sido traqueotomizado: se le colocó un tubo en la garganta y luego se le hizo pasar aire por el tubo para inflar los pulmones. Es un recordatorio de que cualquier imagen que vemos es una imagen estática de lo que, después de todo, es un cuerpo en movimiento.

«Es bastante inusual mostrar que estas cosas se mueven».

Katie señala que esta visión singular del cuerpo humano en un solo estado causó problemas a los médicos cuando la radiología con rayos X se generalizó durante el siglo XX. Los médicos encontraron órganos mucho más bajos de lo que esperaban, y a menudo pensaban que algo andaba mal. con los pacientes, pero en todos los sentidos, de hecho, bien. Los órganos parecían más bajos cuando el paciente estaba de pie cuando se tomaron las radiografías, por lo que sus órganos se hundieron, mientras que los médicos estaban acostumbrados a que los humanos se tumban para cirugía o disección, o en . ilustraciones médicas

No todos los trabajos seleccionados por Katie del archivo del Colegio estaban dirigidos a educar a – algunos sólo estaban tratando de choque Este grotesca imagen muestra dos cabezas se abrió para mostrar los cerebros -.. también falta la nariz, tal vez debido a la sífilis  de 1748. La Anatomie de la tête dedisección de este libro fue realizada por Pierre Tarin, con dibujo y grabado de Jacques Fabien Gautier d’Agoty.

A pesar de su espeluznante, es un ejemplo de verdadera innovación. los primeros ejemplos de un proceso de impresión a cuatro colores, en lugar de impresiones en blanco y negro coloreadas a mano. Jacques inventó el proceso de impresión que utiliza, o puede que se lo haya robado al grabador Jacob Christoph Le Blon, de quien Jacques fue aprendiz anteriormente.

El proceso utiliza tinta mezzotinta en cada una de las cuatro planchas de color negro, rojo, amarillo y azul, en lugar del cian, magenta, amarillo y negro que se utilizan en gran parte de la impresión moderna a gran escala. Terminas con una mirada oscura e intensa que realmente realza el efecto de lo que ya es una imagen impactante.

“Sin embargo, en términos de ilustración médica”, señala Katie, “esto hace que no sea muy útil. Para mediados del siglo XVIII, no está terriblemente detallado. No es muy fácil ver lo que está pasando «.

En cambio, el libro fue diseñado para ser disfrutado como una curiosidad. Estos libros tenían un atractivo ya que la audiencia de los libros de texto de medicina antes del siglo XX era más amplia que solo los profesionales médicos; era común que los caballeros tuvieran tales libros como parte de tener un amplio conocimiento general.

El libro también existió para promover el proceso de impresión entre los clientes potenciales.

«Hay toda una serie de imágenes de la cabeza», dice, «y también hay una serie de imágenes de la musculatura y muchas de ellas tienen este mismo tipo de ángulo atractivo y explícitamente sexual».

Usted puede ver más de impresiones Jacques uso de esta técnica en esta reproducción en línea de su 1759 trabajo de la exposición anatómica de la estructura del cuerpo humano.

La mujer desaparecida

Al ver más de 500 años de ilustración anatómica presentada a través de una exposición, una pregunta de inmediato viene a la mente ¿Dónde están las mujeres? Están desaparecidas, por supuesto, debido al patriarcado.

«El estándar es mostrar el cuerpo masculino», dice Katie, «y a menudo son bastante identificables como hombres. Solo se muestra el cuerpo femenino si quieres mostrar el sistema reproductivo, y eso se estudió mucho menos bien hasta el siglo XVIII, cuando los médicos se dieron cuenta de que podían ganar mucho dinero convirtiéndose en parteras y comenzando a dar a luz a los bebés de los ricos y famosos.

«Entonces, de repente, los libros sobre los estudios del sistema reproductivo femenino comienzan a surgir, especialmente el tema de la anatomía del útero embarazada, pero hay muchas menos representaciones del cuerpo femenino por ahí «.

Ilustrar cuerpos desnudos de mujeres, incluso parcialmente disecados, también podría considerarse lascivo. Pero también existía el problema de que había menos cuerpos femeninos disponibles para la disección. La mayoría de los cuerpos eran criminales condenados o víctimas de violencia o accidentes que no fueron reclamados por sus familias, y era más fácil para un hombre reclamar el cuerpo de su esposa que viceversa.

A lo largo del siglo XX, la capacidad de imprimir libros con placas fotográficas a un precio cada vez más económico ha llevado a que la ilustración médica se centre más en lo explicativo y lo esquemático. Pero estos todavía tienen las mismas limitaciones que las ilustraciones más antiguas: solo existen en el espacio 2D. A través de aplicaciones y experiencias de AR / VR, los médicos pueden ver partes del cuerpo y los sistemas que fluyen entre ellos desde todos los ángulos, obteniendo una perspectiva mucho mejor (literalmente) de cómo trabajamos. Y hasta que podamos crear un modelo 3D funcional de un humano escaneando a una persona por dentro y por fuera, será necesario que un artista lo esculpe. Entonces, tal vez los días de las obras que son tanto arte como diagramas aún no hayan terminado.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Mejores alternativas a Adobe Illustrator

Artistas de personajes que debes conocer

Artistas de personajes que debes conocer

Inspírate con los mejores artistas de personajes que encontrarás hablando en el festival Pictoplasma.

1:Jeron Braxton

El arte de personajes es divertido y, por tanto, el evento anual Pictoplasma es definitivamente una de las entradas más divertidas en el calendario creativo, y siempre se garantiza que los ilustradores, artistas y dibujantes más emocionantes trabajan en el campo hoy en día.

El evento del año pasado en su sede habitual de Berlín contó con Edel Rodríguez, los creadores de juegos ustwo y el genio del 3D Jack Sachs.

Se han comenzado a anunciar nombres para el evento de este año que tendrá lugar en mayo, incluidos Hilda creador de, Luke Pearson, la colaboradora de Wes Anderson, Félicie Haymoz, y el querido Cabeza Patata. Puedes consultar ejemplos representativos de estos increíbles artistas de personajes, comenzando con el nuevo nombre genial Jeron Braxton como presenta.

Otras selecciones incluyen interesantes creadores de Gif, talentos de juegos independientes y de realidad virtual y algunas manos hábiles para crear personajes a partir de basura vieja. Cómo puede esperar, aquí hay una gama global de talentos, formada por nombres establecidos y recién llegados emocionantes.

2:Jeron Braxton

autodidacta 3D Jeron Braxton animador explora la experiencia americana negro a través surrealistas Playstation 2 estética. 

Detectamos una vibra de animación vapor wavey y punk de los noventa en su trabajo, que recuerda al extraño segmento de MTV Liquid Television,  y algo así como Julian Glandery los primeros Pixar. Casualmente, Jeron y Julian han unido fuerzas en el pasado, haciendo animación de 2017 Plant Room juntos la.

Glucose, el cortometraje de Jeron que investiga la historia del azúcar como motor de la trata de esclavos, logró ganar nada menos que el Premio del Jurado de Cortometraje de Animación en el Festival de Sundance 2018.

Su tan esperado seguimiento, Octane, toca temas como la genealogía de la policía de los patrulleros esclavos fugitivos.

Encuentra el sitio oficial de Jeron aquí. Mientras tanto, las películas mencionadas anteriormente se pueden ver en la Jeron en Vimeo curiosamente, al igual que sus contemporáneos Glander y Mushbuh, Jeron también incursiona en la música, como se puede escuchar en su página de Soundcloud.

Definitivamente un artista de personajes a seguir en 2019.

3:Laurie Rowan

Un animador e ilustrador galardonado con sede en la costa sur de Inglaterra, Laurie Rowan es conocido por su imagen en movimiento comercial y trabajo de diseño de juegos para clientes y campañas de alto perfil.

Recientemente emergió con su propia marca de personajes tambaleantes, explorando la corporeidad, el ritmo y el movimiento grotescos.

