Fusiona fotos y efectos de iluminación para crear una ilustración compuesta con textura en Photoshop.
¿Deseas fusionar varias imágenes a la perfección en un diseño? En este tutorial, Kevin Roodhorst nos enseña cómo hacer un gráfico inspirado en África compilado a partir de varios elementos fotográficos. Se le mostrará cómo agregar varias texturas y efectos, incluidos los efectos de iluminación, utilizando Photoshop e Illustrator.
Paso 1
En Photoshop, comience con un fondo oscuro que tenga texturas sucias. Descarga las imágenes que desee. En el ejemplo se eligió un elefante, una rana, bongos y un tigre. También se necesitará una foto de modelo.
Pégalos en la imagen y desaturar usando Imagen> Ajustes> Desaturar.
Paso 2
Ahora agregue una imagen de fondo. Aquí, Kevin quería que el cabello del modelo se combinará con las formas del fondo, así que detrás de los objetos ha colocado un diseño en 3D que hizo con Cinema 4D.
Paso 3
Comience a agregar más detalles. Cree algunas formas en Photoshop, como círculos y líneas, y cópialas en el proyecto. El propósito es utilizar estos elementos para centrar la atención en los objetos.
Paso 4
Intente agregar algunas partículas pequeñas detrás de cada objeto, para crear más unidad. Aquí se han usado dos tipos diferentes de partículas. Uno con la herramienta Lazo (L) en Photoshop, en el que toma la herramienta Lazo y selecciona partículas diminutas y las copia y pega en otro lugar.
La otra forma es crear partículas en Cinema 4D usando el efecto Explosion FX.
Paso 5
Cree algunos efectos de luz para agregar al proyecto. Vaya a Capa> Estilo de capa> Opciones de fusión y configure el Modo de fusión de cada efecto de luz en Pantalla, que debería tener un efecto agradable en los colores.
Cree otras formas 3D en Illustrator y coloquelas en la imagen; la combinación de los componentes de Photoshop e Illustrator debe formar un buen equilibrio de variación en el trabajo.
Paso 6
Agregue más vitalidad al diseño agregando capas de color en la parte superior; usé cuatro: rojo, verde, marrón y naranja.
Para cada capa de color, experimente con diferentes opacidades y modos de fusión. En este diseño se optó por una tonalidad marrón que encaja mejor con el tema africano.
Paso 7
Para resaltar mucho más los efectos de luz, aumente el contraste en algunos lugares. A continuación, agregue nubes yendo a Filtro> Renderizar> Nubes.
Establezca el Modo de fusión de esta capa en Superposición, nuevamente yendo a Capa> Estilo de capa> Opciones de fusión. Alrededor del diseño puede agregar todo tipo de efectos de partículas pequeñas y estrellas.
Paso 8
Utilice la herramienta Enfocar (Filtro> Enfocar> Enfocar) para aclarar el diseño en lugares específicos, como los ojos del modelo, el elefante y el tigre.
Luego, verifique si se puede hacer más usando las opciones de brillo y color de contraste, que se encuentran en Imagen> Ajustes. En este caso, se disminuye el color usando Vibrance.
Puede haber ocasiones en las que desee proteger el contenido de una capa en Photoshop para asegurarse de que no se modifique accidentalmente. Para hacer esto, puedes bloquear capas.
Paso 1
Abra el archivo de Photoshop
En primer lugar, deberá asegurarse de que el archivo en el que está trabajando esté abierto en Photoshop. Aquí, estamos usando una foto de modelo, que se colocará frente a un fondo a rayas.
Estamos trabajando en sólo dos capas en esta imagen, pero es posible que esté trabajando en muchas más capas.
Paso 2a
Seleccione las capas que desea bloquear
Seleccione la capa que desea proteger en el panel de capas.
Bloquear capas individuales o un grupo de capas
Ahora, haga clic en el botón Bloquear (parece un candado) encima de las capas para bloquear ese panel y todas sus propiedades.
