Sexo y arte: guía para crear trabajos elegantes, sensuales y divertidos

Sexo y arte: guía para crear trabajos elegantes, sensuales y divertidos

Hay un antiguo eslogan publicitario que se recicla sin cesar en las elecciones de las escuelas secundarias de películas estadounidenses, los anuncios en línea y los artículos sobre enfermedades venéreas. ‘¡SEXO!’ proclama, antes de continuar, ‘Ahora tenemos su atención’. 

Los estudios excitantes de la forma humana han sido una fuerza poderosa en el arte desde mucho antes de que Miguel Ángel cincelara las nalgas de su estatua de David, y en la era digital esto no muestra signos de desaceleración, sino todo lo contrario. Las imágenes sexualizadas abundan en la publicidad, pero también en la ilustración, muchos artistas conocen instintivamente esta simple regla: a las personas les gusta el sexo y les gusta mirar imágenes que les hagan pensar en el sexo.

El David de Miguel Ángel

No se puede evitar el hecho de que la mayoría de las veces cuando hablamos de sexo en la ilustración contemporánea, estamos hablando de imágenes de mujeres. Esto se debe en parte a la rica tradición de utilizar mujeres para vender productos, y también, sin duda, en parte a que la ilustración digital sigue siendo un campo dominado por los hombres. El artista Derek Santiago agrega: “A lo largo de la historia del arte hay una forma de arte que detiene a hombres y mujeres en su camino: la belleza femenina sensual en todas sus formas y tamaños variados. Nada se compara y nunca envejecerá».

Sin embargo, el sexo en el arte requiere un toque delicado: las representaciones explícitas de los fragmentos sexuales de las personas rara vez resultan seductoras. Los artistas que quieren crear un escalofrío erótico en sus imágenes deben trabajar más duro que eso. La sensualidad es una cualidad escurridiza y esquiva: a menudo se basa en el gesto, la sugerencia y el tono mucho más que en acres de carne. 

“El sexo significa cosas diferentes para diferentes personas, al igual que el gusto. Para mí, es el contraste entre dinamismo y moderación, alegría y elegancia, calor y frío. Todo se trata de fricción ”, dice Arn0 

A veces, la sensualidad no necesita piel en absoluto; por ejemplo, en su propuesta de portada para la revista gay Butt, Arn0 crea una atmósfera muy sugerente y cargada de erótica utilizando solo frutas y donas. 

Un puñado de bocadillos de formas sugerentes y un esquema de color caramelo saturado hacen que la propuesta de portada de Arn0 para Butt sea obscena sin un solo píxel de carne expuesta.

El arte de la seducción

Al evocar el sexo, los artistas caminan por la cuerda floja: las mismas cosas que pueden ser sensuales cuando se usan de una manera, de repente pueden volverse obscenas en un contexto diferente; una imagen que a una persona le parece una celebración de la figura femenina puede parecerle tremendamente explotadora y ofensiva para otra. Para complicar más las cosas, por su propia naturaleza, las imágenes sexuales son provocativas y un poco subversivas, pero ¿dónde está la línea entre provocar placer e indignación?

La clave suele ser coquetear en lugar de explícito, intrigar en lugar de abrumar. «La seducción es superpoderosa: te atrae, llega a las profundidades de tu imaginación y te hace preguntas oscuras e íntimas», dice MissLED, que crea chicas pin-up con estilo de graffiti y ojos . “La desnudez flagrante y la objetivación por el simple hecho de vender sexo no son nada sexys para mí, no se invoca ningún enredo o pensamiento». Vermeer Girl With The Pearl Earring de se está filtrando en una sugerencia poderosa, por ejemplo. La mirada confiada pero con los ojos muy abiertos por encima del hombro, los labios húmedos ligeramente entreabiertos. Caliente. Los pliegues de la tela, los mechones sueltos del cabello, las texturas, las manos delicadas, casi aduladoras. Fetichista tal vez, pero maravillosamente sexy para mí».

Girl with a Pearl Earring

Ya sea un cigarrillo, una piruleta o un revoltijo de rulos, MissLED usa accesorios para darle a su personaje una historia de fondo, un contexto, y una razón para el existente

El coqueteo en las imágenes es bastante similar al coqueteo en la vida real: es un juego de atrevimiento y subversión. , un sentido del humor y una vena traviesa a menudo son útiles. Para muchos artistas, el humor es una herramienta vital para suavizar el impacto de las imágenes obscenas. 

Kerry Roper creó su Girl Called Candy serie usando tarjetas telefónicas que se encuentran en cabinas telefónicas de Soho; Él socava la explicitación fría y frontal de la fotografía al reemplazar las cabezas con dulces hervidos con caras sonrientes. El resultado es vanguardista, divertido y estimulante: los elementos de desnudez y S&M son todo menos gratuitos. 

Mientras tanto, muchos artistas recurren al arte coqueto del pasado como una útil taquigrafía visual, minando portadas de ficción pulp, imágenes publicitarias antiguas, carteles de películas y otros géneros para crear imágenes sexys que tienen una sensación lúdica y ligeramente irónica; estas imágenes a menudo comparan y contrastan implícitamente nuestra noción de lo que es sexy hoy con épocas anteriores. Quizás debido a la tendencia actual del burlesque y todas las cosas retro de los años 50, el arte pin-up es actualmente muy popular.

El encanto a la antigua

Derek Santiago divide su propio trabajo en dos categorías: pin-ups y desnudos. Destaca el encanto del arte pin-up: «Los pin-ups clásicos son un poco más familiares, evocan una sexualidad inocente», dice, y enumera las características esenciales del pin-up como «ropa vintage, peinados atrevidos, flores, diversión y una gran sonrisa.» Los fusiona con todo, desde el graffiti hasta la aerografía; no puede decidir si su estilo debe etiquetarse como ‘arte pin up figurativo urbano multicultural híbrido retro-futuro’ o ‘pin-ups latinos de alta tecnología’.

Derek Santiago emplea las poses exageradas del arte pin-up con Pussy Cat From The Phillipines, y también toma prestado generosamente del género para todo, desde el encuadre hasta las flores en el cabello de las modelos. 

El artista japonés Rockin ‘Jelly Bean utiliza los estilos de carteles de películas de serie B de las décadas de 1950 y 1960 para crear bebés de pechos gigantes y cintura de avispa que hacen pucheros y chillan melodramáticamente cuando los monstruos marinos los atacan. En manos menos hábiles, esas niñas con proporciones de muñecas Barbie parecerían poco más que el resultado de las imaginaciones de un adolescente febril. Sin embargo, cuando se combina con letras de películas de terror de la década de 1950 y frases como «el ataque de los ladrones de bikini», el resultado es tan exagerado que es más divertido que sórdido, burlarse de la sexualización gratuita de las mujeres en el pasado mientras disfruta de la oportunidad de mostrar un pequeño pezón en el presente. Esta es la clara contradicción del arte retro.

Rockin ‘Jelly Bean templa a sus sujetos generosamente dotados con un sentido de travesura, ya sea una muñeca diabólica adicta al chocolate o una nena de película B derramada en bikini.

Los brillantes e ingeniosos collages de Peter Quinnell están llenos de fotos antiguas de modelos glamorosas intercaladas con bienes de consumo y elementos sugerentes como frutas y labios abiertos y brillantes. “Busco imágenes fuertes, coloridas y con cierta superficialidad; a menudo utilizando imágenes publicitarias antiguas diseñadas para agradar y vender ”, explica. 

La yuxtaposición de mujeres y bienes de consumo satiriza las técnicas publicitarias de la vieja escuela; para Quinnell, esto es esencial: «El humor es muy importante para mí; los elementos sexuales en mi trabajo son ligeros y divertidos en lugar de pornográficos y explotadores».

Ladyporn

Hay una sensación igualmente irónica en el trabajo de Arn0: el ilustrador francés típicamente hace referencia a la aerografía elegante de los años setenta y ochenta y al estilo retro de Miami para crear retratos sexualmente cargados de niños y niñas físicamente perfectos. Dice que una sensación de glamour tan extrema que lleva un toque de parodia es vital para sus imágenes: “Un agente anterior usó la expresión ‘hiperglamour’ para describir mi trabajo a los clientes. Me gusta eso porque evoca hiperrealismo y glamour, en la doble definición de sugestión y de hechizo mágico «.

La adopción de estilos particulares, especialmente los establecidos desde hace mucho tiempo, como el arte de carteles de los años 50 o los carteles de los años 70, permite a los ilustradores sostener una especie de lente que filtra la forma en que vemos el tema. Sin embargo, en el centro de casi todas las imágenes con carga sexual hay un cuerpo humano, generalmente femenino. La forma en que lo retratas puede marcar la diferencia entre lo elegante y lo vulgar.

Casi todos los artistas con los que hablamos subrayaron el hecho de que la imagen debe ser hermosa; una de las diferencias fundamentales entre el arte sexualizado y la pornografía es que tiende a idealizar a las mujeres en lugar de mostrarlas como una colección de partes carnosas. .

Kerry Roper dice: «Mi objetivo es provocar a la gente, también quiero crear imágenes hermosas». Hay dos tácticas clave que muchos ilustradores emplean aquí: sutileza y exageración. Agrega que lo que hace que una imagen sea sexy puede ser “cualquier cosa, desde la ropa hasta la pose. A veces, menos es más: lo sugerente a veces puede ser más sexy que una modelo puramente desnuda; simplemente insinuar a través de imágenes poderosas de ciertas partes del cuerpo, como labios y piernas «.

Paul Oakley crea elegantes siluetas en bloques de colores que son coquetas. Dice: “Lo que queda fuera de la imagen es crucial: quiero que la imagen conserve una ambigüedad que deje algo a la interpretación del espectador. Esta sutileza es muy importante para sugerir la belleza sin volverse demasiado descriptivo, o demasiado sexy o obsceno para su publicación. Esto es particularmente importante si se requiere que el contenido sea un poco atrevido «.

Sus elegantes imágenes a menudo presentan un solo elemento, como un atisbo de ropa interior o una correa de zapato, que transforma toda la pieza en algo bastante más atrevido. 

Martin Abel que crea arte pin-up con infusión de manga, dice: «Para mí, la sensualidad en una ilustración son características sutiles». El rostro, y en particular la mirada, son vitales: «Nunca puedes equivocarte con una expresión facial astuta, descarada y sexy, con los ojos fijos en el espectador».

Dice que la pose viene en un segundo estrecho: “Una pose sexy dinámica, donde las curvas fluyen y se exageran en las áreas correctas. Flujo direccional: de eso se trata ”. 

El estado de ánimo es clave para las buenas pin-ups, dice Martin Abel. “Mis personajes deben tener descaro y picardía, en lugar de ser simplemente guarras. Me gustaría pensar que son más que eso «.

A Martin le gusta equilibrar estas sutiles características con la exageración, pero esto no significa necesariamente que le dé a la modelo tetas de calidad de Baywatch: “La exageración es importante para mí, pero hay una línea muy fina. Me gusta exagerar solo ciertas características: las pestañas son mis favoritas; los senos no tanto, todas las formas y tamaños son fantásticos ”, dice. “Se trata de exagerar con una causa. ¿Cuáles son los elementos de la chica que quieres destacar? ¿Qué la hace diferente del resto? «

Kerry Roper creó su serie A Girl Called Candy utilizando tarjetas de visita de prostitutas, que se dejaron en cabinas telefónicas en el centro de Londres. Él dice: «Mi objetivo es tener un pensamiento claro detrás de la mayor parte de mi trabajo; me gusta recompensar al espectador por comprender y resolver las pistas visuales».

Las astutas mujeres  de MissLED lucen pucheros de gran tamaño, ojos enormes o peinados enormes y elaborados. “Creo que estas características, especialmente los ojos y los labios, son puntos de comunicación en contraposición a las partes objetivadas del cuerpo”, explica. “Tengo muchas ganas de ver hasta dónde podría enfatizar estos, sin perder el elemento de sensualidad y seducción. Creo que el cuello y los hombros fuertes son importantes para mí, sobre los senos y las nalgas últimamente «.

Al igual que con todo buen arte, la clave para hacer arte sexy que funcione es tener algo que decir y decirlo bien; como dice Martin Abel, si tus imágenes no son más que un atractivo visual, se verán pervertidas. «Lo principal es que no se trata solo de T y A. Está bien tener algunos, pero no servirá de nada si no se afinan sus habilidades con el lápiz y si se pierden esos importantes gestos».

La sensación de lentes de vaselina, la paleta de colores carnosos y la expresión sin aliento se combinan para garantizar que este retrato de Arn0 exuda glamour y sensualidad al estilo de los años 70.

Lo que se debe hacer y lo que no se debe hacer

coquetear con el espectador. Intriga y seducción son los nombres del juego.