Laurie opera a la vanguardia de la creatividad y la tecnología trabajando en juegos basados ​​en HTML5 y Unity para campañas y clientes de alto perfil, incluidos BBC, Channel 4, Droga5, Disney y Google.

Recientemente llamó la atención con sus ingeniosas animaciones para los Premios Anuales ADC, como parte de su convocatoria abierta para inscripciones.

4:Félicie Haymoz

La ilustradora suiza de Brooklyn Félicie Haymoz se ha convertido en la creadora de personajes de Wes Anderson, primero en Fantastic Mr. Fox y luego en Isle of Dogs (en la foto). Todos sus diseños se han producido como elaborados títeres para películas stop motion.

Félicie también trabaja en varios proyectos comerciales, creando una amplia variedad de personajes y arte conceptual para stop motion, 3D digital y producción de animación recortada. También produce pintura y diseño gráfico para libros, revistas y carátulas de álbumes.

Los amantes de Wes Anderson pueden ver a otros colaboradores suyos que hemos presentado en el sitio a través de estas entrevistas del año pasado: la de Isle of Dogs diseñadora principal, Erica Dorn, sobre la elaboración del mundo preciso de Wes Anderson, la diseñadora gráfica de Wes Anderson, Annie Atkins, sobre el diseño del pasado y asegurando futuros talentos en el campo

5:Philippa Rice

La autora número uno en ventas del New York Times de Soppy Philippa Rice trabaja en un amplio espectro de  medios, desde cómics, ilustración y animación hasta creación de modelos y crochet.

Sus otros trabajos incluyen el webcomic basado en collage My Cardboard Life y sus personajes de crochet animados en stop-motion.

Vive en Nottingham con su pareja Luke Pearson y su hija. Luke es el creador de la serie de libros para niños Hilda , más sobre él en un segundo. Su romance con Luke inventó los cuentos que se encuentran en Soppy, que comenzó como un webcomic en 2011.

Philippa usa su propia vida como la base de gran parte de su trabajo, como puedes ver en esta tira de vida deliciosamente coloreada tomada de Soppy.

6: Nikita Diakur

El cineasta nacido en Rusia es mejor conocido por sus proyectos Ugly and Fest, que han recibido muchos elogios de la crítica en festivales de cine de todo el mundo.

Su estilo característico es la simulación dinámica por computadora que abarca la espontaneidad, la aleatoriedad y el error.

Diakur imparte regularmente charlas y talleres en festivales y universidades, recientemente realizó una residencia en Q21 en Viena y es miembro de la Academia de Cine Europeo.

7: Dina Amin

Dina Admin es una diseñadora de El Cairo a la que le encanta explorar las intersecciones entre varias disciplinas.

En 2016 comenzó Tinker Friday, un proyecto de Instagram donde combinó su pasión por el diseño de productos y el stop motion para reflexionar sobre el consumismo.

dina (sic) continúa jugando, haciendo nuevos artículos a partir de lo antiguo y recientemente se expandió a Tinker Studio, donde produce videos stop motion para diversos clientes y empresas de todo el mundo.

8:Kitty Calis / Jan Willem Nijman

Los diseñadores y productores holandeses de juegos Kitty Calis y Jan Willem Nijman recientemente co-lanzaron el ahora famoso Minit, un juego de aventuras jugado en incrementos de sesenta segundos con un personaje icónico con pico (en la foto), creado con la ayuda de Dominik Johann y Jukio Kallio.

Los jugadores emprenden viajes para ayudar a personas inusuales, descubrir secretos y vencer enemigos, todo con la esperanza de levantar la maldición que termina cada día después de solo un minuto.

Con su diseño minimalista en blanco y negro, el juego se hace eco de la cultura de píxeles de las consolas.

9: Sos Sosowski

El científico loco autoproclamado de los videojuegos Sos Sosowski es el creador de Thelemite, McPixel y muchos otros juegos de los que quizás nunca hayas oído hablar.

El ex maestro de escuela se volvió irremediablemente adicto a los juegos y actualmente está en una búsqueda para crear el ‘peor’ videojuego de todos los tiempos: Mosh Pit Simulator.

Esta es una experiencia de realidad virtual sobre un mundo que está invadido por humanoides sin cerebro que intentan desesperadamente continuar como de costumbre (ir de compras, tener citas, conducir autos).

10: Cornelia Geppert

Cornelia Geppert es CEO y directora creativa de Jo-Mei Games, y responsable de todos los aspectos artísticos de su próximo videojuego de aventuras Sea of ​​Solitude.

En este juego, el jugador controla a una joven llamada Kay mientras explora una ciudad abandonada y sumergida y su criatura para revelar por qué Kay se ha convertido en un monstruo.

Cornelia describe el proyecto como el más personal y artístico, ya que la llevó a sondear sus propios miedos y emociones.

11: Cabeza Patata

El nombre de Cabeza Patata se traduce como ‘cabeza de papa’ y sus caracteres característicos tienen cabezas muy redondas en cuellos delgados.

El estudio de ilustración y animación formado por la artesana e ilustradora inglesa Katie Menzies y el artista y animador 3D español Abel Reverter está construyendo un mundo de personajes fuertes pero divertidos con colores atrevidos y actitudes sensatas.

Sus personajes están apareciendo en todas partes, desde murales callejeros en Barcelona hasta animaciones en 3D para la Royal Society for the Arts.

Echa un vistazo a nuestra entrevista y galería de su trabajo del año pasado aquí donde hablaron sobre su serie Everyday Women, compuesta por ilustraciones estilizadas de mujeres poco convencionales.

También debería ver su trabajo como parte de esta gran campaña animada para la campaña VOW del año pasado para poner fin al matrimonio infantil.

La campaña también contó con grandes toons de I Saw John First, Kijek / Adamski, Wednesday, Caitlin McCarthy y Sacha Beeley.

12: Luke Pearson

Probablemente ya conozcas a Luke Pearson, el ilustrador y dibujante de cómics de Nottingham, mejor conocido como el creador de las Hilda novelas gráficas de.

El éxito de Hilda ha llevado a una serie animada de Netflix basada en la serie, e incluso se ha creado un juego en torno al personaje también.

Luke ha trabajado como artista de guiones gráficos en Adventure Time, ocasionalmente dibuja cómics que no son de ‘Hilda’ y también le gusta crear animaciones con su compañera, ilustradora y autora Philippa Rice (a quien mencionamos anteriormente).

13: Elenor Kopka

Elenor Kopka es una animadora e ilustradora independiente mejor conocida por sus personajes granulados, gusanos en blanco y negro y manchas en constante transformación.

Inspirándose en los fantasmas y la metamorfosis de los dibujos animados, crea sin esfuerzo cortometrajes animados, GIF y videos musicales interesantes.

Nos gusta mucho su estilo enigmático y nos fascinan los juegos surrealistas en los que ha trabajado.Ghost Coin es un pequeño juego sobre el viaje de una moneda fantasma a través de un mundo de muchas paredes y caras. Divertido, aunque todavía macabro código de vestimenta: Human te da dos minutos para vestir a un esqueleto para una fiesta.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Mejores alternativas a Adobe Illustrator

Tutorial de Photoshop: cómo usar una tableta Wacom

Tutorial de Photoshop: cómo usar una tableta Wacom

Te explicamos las formas de hacer que tu tableta Wacom funcione mejor y más fácilmente con las herramientas de Photoshop, Intuos Pro, Intuos 5, Intuos 4, Intuos 3 Wacom, lo que brinda a los y tabletas Cintiq de son increíblemente populares en las industrias creativas diseñadores, ilustradores y fotógrafos más fluidez de movimiento y mucha más precisión en todo su procesamiento digital.

Sin embargo, asegurarse de que Photoshop y su tableta funcionen juntos a la perfección requiere algunos ajustes para adaptarse a cómo le gusta trabajar. El fotógrafo e ilustrador Tigz Rice explica cómo aprovechar al máximo su tableta Wacom cuando se usa con Photoshop.