Si desea bloquear un grupo de capas, puede seleccionar varias capas y luego hacer clic en el botón Bloquear.
Ahora verá un pequeño símbolo de candado al lado de cada capa bloqueada.
Para desbloquear una capa, simplemente seleccionela y vuelva a hacer clic en el botón Bloquear. El símbolo del candado debería desaparecer.
Paso 2b
Bloquear parcialmente una capa
Si no desea bloquear todas las propiedades de una capa, puede bloquear parcialmente una capa siguiendo los siguientes pasos:
Bloquear píxeles transparentes
Para bloquear los píxeles transparentes en una capa, que solo le permitirá editar las partes de una capa que no son transparentes, haga clic en el botón cuadrado Bloquear píxeles transparentes.
Paso 2c
Bloquear los píxeles de la imagen
Para bloquear los píxeles de la imagen en una capa, que solo permitirá la modificación de los píxeles transparentes de la imagen, puede hacer clic en el icono Bloquear píxeles de la imagen, que parece un pincel.
Paso 2d
Bloquear la posición de los píxeles en una capa
Si desea asegurarse de no mover los píxeles en una capa, puede hacer clic en el botón Bloquear posición, que se parece a cuatro flechas.
Si se ha bloqueado parcialmente una imagen, el símbolo del candado que se muestra en esa capa en particular en el panel de capas no se completará por completo.
Paso 2e
Alternativamente, puede bloquear capas seleccionando la capa o grupo de capas y yendo a Capa> Bloquear capas y a continuación, elija sus preferencias en la ventana Bloquear capas
El iPad Pro es más que una tableta Apple más grande. Si bien Apple lanzó desde entonces un iPad Pro de 9.7 pulgadas, el modelo de 12.9 pulgadas fue el primer iPad que se siente completamente adecuado para los profesionales creativos, ya sea artista, diseñador, animador, director creativo, fotógrafo o editor de video.
Si bien incluso el iPad Air y el iPad Mini pueden ser lo suficientemente buenos para hacer bocetos, ideas y cortes muy toscos, el iPad Pro de 12,9 pulgadas es ideal para estos. Y lo que es más importante, este iPad Pro te acercará más a un proyecto terminado que sus primos más pequeños, y algunos artistas incluso podrán producir trabajos completos sin necesidad de pasarlos a su computadora para los toques finales.
Los iPads más pequeños de Apple son quizás la comparación incorrecta. Para lo que lo usaría, el iPad Pro está más cerca de Surface Pro de Microsoft o Cintiq Companion de Wacom. Ambos combinan una tableta con un lápiz, y el iPad Pro lo tiene en forma de lápiz. Apple vende el lápiz por separado, ya que no es esencial para un usuario doméstico que busca una superficie más grande para jugar al Scrabble, pero para las artes digitales. Es el mejor el lápiz óptico del mercado, más natural que el de Wacom o Microsoft.
Una diferencia clave entre el iPad Pro y el Cintiq Companion y Surface Pro es que el dispositivo de Apple ejecuta un sistema operativo de tableta, mientras que Microsoft y Wacom ejecutan la versión completa de Windows. Como descubrimos, ambos tienen ventajas y desventajas.
He estado usando los iPad Pros de 12.9 y 9.7 pulgadas desde sus respectivos lanzamientos, usándolos como director creativo y diseñador de UX, así como como editor y periodista. También presté los dispositivos a artistas y diseñadores para obtener sus comentarios.
En primer lugar, le dimos el dispositivo al artista e ilustrador Pete Fowler, en cuyo estudio se tomaron las fotos de esta reseña, y a quien hemos entrevistado.
El trabajo de Pete abarca los mundos vectoriales del Monsterism para realizar trabajos manuales con todo, desde un pincel hasta cuchillos para cortar madera, e incluso ha pasado tiempo pintando digitalmente con su iPad con una variedad de estilos. Trabaja principalmente con la Procreate aplicación de dibujo y pintura digital, que se acaba de actualizar para ofrecer una mejor compatibilidad con el iPad Pro.