NO seas demasiado fuerte. Si su espectador quiere ver pornografía, irá a un sitio de pornografía.

Haga que la publicación y los gestos sean correctos: su figura debe irradiar personalidad.

NO permita que las cosas se pongan demasiado serias: el sentido del humor es un activo sexy.

Experimenta con géneros y estilos retro como una forma de traspasar los límites.

NO te quedes atrapado en las mismas viejas nociones de lo que es sexy si eso no te excita.

Arn0 dice que el fotógrafo con carga sexual Helmut Newton y el ilustrador Hajime Sorayama se encuentran entre sus héroes: «Me gusta la distancia fría, aguda e ingeniosa de su trabajo».

¿Qué hace que una imagen sea sexy?

Puedes intentar romper las técnicas de los artistas para hacer que sus imágenes vibren con la sexualidad, pero la sensualidad es esquiva y mucho más que la suma de sus partes. La mayor parte del tiempo se reduce a la simple pregunta de si la imagen significa algo más que senos y una expresión sin aliento.

Para Derek Santiago lo primordial es la sensualidad, comunicada a través de la iluminación, la composición y el contexto, además de algo más indefinible: “La imagen no puede ser simplemente una chica bonita, desnuda o implícitamente desnuda. No importa cuán técnico sea el dibujo, cuán suave se vea su piel, cuán realista sea su cabello, cuán grandiosa sea la iluminación … Si un sujeto no exuda sensualidad, el espectador se aburrirá «.

Las figuras francas de Arn0, que te miran con un aire de desafío lúdico, tienen una cierta pasividad que invita al espectador a tomar la iniciativa; de hecho, coquetean contigo. Él dice: “Intento mezclar empoderamiento y estilo con disponibilidad, luego doy un paso atrás y dejo que suceda. Divertido, de mal gusto, inteligente, alegre, elegante, vacío. ¿Ninguna de las anteriores? Tú decides ”. 

Para MissLED, se trata de ambigüedad y yuxtaposiciones inesperadas; dice que sus imágenes son el resultado de lo que ella llama “mi perpetua obsesión por las contradicciones; inocencia y poder, peso y luz, claridad y caos «. Lo más importante es que sus personajes irradian descaro e independencia, insinuando una mente clara y opiniones firmes.

Ella dice: “Supongo que siempre trato de crear a la mujer perfecta. Fuerte, segura de sí misma, modesta, sabia, poderosamente en contacto con su sexualidad femenina; y como un amigo enumeró en sus condiciones para su mujer perfecta: «que parezca capaz de saltar vallas». Eso es más o menos a lo que aspiro de todos modos «.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

20 consejos para ilustrar alimentos

20 consejos para ilustrar alimentos

Los ilustradores Elena Resko, Ella Ginn, Kendyll Hillegas, Kiki Lung y Luli Reis detallan sus enfoques para dibujar alimentos, alimentos gloriosos.

Kiki Lung

Me enfoco mucho en el color, ya que juega un papel importante en la determinación del estado de ánimo de una ilustración. En mi opinión, los colores deben sentirse audaces y vibrantes, ser fuertes y exigir atención. Cuando se trata de comida, el objetivo es a menudo celebrar, transmitir un sentimiento de alegría y resaltar su poder para unir a las personas el color hace un gran trabajo con eso.

Trabajo con vectores y los huesos de mis ilustraciones suelen ser geométricos. Me encantan los círculos perfectos y las líneas rectas. ¡La comida a menudo es desordenada! Y me gusta el desafío de traducir algo imperfecto en mi estilo limpio y digital. A menudo trabajo a partir de fotografías y crear carpetas con imágenes de referencia para dibujar. A veces trazó en la parte superior o combino un conjunto de imágenes diferentes, como un rompecabezas superpuesto, para crear una ilustración.

La comida es muy divertida de dibujar porque a menudo hay mucho que comunicar, desde colores y texturas contrastantes hasta honrar ciertos elementos culturales. Las consistencia (derretir chocolate) y las cantidades (granos de arroz en un tazón de arroz) pueden ser difíciles de dibujar, y es importante un buen equilibrio entre la estilización y hacer que un plato o comida parezca fiel a sí mismo.

Recientemente trabajé en un campo que lamentablemente fue rechazado ilustrando alimentos del Mediterráneo.Las escenas tenían que ser desordenadas, tener personalidad y mostrar movimiento. ¡Exactamente el tipo de ilustración de comida que me gusta hacer! Utilicé todas mis técnicas habituales, muchos colores vibrantes, composiciones geométricas para dar una ilusión de caos organizado y texturas contrastantes para dinamizar las cosas.

Kiki Lung

Encuentro el color muy importante y pasaré mucho tiempo haciendo bien la paleta. Intento no pensar en el color en absoluto (aparte de averiguar los contrastes con los degradados en blanco y negro) hasta que me haya decidido por una composición. Una vez que se establece, empiezo a incorporar color a medida que perfeccionó el diseño.

Es una respuesta frustrante, pero el mejor consejo para ser bueno en algo es «¡hazlo mucho»! Me gusta pensar en las cosas en términos de proyectos, por lo que podría ser divertido establecerse dibujando desafíos y crear series de proyectos a partir de ellos. «Todas las comidas que comí esta semana», «Recetas de mi infancia», «Alimentos que mis perros robaron del mostrador», etc. Envíe su trabajo a sus revistas de comida favoritas, blogueros o restaurantes locales.

Luisa Reis

Supongo que mi estilo visual se desarrolló al observar a mis artistas y diseñadores favoritos, y también una especie de «prueba y error». Veía algo que me gustaba e intentaba incorporarlo a mi estilo artístico. Sigo haciendo eso y creo que lo seguiré haciendo para siempre, ya que mi estilo siempre está evolucionando.

Mi mayor inspiración es la naturaleza misma, pero también me siento muy inspirado por el arte de otras personas. Mis ideas surgen al azar en mi cabeza y realmente me gusta discutirlas con algunos amigos para «pulirlas». Este método de discutir proyectos ha demostrado ser muy útil para mí a la hora de crear obras de arte.

Creo que retratar las formas y el contraste entre colores es realmente importante. Además, agregar algún tipo de textura hace que la ilustración sea mucho más interesante. Cómo uso acuarelas, me gusta dejar que la pintura fluya libremente y cuando se seca  me gusta obtener texturas y patrones que dan un efecto realmente genial.

Para mí, el mayor desafío es ilustrar alimentos que no son realmente coloridos y atractivos en la vida real (como las papas) o alimentos muy texturizados (por ejemplo, piel de piña o una hamburguesa).

Recientemente he estado trabajando con una técnica de acuarela más suelta y fluida. Empiezo cualquier proyecto analizando mi referencia (su forma, la textura, cómo se refleja la luz en la superficie, cuáles son los colores principales, tiene algún detalle, etc) y decidiendo qué colores voy a utilizar.

Una vez hecho esto, comienzo a pintar pinceladas sueltas en mi papel para crear la forma base, teniendo en cuenta los colores y las luces, y dejo algunos espacios en blanco, sin agregar pintura en absoluto. Con la pintura aún húmeda, agrego algunos detalles y algunos colores más para profundidad y sombras. Después de que la acuarela esté completamente seca, veo si necesito agregar algún otro detalle (como tallos de hojas) y ¡listo!

El color es una de las cosas más importantes cuando se crea una obra de arte sólida y aprender la teoría del color es muy importante. No creo en las elecciones de color correctas o incorrectas porque el arte es una forma de expresión, y si quieres pintar una pizza rosa, ¡hazlo! Pero elegir la paleta de colores adecuada es clave para lograr un resultado final hermoso, equilibrado y sorprendente.

Por lo general, empiezo a pensar en mis colores al comienzo de un proyecto, justo después de elegir un tema de pintura. Decido mi paleta de colores incluso antes de empezar a dibujar. También mantengo un cuaderno de bocetos para estudios de color, donde pruebo nuevas combinaciones de colores y paletas de colores que me llamaron la atención.

Luisa Reis

Concéntrese en los colores de su ilustración. El cerebro humano funciona de una manera asombrosa y percibimos los alimentos no solo por su sabor, sino también por su aroma y color, y dado que no podemos trabajar con el sabor o el aroma en la ilustración, el color es clave para crear ilustraciones atractivas de alimentos. Intente crear una paleta de colores rica y brillante para sus ilustraciones.

Otra cosa a tener en cuenta es que tu ilustración no necesita ser perfecta. Cuando la comida es demasiado perfecta, ¡en realidad parece falsa! No existe una naranja perfectamente redonda o una magdalena supersimétrica, así que no te preocupes demasiado por eso. Y si es nuevo en la ilustración de alimentos, intente crear obras de arte de los alimentos que ama. Esto hace que el proceso sea mucho más divertido y placentero, y es más probable que esté satisfecho con el resultado.

Kendyll Hillegas

Gran parte de mi inspiración temprana más específica provino de la comida porque la cocina y la cultura gastronómica y las historias gastronómicas son algo que me encanta desde la infancia. Aprovechar esa inspiración realmente concreta y accesible fue vital para desarrollar mi práctica creativa, y si no la hubiera encontrado, no creo que hubiera tenido el impulso y la motivación para perfeccionar mis habilidades. Ahora, después de años y años de práctica, puedo encontrar inspiración en casi cualquier tema o tema, ya que lo que realmente amo es esa práctica de observación cercana.

Al principio, pintar comida era algo que hacía por diversión. Me había graduado de la escuela y había trabajado como barista, tutora, organizadora comunitaria, y unos años después, prácticamente había dejado de dibujar y pintar por completo.

Terminé lidiando con algunos problemas de salud importantes que significaron que tuve que dar un paso atrás en el trabajo y quedarme en casa y descansar la mayor parte del tiempo. Estaba aburrido, solo y buscando desesperadamente algo más que mi cuerpo en lo que concentrarme, así que comencé a pintar lo único que me parecía divertido: la comida.

Trabajo principalmente con medios tradicionales. La mayoría de mis ilustraciones son 100% analógicas, utilizando una mezcla de acuarela, lápiz de colores gouache y bolígrafos de pintura. De vez en cuando, para ciertos trabajos comerciales, incorporó un poco de pintura digital al final. Creo que solo he tenido dos asignaciones que eran 100% digitales de principio a fin. Trabajo principalmente a partir de fotos, ya que la comida es perecedera y mis piezas más grandes a veces pueden tardar varios días en completarse.

Para la editorial puede ser un desafío terminar las cosas a tiempo cuando los plazos son ajustados, lo que ocurre casi siempre. Para CPG, un desafío es tener más personas involucradas en el proceso de toma de decisiones y necesitar hacer revisiones para cumplir con muchas expectativas diferentes.

Creo que un desafío al que se enfrentan muchos ilustradores de alimentos principiantes es querer dibujar o pintar alimentos realmente bonitos (cocina ultramoderna, magdalenas elegantes o pasteles de cumpleaños con forma, por ejemplo). Ven las imágenes de este tipo de comida en las redes sociales y quieren utilizarlas como punto de partida para su trabajo. Sin embargo, en mi opinión, dibujar un pastel con forma de lámpara de mesa rara vez es una buena idea.

Creo que la mejor ilustración de comida suele mostrar comida que parece comida. Quieres que sea hermoso, sí, pero también humano y tal vez incluso un poco imperfecto. Si alguna vez tengo que sacar comida que sea realmente regular y ordenada, intentaré hacer algo para despeinarla, como darle un mordisco, agregar un goteo o untar, o partirla por la mitad. Creo que eso ayuda a que las cosas se vean realmente apetitosas y auténticas.

Kendyll Hillegas

Recientemente, decidí hacer un proyecto autoiniciado en el que recreará algunos de los mismos temas que había pintado cuando me inicié en la ilustración de alimentos. Lo llamé «Entonces / Ahora» y animé a otros ilustradores a compartir sus propios Entonces / Ahora en las redes sociales. Una de mis piezas favoritas de la serie fue un frasco de mermelada Bonne Maman. Esta fue una de las primeras ilustraciones de comida que creé, por lo que volver a abordarla después de varios años fue realmente divertido.

Trabajando en papel prensado en frío de peso ultra pesado (Fabriano Artistico), comencé con capas de acuarela. Utilizo muchas formas diferentes de acuarela, incluido el tubo, el molde / pastel y el lápiz de acuarela, pero en los últimos años me he convertido en un gran fanático de la acuarela líquida (usé la línea Dr. Ph Martins Hydrus en esta pieza) porque no se levanta / reactiva después de que se seca. Esto significa que puede esmaltar y aplicar capas fácilmente, sin crear un enturbiamiento. También usé algunos bolígrafos Kuretake Mangaka para hacer las letras.