También hay muchas funciones en Photoshop, incluidas algunas que no esperaría, que utilizan las funciones de presión e inclinación de las familias Wacom IntuosPro, Intuos 5, Intuos 4, Intuos 3 y Cintiq, así como el control táctil que se encuentra en Intuos Pro. y tabletas Cintiq. Tigz también te explica algunos de sus favoritos, dando ejemplos de cómo funcionan algunos de los tipos de pincel y cómo puede acceder a ellos y modificar la configuración para que se adapte a su propio flujo de trabajo digital.

Antes de comenzar, diríjase al sitio web wacom  para asegurarse de haber descargado e instalado los controladores más recientes. Siga las instrucciones de descarga e instalación, que solo deberían tomar uno o dos minutos.

Paso 1

Comencemos con algunas de las funciones táctiles integradas en la gama Wacom Intuos y Cintiq. Si ha usado un teléfono inteligente o una tableta antes, algunos de los gestos son muy similares a los que ya conoce, cómo hacer zoom y desplazarse. También puede girar el pulgar y el índice en el sentido de las agujas del reloj o en el sentido contrario a las agujas del reloj para rotar el lienzo.

Hay 13 ‘Gestos estándar’ integrados en las gamas Wacom Intuos Pro y Cintiq que funcionan con Photoshop. Puedes encontrar una lista de ellos, junto con algunas animaciones de demostración de gestos útiles, en las preferencias de la tableta Wacom en preferencias del sistema (Mac) o Panel de control (Windows).

Paso 2

Además de los 13 gestos estándar, hay 5 gestos totalmente personalizables para que programes tus propios accesos directos de Photoshop que utilizan tres, cuatro y cinco dedos.

Estos se pueden programar con cualquier pulsación de tecla que desee, incluida una selección de prácticos atajos de Photoshop, como Stamp Visible.

Paso 3

Para aquellos de ustedes en Cintiq Companion y Photoshop CC 2014, llevarán sus habilidades táctiles un paso más allá. Para activarlo, vaya a Photoshop> Preferencias> Funciones experimentales (Mac) o Photoshop> Preferencias> Funciones experimentales (Windows) y seleccione Usar gestos táctiles.

Deberás reiniciar Photoshop antes de poder comenzar a utilizar las funciones táctiles.

Paso 4

Si cambia constantemente el tamaño de su pincel, haga clic en el botón usar siempre presión para el tamaño en la barra de opciones. Esto permite que la presión del lápiz anule el tamaño de la marca en el documento.

Un toque suave esto dará como resultado una pequeña marca, mientras que un toque firme llenará toda el área de la marca del pincel. Esta función funciona con una amplia gama de herramientas, incluidas las herramientas Pincel, Borrador, Clonar, Curar, Esquivar y Grabar. Simplemente establezca el tamaño máximo de su pincel en el panel Pinceles y su pincel nunca se hará cargo de su trabajo.

Paso 5

De manera similar, si siempre cambia la opacidad de su pincel, haga clic en el botón ‘Usar siempre presión para opacidad’ para tener el mismo efecto en la opacidad de su herramienta.

De hecho, ¿por qué no probar los dos botones de presión juntos? Estos dos íconos son excelentes herramientas para los artistas digitales que intentan replicar marcas dibujadas a mano, que varían en ancho y presión.

Paso 6

Sobre el tema de las marcas dibujadas a mano, desde Photoshop CS5 en adelante, Adobe presentó Bristle Tips. Cuando se combinan con un Wacom Intuos Pro o Cintiq, estos simulan el movimiento de un cepillo de la vida real.

Con un mouse, estos no parecen hacer nada especial, pero la tableta Wacom detecta la dirección en la que el lápiz se acerca a la tableta e inclina el pincel en consecuencia para reproducir el ángulo.

Puedes elegir entre una variedad de tipos de pincel, incluidos pinceles puntiagudos, romos, angulares y en abanico. Hay algunos ejemplos de lo que puedes lograr con un lápiz, en comparación con usar la misma configuración con un mouse.

Consejo: si ha invertido en un bolígrafo Wacom Art, también puede mejorar la rotación del bolígrafo. Esto le permite girar el «cepillo» 360 grados completos sobre la función de inclinación.

Paso 7

Desde CS6 en adelante, Adobe también introdujo Erodious Brushes. Estos funcionan exactamente de la misma manera que los pinceles de cerdas, pero con la excepción de que se desgastan como un lápiz o una tiza cuando se usan, cambiando el tamaño, la textura y la forma de las marcas a medida que el medio se embota.

Puedes elegir entre una variedad de formas de punta, así como configurar la suavidad de la punta para controlar qué tan rápido se desgasta. 

Estos cepillos se pueden ‘restablecer presionando el botón’ Afilar punta ‘en el Panel de cepillos.

Paso 8

Si eso no fuera suficiente para ti, también hay una gama de aerógrafos controlados por Wacom disponibles, donde puedes controlar todo, desde el ángulo del aerógrafo hasta el tamaño y la cantidad de salpicaduras de pintura.

Estos pinceles son particularmente buenos para cielos estrellados. un par de ejemplos de técnicas de pincel que puede lograr con su Wacom.

Paso 9

Por otro lado, si estás utilizando una tableta Wacom pero desea fijar el ángulo en el que está trabajando su pincel para un proyecto en particular, puedes establecer anulaciones para X Tilt, Y Tilt, Rotación y Presión en la sección Brush Pose del panel Pincel.

Paso 10

Otro de mis efectos de pincel favoritos es Color Dynamics, que le permite hacer la transición entre los colores de primer plano y de fondo mientras dibuja.

Simplemente elija sus dos colores y luego, en el submenú Dinámica del color del Panel de pincel, elija entre Presión del lápiz o Inclinación del lápiz. Finalmente, marque la casilla de verificación aplicar por propina y estará listo para dibujar, este efecto es ideal para sombrear superficies.

Paso 11

Después de haber jugado con la dinámica del pincel y tener una idea de cómo funciona su tableta, es posible que desees personalizar la sensibilidad a la presión de su tableta para requerir más o menos presión del lápiz (dependiendo de su estilo de trabajo).

Vuelve al panel de preferencias de la tableta Wacom y haga clic en el icono del lápiz. En el  puede cambiar el Tip Feel de suave a firme.

Paso 12

También puedes personalizar la curva de presión si desea ser realmente preciso.

Paso 13

En este panel de preferencias de la tableta Wacom también podemos establecer preferencias para zurdos y diestros. Primero, haga clic en Opciones en la parte inferior y elija su ‘Mano’.

Paso 14

Luego, diríjase al submenú Mapeo y elija la orientación de sus ExpressKeys. Las personas zurdas suelen tener sus ExpressKeys a la derecha, por lo que pueden acceder a ellas con la mano que no dibuja.

Paso 15

Para los amantes de los accesos directos, todas las tabletas Wacom vienen con varias ExpressKeys en un borde, que le permiten programar más de sus accesos directos favoritos. Estos también se pueden configurar por paquete de aplicación, por lo que puede tener un conjunto para Photoshop y otros separados para (por ejemplo) Illustrator o Lightroom.

Lo que hacen las ExpressKeys se puede configurar en el panel de Preferencias de Wacom yendo al menú Funciones y eligiendo de los menús desplegables o escribiendo sus propias pulsaciones de teclas.

Paso 16

Si eres un amante de los accesos directos y te quedas sin ExpressKeys, todos los modelos Wacom Intuos Pro y Cintiq ofrecen la opción de crear tu propio menú radial, donde puedes agregar una gran cantidad de accesos directos y submenús en una ExpressKey.

Esta función es particularmente útil para cualquier persona que trabaje en el Cintiq Companion mientras está de viaje o en un espacio de trabajo reducido donde es posible que no tenga acceso a un teclado.