Pete quedó muy impresionado con el iPad Pro en sí, diciendo que su pantalla de 2732 x 2048 píxeles y 13 pulgadas (bueno, nerds de 12,9 pulgadas con decimales) es «fenomenal».
«Cuando estaba pintando con Procreate, la riqueza del color y la textura de algunos de los pinceles realmente se notaba».
Lo que más entusiasmó a Pete durante su tiempo con el iPad Pro es el lápiz, y cómo funciona con Procreate.
«La sensación del lápiz es genial», dice Pete. «En tu mano, se siente fantástico. Tiene un peso realmente agradable» A
Pete también le gusta la longitud y el equilibrio, y la sensibilidad a la presión significa que los trazos, tanto ligeros como fuertes, se representan correctamente en la pantalla. Si tiene una reserva, y esto se aplica a todos los sistemas de dibujo digital, es que dibujar en el iPad Pro con el lápiz es demasiado suave en comparación con el papel. Aunque tal vez alguien desarrolle un ‘protector de pantalla’ adhesivo áspero para replicar la textura resistiva de las hojas de papel reales.
Una de las características favoritas de Pete que descubrió por accidente, cuando intentaba deslizar hacia abajo en la configuración del lápiz 6b de Procreate, rozó la pantalla con el costado de la plumilla y descubrió que se podía hacer sombreado lateral como con un lápiz real.
«Eso fue increíble», dice, claramente encantado por algo que no encontró posible con otras herramientas de dibujo. «Es como tener un lápiz real. Con el sombreado lateral hay mucha sutileza en lo que puedes lograr, y eso no es algo que haya encontrado antes al dibujar en una tableta».
El lápiz es un triunfo del diseño simple. Se siente como algo que usaría un artesano o dibujante, y después de sostenerlo, el Surface Pen del Surface Pro 3 se siente como un bolígrafo barato. (Actualizaremos esto una vez que hayamos probado el lápiz de Surface Pro 4, para el que Microsoft ofrece de manera intrigante puntas intercambiables).
Es difícil comparar el lápiz con el lápiz Wacom más grueso, ya que los años de uso significan que muchos creativos tienen una memoria muscular de cómo aprovecharlo al máximo. Sin embargo, si bien el lápiz puede parecer un poco extraño para empezar, supongo que usa una variedad de bolígrafos del mundo real, desde Rotring hasta Posca, es como elegir uno nuevo de esos. Le das un poco de tiempo y aprendes e incluso puede que descubras que es mejor.
Una de las características del lápiz, o la falta de ellas, que dividirá a los usuarios es que no tiene botones. Tanto el Surface Pen como el Wacom tienen dos botones y, con este último y el nuevo Surface Pen, un borrador en el extremo.
Pete prefiere la simplicidad del lápiz, ya que descubrió que la forma en que tiene que curvar el dedo índice para usarlos le causaba dolor después de un uso prolongado. Pero al menos con los bolígrafos de Wacom y Microsoft tienes la opción de usarlos o no; con Apple, no hay otra opción.
El lápiz conectado por bluetooth funciona con batería. Apaga la parte trasera y hay un conector Lightning. Puede cargarlo colocándolo en la ranura en la parte inferior del iPad Pro, aunque eso me dio ansiedad por desconectarlo por accidente, o conectándolo a un conector Lightning a USB utilizando el conector hembra a hembra incluido. conector. (También hay una plumilla de repuesto en la caja en caso de que se gaste la primera).
También intentamos esbozar estructuras alámbricas en las notas de Apple y en Evernote, que se acaba de actualizar para admitir el iPad Pro y el lápiz.