Mi objetivo al colocar primero la acuarela es doble: primero, me permite trazar los colores y valores de la pieza, similar a una pintura de base, para que cuando pase a los detalles con lápices de colores, no tenga que hacer como muchas de esas grandes decisiones y puede centrarse principalmente en los matices. En segundo lugar, dado que a menudo me gusta trabajar en papel realmente texturizado, usar solo lápices de colores tomaría mucho tiempo (y mucho lápiz) para rellenar el diente del papel.

Esencialmente, usar acuarela primero resuelve el problema de que los trozos de papel blancos se vean en la pieza terminada. Incluso con papeles más suaves como Rives BFK o papel de acuarela prensado en caliente (mis otros favoritos), sigo usando la acuarela como capa base porque hace las cosas mucho más fáciles más adelante.

Una vez que tengo ese mapa de colores, coloco lápices de colores en la parte superior para crear detalles y para refinar aún más los valores y el color. Otro cambio con respecto a la primera iteración de este tema es qué tan lejos voy con el lápiz de color y con el nivel de realismo.

Anteriormente, solo haría pequeños trozos aquí y allá con lápiz de color. Ahora, gran parte de la pieza, o incluso la mayor parte de la pieza, tiene al menos algún desarrollo con lápiz de color. También me he vuelto un poco más realista, tanto en el dibujo como en el color. Esta pieza es lo más lejos que me gusta ir con realismo, y puedes ver si la comparas con la imagen de referencia, que las proporciones / dibujo están muy cerca de la referencia, y el color obviamente se ha extraído de la referencia. pero también he llevado las cosas un poco más lejos.

Empiezo a pensar en el color desde el principio del proceso. Si es para una asignación comercial como las ilustraciones de empaque de Good Culture (arriba y abajo), a menudo sabrás de antemano que se debe usar un color específico o que se debe evitar otro color específico. Si es para un proyecto autoiniciado como Entonces / Ahora, normalmente empiezo a pensar en el color cuando miro la imagen de referencia. En esta referencia, supe de inmediato que quería seguir mis pistas de la referencia, pero quería llevar el color mucho más allá en términos de saturación y vitalidad. Esto es bastante típico, diría yo.

En general, mi objetivo es hacer que se parezca en un 80% a la referencia (en términos de color) y luego ser un poco más intenso (subiendo el volumen en los colores existentes) e incluso creativo (usando colores que no existen en absoluto) con el  restante. Mi objetivo es hacer que parezca realidad, pero mejor evitando cualquier sensación de artificialidad. Básicamente, quiero que se vea bien, pero no demasiado. También tiendo a elegir colores para sombras y reflejos en función de lo que creará más vitalidad, por lo que generalmente opto por colores complementarios (por ejemplo, usando un poco de verde en la sombra de un sujeto rojizo).

Como paso final, una vez que termine con el lápiz de color, a veces agrego algunos reflejos opacos con un lápiz de pintura Sharpie (acrílico a base de agua) o con gouache acrílico. Luego escaneo la pieza en alta resolución y, si la estoy creando para un cliente, eliminaré el fondo digitalmente para que pueda colocarse fácilmente en un diseño de página o una línea de corte.

Si ya eres un ilustrador establecido con un estilo bien definido y solo buscas entrar en un mercado, yo diría que comienzas a crear trabajos que se adapten al mercado en el que deseas ingresar. Entonces, si desea ilustrar un libro de cocina, comience a ilustrar algunas recetas que encuentre en línea. Incluso podrías colaborar con un blog de comida para ilustrar una o dos de sus recetas existentes (¡o hacer la tuya propia si te gusta cocinar!). Si desea entrar en la ilustración de envases, comience a observar los tipos de ilustraciones que se utilizan en los envases, tanto el tema como el estilo, y también la composición. Empiece a hacer este tipo de trabajo y a agregarlo a su portafolio. Esto es lo que hice.

Si eres un ilustrador nuevo o aspirante y aún no has encontrado tu ritmo, diría que lo más importante es trabajar para encontrar un sentido sostenido de inspiración y motivación y perfeccionar tu oficio. Esto es cierto si vas a pintar de manera realista o de una manera más estilizada. Si cree que podría querer dedicarse a la ilustración de alimentos, comience de manera simple y dibuje y pinte los alimentos que ya tiene en su cocina. Toma tus propias fotos de referencia o trabaja de la vida si tienes un proceso más rápido que yo.

Lo más importante al principio es simplemente dibujar y pintar tanto como sea posible, enfocándose en desarrollar un estilo consistente y un cuerpo de trabajo inicial. Sabrá que tiene un estilo consistente cuando deje de pensar en el estilo; Es como escribir a mano. Cuando aprendes a escribir por primera vez, piensas en cada aspecto de la redacción de cartas de una manera muy consciente, pero eventualmente se convierte en algo que haces sin siquiera pensar en ello.

Ella Ginn

Durante mi curso de ilustración en la universidad, pasé mucho tiempo en el estudio de impresión experimentando con diferentes técnicas. Descubrí que el linograbado me dio las líneas audaces y el movimiento que estaba buscando en mi trabajo. Intentó replicar lo que aprendí del grabado en mis ilustraciones digitales. Trabajar digitalmente hace que mi trabajo sea un poco más accesible para proyectos comerciales, ¡el grabado puede ser un proceso bastante largo y no siempre es fácil hacer cambios! Grabados antiguos, como obras de arte antiguas de cajas de cerillas, envases / carteles de alimentos e ilustraciones botánicas, también inspiran mis ilustraciones.

Encuentro que con la ilustración de alimentos tengo que exagerar demasiado la vitalidad y el color para que la comida se vea lo más atractiva posible, ¡incluso más que en la vida real! Los clientes siempre quieren que la comida se vea lo más fresca y sabrosa posible, por lo que siempre es importante tenerlo en cuenta. En mis pinturas más fotorrealistas, de frutas, por ejemplo, encuentro un buen par de gotas de agua que ayudan a dar esa sensación de frescura, así que no tengas miedo de usarlas, ¡aunque parezca un poco exagerado!

Me siento más creativo y menos restringido en el trabajo analógico al comienzo de un proyecto. Mi objetivo es dibujar tanto como sea posible sin usar referencias para tener una idea de la composición sin estar colgado de ninguna imagen de referencia; Utilizó principalmente fotografías como referencia, sin embargo, ¡trabajar desde la vida es algo que me gustaría hacer más! Recientemente invertí en un Ipad que me encanta usar, así que terminaré mi ilustración en procreate o photoshop.

A veces encuentro un poco desafiante hacer que las ilustraciones de alimentos sean dinámicas. ¡Aquí es donde el color realmente puede ayudar a dar vida a la ilustración! También trato de agregar tanto movimiento como puedo agregar algunas formas atrevidas y jugando con la composición. También me gusta incorporar letras a mi trabajo para agregar otra dimensión y punto de interés.

Ella Ginn

Recientemente trabajé en un proyecto divertido con Tangent Graphic para los gin-&-tonics premezclados de Eden Mill. El objetivo era ilustrar frutas y lúpulos de forma creativa, incorporando varias historias folclóricas para cada lata. El efecto general parece casi un patrón, por lo que era importante que la fruta se destacará sobre las otras ilustraciones basadas en historias. Empiezo trabajando en un color para crear la ilustración base. Una vez que la composición ha recibido el visto bueno, utilizo un segundo color de tono medio para crear el sombreado, esto me ayuda a resaltar la fruta y hacer que resalte contra el fondo.

El color es algo que solía tener bastante miedo durante la universidad, así que trabajaba principalmente en blanco y negro. Recientemente, he sido mucho más aventurero con mis elecciones de color y realmente ha valido la pena. Debido a esto, tiendo a pensar en el color desde el principio, ya que encuentro que ayuda a informar la ilustración. Tiendo a limitar mi paleta para no aburrirme demasiado con la elección y encuentro que evita que mi trabajo se vea demasiado desordenado.

¡No espere a que llegue el trabajo! Si le gustaría entrar en la ilustración de alimentos, establezca el proyecto de sus sueños y agrégalo a tu portafolio. Una vez que tenga un cuerpo de trabajo que lo represente, comuníquese con los estudios de diseño o las marcas para las que le gustaría trabajar. Nunca se sabe quién se comunicará con usted y qué podrían estar buscando. Finalmente, no tengas miedo de experimentar y divertirte, siempre encuentro que mi mejor trabajo es el proyecto que más me divertí.

Elena Rekso 

La atención al detalle es la clave: imagina cuántos colores, texturas y formas diferentes tiene la comida en la vida real, ¡todo es tan diferente! Casi todo lo que comemos es una creación compleja, incluso si es solo una pieza de fruta o una baya, sin hablar de sándwiches de club o algunos platos locos de 100 ingredientes. Cuanto mejor muestra esta variedad, más rica será la ilustración de su comida. Agregue este queso extra, espolvoree más semillas de sésamo, gotee un poco de esta mayonesa.

Mi trabajo es 100% digital, desde los bocetos hasta el resultado final. Generalmente no dibujo de la vida ni de las fotos. Creo que limita tu imaginación tener un ejemplo de la vida real frente a tus ojos.

Si es necesario, vaya a Google o Pinterest para obtener ayuda visual, intente obtener algún tipo de «memoria colectiva» de cómo podría verse y luego interprete a su manera. ¡Es mucho más divertido así! En caso de algo particularmente complicado, estudie el objeto, tenga la idea de algunas características básicas para hacerlo reconocible y luego coloque la referencia lo más lejos posible para no apegarse demasiado a él. ¡Acercarlo a la realidad no es el punto!

Sin embargo, siempre es una buena idea hacer sus propias fotos de referencia. ¿Le gustó la combinación de colores? ¿Vio un gran arreglo de platos en la cafetería? Toma una foto; definitivamente te lo agradecerás más tarde.

Un proyecto reciente en el que me pidieron que dibujara un pastel como símbolo de unidad y celebración. Tenía que ser delicioso y desordenado. Me dieron los colores pastel Lila y verde para trabajar. Así que creé una paleta que complementaba estos dos colores bastante fríos y agregué trozos de ellos al pastel para brindar apoyo y equilibrio. Agregué mucha dinámica en los elementos / ingredientes para que se vea aún más festivo. Y, por supuesto, muchos detalles: el goteo, las salpicaduras, muchos pequeños detalles para mantenerlo todo lo más rico e interesante de ver como sea posible.

Si soy libre de elegir mi paleta de colores, sucede en la mayoría de los casos, tiendo a pensar en ello mientras ya hago bocetos. Simplemente repasando en mi cabeza cuál podría ser una buena solución de color para la pieza.

El punto principal: no tiene que estar cerca de la realidad en absoluto. ¡Realza los colores naturales, mezcla las cosas! Siempre trato de darle un toque diferente a los «colores normales». Sin embargo, no se exceda, aún debe ser apetitoso.

Tengo los colores que más uso, así que tengo algunos de ellos como elemento básico y luego agrego más a la gama de acuerdo con el tema de la pieza. A veces hay una necesidad de usar un color realmente específico (o el cliente puede pedirlo), así que lo tomo y trato de trabajar el resto de la paleta a su alrededor. También es un gran ejercicio.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Ingresa al paraíso del diseño gráfico con estos carteles japoneses antiguos

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un efecto de vidrio en Photoshop

La mente maestra de la vestimenta de Muji y otras leyendas del diseño japonés se presentan en una nueva retrospectiva expansiva.

Si bien Artes digitales está analizando los talentos japoneses más nuevos y las tendencias artísticas en nuestra serie DADA de Tokio, sería negligente no examinar la rica herencia de tesoros del diseño gráfico de Japón.

Pero no es necesario viajar demasiado atrás para explorar el arte del diseño de carteles japoneses, como se celebra en una nueva exposición en  Ámsterdam Museo Stedelijk este septiembre.

El colorido Japón, es el tributo póstumo del museo al diseñador gráfico japonés Shigeru Watano (1937-2012) y presenta 226 carteles japoneses en exhibición en su Galería de Honor. Watano, que vivía en los Países Bajos, era un vínculo vital entre Stedelijk y numerosos diseñadores japoneses. Gracias a su ayuda, Stedelijk pudo adquirir muchos carteles japoneses y los diseñadores japoneses donaron generosamente su trabajo al museo.

Colorful Japan

En comparación con su primo europeo, el diseño de carteles japoneses es una disciplina relativamente reciente; No fue hasta principios del siglo XX que los carteles se utilizaron para publicidad. Los carteles varían mucho en estilo; algunos hacen alarde de tonos vivos y otros son tranquilos, reservados y mínimos. Los diseñadores japoneses exploran un lenguaje visual muy diferente al que se encuentra en Europa. La cultura visual japonesa es menos directa y más matizada, y también a menudo poética. Esto significa que, para los ojos occidentales, la imagen no siempre parece coincidir con el tema, como un personaje ampliado con un texto lírico para la promoción de un concierto pop, por ejemplo.