Paso 17

Finalmente, si ha olvidado en qué configuró todas sus ExpressKeys, la Intuos Pro tiene una práctica función de visualización frontal. Simplemente coloque el cursor sobre las ExpressKeys en este cuadro translúcido aparecerá en su pantalla para informarle en qué está configurada cada tecla.

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Revisión del iPad Pro

Revisión del iPad Pro

Hemos estado usando el último iPad Pro de Apple durante aproximadamente un mes, por lo que esta revisión se ha actualizado con lo que hemos descubierto. 

El iPad Pro de 2020 es una modesta actualización del modelo de 2018, y el nuevo rendimiento que ofrece se centra más en la preparación para el futuro que en afectar su vida cotidiana ahora. Cuenta con algunas características nuevas en gran parte irrelevantes, y la verdadera innovación está, de todas las cosas, en un accesorio que funcionará igual de bien con el modelo anterior. Pero aún así, el iPad Pro sigue siendo la tableta elegida por artistas y diseñadores; ya estaba tan por delante de la competencia que es posible que haya poco que mejorar en esta etapa.

Si tienes un iPad Pro 2018, no hay nada que ver aquí. Ya sea que estyé mirando el modelo de 11 o 12,9 pulgadas, nuestra unidad de revisión de Apple fue el modelo más grande, desde el exterior, solo hay una forma de notar la diferencia, que veremos más adelante. Detrás de la pantalla hay un nuevo chip: el A12X Bionic, que reemplaza al A12 Bionic con lo que es esencialmente el mismo procesador central pero una GPU mejorada.

Esto significa que cuando se comparó con un punto de referencia sintético como Geekbench, no vimos ningún cambio real en el rendimiento de la CPU, pero un 8% mejor en su prueba de GPU. Sin embargo, esto no hace una diferencia real en el uso: el iPad Pro 2018 no cruje cuando se trata de archivos de Photoshop muy complejos y el 2020 tampoco.

Incluso Apple es consciente de que el rendimiento mejorado es más para que los desarrolladores lo aprovechen en el futuro, en lugar de impulsar las aplicaciones de la generación actual.

La nueva cámara trasera tiene un diseño cuádruple similar al que se encuentra en la generación actual de iPhones de Apple. La calidad es excepcional, aunque todavía tienes que lidiar con el hecho de que cualquiera que use un iPad para fotografiar sin una buena razón debería ser expulsado de la ciudad con horquillas en llamas por cometer delitos con los codos sobresalientes empujando a los transeúntes y compañeros turistas. (Las buenas razones, por supuesto, incluyen no poder pagar un teléfono con una gran cámara y un iPad, o cualquier impedimento que le facilite sostener algo del tamaño de un iPad).

La cámara frontal tiene una resolución relativamente baja para selfies, pero sigue siendo lo suficientemente buena como para mostrar lo elegante que te ves en tu próxima videollamada de FaceTime / Zoom / Teams / Meet, etc. El iPad Pro tiene cinco micrófonos y cuatro altavoces, por lo que la calidad del audio durante las llamadas es nítida tanto en lo que usted como los demás escuchan. La calidad de sonido al reproducir música y películas también es excelente para una tableta, no en parte con la MacBook Pro, por ejemplo, pero lo suficientemente buena como para que no sientas la necesidad de conectarla a un altavoz separado cuando estés en tu escritorio.

Un truco ingenioso, si no nuevo, es qué altavoces hacen qué cambios dependiendo de en qué dirección tenga el iPad, por lo que, ya sea que lo estés usando en modo horizontal o vertical, escucharás los graves en los cuatro altavoces, pero los sonidos de rango medio y de alta frecuencia provienen de los altavoces superiores para una experiencia de audio más placentera.

La cámara también incluye un sensor LIDAR, que la convierte en un escáner 3D que funciona en tiempo real, lo que permite que el iPad combine información en vivo sobre el mundo que te rodea con análisis y datos externos. Esto habilita algunas aplicaciones increíbles, desde aplicaciones médicas que permiten a los médicos ver y analizar cómo se mueven sus extremidades hasta aplicaciones de diseño de interiores como IKEA. Sin embargo, para lo que no es realmente útil es para la creación de contenido: el iPad es demasiado pesado para sostenerlo durante largos períodos de tiempo con una sola mano. Si deseas esculpir, construir o jugar en el mundo real durante más de un par de minutos, deberás esperar a que las gafas y las aplicaciones de AR se pongan al día con la realidad virtual.

Junto a este nuevo iPad Pro, también debuta el Magic Keyboard para iPad , que funciona tan bien con el iPad Pro 2018 como con el nuevo modelo. Y, oh, esto hace que escribir en el iPad sea una experiencia completamente diferente a la del Smart Keyboard Folio que fue el compañero principal de la generación anterior.

El Smart Keyboard Folio Keyboard (izquierda) y el nuevo Magic Keyboard (derecha)

El Smart Keyboard Folio es similar a los teclados delgados que obtienes con tabletas como Surface Pro de Microsoft, con teclas de goma que están bien para correos electrónicos cortos y breves, pero yo no querría escribir algo de la longitud de esta revisión en él. El Magic Keyboard se siente, y funciona, más como el teclado de una computadora portátil.

Las teclas son grandes y se sienten sensibles al escribir: tienen mucho «recorrido», es decir, qué tan profundo caen cuando las presionas. Esto hace que la mecanografía sea sin esfuerzo. No son tan cómodos como la última generación de MacBook Pro o un teclado verdaderamente de primer nivel como las teclas MX de Logitech, pero me encantaría pasar todo el día escribiendo en él.

El Magic Keyboard también cuenta con un pequeño trackpad, que funciona con el soporte de cursor agregado a iPadOS 13.4. Inicialmente, sospeché que la compatibilidad con el trackpad / cursor estaba dirigida principalmente a los usuarios de iPad Pro que no tenían un lápiz, por lo que artes digitales no eran lectores, pero hay momentos específicos en los que usar el trackpad es mucho más rápido y fácil que tomar el lápiz. seleccionar lo que desea, luego dejarlo y volver a escribir. La selección de texto al escribir es el ejemplo más obvio aquí, pero lo encontré muy útil tanto en hojas de cálculo como en aplicaciones de diseño de página como Affinity Publisher.

El trackpad tiene un tamaño pequeño, útil en movimiento, pero si fuera a usar mucho el soporte del cursor, le recomendaría usar un mouse (nuevamente, miraría la gama MX de Logitech aquí).

Al igual que con el Folio, el Magic Keyboard se adhiere magnéticamente a la parte posterior del iPad Pro, sobresaliendo hacia atrás con bisagras en direcciones opuestas para sostener el propio iPad. La principal diferencia aquí es que la bisagra inferior del Magic Keyboard es mecánica, y soporta el iPad de modo que se cierne sobre el resto del teclado, mientras que el Smart Folio se basó en ranuras sobre el teclado para apoyar el iPad. El resultado final es algo que es muy elegante pero también tiene beneficios prácticos, ya que puede ajustar el ángulo de la pantalla del iPad en un grado mucho más fino que con las dos opciones de posición del Folio.

Los fanáticos de Apple también estarán encantados de que la parte del Magic Keyboard que se adhiere a la parte posterior del iPad muestre con orgullo un logotipo de Apple en relieve, lo que no hizo el Folio.

La bisagra inferior también cuenta con un puerto USB-C que le permite cargar el iPad Pro. Técnicamente, puede hacer esto más lentamente que si conecta un cable de carga en la ranura habitual del iPad, pero eso solo importa si ha actualizado su paquete de energía. El puerto del Magic Keyboard admite una carga de hasta 22W, mientras que el adaptador de corriente en la caja del iPad Pro es de 18W. Si usa un cargador más potente, por ejemplo, el cargador de 30 W de Apple, obtendrá hasta 30 W al enchufarlo directamente.