Una vez más, el lápiz es una hábil herramienta de dibujo. Notes tiene lo que debería ser una característica ingeniosa en la que colocamos dos dedos en la pantalla para crear una regla para dibujar. Sin embargo, debe mantener el lápiz muy cerca de dibujar una línea recta real, en lugar de simplemente barrer aproximadamente a lo largo de la página para crear una a lo largo del borde de la regla, lo que preferiría acelerar el dibujo de líneas rectas.
Una de las nuevas características de iOS 9 que el iPad Pro realmente aporta es la pantalla dividida. Al deslizar el dedo desde la derecha, puede dividir la pantalla en dos y ver otra aplicación. Esto es excelente para trabajar para una imagen de referencia, y puede mantener delgada la columna de la derecha o dividirla por la mitad.
Sin embargo, no todas las aplicaciones lo admiten. Algunos están felices de vivir en el espacio principal, otros no (por ejemplo, Skype). Menos trabajarán en la columna de la derecha.
La única característica realmente molesta aquí es que no puede tener diferentes documentos de la misma aplicación abiertos en paneles divididos, por lo que si desea usar otro dibujo de Procreate como referencia, por ejemplo, primero debe guardarlo en sus Fotos.
La gran pantalla de alta resolución del iPad Pro también es ideal para algo más que dibujar. Ver películas y programas de televisión es maravilloso; realmente aprecias la dirección de arte de los programas de The Returns a Hannibal. Sin embargo, tal calidad muestra fallas en lo que estás viendo. Notará el ‘burbujeo’ de los artefactos de compresión en Netflix de una manera que no lo hará en su televisor o pantalla de baja resolución. Los programas descargados de BBC iPlayer o la propia Apple se ven impresionantes.
Para un uso creativo, la pantalla también significa que las aplicaciones manejadas con los dedos son más fáciles de usar con mayor precisión. Por ejemplo, en Adobe Photoshop Fix o Lightroom Mobile, puede retocar fotos de forma mucho más eficaz utilizando las herramientas táctiles, con solo tener una pantalla más grande.
Sin embargo, estas herramientas en el iPad siguen siendo mucho más limitadas que Photoshop o Lightroom on a Surface, donde tienes muchas más herramientas.
Con eso, llegamos a la pregunta final al decidir si el iPad Pro es para usted o no, lo que lo hará esencial o irrelevante para su proceso creativo.
¿Qué tan ligado estás a tus aplicaciones de escritorio?
No es una pregunta que deba hacerse con Surface Pro o Cintiq Companion. Simplemente ejecute Photoshop o Painter o Premiere o Sketch o Lightroom de la misma manera. Pero al estar diseñados originalmente para computadoras de escritorio y portátiles súper potentes, no siempre funcionan perfectamente en tabletas con diferentes tamaños de pantalla, resoluciones y tecnologías de lápiz.
El iPad Pro a menudo significa explorar otras herramientas. Hay pocas aplicaciones que existen en iOS, Mac OS X y Windows, bueno, pocas aplicaciones para profesionales creativos de todos modos. Si todo lo que desea es Monkey Island y Word, está bien (aunque algunas aplicaciones deben actualizarse para que funcionen con la pantalla más grande del iPad Pro; Spotify se bloquea cuando lo abre, por ejemplo).
Entonces, ¿puedes crear lo que quieres crear en iOS? En un extremo tiene Procreate, que posiblemente sea tan bueno, si no mejor, que incluso Corel Painter (a menos que desee un gouache físicamente preciso y lo detectará si no lo es).
Las aplicaciones como Procreate se enfocan en brindar excelentes experiencias creativas en el iPad Pro con el lápiz, y posiblemente estas serán mejores que las herramientas que tienen que funcionar en computadoras portátiles, computadoras de escritorio y tabletas. Sin embargo, estos son menos numerosos y más nuevos con menos funciones que los grandes.