La exposición muestra una sección representativa del diseño gráfico único de Japón, con el cartel más antiguo que data de 1937 y el más reciente de 2018. Encuentre una selección de estas maravillas del diseño gráfico en nuestra galería de diapositivas, junto con más información sobre los diversos diseñadores. 

En 2018, la Fundación DNP para la Promoción Cultural entregó al museo un generoso obsequio de 92 carteles, gracias a los cuales la colección Stedelijk de 800 carteles japoneses es la más grande de Europa.

Una pared de la exposición está dedicada exclusivamente al diseñador gráfico y artista de fama internacional Tadanori Yokoo, conocido en estos días como artista de portada de clásicos recientemente reevaluados por el músico Haroumi Hosono. En 1974, con la ayuda de Watano, el Stedelijk fue el primer instituto europeo en exhibir el trabajo de Yokoo.

La curadora Carolien Glazenburg dice sobre la exposición: «Destacando 226 carteles japoneses de nuestra colección, el Japón colorido literalmente explota de color.

«Con carteles del suelo al techo, las paredes de la Galería de Honor sumergen a los visitantes en un mundo caleidoscópico «.

Shigeo Fukuda (febrero 4, 1932 – 11 de enero de 2009) fue un escultor, artista gráfico y diseñador de carteles que creó ilusiones ópticas.

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, Shigeo se interesó en el estilo minimalista suizo del diseño gráfico y se graduó de la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música en 1956.

Shigeo Fukuda

En 1987, Fukuda fue incluido en el Salón de la Fama del director de arte en la ciudad de Nueva York, lo que lo convirtió en el primer diseñador japonés elegido para este reconocimiento. El Art Directors Club destacó el «comentario mordazmente satírico sobre la insensatez of war «que se muestra en esta pieza Victory 1945, que le valió el gran premio en el Concurso de carteles de Varsovia de 1975.

Este cartel fue diseñado como un anuncio de los ferrocarriles japoneses por Muneji Satomi en 1937.

Satomi, nacida en la ciudad japonesa de Osaka, estudió en la Ecole des Beaux Arts de París y fue una de las maestras en el campo del diseño de carteles japoneses.

Esta imagen se incluyó en la exposición V&A Art Deco de 2003. El estilo Art Deco fue popular en Japón, ya que se inspiró en parte en el arte asiático y combinó elementos de tradición y modernidad. La reconstrucción de Tokio después de un gran terremoto en 1923 vio la construcción de muchos edificios Art Deco en la capital.

Este cartel resume el estado de ánimo en Japón en ese momento con su coexistencia de lo antiguo y lo nuevo. Signos tradicionales de la identidad japonesa, como el cerezo, aparecen junto a iconos de la modernidad industrial como los mástiles de ferrocarril y teléfono.

Nacido en Tokio en 1929 y graduado de la Universidad de Hosei, Kiyoshi Awazu fue un artista autodidacta que recorrió los mundos del diseño y el arte de vanguardia con igual aplomo.

El creador dijo una vez que la misión de un diseñador era «extender lo rural a la ciudad, poner en primer plano el folclore, despertar el pasado, recuperar lo obsoleto». Lo logró haciendo carteles como estos, ricos en simbolismo y un surrealismo sorprendente.

En la Exposición de Arte Publicitario de Japón en 1955, recibió el Premio del Club de Artistas Publicitarios de Japón; tres años después, ganó el Gran Premio en el Concurso Mundial de Carteles de Cine en Francia. Más elogios en el extranjero llegaron con los carteles ‘Double Suicide’ y ‘Anti-War’, que ganaron los premios de plata y especiales, respectivamente, en la Exposición Bienal Internacional de Carteles en Varsovia, Polonia en 1970.

Su experiencia fue variada e incluyó el diseño urbano y el cine y proyectos de teatro. En 1969, ganó un Premio de la Academia de Japón a la dirección de arte por la película Double Suicide en Tenno-Amijima. También puedes ver a Kiyoshi interpretándose a sí mismo en el clásico de culto japonés LGTBQ Funeral Parade of Roses.

Ikko Tanaka (13 de enero de 1930 – 10 de enero de 2002) es posible que conozca como uno de los cerebros detrás de la cadena minorista japonesa Muji.

Nacido en la ciudad de Nara, Ikko estudió arte en la Escuela de Bellas Artes de la ciudad de Kioto. Más tarde trabajó en Sankei Shinbun, Nippon Design Center, y posteriormente estableció su primer estudio de diseño en Tokio en 1963. A

Ikko se le atribuye el desarrollo de Muji junto con el consultor de marketing Kazuko Koike y el diseñador de interiores Takashi Sugimoto. Ikko articuló la visión y apariencia de Muji, y proporcionó ideas y prototipos que visualizaron la estrategia de diseño de la marca.

Trabajó como director de arte de Muji hasta 2001. En septiembre de 2012 hubo una retrospectiva del trabajo de Ikko en 21 21 Design Sight en Tokio, comisariada por Kazuko Koike.

Ryuichi Yamashiro se desempeñó como asesor artístico de Asahi, Toshiba y otras empresas industriales. También fue profesor invitado en el Instituto de Diseño de Kanazawa y director del Centro de Diseño Nippon.

Sus obras han recibido numerosos premios; en 1957 y 1960, recibió, entre otras cosas, las medallas de plata y bronce del Art Director Club Tokyo y luego numerosos otros premios nacionales e internacionales.

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Camisetas: los mejores lugares para imprimir camisetas con su diseño personalizado

Camisetas: los mejores lugares para imprimir camisetas con su diseño personalizado

Hemos encontrado 10 empresas del Reino Unido que cubren o se especializan en tres métodos principales de impresión de camisetas: serigrafía, impresión directa a la prenda o impresión por sublimación. Algunas entregan el mismo día y otras quizás necesites un poco de margen de maniobra. Algunas empresas ofrecen prendas sostenibles o recicladas, otras una gama especializada de tintas y tintes.

Ya sea que esté buscando imprimir una carga de camisetas a granel para vender, o solo una camisa a medida como regalo, lo tenemos cubierto.

Hemos desglosado las empresas según los procesos de impresión que ofrecen, con un poco de información sobre las diferencias entre los procesos. Primero que nada, serigrafía.

Serigrafía

La serigrafía será su mejor apuesta en términos de calidad para pedidos a granel e impresión de un diseño con solo uno o dos colores. 

La serigrafía funciona empujando la tinta a través de una plantilla de malla sobre la camiseta. Cada color de su diseño necesita una plantilla diferente. Luego, todas las plantillas requeridas se alinean e imprimen en todas las prendas en una prensa automática utilizando las mismas pantallas. Aunque este proceso tradicional parece un poco más laborioso, los que hacen serigrafía suelen ser apasionados de su oficio y dicen que sigue siendo el mejor proceso para imprimir textiles.

Monsterpress

Monsterpress ha estado imprimiendo serigrafía durante más de 10 años. Se sienten apasionados por la calidad que producen en un tiempo de respuesta de entre 7 y 10 días hábiles.

Puede optar por crear su diseño en tintas premium estándar, de descarga, plastisol, plastisol transfer o de lecho de agua, o de una gama de tintas especiales como metálicas, neón, CMYK en Heather y que brillan en la oscuridad. 

Consulte su ropa más popular en la página de ofertas para obtener una indicación de sus tarifas competitivas. También tienen precios para prendas individuales en un catálogo online para que te hagas una idea de la diferencia de precio. Monsterpress tiene un pedido mínimo de 20 piezas por diseño / prenda, pero recomienda al menos 25/50 para obtener mejores precios.

Vale la pena ver algunos hermosos diseños impresos por Monsterpress en su cuenta de Instagram. Un kit de maquetas, una guía de impresión de cuello o una guía de ilustraciones para serigrafía también están disponibles para descargar desde su sitio.

3rd Rail

Presentamos 3rd Rail originalmente en nuestros mejores sitios web para encontrar su próximo resumen de camisetas geniales , pero 3rd Rail también ofrece un servicio de serigrafía personalizado desde su estudio de Londres.

Como un servicio similar a Monsterpress, 3rd Rail tomará tu diseño y lo imprimirá en camisetas. Tienen una gama útil de plantillas de tamaño de obra de arte estándar, como el pecho izquierdo, el centro del pecho o todo el cuerpo, para ayudarlo a comprender qué funcionará bien para su diseño.

Si todavía está un poco atascado, consulte sus kits y plantillas de maquetas de camisetas para que el proceso de diseño sea un poco más claro.

3rd Rail ofrece tipos de tintas estándar como plastisol, a base de agua, de descarga y transferencia, y también una gama de tintas especiales como fluorescentes, agrietadas, laminadas y reflectantes.

Everpress

Everpress es una nueva plataforma en línea dedicada en ayudar a ejecutar su propia serie de camisetas a medida sin costos iniciales. Simplemente cargue su diseño, elija sus prendas y cree su propia página de campaña lista para que los compradores realicen pedidos anticipados.

La plataforma comenzó en 2016 con el deseo de simplificar la producción y distribución de mercadería de venta. Centrado principalmente en diseñadores, ilustradores y la industria de la música, Everpress tiene como objetivo permitir que estas profesiones vendan camisetas, sudaderas con capucha y sudaderas directamente a sus comunidades y fans individuales.

Puede monitorear los visitantes en vivo y las estadísticas de ventas desde la comodidad de su hogar con un tablero en línea, y una vez que finaliza la campaña, Everpress imprime todos los artículos en un lote y los entrega directamente a los compradores a nivel internacional. Los costos de producción provienen de los ingresos por ventas y usted toma todas las ganancias.

Para tener una idea de cómo se ve todo esto, vea lo que Everpress ha hecho para su propia campaña de camisetas 50/50 que incluye diseños de Supermundane, La Boca y más para la organización benéfica contra el cáncer Trekstock.

Blackwater Studios

Blackwater Studios se ha especializado en camisetas de serigrafía durante más de 40 años, por lo que probablemente sea seguro asumir que definitivamente saben lo que hacen.

Respaldando con orgullo las ventajas de la serigrafía sobre otros métodos, como la calidad, el volumen y la flexibilidad, Blackwater Studios ofrece un pedido mínimo de 25 y un formato de pedido en línea simplificado. Solicite una cotización antes de realizar un pedido, luego elija entre sus cómodas tintas estándar y su colección de estilos de serigrafía. Puede elegir el tamaño, el color y el algodón de su prenda en consecuencia.

También ofrecen algunas agradables ofertas de impresión de camisetas.

Merch Asylum

Esta empresa de serigrafía textil en las afueras de Cardiff puede ser un poco menos conocida, pero ofrece algunas buenas oportunidades para serigrafiar camisetas en lotes.

Con instalaciones para imprimir tiradas de productos a pequeña o gran escala y un equipo de gráficos interno para ayudarlo, tiene algunas opciones. March Asylum tiene una base de clientes compuesta por marcas de moda en todo el Reino Unido y Europa.

La compañía del sur de Gales dice que la mayoría de sus trabajos se imprimen en una prensa automática, pero ofrecen serigrafía manual de tiradas más pequeñas y trabajos con ubicaciones de impresión no convencionales.

Un poco más que la oferta de Blackwater Studio, Merch Asylum ofrece 50 camisetas con una impresión a color. Aunque su sitio web no tiene muchos ejemplos de trabajos anteriores, el mejor lugar para consultar es su blog.

Directo a la prenda (DTG)

Si el proceso de serigrafía no le atrae, existe la opción de impresión directa a la prenda (DTG), que se utiliza mejor si su diseño tiene muchos colores o solo desea una pequeña cantidad de productos. DTG tiene un costo ligeramente más alto debido a la tecnología utilizada, pero si desea libertad creativa para usar la mayor cantidad de color posible en su diseño, entonces puede ser el camino a seguir.

Shirt Monkey

Si está buscando una impresión económica directa a la prenda en el Reino Unido, Shirt Monkey son sus hombres. Trabajando desde Cheshire durante los últimos cuatro años, esta pequeña empresa imprime CMYK y tinta blanca en prendas de casi cualquier tipo de tela o camiseta de color utilizando sus nuevas impresoras Kornit.

Shirt Monkey también ofrece «doblar y empaquetar» cada prenda lista para la venta, y para los diseñadores que pueden estar buscando lanzar una tienda en línea, ofrecen un diseño y una configuración de comercio electrónico completamente personalizados.

Ético

Las dos próximas empresas de impresión de camisetas hacen hincapié en la ropa orgánica, de comercio justo, sostenible y reciclada. Si desea su diseño en una camisa ecológica, eche un vistazo a las diferentes opciones de prendas AM Custom Clothing y Rapanui Factory.