La ventaja de usar el teclado es de nuevo tanto estética como práctica. Tener su cable de carga a lo largo de su escritorio o mesa es mucho más agradable de ver que sobresalir en el aire, pero también convierte el teclado en una base donde puedes dejar tu iPad Pro en ‘modo portátil’, con eso puedes agarrarlo rápidamente y el lápiz para sentarse y dibujar en tu regazo y luego regresar rápidamente.

Es posible dibujar usando el iPad Pro en ‘modo portátil’, donde lo usas casi como un caballete. Sin embargo, tus brazos y muñecas tendrían que estar contentos con la pantalla en un ángulo casi vertical; no puedes inclinarla hacia un ángulo más bajo similar a una mesa de dibujo de lo que muchos artistas encontrarían más cómodos para dibujar.

El lápiz es el mismo que se lanzó junto con el modelo 2018, lo que no es una queja, ya que sigue siendo uno de los mejores estilos. Algunos artistas y diseñadores preferían la mayor sensibilidad a la presión, el control de rotación, los botones y el ancho del Wacom Pro Pen, que funciona con la propia tableta MobileStudio Pro de Wacom, pero en mi opinión, el Apple Pencil se siente mejor en la mano. Contra otros estilos, como el Microsoft Surface Pen, el lápiz es como un rotulador Rotring para el bolígrafo de marca propia del supermercado de los demás.

Lo mismo es cierto para el iPad Pro: la única razón por la que elegiría Surface Pro en lugar de iPad Pro es que muchas aplicaciones de diseño, video y animación no existen en el iPad (Adobe XD e InDesign) o existen en el corte. -Abajo formularios (Premiere Rush). El enfoque torpe de iPadOS para los archivos, carpetas y especialmente mover archivos entre aplicaciones es una de las pocas áreas en las que Windows lo hace mejor, y trabajar con almacenamiento en línea de terceros, ya sea Dropbox, Google Drive o OneDrive, puede ser una molestia.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Mejores alternativas a Adobe Illustrator

Tutorial Illustrator y Photoshop: diseño de camisetas usando arte vectorial

Tutorial Illustrator y Photoshop: diseño de camisetas usando arte vectorial

Use Illustrator para dibujar un gráfico de estilo motero usando formas vectoriales.

Joshua Smith, también conocido como el ilustrador inconformista Hydro74, tiene un estilo que se reconoce al instante: combina las líneas gruesas y limpias del graffiti con la iconografía de los tatuajes y la simetría y los patrones del arte vectorial. Aquí te explica cómo creó su último trabajo, basado en sus motivos habituales de calaveras y remolinos mezclados con el icono de la ilustración de esta primavera/verano, el búho.

A medida que sigues este tutorial, descubrirás muchos trucos que te ayudarán a crear mejores obras de arte y trabajar más rápido en Illustrator. Aprenderás a mejorar tus habilidades con el arte lineal, el sombreado con rellenos planos y técnicas de color para paletas limitadas (para mantener bajos los costos de impresión). 

Joshua dice que como sus técnicas se tratan más de dibujar formas vectoriales con las herramientas de lápiz que con trazos de pincel, obtendrá mejores resultados con un mouse que con una tableta gráfica.

Paso 1

Primero, hice un dibujo muy aproximado de la cabeza de un búho para poner la pieza en movimiento. Luego entré en Photoshop y lo hice simétrico. El objetivo aquí con un dibujo básico y básico es permitirse ser más creativo en Illustrator a medida que hace clic. Nunca solo quieres rastrear lo que hay allí, sino que agrega tu toque a lo que se siente bien y permite que ese demonio creativo interno pregunte: ‘¿Y si hiciéramos esto?’.

Puedes usar tu propio boceto.

Paso 2

Importa tu imagen a Illustrator, amplíela a un tamaño decente y reduzca la transparencia al 50%. A partir de ahí, configure una guía en el centro de la imagen.

El objetivo es ahorrar tiempo, dibujando así un lado y perfeccionándolo. Crea una nueva capa que le permita hacer clic en el dibujo para ver cómo va el progreso.

Paso 3

Ahora es el momento de hacer clic y arrastrar con la herramienta Pluma (P). Al hacer clic, comience a agregar pequeñas cantidades de detalles y explore lo que funciona.

No sigas tus líneas directamente desde el dibujo, pero permítete ser libre: lo estás haciendo para explorar.

Paso 4

Cuando llegues a un buen lugar, copia el arte y dale la vuelta. Una vez que pongo los dos lados juntos, puedo ver dónde están mis errores o si estoy en el objetivo.

Este es un buen momento para alejarse por unos momentos y tomar una taza de té, para que pueda mirar la pieza con ojos nuevos. 

Paso 5

Una vez que haya dibujado el contorno, es hora de agregar algunos detalles. Trabajé un poco de grabado en la pieza creando piezas largas y delgadas en forma de triángulo dispuestas juntas en una fila. 

Paso 6

Tome el elemento de grabado y juegue con él estirándolo y luego colocándolo sobre las cejas del búho. Para canalizarlo entre las cejas, seleccione el elemento, abra el Buscatrazos (Shift + Cmd / Ctrl + F9) y usa la función Recortar.

Una desventaja de esta función es que cada vez que recortas, notarás molestas líneas en blanco. Para eliminarlas, usa la herramienta Pluma para hacer una línea sin color ni trazo, luego haga clic en Seleccionar> Mismo> Relleno y trazo. Presiona Eliminar y listo. Mantén una copia de las líneas de grabado cerca. 

Paso 7

Detalla la frente creando unos semicírculos y alineándose en una fila. Apile estas filas para cubrir el área que desea llenar.

Es útil agrupar (Cmd / Ctrl + G) estas formas antes de colocarlas en la parte superior de la ilustración para que no tengas que hacer clic en ellas individualmente si cometes un error.

Paso 8

Repita las técnicas del Paso 6 para agregar grabado a estas ‘plumas’ (por eso te dije que guardaras una copia de esas líneas de grabado). Puedes llenar cada semicírculo por separado, o llenar toda la sección con este elemento. Para ganar tiempo. Decidí hacer cada uno individualmente, ya que se ve mejor.

Paso 9

Para rellenar cada semicírculo individualmente, duplique el elemento recortado que acaba de crear, en lugar de recortar cada área. Una vez que haya terminado de llenar esas áreas, selecciona cada una y recórtala en la cabeza. Si deseas experimentar aquí, intenta usar formas más anchas o más pequeñas, o puntos de semitono.

Paso 10

Ahora para algunos detalles. Este es un buen punto para comenzar a rellenar áreas con negro y agregar pequeños rasguños de textura. El objetivo es que parezca algo orgánico.

En este punto, también me gusta comenzar a eliminar cosas que no necesito, pero no quiero perder nada en lo que trabajé en caso de que cambie de opinión. Crea una copia, arrastrala hacia la parte superior y podrás experimentar sin preocupaciones.

Paso 11

Agrega algunas plumas a los lados, fluyendo hacia abajo para atar los elementos del cuerpo. También completan las dimensiones de la obra de arte para adaptarse mejor a la impresión de una camiseta. Quiero poner una calavera debajo de la cabeza, pero si las calaveras no son lo tuyo, agrega una pequeña nube esponjosa, o un arbolito feliz, o algo.

Paso 12

Si tiene un cráneo con marca registrada Hydro74 a mano, no dude en usarlo ahora. La tipografía personalizada también funciona bien aquí. Suelta el cráneo y comienza a construir las áreas circundantes. Está empezando a juntarse un poco ahora.

Paso 13

Separe los diferentes componentes, el búho y el cráneo, como elementos individuales. Para hacer esto, agrupe la cabeza del búho y trace su contorno en blanco. Repite con el cráneo. De esta manera, puede cambiar el tamaño de esos elementos más fácilmente.

