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Aqui encontraras 22 sugerencias y consejos de cuatro expertos en ilustración de moda: enfoque temático, ilustración en vivo, técnicas de dibujo y más; que te ayudaran a mejorar y potencializar tus procesos creativos.

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Técnica 1 – Amy Beager

Diría que la individualidad es muy importante. Es mucho más interesante crear algo que se sienta nuevo que una idea que se ha llevado a la muerte. Creo que la clave es mantenerse actualizado con las tendencias en tu campo y asegurarse de que tu trabajo sea relevante pero con una apariencia fresca.

Todavía me gusta referirme a la historia del arte, la cultura pop y la nostalgia, pero el punto es presentarlas de una manera nueva e interesante.

Técnica 2 – Amy Beager

Siempre me han gustado los rostros, la expresión y el carácter, la moda y la belleza, por lo que el tema de mi arte de alguna manera se ha apegado a esos temas. Trabajo con enfoques de técnica mixta para el dibujo y la pintura y mis musas son iconos femeninos o destellos de modelos interpretados en mi propio estilo de expresión.

Mi trabajo tiene una conexión personal con los sentimientos, la identidad y la fuerza, a menudo inspirada por el flujo constante de imágenes que parpadean frente a nosotros en las redes sociales y aspectos de autorreflexión en mi vida, pensamientos y emociones. 

Amy Beager (Reino Unido)

Técnica 3 – Amy Beager

Actualmente estoy trabajando en un Fashion Daze, proyecto de donde esbozó un look de los desfiles de moda SS20 todos los días.

Esta es una serie de ilustraciones de moda creadas para vender a través de mi cuenta de Instagram a la primera persona que comente sobre mí o DM una vez que se publiquen. Saco fotos de los desfiles, looks de backstage, looks de belleza y fotos de pasarela y elijo un look para la ilustración.

Técnica 4 – Amy Beager

Empiezo con un boceto ligero con lápices de colores o sin madera y luego agrego capas de pintura, comenzando con los tonos más claros, usando acrílicos, tintas, marcadores, acuarelas o pasteles.

Amy Beager (Reino Unido)

Encuentro que cuando usas una imagen como referencia, es muy importante copiar exactamente lo que ves y registrar cada detalle. Detente a mirar la figura como un todo y asegúrate de que la composición, los colores y las marcas sean expresivos, interesantes y capturen el estado de ánimo que estás tratando de crear.

Técnica 5 – Amy Beager

Para la ilustración en un evento en vivo, es una buena idea comenzar con una capa ligera de marcado para mostrar las proporciones y la composición.

Estos pueden ser muy sueltos y rugosos. Cuando estés satisfecho, puedes agregar las líneas gruesas y los detalles de color encima. Las líneas sueltas añaden energía y movimiento a tu ilustración.

Técnica 6 – Amy Beager

Piensa en cada ilustración que coloques en niveles para agregar profundidad e interés. Pueden ser capas de pintura, medio o grosor de línea.

Las pinceladas y líneas rápidas se ven más enérgicas, y la mezcla de pesos y estilos aumenta el interés en tu ilustración. Me gusta usar algunas líneas nerviosas y descuidadas junto con un marcado fluido y rápido: la yuxtaposición de áspero y suave.

Técnica 7 – Amy Beager

Siempre agrega el color más oscuro al final. A menudo usó líneas negras gruesas para definir mis ilustraciones y darles un acabado dramático. Sin embargo, agregar estos desde el principio puede mezclarlos y hacer que otros colores se vuelvan lodosos mientras trabajas, a menos que esa sea tu intención.

¡Asegúrate de disfrutar el proceso! Es divertido dibujar y experimentar, sentir el momento y siempre probar algo nuevo.

Técnica 8 – Amy Beager

Las capas de tinte son clave para crear profundidad en tu ilustración. El uso de capas de tonos similares que agregan colores contrastantes con tonos más oscuros en áreas más sombreadas agrega profundidad y estado de ánimo. Por lo general, uso líneas de color sin mezclar realmente los tonos, ya que las líneas en negrita ayudan a agregar drama.