Ambos venden camisetas de bambú, una opción de moda ecológica bastante nueva. Las camisas de bambú cuestan menos que muchas otras telas y no implican el uso de pesticidas y fertilizantes en el proceso. Puede leer más sobre esto en el blog de AM Custom Clothing. Rapanui Factory dice que las camisetas de algodón orgánico al por mayor son su artículo más popular, pero también ofrecen la compra de camisetas si se solicita.

AM Custom Clothing

AM Custom Clothing ofrece serigrafía, impresión por sublimación de tinta e impresión DTG, pero lo que distingue a esta empresa es su opción de elegir entre prendas de comercio justo, orgánicas y recicladas. La moda de comercio justo es uno de sus valores importantes, y puede encontrar mucha más información sobre de dónde obtienen sus materiales y prendas en su blog y sitio web.

Si desea imprimir menos de 25 artículos simples, entonces es bastante fácil comprar en línea; de lo contrario, le aconsejan que solicite un presupuesto.

Rapanui Factory

Otra empresa polifacética comprometida con la sostenibilidad es Rapanui Factory. La fábrica fue construida para la marca de moda Rapanui, pero ha crecido para abarcar la serigrafía, DTG y la fabricación de camisetas a granel. Han producido camisetas impresas para empresas como Lush, WWF y Bestival.

Rapanui Factory ofrece impresión DTG para diseños con mucho color y tiradas cortas. Sin cargo de instalación, su obra de arte puede tener la opción de tintas especiales sin costo de instalación. Incluso ofrecen pautas de arte, como plantillas en formato PSD, AI y PDF. Los PNG transparentes son la mejor manera de aprovechar al máximo la impresión DTG.

Impresión por sublimación

La impresión por sublimación es probablemente el método de impresión más económico si desea un diseño que necesite una cobertura total o una impresión completa. Este estilo de impresión utiliza calor y presión para transferir el tinte a la prenda. Su obra de arte se imprime en una hoja de papel de alta liberación y se transfiere con el calor: las partículas de tinte se convierten en gas donde se unen a las fibras. La mejor parte de la impresión por sublimación es que su diseño no se agrieta ni despega fácilmente. Vale la pena señalar que un verdadero negro no se puede lograr con la sublimación de tinta, ya que las camisetas solo pueden absorber una cierta cantidad de tinta.

Printsome

Con clientes anteriores como Facebook y Tate, Printsome ofrece un servicio experto de impresión de camisetas, especialmente para pedidos a granel con un plazo de entrega estándar de 5 a 10 días.

Hacer pedidos con Printsome al por mayor reducirá el precio, mejorará la calidad constante y ampliará sus opciones. Tienen marcas de camisetas listas para que las personalices con tu diseño y, si no estás seguro de cuál es la mejor, su equipo de diseño puede ayudarte.

Aunque atienden pedidos a granel (aceptan pedidos de un mínimo de 10 impresiones), puede pedir menos de 10 unidades con su función de tienda. Esto le permite diseñar, personalizar y comprar en línea.

Su sitio web es muy fácil de usar, con muchos ánimos para simplemente llamarlos y pedir un presupuesto y una opción ingeniosa para tener un chat en vivo. Pero primero puede navegar por su catálogo para tener una idea de lo que ofrecen.

Impresión de prendas de vestir

Si está buscando una respuesta rápida, como en el mismo día o al día siguiente con una tirada de poca cantidad, la impresión de prendas de vestir ofrece serigrafía, sublimación y DTG con esto en mente.

Aunque la impresión de prendas de vestir puede tener un fuerte impulso hacia los productos promocionales o las tiradas de camisetas con un presupuesto bajo, es difícil no entusiasmarse con su eficiencia y la gran cantidad de opciones que se ofrecen.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Consejos de arte de personajes

Consejos de arte de personajes

Alfonso De Anda 

(México / EE. UU.)

Además de buscar en Google ‘diseño de personajes de siluetas’ y ‘jerarquía de volumen’, trata de notar ese momento en el que te sientes como, ‘¡Sí! Acabo de dar con algo interesante ‘, trato de entender qué es eso. Tal vez sea la forma en que interpretas X o Y, pero fíjate en lo que te hace sentir bien. Solo tenga cuidado de no usarlo como muleta.

Alfonso De Anda 

(México / EE. UU.)

Otra cosa que me funciona es mantenerme relajado al dibujar y no etiquetar lo que estoy dibujando como bueno o malo, eso viene después. Simplemente vierta garabatos en papel y manténgase abierto a lo que salga; más tarde puede refinar.

Alfonso De Anda 

(México / Estados Unidos)

Por último, intenta comprender a tus personajes. Piense en su personalidad, cómo hablarían, cómo caminarían, con quién pasarían el rato y qué tipo de música escucharían.

Brosmind

(Barcelona, ​​España)

“No utilizamos una fórmula científica para crear nuestros personajes, que son positivos y optimistas; de hecho, ese sentimiento surge de forma natural cuando los dibujamos. Hemos intentado hacer un análisis retrospectivo y hemos identificado algunos aspectos comunes en todos ellos.

«Por ejemplo, suelen caminar de una manera que recuerda a los dibujos animados clásicos de payasadas. Además, siempre parecen estar sonriendo, incluso si les faltan algunas partes de la cara o no tienen una cara en absoluto. Un detalle surrealista o un toque de humor se puede encontrar en todos ellos «.

Anima Boutique

(Finlandia)

«Los ojos son las ventanas del alma, y ​​la forma en que se dibujan expresa una gran cantidad de emociones. Su tamaño y posición transmite algo sobre su carácter: los ojos más grandes tienden a dar una sensación de infantilismo o asombro infantil, los más pequeños una sensación de seriedad y profundidad, los ojos muy abiertos dan una sensación de rareza, mientras que los ojos cerrados suelen ser cómicos «.

Dan Woodger 

(Reino Unido)

“Si necesito que un personaje parezca que no ha estado haciendo nada bueno, arqueé las cejas hacia arriba en el medio, levantaré la parte inferior de los párpados y le daré una gran sonrisa con dientes. Para terminar, agregue una gota de sudor para enfatizar la culpa».

Docvek

(Reino Unido)

“Comience con una forma abstracta plana simple para una cabeza y luego agregue formas simples en la parte superior para crear ojos y otras características. Recomiendo usar Illustrator para ‘afeitar’ o ‘grabar’ en la forma principal, como si estuviera cortando linóleo o esculpiendo arcilla. Esto les da a los personajes una sensación orgánica y artesanal donde el límite entre el espacio positivo y negativo se vuelve borroso «.

Gal Shkedi  

(Tel Aviv, Israel)

“Use una referencia, nunca trabaje solo desde su mente. Tome fotografías de personas que podrían ser un buen material fuente; por ejemplo, el estilo de su ropa, su peinado y, por supuesto, el rostro. Incluso si tu personaje no es humano, piensa en el mundo del que proviene su ADN, ya sean bacterias, gérmenes, criaturas submarinas, animales salvajes, etc. Una vez que comiences a usar material de referencia, tus personajes se volverán más diversos. 

“Otro consejo es considerar los límites de diseño de tu personaje; Trate de ver qué tan lejos pueden estar los ojos entre sí, ¿cuál es el mejor equilibrio entre el tamaño de la cabeza y el resto del cuerpo? «

JamFactory (también conocido como Gavin Strange) 

(REINO UNIDO) 

“Juega con tus puntos fuertes. Personalmente, no puedo ilustrar personajes en medio del movimiento; Nunca seré un diseñador que pueda dibujar un conjunto elaborado de personajes para expresar movimiento, así que para mí la clave es mantenerlo simple. Mi diseño más elaborado hasta ahora ha sido Shirley Creamhorn & Shithawk, una chica con una chaqueta parka con una caca en la cabeza, eso es lo más complejo que se puede «.

Joanne Hawker 

(Reino Unido)

“Puedes cambiar la emoción de tu personaje de varias formas. Uno de ellos es la introducción de las cejas y la forma en que se colocan. Tomemos a la señora Foxly, por ejemplo; sin cejas se ve tranquila y contenta (izquierda), sin embargo, con la introducción de cejas, puedes enfadarla o súper enojarla (medio y derecha respectivamente). Este concepto se aplica a todos los personajes, pruébalo «.

Motomichi Nakamura 

(EE. UU.)

“Cuando diseño mis personajes, empiezo dibujando ojos. Es porque creo que son la parte más importante de nuestra expresión emocional, y puedes saber las emociones de una persona al mirarle a los ojos. Una vez que estoy feliz con los ojos, los miro y me imagino parado justo en frente de la criatura y comienzo a dibujar el resto «.

Ryan Bubnis 

(ESTADOS UNIDOS) 

“Me encanta el desafío de mostrar sentimientos y emociones a través de gestos simplificados y líneas de trabajo. Empiezo dibujando, creando formas y probando diferentes características hasta que llego a algo que me gustaría desarrollar más «.

Jorfe 

(España)

“Empiece siempre con formas sencillas; los cuadrados son buenos para un carácter fuerte y audaz, mientras que los triángulos son perfectos si lo necesitas para dar miedo. Para hacer un personaje amigable como Mortimer, usa curvas suaves.

«También es una buena idea exagerar las expresiones. Usa cualquier parte del rostro para darle vida a tu personaje, como el cabello despeinado o los dientes con espacios entre ellos. Otro consejo es dibujar secuencias de gestos y experimentar con el movimiento».

Showchicken (también conocido como Nick Sheehy)  

(REINO UNIDO) 

“Intento tropezar con un diseño o un personaje; juntando partes extrañas y desentrañando el contexto. Dibujo muchas variaciones diferentes de un personaje hasta que estoy feliz de que sean interesantes y diferentes.

«Tener las habilidades de redacción para realizar un personaje en varias dimensiones requiere práctica, pero es invaluable para crear credibilidad y atmósfera».

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Crea bellas obras de arte y magníficos diseños

Crea bellas obras de arte y magníficos diseños

¿Cómo elevar tus obras de arte de lo atractivo a lo verdaderamente impresionante? Alice Ross habla con artistas que han dominado los secretos de la belleza.

Muchos artistas digitales se esfuerzan todos los días por lograr esa calidad que llamamos belleza. Aquellos que tienen éxito, que crean el tipo de imágenes que te acercan simplemente para que puedas pasar la vista por los contornos y los detalles, han logrado una de las hazañas artísticas más difíciles de todas.

La belleza en el arte es mucho más que superficial: dibujar a una chica bonita es fácil, pero transformarla en una imagen que parece brillar ante el espectador exige habilidad en el color y la composición, y un dominio total del estilo.

Para el artista danés Mads Berg, se trata de ejecución. “Una hermosa obra de arte es aquella que se hace con habilidad, gracia y sensibilidad”, dice. El contenido no es tan importante cuando la estética manda «.

“Creo que el requisito más esencial para que una obra de arte se vea hermosa es que esté bien equilibrada”, dice Murilo Maciel, un artista brasileño radicado en Vancouver, Canadá. «Eso significa una buena composición y combinaciones de colores». Sus fotomontajes han aparecido en anuncios de Coca-Cola y Safeway, entre otros.

“También es fundamental que la obra de arte esté bien acabada. Es una pena cuando ves algo que se ve bien al principio, pero cuando miras más de cerca, las texturas se ven borrosas, por ejemplo. Prestar especial atención a los detalles generalmente hace que algo sea más hermoso «.

Raphaël Vicenzi, un ilustrador belga que trabaja bajo el mando creativo mydeadpony, dice que el equilibrio es lo más importante. Se ha hecho un nombre con diseños artísticamente maltratados con mujeres elegantemente desgastadas: en su obra, el cliché gastado está marcado por un estilo áspero.

“No sé si mis obras de arte son elegantes; Intentó equilibrar el lado femenino de mis trabajos con ideas, bordes y colores más toscos ”, dice. “Es un equilibrio que trato de lograr constantemente. Intento escuchar mi propio sentido de la belleza, por imperfecto que sea, y encontrar reglas internas «.

Raphaël añade que su composición es instintiva: “Hay una simetría en la mayoría de mis obras, pero no es algo que pueda describir. Es más como probar cosas hasta que se alcanza un equilibrio por sí solo.

«Es cuando no escucho esa voz interior que las cosas salen mal».

Patrimonio artístico

Para Ana Montiel, la composición también es instintiva y está informada por siglos de patrimonio artístico.

Habla de principios clásicos como el contrapposto, una forma de posar un modelo de modo que la mayor parte de su peso esté en un pie, lo que da como resultado una postura delicadamente curvada, y la sección áurea, una regla de proporciones basada en una proporción de 1: 1.6, que los estudiosos clásicos creían que agradaban de forma innata, siguen siendo fuerzas poderosas, incluso en el arte digital. 

“Hemos estado siguiendo estos conceptos ‘divinos’ durante generaciones. Hemos heredado toda esta información, está en nuestras células ”, dice. “En mi trabajo, son importantes, pero de una manera muy intuitiva, ya que no trato de usarlos particularmente; simplemente vienen de forma natural.