Paso 14

Ya que tiene las dos cabezas rellenas, comience a colocar algunos reflejos y áreas oscuras en una de las alas para agregar detalles. Juega con algunos elementos de grabado y envíalos a la parte de atrás, detrás de la cabeza y el cráneo del búho. Para detallar la otra ala, toma el lado en el que trabajaste, duplícalo y dale la vuelta. Finalmente, para el contorno, agregue algunos ojos al cráneo. Trate de ignorar el hecho de que su búho ahora tiene ojos en lugar de pezones.

Paso 15 

Es hora de agregar color. Esta es la parte difícil, pero aquí hay un truco: crea una versión de arte lineal de tu obra de arte debajo de la ‘grabada’, para que puedas rellenar las partes sin jugar con el sombreado. Para hacer esto, coloca un rectángulo grande en la parte superior y selecciona Recortar en la paleta Buscatrazos. Elimina todos los trazos y rellenos en blanco. Bloquea todo excepto la pieza actual.

Haz clic en Cmd / Ctrl + Shift + D para obtener un fondo transparente. Selecciona un trozo de blanco en tu ilustración, luego haz clic en Seleccionar> Mismo> Color de relleno y elimínalo. Todo lo que queda debería ser el negro. Fusionarlos juntos. Ahora crea una nueva capa y colócala debajo de tu arte lineal. Bloquea la capa de arte lineal.

Paso 16

Para completar la impresión y hacer que parezca más icónica, agregué algunos remolinos y formas orgánicas alrededor del diseño principal.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Mejores alternativas a Adobe Illustrator

Revisión de Dell Canvas: la alternativa barata de Wacom Cintiq

Revisión de Dell Canvas: la alternativa barata de Wacom Cintiq

El Dell Canvas se siente como una versión reutilizada, actualizada y más barata de la Cintiq 27QHD Wacom, la pantalla de tableta del tamaño de un escritorio. Es más que una simple copia, a pesar de que tiene la marca de un producto Dell, las dos compañías han trabajado juntas para crearlo, pero no cumple con lo que esperamos, incluso a un precio más barato.

Tuve la oportunidad de dibujar y pintar en mi aplicación de escritorio preferida, Photoshop, en Dell Canvas en oficinas de Londres. Entonces, aunque se actualizó de alguna manera desde el dispositivo Cintiq Wacom anterior, ahora es una tecnología obsoleta. Por ejemplo, los nuevos Wacom Pros más grandes tienen una resolución de 4K, el Dell Canvas es solo QHD (2.560 x 1.440).

Antes de entrar en mayores detalles, mi propia configuración actual es la siguiente. Soy un ilustrador independiente profesional y actualmente estoy usando una tableta Intuos Pro Medium con una iMac Retina 5k. También trabajo con un iPad Pro. He revisado numerosos dispositivos de dibujo para artes digitales y otros a lo largo de los años, incluido el producto profesional insignia anterior de Wacom, el 27QHD.

También es importante tener en cuenta en este punto que, si bien los Cintiq de Wacom son compatibles con Mac y PC, el Dell Canvas es solo para PC. Esto puede ser un factor decisivo instantáneo para algunos. Lo probé conectado al competidor iMac Pro de Dell, el Precision AIO 5750, que tiene el tipo de hardware de gráficos que necesita para alimentar la pantalla de dibujo QHD de Canvas junto con su propia pantalla 4K.

Pantalla grande y de bajo costo 

Para la mayoría de los artistas y diseñadores, la razón clave para considerar el Dell Canvas es que es notablemente menos costoso que los Cintiq más grandes de Wacom (Wacom también vende Cintiq Pros de 13 y 16 pulgadas).

Tanto el Dell Canvas como el modelo Cintiq más antiguo atraerán a los creativos con presupuestos más bajos, tal vez a aquellos que estén considerando comprar una tableta de pantalla grande por primera vez.

Los precios de 32 pulgadas por supuesto, volverán a ser significativamente más altos, pero no está claro exactamente cuánto, y la fecha de lanzamiento sigue siendo TBC también. Quizás el costo de la Wacom 27QHD disminuya aún más una vez que finalmente se lance la de 32 pulgadas, o Wacom dejará de venderla, pero eso es mera especulación en este momento. 

Dell Canvas vs Wacom Cintiq

Sin importar cómo lo mire, si planeas invertir en un nuevo dispositivo de este tipo hoy, y los fondos son tu principal preocupación, Dell Canvas representa la forma más barata de ingresar a este mundo por un margen significativo. ¿Tienes algún inconveniente con este punto de entrada más bajo? Bueno, en primer lugar, hay otra ventaja. La Wacom Cintiq 27QHD se lanzó en 2015 y la pantalla Dell Canvas utiliza tecnología más reciente. Es notablemente más brillante que el Cintiq anterior y también hay una mejor gama de colores. El paralaje (el espacio entre la ubicación del lápiz en la pantalla y el lugar donde realmente aparecen las marcas en dicha pantalla) también se ha reducido gracias a la tecnología de pantalla más delgada.

Al ver todo esto primero, al principio me impresionó y tenía muchas ganas de empezar a dibujar en el dispositivo. Tiene una sensación más angular que las esquinas de radio de la Wacom 27QHD, pero aparte de eso, es claramente un dispositivo de gama alta que se notará en su escritorio, y no solo por el espacio que ocupa. Aparentemente, el lápiz también se ha producido en colaboración con Wacom, y aunque es ciertamente aceptable en términos de tacto, y mejor que el lápiz Microsoft Surface en cierta medida, también se queda corto con el Wacom Pro Pen 2 y el Apple Pencil.

A diferencia de los bolígrafos Wacom, tampoco tiene un borrador en el otro extremo. Tiendo a elegir mis borradores como lo haría con otros pinceles, es decir, desde la interfaz del software que estoy usando. Como tal, no es realmente algo que me moleste personalmente, pero solo en términos de «llevar la cuenta» de las pequeñas diferencias, es otra pequeña rebaja para el Dell Canvas.

Control deficiente del pincel

Descargué un trabajo que había comenzado en mi iPad. Cuando trabajo en un retrato, después de los lápices iniciales, mi siguiente paso es construir mis tonos con aerógrafos suaves. Aquí es donde tuve el mayor obstáculo. Dibujar líneas individuales se sintió cómodo y receptivo, pero cuando probé un sombreado suave, realmente tuve problemas. En teoría, el lápiz Dell tiene la misma sensibilidad de lápiz que el Wacom equivalente (2048 niveles), aunque el Wacom Pro Pen 2 es aproximadamente cuatro veces más sensible (8192 niveles). Cuando estoy acostumbrado a controlar la opacidad de imperceptiblemente débil a muy fuerte, a veces con un solo trazo, solo pude lograr un efecto escalonado con manchas. De hecho, me sorprendió mucho.

Me preguntaba si había configurado algo mal, ya sea en Photoshop o en la configuración general del lápiz, pero por más que lo intenté, no pude arreglarlo. Solo pude controlar manualmente la opacidad del pincel desde el menú, lo que me llevó a una experiencia frustrante de parada y arranque en la que no podía simplemente pintar sin pensar en ello. Dado que mi tiempo en el dispositivo es relativamente corto, es difícil decir si este es un problema fundamental que los pintores que necesitan hacer marcas sutiles van a experimentar en todo momento, por lo que el dispositivo es esencialmente redundante. ¿O es algo que se puede mejorar dedicando más tiempo a investigar la configuración o tal vez incluso descargando un nuevo controlador?

También es posible que este sea un problema del que Dell esté al tanto, y tal vez mejore/solucione en una futura actualización del controlador. Todo lo que puedo decir es que, después de haber usado muchos dispositivos Wacom a lo largo de los años, tanto en mi trabajo diario como cuando revisaba nuevos productos para artes digitales y otros, nunca había experimentado algo como esto. Esperaba poder decir que Dell funcionó bien como un Cintiq 27QHD ligeramente actualizado y, al ser más barato, era una forma sensata de ingresar al mundo de los dispositivos de dibujo profesionales, pero hasta saber si esto se puede arreglar, honestamente no puedo recomendarlo a los artistas.