En el otro extremo de la escala de Procreate, tiene Sketch, para el cual no hay un equivalente real de iOS. Sería genial si Bohemian Coding pudiera producir una versión iOS de Sketch, ya que no requiere un procesador de escritorio robusto para funcionar, pero logísticamente podría estar más allá de la capacidad de desarrollo de esa pequeña empresa. Por lo tanto, los diseñadores digitales y UX tendrán que esperar que Adobe finalmente pueda crear una versión iOS de Adobe XD , aunque como podrían pasar hasta seis meses antes de que la compañía lance la versión para Windows, no contenga la respiración.
En el medio, tiene las herramientas de Adobe: Lightroom Mobile para fotografía, Comp para diseños de impresión, un montón de vástagos de Photoshop e Illustrator que no se unen de manera coherente. Son un conjunto de herramientas de iOS en su infancia. La rapidez y la rapidez con que Adobe los desarrolle será clave para determinar si el iPad Pro es adecuado para creativos que no pintan ni dibujan (exclusivamente).
Si hay lugar en su vida para un dispositivo altamente portátil que solo puede llevarlo hasta cierto punto hacia un proyecto terminado, tendrá que volver a su escritorio para terminarlo. Esto no es solo un problema para el iPad Pro; lo mismo puede ser cierto para Surface Pro y Cintiq Companion (y cualquier otra tableta) debido a las limitaciones de tamaño y rendimiento de la pantalla.
Si no ha visto uno, el tamaño y el peso de un iPad Pro es fácil de imaginar. Es exactamente lo que esperarías si tomaras un iPad Air y lo hicieras más grande. Es más delgado y liviano que el Surface Pro, aunque un poco más grande debido a una pantalla más grande. Sin embargo, en términos prácticos, hay poco entre ellos. La verdadera diferencia es con Wacom Cintiq Companion, que se siente mucho más voluminoso, pero tiene botones físicos y un anillo de control que algunos usuarios encuentran muy útil.
La duración de la batería del iPad Pro es mayor que la del Surface Pro 3 (las unidades de revisión del Pro 4 estarán disponibles pronto) o el Cintiq Companion 2. Dejaré la prueba formal de la batería a nuestros sitios hermanos tecnológicos Macworld y TechAdvisor, pero en mi versión informal Pruebas Obtuve hasta 12 horas de batería cuando usé el iPad Pro, las ocho de Surface Pro 3 y las cuatro de Cintiq Companion.
Si escribe más de lo mínimo, querrá emparejar el iPad Pro con un teclado. Al igual que con Surface Pro, el iPad Pro tiene un conector especial a lo largo de uno de sus lados más largos que los teclados también pueden encajar magnéticamente (y comunicarse). No es solo para teclados para escribir, es para cualquier cosa que desee conectar al iPad Pro en modo horizontal, desde teclados musicales hasta equipos científicos (así que espere ver el iPad Pro en la próxima temporada de CSI: Cyber).
Apple vende su propio teclado / funda para iPad Pro. Para escribir, está casi a la par con Surface Pro. Existe el mismo viaje limitado a las teclas, por lo que está bien para escribir correos electrónicos o breves resúmenes / presentaciones, pero algo de la duración de esta revisión sería un poco arduo. El pie de apoyo integrado en Surface Pro también hace que la escritura sea más estable que el teclado plegable de Apple.
Sin embargo, el principal defecto del teclado de Apple para el iPad Pro es que actualmente solo está disponible con un diseño de EE. UU. Así que no hay £ o € de fácil acceso. Escribo demasiado para este teclado, pero esto puede resultar bastante molesto.
Tanto el teclado de encapsulación Surface como el de Apple son mejores que el teclado bluetooth externo del Cintiq Companion, que es casi imposible de usar en su regazo.
La unidad de revisión que hemos estado usando nos fue prestada con un teclado Logitech Create para iPad Pro. Esta es una experiencia de escritura mucho mejor, mucho más cercana a una computadora portátil con mucho recorrido que las teclas retroiluminadas y espaciadas ampliamente. Y un diseño del Reino Unido con un conjunto completo de teclas de función. El iPad se encuentra en una posición cómoda e inclinada, aunque no puede ajustarlo como puede hacerlo con el teclado de Surface Pro.