Para las obras de arte de sus carteles, Mads Berg cree que la belleza proviene de lo discreto. “La simplicidad y el equilibrio son cosas que adoro”, dice. 

“Supongo que sucede lo mismo con otras creatividades. Estos conceptos son algo muy profundo dentro de nosotros, como nuestra necesidad de comida o amor ”.

“La proporción es importante; la simetría no lo es ”, dice Mads Berg. Sus carteles de inspiración Art Déco, altamente estilizados, tienen un sentido de coherencia que es el resultado de una composición meticulosa. «Las cosas que están fuera de balance agradan a la vista … Trato de evitar poner las cosas en el medio, por lo que siempre están un poco descentradas».

Los pilares de la belleza

Aunque Mads no usa la sección dorada, dice que intenta “construir la composición con todo tipo de líneas y curvas que se conectan entre sí. Hay una especie de cuadrícula o arquitectura detrás ”. 

Y añade: “Se trata de  formas muy simples como actores bastante importantes en el escenario. Lo que hago cada vez más es comenzar con una composición fuerte, una forma que se gira en el sentido de las agujas del reloj unos 35 grados. Me temo que no tengo idea de por qué, todo suena muy técnico, pero parece correcto «.

Si la composición es importante, también lo es el color, ya sea que uses pasteles delicados o tonos sorprendentemente vívidos.

La ilustradora británica Sarah Arnett, que crea impresionantes patrones y fotomontajes semi-abstractos inspirados en la naturaleza, explica: “El color puede tener un efecto real sobre lo bello; afecta tu respuesta emocional inmediata «. Agrega que la paleta de una pieza puede tener un impacto más inmediato que incluso el tema de la obra.

Mads Berg dice que le gusta trabajar dentro de una paleta reducida, generalmente de tres colores o menos. «Siempre trato de tener solo unos pocos colores con los que trabajar y busco matices dentro de esos colores».

El uso del color de Ana Montiel está guiado por la intuición. “Para mí es muy instintivo utilizar mucho color en mi trabajo. A veces estoy de humor para colores más brillantes, pero en otras ocasiones me gustan más los colores apagados y muy pálidos. Realmente no puedo explicar cómo los uso, mi proceso creativo es muy intuitivo «.

Para Ise Ratinan Thaicharoen, que tiene su sede en Bangkok, Tailandia, el color es «uno de los factores más importantes» en sus collages. “El color puede comunicar sentimientos y contarnos una historia.

Me gusta usar una paleta de colores pastel, pero a veces me vuelvo negro, depende de lo que esté sucediendo en mi vida «.

Sarah Arnett agrega que el color y la composición pueden, entre ellos, seducir al espectador sin esfuerzo, y está de acuerdo con que el color puede tener un fuerte efecto narrativo. “Cuando has pensado en la composición y el color y cómo eso puede afectar a alguien, la forma en que el ojo se mueve a través de la imagen y el tema crea un proceso de pensamiento.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

28 mejores libros ilustrados para niños

28 mejores libros ilustrados para niños

¿Cuál es el mejor libro ilustrado para niños? Como creativo con conocimientos de arte, no se va a contentar con darles a sus hijos (o los hijos de sus amigos y familiares) algo de los cientos de twee y libros ilustrados mal dibujados que se lanzan cada año. Quieres algo que te estimule visualmente tanto como a ellos, especialmente si pasas mucho tiempo leyendo a tus hijos y con ellos.

Entonces, para ayudarlo, hemos recopilado más de 20 de los mejores libros ilustrados que presentan el nivel de ilustración que nos complacería ejecutar en Artes digitales, libros que lo ayudarán a transmitir su amor y comprensión por el arte creativo y considerado. para sus hijos (y para cualquier otra persona).

Algunos de estos son clásicos (Neil en Digital Arts, por ejemplo, creció leyendo Where The Wild Things Are y The Tiger Who Came To Tea ) y algunos son lanzamientos más modernos que son los favoritos de él y sus hijos. Un par no son estrictamente libros ilustrados, aunque dudamos que alguien sea tan pedante acerca de cuál es la definición de un libro ilustrado, pero los hemos incluido, ya que incluyen obras de arte maravillosas y pueden alentar a los niños pequeños a descubrir libros ilustrados. otras formas de literatura infantil.

¿Está en la lista el favorito suyo o de sus hijos, o los hemos echado de menos?.

Sue Lowell Gallion y Lisk Feng, Nuestro mundo: un primer libro de geografía

Ideal para los más jóvenes, Nuestro mundo es una introducción educativa, lúdica e inspiradora a la geografía para los lectores más jóvenes.

Se invita a los niños a identificar y experimentar la asombrosa geografía de la Tierra a través de versos que riman; el libro también se pliega en un globo independiente, y con exuberantes ilustraciones de Lisk Feng, lo convierte en un objeto de arte muy atractivo. 

Nathan Bryon y Dapo Adeola, ¡ Limpien!

La secuela del año pasado Look Up! Del ve a la adorable y apasionada Rocket en una misión para salvar una isla caribeña de la contaminación plástica.

Coronado ganador general del Premio del Libro Infantil Waterstones 2020, el libro fue inspirado visualmente por una de las sobrinas de Dapo.

«Traté de capturar su curiosidad y entusiasmo por el conocimiento en los gestos de Rocket, así como en su actitud inocentemente segura de sí misma para la resolución de problemas, rasgos que deben celebrarse tanto en niños como en niñas». Diríamos que lo clavó como la última vez.

Here Design, ¿Cómo estás hoy ?: Flip-Flap Faces

Escrito e ilustrado por el estudio Here Design, ¿Cómo estás hoy? Es un libro interactivo de tapa dura dirigido a lectores muy jóvenes, que los anima a expresar sus emociones mediante el uso de gráficos para crear una expresión facial que refleje la suya propia.

Se divide en dos secciones: la mitad superior muestra ojos de diferentes formas y tamaños, la parte inferior con una variedad de bocas, cada página de ¿Cómo estás hoy? utiliza símbolos visuales como una forma de expresar emociones, lo que permite a los niños encontrar la combinación correcta para reflejar cómo se sienten. Todo esto se hace con gráficos de gran apariencia que harán sonreír a todos.

Akiko Miyakoshi, The Piano Recital

Los dibujos atmosféricos de Akiko aportan intimidad y conmoción a esta historia del primer recital de piano de Momo.

La narrativa imaginativa se entreteje en torno a la experiencia infantil común de ansiedad, que sienten los artistas intérpretes o ejecutantes, pero también todos los niños que se enfrentan a un nuevo desafío en la vida. Momo sirve como un ejemplo maravilloso para los niños, usando el poder de su imaginación para comprender y trabajar a través de sus sentimientos. Incluso los lectores más jóvenes podrán seguir esta historia a través de las ilustraciones hermosas y fantásticamente detalladas, que capturan perfectamente las emociones de Momo mientras pasa de lo real a lo imaginado y viceversa.

Darcy Dobell y Becky Thorns, El mundo de las ballenas: conoce a los gigantes del océano

Becky Thorns ha sido preseleccionada para los World Illustration Awards 2020 por su trabajo en World of Whales, que explora muchos datos interesantes sobre estos fantásticos animales. los hábitos y características que hacen que las muchas especies de esta familia sean tan especiales.

El curioso estilo de diseño de Becky ofrece a los lectores muchos detalles para descubrir en sus pliegos, que están llenos de color y variedad en todas partes.

Nadia Shireen, Billy y el dragón

Lindo lindo lindo es cómo describiríamos el estilo de Nadia, y su último libro como autor e ilustrador es otro viaje bienvenido a un mundo del que nunca querrás irte.

Billy y el Dragón ve a la heroína titular regresar para salvar a su fiel compañero Fatcat de un dragón que escupe fuego, pero no te preocupes, ¡porque ese dragón tiene un aspecto adorable como el resto del mundo de Nadia!

Julia Finley Mosca y Daniel Rieley, La chica que pensaba en imágenes: la historia del Dr. Temple Grandin

Cuando a la joven Temple le diagnosticaron autismo, nadie esperaba que hablara, y mucho menos que se convirtiera en una de las voces más poderosas de la ciencia moderna. Sin embargo, el pensador visual decidido hizo precisamente eso. Su mente única le permitió conectarse con los animales de una manera especial, como lo transmiten perfectamente las encantadoras ilustraciones de Daniel Rieley.

The Girl Who Thought in Pictures es un cuento ilustrado en rima con una biografía completa, datos divertidos, una colorida cronología de eventos e incluso una nota de la propia Temple.

Chris Chatterton, This Is Gus

Chris Chatterton ha estado ilustrando libros de imágenes por toda la tienda, y nos alegró ver que Chris finalmente publicó su primer trabajo con todas las palabras y las imágenes de su buena persona.

Gus del título es un perro muy gruñón, al que no le gusta mucho, especialmente hacer nuevos amigos.

Entonces, ¿qué hará Gus cuando aparezca en escena un cachorrito con un salto en sus pasos? Descúbrelo en este divertido regalo navideño para los niños; te encantarán los grandes dibujos brillantes de Chris tanto como a ellos.

James Sellick con Frann Preston-Gannon,

Hay un Rang-Tan en mi habitación es el libro perfecto para niños en esta era de cambio climático, ya que no podemos pensar en un libro mejor en este momento para enseñar a los más pequeños la fragilidad de la naturaleza en nuestro mundo moderno. El arte lúcido de Frann Preston-Gannon ciertamente transmitirá el mensaje con clase.

Robert Louis Stevenson con Robert Hunter, The Land of Nod

Robert Hunter es un autor por derecho propio cuyos libros Map of Days y Young Colossus ya deberían estar en los estantes de sus hijos (e incluso en los suyos).

Sin embargo, llamó la atención por primera vez con su versión ilustrada del clásico de Robert Louis Stevenson The Land of Nod, sus visiones idiosincrásicas y nocturnas el complemento perfecto para la historia del tiempo de sueño de Stevenson.

Owen Davey, loco por los gatos 

A todo el mundo le encantan los gatos, pero ¿qué datos conocen tú y tu camada sobre nuestros amigos felinos?

La serie de libros sobre hechos de animales de Owen Davey merecen una mirada, pero Crazy of Cats se destaca con colores vibrantes y representaciones vibrantes de gatos grandes y pequeños.

Al igual que las otras obras de Owen, el libro se ve y se siente genial con una portada en relieve, lo que lo convierte en una lectura educativa que se destacará del estante con hechos que igualmente se destacan y salen de la página.

Fiona Aguas con Frann Preston-Gannon, yo soy la semilla que crecía el árbol – Una Naturaleza,Poema para todos los días del año.

un ganador del premio éste, ya que este compendio de poemas seleccionados por Fiona Aguas recientemente ganó regalo de los Niños Waterstones  Premiado en el año 2018, un premio creado especialmente para este libro por los jueces del premio regular Libro del año de Waterstones.

Si bien ese premio fue para la novela Sally Rooney, no para niños normal People de, Yo soy la semilla que hizo crecer el árbol es definitivamente un logro de coronación infantil. Como se desprende del título, el libro es una celebración del mundo natural, contado a través de 365 poemas, uno para cada día del año. Como era de esperar, se anuncia como la colección de poesía para niños más ambiciosa jamás publicada.

Los poetas destacados incluyen a personas como William Blake, Emily Bronte y Carol Ann Duffy, sus palabras acompañadas de la Frann al estilo versión de Yuri Norshtein de la flora y la fauna. Curiosamente, el libro es publicado por National Trust en lo que creemos que es una forma agradable para que los niños aprecien toda la naturaleza por la que estamos destrozando lentamente.

Jessica Hische, mañana seré valiente

Jessica Hische es mejor conocida por su talento tipográfico, reconocida por su trabajo con gente como Wes Anderson. Publicó su primer libro para niños este año, Tomorrow I’ll Be Brave, una especie de poema de larga duración que les enseña a los niños el valor de intentarlo y de perdonarse a sí mismos.

Las palabras del libro se ven tan bien como cabría esperar de un maestro rotulador, pero las imágenes de nuestros héroes conejos son igual de buenas, así que mientras admiras el tipo, a los niños les encantará el trabajo con animales de Jessica.

Sin embargo, esta no es una historia sobre personajes en sí: Mañana seré valiente es una de esas lecturas universales en el sentido de que expresa un sentimiento al que podemos aspirar en cualquier momento de la vida, con los conejitos más como tú y yo. mientras navegan por un terreno de palabras que permanecerán durante mucho tiempo en sus cabecitas soñolientas durante la noche.