Para la cara, empiezo con los labios y luego trabajó a partir de ahí. Primero, use una brocha rápida de tono de piel sobre los ojos, la nariz y los pómulos para agregar más matices para la definición. Para ilustraciones completas, agregue pinceladas más claras y superpón con tonos más profundos y con resaltados más detallados.

Técnica 9 – Amy Beager

Dibuja algo todos los días. Te sorprenderás de lo rápido que puedes entrenar tu ojo. Sigue dibujando y dibujando, sé expresivo y trata de encontrar tu propio camino explorando materiales y formas digitales de trabajo.

Si estás trabajando en vivo o con modelos, intenta capturar el movimiento.

Sal para ver desfiles de moda o exposiciones y ve la ropa. Es mucho más gratificante dibujar de la vida que de las fotos y al final obtendrás algunos resultados sorprendentes.

Técnica 10 – Jo Bird

El dibujo de la vida real te obliga a tomar decisiones rápidas y a trabajar más rápido y con más valentía de lo que normalmente lo harías. Un desfile es rápido, puedes ver hasta 50 looks en media hora, ¡no es mucho tiempo para dibujar!

Técnica 11 – Jo Bird

Trabajar digitalmente puede ser muy útil en este sentido. Por ejemplo, cuando dibujo en vivo a mano, utilizo un lápiz de color claro para enmarcar la composición y luego pinto sobre ella con tinta. Si usa una tableta digital, puede borrar cosas de manera tan rápida y estructurada que necesitas menos material de base.

Un buen ejemplo son los hermosos y esponjosos vestidos de colores del arco iris de Tomo Koizumi; los amaba tanto que sabía que quería intentar dibujarlos. Probé una variedad de medios, pero el único resultado convincente ha sido usar el iPad digitalmente.

Técnica 12 – Jo Bird

He trabajado en muchos eventos de moda en vivo, dibujando en vivo por las noches e incluso pintando bolsos y zapatos de cuero. Mis trabajos varían mucho de un trabajo a otro, pero el primer paso es leer e interpretar la tarea.

Utilizo una combinación de dibujo y marcado con tinta y uso de Photoshop para unir toda la pieza y corregir las cosas. Dibujo algunas líneas bastante vacilantes para poder editar en la computadora, lo cual es muy útil.

Jo Bird (Reino Unido)

Técnica 13 – Jo Bird

Personalmente, me encantan las ilustraciones «imperfectas», me encantan las proporciones distorsionadas, la exageración y, por supuesto, un gran sentido del color. Me encanta cuando es un poco loco. Otros prefieren dibujos perfectos y realistas que también son hermosos.

Con una buena carta, suelo buscar ideas, sobre todo en Pinterest, y paletas de colores. Luego, por lo general, trabajo en bocetos, generalmente son espontáneos y bastante desordenados. Utilizo marcadores de papel, lápiz y pincel, a veces me ayudo a mí mismo con una aplicación iPad y Procreate.

Si mi cliente acepta la idea, dibujo la final. Utilizó mi papel favorito, un lápiz HB y miles de marcadores que compré en todos los lugares del mundo que visito; así es como encuentro diferentes colores.

Técnica 14 – Karolina Pawelczyk

Para ser ilustradora de moda, tienes que gustar mucho la moda, tienes que estar al día. Si no tienes la oportunidad de asistir a los desfiles de moda, puedes descargar la aplicación Vogue Runway, que es donde puedes encontrar cada desfile e intentar dibujarlo.

Comprar revistas de moda, dibujar las sesiones de fotos que se encuentran allí y conseguir algunos marcadores y dibujar en la revista también te mantendrá creativo.

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Técnica 15 – Karolina Pawelczyk

Creo que incluso si usa su estilo personal, es importante capturar el estilo de la colección / modelo.

La experimentación también es genial. Me gusta interpretar las colecciones en mi propio idioma, que es mi propio estilo. Es agradable hablar con otras personas sobre tu trabajo, pero también es genial confiar en tus instintos.

Técnica 16 – Karolina Pawelczyk

Creo que el mejor consejo para comenzar es: solo comenzar. Coge algunas herramientas y trabaja todos los días. Dibuja personas a tu alrededor, chicas de revistas, diferentes poses, intenta dibujar dibujos rápidos de cinco minutos y también ilustraciones más detalladas.