Si no necesitas poder variar la presión en un solo golpe, es posible que esto no sea un problema para ti. Este dispositivo no es solo para ilustradores y artistas, después de todo, y no hay ninguna razón por la cual, incluso si este problema realmente no se puede solucionar, no sería una pantalla interactiva fantástica para otros esfuerzos creativos como, por ejemplo, editar una película o creación de animación.

Subiendo arriba el dial

Pasando de este tema ciertamente problemático, hay más que discutir. Con un dispositivo de este tamaño, la forma en que interactúas con él, más allá del uso del lápiz, es muy importante. En revisiones anteriores tanto de la Cintiq 27QHD Wacom como de los nuevos modelos Pro, noté cómo una vez que su teclado ya no está fácilmente al alcance, hay una curva de aprendizaje notable en términos de hacer que su flujo de trabajo vuelva a ser fluido.

El Wacom de 27 ”presentó el control remoto portátil, que cuenta con numerosos botones físicos que se pueden programar con accesos directos. También se puede colocar magnéticamente en el Cintiq o sostenerlo en la mano.

Dell ha optado por un ‘Totem’, un dispositivo de rueda giratoria similar al Microsoft Surface Dial. Este último sólo funciona cuando se coloca en la pantalla y no tiene botones físicos (aunque tocar la parte superior actúa como un solo botón). En su lugar, hace clic y mantiene presionado y aparece un menú radial. Una vez que seleccione una opción desde aquí, puede girar el tótem hacia la izquierda o hacia la derecha para disminuir o aumentar la selección. Por ejemplo, esto podría usarse para cambiar el tamaño del pincel a la mitad del trazo, para acercar o alejar, o incluso para marcar hacia atrás a través de numerosos estados de deshacer. Personalmente, prefiero la idea de los botones físicos del Wacom Remote, porque luego, eventualmente, puede usar la memoria muscular para mejorar su flujo de trabajo.

Con un Dial (o Totem en este caso), siempre debes mirarlo primero para seleccionar el modificador en el menú. Además, donde el Surface Dial se sentía como si permaneciera mayormente en su lugar, al girar el Totem descubrí que no giraba bien en absoluto y se deslizaba considerablemente por la pantalla. Como tal, solo los ajustes que requieren pequeñas rotaciones fueron prácticos/cómodos, porque estaba tratando de girar la rueda y también empujando contra ella para mantenerla en su lugar al mismo tiempo.

Una vez más, quizás pasar más tiempo con esto podría revelar la mejor manera de aprovecharlo al máximo, pero hay otra característica, exclusiva de este dispositivo, que potencialmente ofrece una mejor solución a los problemas del flujo de trabajo. Llamadas Dell Canvas Palettes, puede personalizar una interfaz visual en pantalla de botones para accesos directos e incluso archivos. Esto debería anular algunos de los problemas con el dial, permitiéndote realizar rápidamente las acciones que estás usando para hacer con tu teclado. Luego también están ‘Fences’, que le permite dividir la pantalla en varias ventanas de aplicaciones, similar a la pantalla dividida de Apple en iOS, pero no limitada a dos. Esta es otra característica que lo coloca por delante de Wacom 27QHD en términos de flujo de trabajo personalizable.

Revisión de Dell Canvas: Veredicto

Para concluir, si bien el Dell Canvas tiene algunas características interesantes, los problemas que tuve con la sensibilidad a la presión del lápiz y la resolución más baja en comparación con los nuevos modelos grandes de Cintiq Pro, significa que me resulta difícil recomendar esto, ciertamente para cualquiera que quiera usarlo como artista.

Sí, está en el extremo más bajo del rango de precios para una pantalla de dibujo grande. Además, debido a que es tan grande, todavía se necesitará un brazo Ergo adicional (y un adaptador) para aprovecharlo al máximo en términos de postura y comodidad, y de todos modos todavía está mirando la marca de 2k.

Puede ser que tenga un uso creativo para él que no se verá frenado por la falta de sensibilidad a la presión que experimentamos (que puede ser reparable) o la resolución más baja. Si ese es el caso, aún puede pensar en él como un Wacom 27QHD con una mejor pantalla y algún software a medida útil para mejorar el flujo de trabajo, donde Dell ha pensado detenidamente cómo puede usar un dispositivo tan grande sin reducir la productividad.

Sin embargo, en general, el Dell Canvas se siente como si estuviera en un área gris inusual, ni lo suficientemente barato como para funcionar realmente como un dispositivo de nivel de entrada, pero también obviamente se está quedando atrás en términos de resolución. Se verá absolutamente impresionante en un escritorio para un observador casual, y su multitáctil puede reconocer hasta 20 dígitos en la pantalla al mismo tiempo, lo que lo hace ideal para el trabajo colaborativo, pero esto se siente como un caso de uso de nicho.

Daniel Gray (Australia)

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Mejores alternativas a Adobe Illustrator

Brillantes consejos para crear mapas ilustrados

Brillantes consejos para crear mapas ilustrados

Ya sea que estés dibujando ilustraciones de mapas a mano o diseñando con vectores, aquí hay algunos consejos de ilustradores destacados

Al elegir colores para un mapa ilustrado, me gusta comenzar con el color de un monumento o símbolo de la ciudad. Para mi mapa de San Francisco, el primer color que elegí fue el rojo del puente Golden Gate. Luego construí mi paleta de colores a su alrededor.

Benoit Cesari (FR)

Para la composición de tú mapa, intenta jugar con la geografía de la ciudad. No es gran cosa si las cosas no están exactamente en el lugar correcto. Dibujar algunos monumentos o lugares más grandes de lo que realmente son o con una forma diferente a la que tienen puede agregar más carácter a tu diseño.

Benoit Cesari (FR)

La claridad es fundamental para que un mapa transmita información y se entienda perfectamente. La armonía de los elementos gráficos es muy importante, así que intenta ceñirte a una paleta de colores limitada (con colores que contrasten bien) y dos tipos de letra como máximo.

Romualdo Faura (SP)

Cuando diseño un mapa, lo primero que hago es analizar la información que tengo que incluir y los puntos más importantes del mapa. Luego busco mapas (generalmente en Google) que se pueden usar como plantilla para comenzar a dibujar.

Trabajo con capas y uso la herramienta Pluma para dibujar contornos de mapas, usando un mapa real como guía. Trabajo con ángulos rectos y de 45 °, luego agrego elementos al mapa (casas, árboles, etc.) y finalmente comienzo con el color.

Romualdo Faura (SP)

Si tienes objetos repetidos como árboles y casas en tu mapa, crear tu propio conjunto ilustrado de símbolos para agilizar el proceso de trabajo puede ahorrar mucho tiempo.

Romualdo Faura (SP)

No te obsesiones demasiado con que todo esté exactamente en la posición geográfica correcta. A menudo me dan una lista de puntos de referencia que el cliente quiere que ilustre en mis mapas, pero generalmente están distribuidos de manera irregular y se ven incómodos como composición cuando se trazan en un mapa. Mover las cosas un poco, y también jugar con la escala, te da ese poco de flexibilidad para asegurarte de que tu composición no sufra.

Owen Gatley (Reino Unido)

Rara vez necesito ser geográficamente preciso para poder acentuar ciertas características o exagerar áreas de interés. Encuentro que es más fácil comenzar eligiendo un esquema de color que mejor se adapte al área que se está representando.

Livi Gosling (Reino Unido)

[Al iniciar un mapa], me dirijo a Pinterest para buscar puntos de referencia y lugares populares de comida y bebida. Luego dibujo sin apretar los contornos de mi mapa o carreteras con tinta.