David Hockney y Martin Gayford con Rose Blake, Historia de las imágenes para niños 

La ilustradora Rose Blake parece disfrutar trabajando con el maestro pintor David Hockney; el año pasado lanzó un libro de actividades que les dio a los niños la oportunidad de intercambiar ideas sobre los trabajos clásicos de Hockney. Sin embargo, este libro es su colaboración más lograda y sorprendente, una reelaboración para niños de un libro de 2016 de David y el crítico Martin Gayford que registró más de 400 páginas de análisis de historia del arte.

No es un contendiente obvio para la adaptación del mercado infantil, pero Rose ha dado vida a la columna vertebral educativa del original. Sus ilustraciones iluminan las narrativas de ambos autores para dar vida a la historia del arte para un público joven, y ha puesto una versión infantil de sí misma en el libro, con David y Martin como sus profesores de arte en un paisaje de bellas obras de arte.

Aunque este libro está dirigido principalmente a niños, su contenido significativo y atractivo le permite convertirse también en un texto introductorio para adultos que buscan adentrarse en el mundo de las imágenes.

James Tyler y Ella Cohen, O es para Old School

Escrito por James Tyler e ilustrado por Ella Cohen, O es para Old School ha tenido gente en la oficina del fiscal de distrito y con razón también, ya que esta es una idea divertidísima y novedosa.

Como proclama el subtítulo del libro, este es un alfabeto de hip hop para niños grandes que solían ser tontos; sí, está hablando de ti, mamá y papá, que alguna vez fueron jóvenes brillantes que viven en la calma suburbana con su prole y su hipoteca. También se escribe ‘BIG kids’, lo que da una buena indicación de lo auténtico que es este Happy Meal de homenaje al hip hop.

En la versión del alfabeto de James, impulsada por la jerga, L es para lil ‘y S es para sucka (ilustrado por un niño pequeño chupando su chupete). Incluso hay un glosario al final del libro que divide las palabras en sus respectivos significados como verbos y adjetivos. Si bien esa parte volará sobre las cabezas de los niños, a tus pequeños b-boys y b-girls les encantarán las lindas ilustraciones de Ella para ‘sho’.

Marion Deuchars, Bob’s Blue Period

Esta secuela de Bob the Artist sigue a nuestro artista pingüino favorito atravesando un caso de blues con un título que también es un ingenioso juego de palabras sobre el llamado Blue Period de la carrera de Picasso. Es un guiño de ‘arte elevado’ para un libro que ciertamente no es de baja ceja, pero es un libro de imágenes después de todo, y este libro es realmente una exploración de sentirse triste, expresar sus emociones y encontrar formas de sentirse mejor.

Nos encanta el trabajo de Marion trabajo en la creación de intimidad a través de tonos sutiles y lo-fi, sus dibujos como animación rasposa de la década de 1960. Es genial, es profundo y es genial ver a un protagonista sensible y creativo en el corazón de un libro para niños.

Mac Barnett con Jon Klassen, Triangle and Square

Nadie ilumina a los niños como Mac Barnett, y Jon Klassen es el ilustrador perfecto para sus historias poco convencionales. El arte minimalista de Jon se adapta a las historias de formas de Mac para divertirse y jugar.

Triangle es el primero de la trilogía Shape de Mac, seguido de Square y de 2019 Circle. Las tres formas epónimas y antropomorfizadas aparecen en los cuentos de cada uno; a los niños más pequeños les encantarán sus diseños sencillos, mientras que a los un poco mayores les encantará el texto diminuto y los fondos montañosos. Sin embargo, tiene una paleta de colores oscuros para que lo tengas en cuenta.

Coralie Bickford-Smith, The Worm and The Bird

The Worm and The Bird es el libro más reciente de Coralie, tras el éxito del Libro del año de Waterstones 2015 The Fox and the Star. Su mensaje simple y hermosas ilustraciones seguramente lo convertirán en uno de los favoritos tanto para adultos como para niños.

Cuenta la historia de un gusano y un pájaro con problemas similares pero perspectivas diferentes. El gusano está frustrado con el ajetreo de su vida y su falta de tiempo libre. El pájaro tiene problemas similares pero puede experimentar la vida en el momento. Mantiene la esperanza y da un giro positivo a los eventos difíciles. Crea un giro irónico y una lección inspiradora.

La brillante estética subterránea del libro crea un hermoso contraste con los vibrantes naranjas y amarillos del mundo sobre el suelo, y lo convierte en una experiencia visualmente agradable para todos. 

Anthony Browne, Gorilla

Publicado por primera vez en 1983, Gorilla las obras de arte pintadas sienten como si fueran de una época anterior, pero la fuerza impulsora de la historia es tan relevante ahora como lo fue a principios de los 80 (y durante mucho tiempo antes). Una niña se siente descuidada por su padre, quien siente que trabaja demasiado y nunca tiene tiempo para ella. La noche antes de su cumpleaños, un Gorilla que juguete le dio su padre viene a vivir y la lleva a vivir maravillosas aventuras.

Uno de los atractivos clave de la obra de arte de Anthony, y una de sus marcas registradas, es la inclusión de detalles ocultos. El contorno de una línea de árboles en la distancia presenta la silueta de un gorila, y la pintura de Mona Lisa tiene una apariencia claramente simiesca. Encontrar estos detalles anima a los niños a explorar cada ilustración, lo cual es divertido y aumenta su comprensión y apreciación del arte.

Chris Haughton, A Bit Lost

La Bit Lost Trama es muy transitada por los libros para niños: un animal pequeño pierde a sus padres y recibe ayuda inútil de otra criatura / otras criaturas hasta que, mediante un proceso de eliminación, se reúnen. 

Las obras  de Chris Haughton  toscas son las que le dan a A Bit Lost su encanto, un estilo es claramente diferente de los estilos ingenuos habituales de muchos libros para niños que pretenden haber sido dibujados por un niño. El estilo es distinto y realmente resalta las emociones de los búhos, ardillas, ranas y otros.

Dr. Seuss, El libro del sueño

Es tan conocido que es fácil olvidar lo bueno que es el arte de Theodor Seuss Geisel.

Al igual que su juego de palabras, las obras de arte que creó bajo el seudónimo de Dr. Seuss son una celebración del poder de la imaginación. Sus mundos pueden parecer caóticos e inconsistentes, pero tienen su propia lógica y reglas internas, al igual que el mundo de los adultos les parece a los niños.

Si bien los ABC del Dr. Seuss y El gato en el sombrero libros son los más conocidos, El libro del sueño es donde realmente dejó que su imaginación llevará al lector. Está repleto de criaturas imaginarias desde Foona Lagoona Baboona hasta Collapsible Frink, así como Chippendale Mupp. Además, a Neil de Digital Arts le ha resultado muy fácil hacer que su hija se duerma leyendo esto.

Jean Jullien, Hoot Owl

Es probable que reconozca el estilo áspero de las obras de arte pintadas a mano de Jean por sus imágenes de fuerza y ​​desafío ampliamente compartidas frente a los ataques terroristas en París: Je Suis Charlie y Peace for Paris.

Hoot Owl, su primer libro para niños, que fue escrito por Sean Taylor, es una historia un poco oscura y bastante ridícula de un búho melodramático en busca de comida. El tono de la historia evita que la obra de arte de aspecto ingenuo de Jean se vuelva cursi.

Judith Kerr, el tigre que vino a tomar el té

Este libro de 1968 ve una escena de una madre y su hija que toman el té, en un mundo rendido a cabo directamente de un libro de la mariquita, interrumpido por un «tigre grande, peludo, rayado”.

Ya sea que el tigre es amistoso o amenazador (o ambos) es tema de mucho debate. En la experiencia de Neil, los niños aman al tigre y lo encuentran tierno, mientras que los adultos encuentran su intrusión en la familia y el tamaño imponente junto a la niña un poco amenazante (también, es un tigre). También ha habido un intento por parte de personas como Michael Rosen de vincular al tigre con los nazis, ya que la familia de Judith huyó de Alemania justo antes de que llegaran al poder después de que su padre los criticara públicamente. Judith misma ha negado cualquier vínculo directo .

Los adultos son muy buenos para ver cosas en los libros para niños que están y no están ahí, como la risa que siguió cuando Bill Oddie leyó la línea sobre que no podía ser el chico de la entrega en la puerta, «ya que no era». El día en que vino ”en una lectura reciente en St Pancras station.

Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas

Alicia en el país de las maravillas, como se llama normalmente, no es un libro de imágenes en sí mismo, es una novela completa, pero es una excelente opción para los niños mayores que buscan un texto más largo pero con algunas obras de arte maravillosas para acompañar.

Como era de esperar de un libro sin derechos de autor, hay muchas ediciones diferentes disponibles con ilustraciones desde la conocida edición de 1865 con arte de Sir John Tenniel hasta la muy rara edición sueca de 1959 con arte del autor y artista de los Moomins Tove. Jannsen. La edición que se muestra aquí es una de nuestras favoritas, una nueva reimpresión de una versión de 1989 con arte de Anthony Browne, con sus característicos detalles ocultos.

Luke Pearson, Hilda y el Troll (también conocido Hildafolk)

Recientemente rebautizado como Hilda y el Troll para que coincida con el patrón del título de sus secuelas, Hildafolk no es un libro ilustrado. Es una novela cómica o gráfica (dependiendo de lo engreído que estés con esas cosas). Pero este libro del aclamado autor de cómics independientes Luke Pearson es tan fácil de seguir como un libro ilustrado y, como muchos que aparecen aquí, está ambientado en un mundo irreal de imaginación que se inspira visualmente en las tradiciones del cómic europeo / americano y el manga japonés.

El trabajo está bellamente detallado y el acabado de la impresión es maravilloso, lo que hace que el libro se sienta mucho más especial para sus hijos que un libro de bolsillo barato que se rompe fácilmente.

Luke ha creado cinco secuelas de Hildafolk: Hilda y el gigante de medianoche, Hilda y el desfile de los pájaros, Hilda y el perro negro, ydel año pasado Hilda y el bosque de piedra. Ahora también hay una adaptación animada de Netflix del personaje, que ha generado merchandising, juegos móviles y similares.

Por cierto, leer Hildafolkinteresen también es una forma mucho mejor de hacer que sus hijos se interesen por los cómics y muchas más lecturas.

Maurice Sendak, Donde están las cosas salvajes 

Dónde están las cosas salvajes es el libro de ilustraciones para niños favorito de casi todos los artistas, diseñadores, animadores o directores que conocemos. También es el favorito de Neil. Max es el epítome de cada niño pequeño: quiere salir corriendo y hacer lo suyo por un tiempo, pero al final se siente atraído por sus padres y las comodidades del hogar.

El mundo boscoso de las Cosas Salvajes está maravillosamente realizado, al igual que las Cosas mismas, que son tremendamente emocionantes pero también genuinamente amenazadoras. Y la energía y el fervor de Wild Rumpus crean algunas obras de arte icónicas.

Oliver Jeffers, Lost and Found

Oliver Jeffers el segundo libro de, y el primero en reunir al niño y su pingüino, es una conmovedora historia de aventuras y amistad. Un pingüino aparece en la puerta de un niño pequeño, y el niño intenta llevarlo a casa nuevamente.

El estilo distintivo de Oliver es encantadoramente simple sin ser reductivo. También hay una versión emergente y con solapas del libro, diseñada por Corina Fletcher, que aumenta el sentido de aventura y exploración.

Si a sus hijos les encanta este libro y se encuentran en el este de Londres, visite el Centro Discover en Stratford, que tiene una serie de salas de juegos con el tema de Oliver Jeffersde objetos , que incluyen una oficina pérdida, el dormitorio de los niños y el Polo Sur, que son bastante maravilloso.

Raymond Briggs, The Snowman

The Snowman es probablemente más conocido por la adaptación animada del libro de Raymond Briggs que aparece en cada Navidad que por el libro en sí (que en realidad no está ambientado en Navidad). Como muchas tradiciones, la película y, por extensión, el libro, se ven como un cliché, lo que puede hacer que las encantadoras obras de arte en colores pastel parezcan curiosas.

Pero la calidez de la obra de arte de Raymond, que es todo lo que los lectores tienen que seguir, ya que no hay palabras, adormece al espectador para que no esté preparado para el final del libro, que seguramente hará que los ojos de sus hijos se llenen de lágrimas. Así que tenga los pañuelos listos antes de comenzar.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Tutorial de Illustrator: Técnicas de textura para ilustraciones vectoriales

Tutorial de Illustrator: Técnicas de textura para ilustraciones vectoriales

La textura realmente puede agregar profundidad y una calidad tangible a las ilustraciones vectoriales. En este tutorial de illustrator, el ilustrador Jeffrey Bowman revela las técnicas que usa para crear textura y luego explica cómo agrega esto a su trabajo. 

Aprenderá a tomar texturas escaneadas y convertirlas en vectores usando el rastro de imagen, luego aplicarlas de manera efectiva a su ilustración usando máscaras de recorte. Jeffrey también explicará cómo agregar trazos de pincel a bordes vectoriales duros, para darle una sensación de dibujado a mano a su obra de arte. 