Ve a los desfiles de moda y piensa en lo que te gusta de ellos y luego intenta dibujarlo de la manera que más te guste. No temas distorsionar las proporciones, exagerar, experimentar, es divertido.

Lleva siempre tu cuaderno de bocetos contigo y no intentes convertirlo en un libro con dibujos perfectos para que la gente los vea. Es genial cuando está desordenado.

Técnica 17 – Karolina Pawelczyk

Me inspiro en todo lo que me rodea, pero principalmente en la música, que me pone de cierto humor. También me inspiran los maestros de la ilustración de moda como David Downton, René Bouché y Bernard Blossac.

Karolina Pawelczyk (PL)

Aunque su estilo es completamente diferente al mío, me encanta lo expresivo que es: cómo estos artistas capturan la moda y la feminidad con solo unos pocos trazos de pintura o tinta.

Técnica 18 – Ewelina Dymek

Una fascinante ilustración de moda no solo muestra ropa, que es muy importante, sino que también evoca ciertos sentimientos y crea atmósfera. Un diseñador de moda hace ropa no solo para cubrir el cuerpo, sino para permitirnos sentirnos y comportarnos de cierta manera.

Usar un determinado conjunto de ropa puede hacernos sentir seguros, relajados, atractivos, provocativos y/o reservados. Un buen ilustrador de moda no solo dibuja una prenda, sino que también la interpreta a su manera y puede transmitir un cierto estado de ánimo detrás de la colección del diseñador.

Técnica 19 – Ewelina Dymek

Si trabajas digitalmente, no utilices la herramienta de borrador con demasiada frecuencia. Existe una forma mucho mejor de borrar todo lo que has eliminado y restaurarlo si es necesario. Este es un buen ejemplo de mecanizado no destructivo.

Cuando usas la herramienta de borrador, estás borrando algo permanentemente.

Sin embargo, si estás trabajando con máscaras de capa, puedes volver a la imagen y editar cualquier ajuste que hayas realizado anteriormente, incluso después de guardar y cerrar el archivo.

Técnica 20 – Ewelina Dymek

Si trabajas con bolígrafos elígelos,con cuidado. Es fácil perderse en números y letras (F, H, HB, 3B, etc.), pero comienza a dibujar con solo un lápiz gráfico, por ejemplo, un 2B o 3B.

Este tipo de bolígrafos son lo suficientemente buenos para dibujar y sombrear gracias a su dureza y negrura. Sin embargo, prefiero trabajar con tres o cuatro tipos de lápices que añaden profundidad a mis dibujos.

Técnica 21 – Ewelina Dymek

Si trabajas con fotos (especialmente retratos), es una buena idea dibujar primero una cuadrícula rectangular en el retrato que deseas reproducir, dibuja la misma cuadrícula en papel y traza el retrato con una cuadrícula al cuadrado. otro para sacar el tiempo. Esto te facilitará mantener las proporciones correctas. Primero dibuja los elementos, luego agrega sombreado para agregar profundidad a tu dibujo. 

Aprende los conceptos básicos: por ejemplo, si deseas dibujar un modelo de pasarela, estudiar la anatomía humana y las proporciones corporales, aprende a dibujar en perspectiva. Esto es especialmente útil cuando deseas agregar dimensión a tu ilustración.

Técnica 22 – Ewelina Dymek

Comienza con un dibujo plano de un modelo; Hay muchas plantillas de silueta corporal disponibles en Internet. Luego pasas a poses más complejas y toma referencias corporales de sesiones de fotos de moda y cosas por el estilo. Esto resaltará la ropa y le dará movimiento, lo que hará que la ilustración sea más interesante.

Además, decide si quieres centrarte más en ser expresivo para crear una ilustración con trazos muy limitados, o si quieres entrar en detalles y mostrar tu oficio también. Sin embargo, lo más importante es encontrar su propio estilo de dibujo. Sin embargo, ten en cuenta que esto llevará mucho tiempo y experimentación con diferentes técnicas. Así que ten paciencia y dibuja mucho.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

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