Livi Gosling (Reino Unido)

Mientras el fondo de mi mapa se seca, empiezo a entintar mis puntos de referencia e iconos elegidos. Esta parte ocupa la mayor cantidad de tiempo: es importante hacer que los edificios se vean lo suficientemente precisos como para ser reconocibles, pero no tan detallados como para dibujarlos durante horas y horas.

Livi Gosling (Reino Unido)

Luego escaneo todos mis dibujos a tinta en Photoshop y compongo la imagen allí. Ahora tiendo a colorear mi trabajo digitalmente y estoy tratando de simplificar mis esquemas de color.

Livi Gosling (Reino Unido)

Creo que la composición es el aspecto más desafiante del diseño de un mapa. A menudo queda atrapado entre el diseño realista de la ciudad y las dimensiones del diseño en el informe. Aquí es donde la licencia artística se vuelve bastante útil.

Recientemente he dibujado algunas ubicaciones muy deformadas. También es complicado cuando tienes cinco o seis íconos que deben encajar en un área geográfica particular del mapa. Pero si haces tu investigación y bosquejas aproximadamente las ubicaciones de antemano, te saldrás del camino. 

Livi Gosling (Reino Unido)

Intenta representar la «sensación» general del lugar que estás ilustrando. Si tu informe solo enumera los edificios, agrega algunas delicias locales, vida silvestre y follaje. Solo puede contribuir a la estética. 

Livi Gosling (Reino Unido)

La clave para hacer un mapa ilustrado bien diseñado es crear un equilibrio visual y mantener la legibilidad. Esto puede ser un desafío cuando se busca la precisión geográfica. Es probable que tenga problemas de espacio y tenga que colocar demasiado o muy poco en un área. También puede encontrarse con problemas de tamaño, en los que los elementos más grandes en el mapa eclipsan los puntos de interés más pequeños. Estos problemas hacen que sea difícil mantener el equilibrio y la legibilidad, por lo que es importante comprender primero las necesidades del cliente y cuánto puede distorsionar la realidad.

Michael Mullan (EE. UU.)

Para empezar, investigo mucho. Encuentro todos los puntos calientes de viaje, puntos de referencia y palabras asociadas con el área. A continuación, busco un mapa actual del área y lo utilizó como guía al diseñar mis palabras y elementos. A partir de aquí, usó mi maqueta digital como guía para comenzar a dibujar.

Durante la fase de boceto, soluciono cualquier problema de diseño. Me aseguro de que haya un flujo uniforme de elementos y de que nada parezca desproporcionado o ilegible. Una vez que se establece el boceto, elijo mi paleta y comienzo la ilustración terminada. Es importante asegurarse de que todos los colores se utilicen de manera uniforme. Normalmente no uso más de 5 colores.

Michael Mullan (EE. UU.)

A lo largo del proceso, retroceda con frecuencia y mírelo desde más lejos. Un diseño de mapa sólido será legible y sin problemas desde lejos. Ningún color o elemento de diseño debe distraer o llamar la atención (a menos que esté específicamente destinado a ello).

Michael Mullan (EE. UU.)

Destaca la tipografía: las palabras son una gran tendencia en este momento y son una forma divertida de ser expresivo. Simplifique los iconos y use un máximo de dos colores por icono.

El mapa estará demasiado ocupado si intentas incorporar demasiado color en cada pieza.

Michael Mullan (EE. UU.)

Más es más. Un poco de espacio vacío está bien, pero para un mapa con impacto visual, intente llenar el espacio con muchas formas dinámicas y formas de letras. Divide el mapa en secciones y trabaja pieza por pieza.

Apunta al equilibrio y la legibilidad en las secciones más pequeñas y eso se trasladará a la pieza como un todo.

Michael Mullan (EE. UU.)

En un mapa ilustrado tienes la estructura geográfica (calles, fronteras, lagos, ríos), los elementos tipográficos (textos, números, etiquetas) y las ilustraciones (o iconos). Todos deben trabajar juntos como un todo cohesionado.

Los elementos ilustrados pueden parecerse más o menos a iconos, pero mantén los simples, de lo contrario, el mapa se volverá confuso.

Nik Neves (Porto Alegre – RS)

Trabajo con Marina C en muchos proyectos de mapas. Así es como trabajamos. Primero ella crea la estructura geográfica, luego discutimos la paleta de colores e investigamos fotos y referencias, para que yo pueda ilustrar los íconos y hacer la tipografía.

Eventualmente hago un boceto de todo el mapa, para poder determinar dónde deben ubicarse las ilustraciones con mayor precisión.

Nik Neves (Porto Alegre – RS)

Cuando trabajes en un mapa encargado, es mejor si tienes un buen resumen de lo que debes resaltar. Aunque principalmente necesitas ajustar el diseño del mapa a cómo existe en el mundo real, esto puede ser complicado a veces. Ahí es cuando la distorsión es de gran ayuda para el ilustrador.

Nik Neves (Porto Alegre – RS)

El mapa es una ilustración, con muchas capas de información entre los elementos gráficos. Juega con un mapa como en un dibujo, pero ten en cuenta que debes trabajar por etapas. Pero al final no olvides ponerlos todos juntos.

Nik Neves (Porto Alegre – RS)

En primer lugar, dedico tiempo a averiguar qué ríos, lagos, bulevares famosos o calles atraviesan el área del mapa en la que me voy a centrar. Creo que esto hace que el mapa se sienta más icónico. En este caso, estoy usando el mapa de París que ilustré como ejemplo, ya que la mayoría de nosotros sabemos que el Sena es muy icónico para París, así que me aseguré de incluirlo allí. El río Sena también ayuda a dividir mi espacio y descubrir mi composición. 

Los clientes generalmente me piden que incluya ubicaciones específicas, pero me dejan completar el resto de las áreas vacías con ubicaciones o íconos que quiero incluir. Esto hace que la experiencia de crear un mapa sea divertida para mí y, en el proceso, aprendo muchas cosas nuevas sobre una ciudad a la que nunca he viajado. Para París, quería ilustrar algunos de los lugares que visité durante mis viajes allí.

Josie Portillo (EE. UU.)

El fondo se creó utilizando muestras de gouache escaneadas en mi computadora. El efecto combinado de Photoshop, pinturas gouache y tintas de archivo es genial. Para colorear: nunca he sido de los que usan paletas de colores, así que simplemente sigo lo que creo que se ve bien y hace que la imagen general se vea cohesiva. Esto hace que el proceso sea divertido.

Josie Portillo (EE. UU.)

Dibuja todos los edificios e íconos a mano con un bolígrafo de micrones de punta fina antes de escanearlos y colocarlos de acuerdo con su ubicación geográfica.

Josie Portillo (EE. UU.)

Me encanta incluir títulos escritos a mano para los puntos de interés. 

Josie Portillo (EE. UU.)

Con el diseño de tu mapa, puedes ser flexible con la ubicación de los elementos y la forma del terreno para que se adapte mejor. Los puntos de interés deben estar posicionados aproximadamente entre sí, pero puedes jugar con la escala para poner más énfasis en ciertos elementos y hacer que el mapa sea más dinámico. No te limites demasiado a ser exacto y preciso.

Daniel Gray (AU)

Al colorear tus líneas, un consejo útil es bloquear los píxeles transparentes en sus capas de trabajo de líneas aisladas. Esto significa que cualquier color que aplique solo afectará a los píxeles negros y no a los píxeles transparentes.

Daniel Gray (AU)

También uso la función Mapa de degradado en Photoshop para colorear capas enteras de trabajo de línea en un solo color.

Daniel Gray (AU)

Si está trabajando con una fecha límite, el tiempo es un factor importante. Dibujar un mapa puede llevar más tiempo de lo que crees debido a lograr este equilibrio de elementos correctamente; tómate el tiempo suficiente para planificar y, una vez que se apruebe el borrador, también da tiempo para editar y colorear, ya que generalmente colorear cada elemento individualmente. Si el plazo lo permite, trato de dedicarme al menos un día entero a esta etapa.

Daniel Gray (Australia)

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