Para ayudarlo a seguir con esta clase magistral, Jeffrey ha proporcionado algunas formas vectoriales y texturas de muestra en los archivos del proyecto.

Las técnicas que aparecen en la mayor parte de este tutorial se pueden aplicar a casi cualquier versión de Illustrator, pero el proceso de vectorización de texturas en los Pasos 10-11 requiere CS6.

Paso 1

Primero, configure su documento (Cmd / Ctrl + N). He optado por A4. Luego resolví el área en la que quería trabajar, de modo que otros elementos de la página pudieran colocarse a su alrededor. Dibujé algunas guías (Cmd / Ctrl + R) en las que encajaría la ilustración.

Paso 2

A continuación, crea una ilustración; luego le aplicará texturas. Para este ejemplo, diseñe una escena de campamento con una mezcla de vectores sólidos y líneas.

Paso 3

Es hora de comenzar a agregar pinceladas en el exterior de las formas vectoriales. Illustrator tiene excelentes pinceles prefabricados. Abra el panel Pinceles (F5) y, en el menú desplegable, seleccione Abrir biblioteca de pinceles> Artístico> Artistic_ChalkCharcoalPencil.

Paso 4

Seleccione la forma a la que le gustaría agregar el efecto de pincel; esta forma de árbol está en los archivos del proyecto, Vector Shapes.ai. En el panel Artistic_ChalkCharcoalPencil, seleccione el lápiz de carbón. Esto le da un aspecto realmente agradable al borde de un lápiz. 

Verá que su forma ahora tiene un borde rugoso y que ha cambiado el trazo de su forma para que coincida con el de su relleno.

Paso 5

Dependiendo de cuán extremo quieras que sea el trazo, puedes editarlo usando el panel Trazo; configuro el trazo entre 0.5 y 1 pt. Esto le da un efecto más sutil: demasiado hará que la ilustración se vea desordenada en lugar de orgánica.

Paso 6

Una vez que esté satisfecho con el ancho del trazo, debe preparar la forma, para que pueda aplicar máscaras de recorte cuando desee agregar textura más adelante. 

Para hacer esto, seleccione la forma, luego vaya a Objeto> Expandir apariencia. Verá que ahora tiene tres caminos dentro. Abre tu panel Buscatrazos (Cmd / Ctrl + Shift + F9 o Ventana> Buscatrazos). 

Paso 7

Seleccione la forma, luego presione el botón Unir en el panel Buscatrazos. Esto fusionará los tres caminos en una sola forma. Repita los pasos 4 a 7 para el resto de la ilustración.

Paso 8

Ahora vamos a empezar a vectorizar algunas texturas. Las texturas se pueden hacer a partir de cualquier cosa, pero para este tutorial hay cinco que puede usar en los archivos del proyecto.

Para crearlos, escaneé materiales reales en Photoshop usando la configuración de mapa de bits en blanco y negro en el escáner, ya que esto brinda el mejor contraste al convertirlos en vectores.

Paso 9

Abra la primera textura en Illustrator arrastrando y soltando el PSD en el icono de su ilustrador. Aparecerá en un nuevo documento. Una vez que esté allí, abra el panel Trazado de imagen, que es nuevo en Illustrator CS6 (Ventana> Trazado de imagen).

Paso 10

En el panel Trazado de imagen, configure el Modo en Blanco y negro (en el menú desplegable). Marque Vista previa, para que pueda mover el control deslizante Umbral de izquierda a derecha y experimentar con los resultados.

Cuando esté satisfecho con el resultado, haga clic en Trazar. Vaya a Objeto> Expandir, asegúrese de que Rellenar y Objeto están marcados y haga clic en Aceptar.

Paso 11

Con la herramienta Selección directa, haga clic en cualquier lugar del fondo blanco de la textura para seleccionarla y luego presione Eliminar. Te quedarás con el negro. Ahora cópielo y péguelo en su ilustración, y tendrá una textura lista para aplicar a su objeto. 

Paso 12

A continuación, cambie la textura a una versión más oscura o más clara del color del objeto sobre el que se colocará. Haga varias copias de la textura, de modo que cubra el objeto. Produje tres copias y las roté hasta que estuve satisfecho con su ubicación. 

Paso 13

Ahora es el momento de crear una máscara de recorte, que enmascara las texturas en la forma del vector, el árbol en este caso. Las máscaras de recorte son una de las funciones más importantes a la hora de crear una ilustración como esta. Copie la forma y péguela en su lugar (Cmd / Ctrl + Shift + V). 

Paso 14

Una vez que haya pegado el vector encima de las texturas, deberá convertirlo en una ruta compuesta, ya que sin esto el proceso no funcionará. Vaya a Objeto> Ruta compuesta> Crear (Cmd / Ctrl + 8). 

Paso 15

Asegúrese de que su objeto superior esté seleccionado, luego mantenga presionada la tecla Mayús y seleccione todas sus texturas también. Vaya a Objeto> Máscara de recorte> Crear – o presione Cmd / Ctrl + 7. Si esto no funciona, verifique que la versión superior del árbol que está usando para la máscara esté encima de las texturas en la pila de capas.

Paso 16

Ahora puede enviar la textura enmascarada de nuevo a la pila de capas para que no oscurezca ninguno de los objetos que debería estar detrás. Use Cmd / Ctrl + [u Objeto> Organizar> Enviar hacia atrás para hacer esto. 

Repita los pasos del 9 al 16 para completar el resto de la ilustración.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Cómo renderizar CG increíble rápidamente sin comprar un costoso servidor de renderizado Rebusfarm 2.0 está aquí para ayudar

Renderizar CG sin comprar un servidor de renderizado

No todos los artistas o estudios 3D tienen los recursos de hardware de Weta Digital o Pixar, y para muchos, la etapa de renderizado de CG es la más compleja y requiere más tiempo. y una parte dolorosa del proceso de producción. RebusFarm 2.0 reduce la complejidad y el tiempo y elimina el dolor, proporcionando una alternativa al renderizado interno que es eficiente, asequible y fácil de usar.

Con sede en Alemania, RebusFarm pone a su disposición 3.000 CPU Xeon equipadas con 64 GB de RAM, en forma de una granja de renderizado basada en la nube que admite todas las principales aplicaciones 3D, incluidas 3DS Max, Maya, Cinema 4D, Modo, Lightwave, Maxwell Render , Softimage, Blender y algunos más.

Es accesible y al mismo tiempo, puede escalar para manejar las cargas de trabajo más ambiciosas. Para muchos artistas, animadores y estudios, usar RebusFarm es un enfoque más rentable que comprar y mantener hardware interno, y si necesita más poder para cumplir con una fecha límite urgente, lo tiene disponible.

Desde su apertura en 2006, RebusFarm ha estado ayudando a estudios, artistas y animadores a entregar trabajos de la más alta calidad, a tiempo y dentro del presupuesto. Ahora, con RebusFarm 2.0, la experiencia es más fácil y accesible que nunca. El servicio combina tres componentes clave, cada uno mejorado para hacer que el uso de una granja de renderizado remota sea tan simple e intuitivo como el uso de hardware local.

Farminizer

Actualizado y mejorado para el nuevo sistema RebusFarm, Farminizer es un complemento de exportación fácil de usar que conecta su aplicación 3D a la granja de renderizado.

Los artistas no quieren que se les moleste con cambios en su flujo de trabajo, por lo que Farminizer está diseñado para darles control y, al mismo tiempo, hacer que el proceso sea lo más fluido posible. Ahora es un complemento en vivo, puede funcionar en segundo plano, cargando datos imperceptiblemente de su escena mientras trabaja. Cuando presione exportar, muchos de los archivos de su proyecto ya se habrán cargado. Y mientras Farminizer revisa la escena en busca de errores antes de la carga final, puede apretar el gatillo sabiendo que no perderá el tiempo.

Rebus Drop by Drop

 

El Mejorado es un administrador de carga / descarga inteligente, que controla el flujo de datos hacia y desde RebusFarm como un Dropbox para renderizado 3D. Los artistas 3D no quieren tener que esperar mientras se cargan los activos o se sincronizan los archivos con un servidor.

Rebus Drop funciona de manera inteligente para maximizar el ancho de banda disponible y minimizar los retrasos, de modo que se sienta como si estuviera trabajando en un potente sistema local, no en una granja de renderizado a muchas millas de distancia. Mantiene un flujo de trabajo constante y fluido, al mismo tiempo que le brinda actualizaciones útiles sobre los costos y el estado del proyecto, a través de notificaciones en OSX y Windows 7 y Windows 8.

ControlCenter

El nuevo Control Center es una interfaz de administración totalmente basada en Web, donde puede verificar los trabajos de renderizado desde su navegador, con actualizaciones e informes continuos en tiempo real.

No es necesario esperar a que la aplicación y los servidores se sincronicen, como era el caso antes de Rebus Manager antes de la actualización de la versión 2.0. Ahora puede verificar el estado de su renderizado instantáneamente y, como funciona en cualquier navegador, puede hacerlo desde su casa, la oficina o cualquier lugar con acceso a Internet.

Lleve su tableta a la cafetería y podrá iniciar sesión y obtener una actualización de su renderizado. Además, si necesita más control en dispositivos móviles, la aplicación RebusFarm le permite acceder y controlar proyectos de render sobre la marcha, mirando, deteniendo, pausando e incluso viendo renderizados en progreso desde su tableta o teléfono inteligente.

ControlCenter ofrece a RebusFarm una flexibilidad increíble. Puede editar trabajos en línea incluso si todavía están en proceso de carga. Puede iniciar, pausar y cancelar trabajos, o verificar los costos y el estado en curso. ControlCenter incluso le brinda el poder de equilibrar los costos de renderizado con la urgencia de su proyecto.

RebusFarm siempre tiene puestos de trabajo prioritarios, ofreciendo tres escalas de servicio: económico, empresarial y premium. Ahora, con RebusFarm 2.0 puede cambiar un trabajo de económico a comercial, o incluso premium, no solo antes de que los trabajos entren en la cola, sino mientras se procesan, lo que garantiza que si necesita cumplir con una fecha límite urgente, lo hará.

Cuando confía en una granja de procesamiento de terceros, quiere saber que es segura y que no le defraudará. RebusFarm 2.0 viene respaldado por un servicio y soporte 24/7, con todas las conexiones encriptadas con SSL para mayor seguridad.

Animaciones renderizadas con RebusFarm

iMapp 555 Bucharest Building Projection de Maxin10sity en YouTube

Sci-Fi London Titles 2013 de Jordi Pages en Vimeo

En general, RebusFarm 2.0 ofrece a los artistas, animadores y estudios 3D el poder de abordar los proyectos más exigentes sin costosas inversiones en hardware. Si tiene un estudio más grande, puede ayudarlo a reducir sus costos. Si eres un estudio más pequeño, puedes golpear por encima de tu peso. RebusFarm 2.0 reduce el tiempo de renderizado y elimina el dolor de la tubería.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

¿Qué es Inktober y cómo participo?

¿Qué es Inktober y cómo participo?

Las indicaciones están aquí para Inktober: ¿qué creará?

La llegada de octubre solo puede significar una cosa: Inktober, el desafío de un mes en el que los artistas publican una obra dibujada con tinta para cada día del mes de acuerdo con una serie de indicaciones.

Las reglas de Inktober son simples: haga un dibujo a tinta (puede usar un dibujo a lápiz si lo desea) y publíquese en sus redes sociales favoritas el 1 de octubre con el hashtag #inktober y #inktober.

Aunque muchos ilustradores utilizan este período como una excelente manera de mostrar su arte, Inktober está abierto a todos, incluso a artistas sin talento como nosotros en Digital Arts. El hashtag se ha vuelto tan popular ahora que su creador incluso lo ha registrado, lo que ha creado cierto revuelo que puede afectar su popularidad a largo plazo. 

Lista de avisos oficial de Inktober

Puede usar la lista de avisos oficial de Inktober a continuación si se queda sin inspiración, como lo soñó el creador y artista de Inktober por derecho propio, Jake Parker. Las indicaciones también están disponibles en diferentes idiomas en el sitio de Inktober.

Por lo general, hay un montón de indicaciones de Inktober ‘no oficiales’ que también puede seguir, como estás de 2018 de Brut Magazine basadas en 31 películas de culto. Aquí hay un tributo al terror de 1987 Street Trash de OEK Design.

31 dibujos nuevos pueden ser un desafío abrumador, así que no se presione indebidamente. Comoilustrador tuiteó el Matt Saunders el año pasado: «No olvides que es algo que te has impuesto a ti mismo; no necesitas disculparte si no puedes hacerlo. Disfruta de lo que haces, no te castigues en tu tiempo libre y si lo haces, trata de disfrutarlo».

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