Su único defecto es su diseño. Es como si alguien hubiera pegado una base de computadora portátil Acer barata en la parte inferior de su iPad. Si quieres las miradas de admiración que provienen de ser una de las primeras personas en viajar con un nuevo tipo de dispositivo Apple, no lo metas en este estuche para teclado.
Conclusión
El iPad Pro es una herramienta creativa increíble, con un lápiz óptico que realmente muestra lo malos que han sido los intentos anteriores con bolígrafos y lápices.
Su potencial real se ve incrementado o limitado por su software. Para los ilustradores que pintan y dibujan, es la mejor manera de crear obras de arte digitales (a menos que trabaje con vectores). Querrás ir a comprar uno ahora. Para los diseñadores digitales, es un cuaderno de bocetos caro, y tal vez le irá mejor con el modelo de 9,7 pulgadas, ya que es más fácil de transportar y, por lo tanto, lo llevará a más lugares donde querrá dibujar. Para todos los demás, es para desbastar en formas y lugares que antes no podías hacer, y a medida que se desarrollen las aplicaciones, esperamos verlo florecer para ti tanto como lo ha hecho para los artistas.
Aprende a usar la herramienta Render Flames de Photoshop para agregar fuego a tus fotos e ilustraciones.
Agregar llamas a sus imágenes nunca ha sido tan fácil gracias a la herramienta Render Flames recientemente agregada en Photoshop CC 2014, será mucho más sencillo.En este tutorial, el fotógrafo e ilustrador Tigz Rice nos muestra cómo usar la herramienta Render Flames para agregar fuego a una chimenea apagada en un compuesto digital.
Tigz también proporciona una amplia gama de consejos y técnicas para mezclar las llamas en su obra de arte y crear un brillo realista.
Paso 1
Abra la imagen elegida en Photoshop y seleccione la herramienta Pluma (P). Asegúrese de que la herramienta esté configurada en Ruta en el menú desplegable superior izquierdo de la barra de opciones.
Paso 2
Crea una nueva capa y llámala ‘Flame 1’. Con la herramienta Pluma, haga clic y arrastre en el documento para crear una trayectoria curva en forma de S en la dirección en la que desea que aparezcan las llamas, desde x hasta x.
Paso 3
Vaya a Filtro> Renderizar> Llama para abrir el cuadro de diálogo Llama en Photoshop.
Paso 4
En el menú desplegable Flame Type, elija One Flame Along Path.
Paso 5
Ahora tiene la opción de personalizar completamente su llama, incluyendo Ancho, Complejidad, Turbulencia, Opacidad, Color e incluso cómo las llamas se reducen desde su origen.
Estos ajustes dependerán del tipo de llama que desee crear. Experimente con los parámetros para ver cómo funcionan. Si quieres llamas que fluyan hacia arriba como las de una chimenea real, puedes ver la configuración que se presenta en la imagen para conseguir eso aquí.
Paso 6
Presione OK para confirmar y use la herramienta Mover (V) con las teclas de flecha en su teclado para empujar las llamas en su lugar.
Paso 7
En el panel Rutas, haga clic en el icono «Agregar» nueva ruta para crear una nueva capa de ruta, que nos permitirá trabajar en una segunda llama.
Paso 8
Cree una segunda capa y cambie el nombre de esta ‘Llama 2’.
Una vez más, use la herramienta Pluma (P) para crear una nueva curva en forma de S que complemente el fuego en la capa ‘Llama 1’.
Paso 9
En lugar de volver a pasar por las opciones de Render Flame, podemos crear una llama con la configuración correspondiente a nuestra primera llama presionando Cmd / Ctrl + F y usando la función ‘repetir último filtro’ en Photoshop.
Paso 10
Repita los dos pasos anteriores un par de veces más hasta que esté satisfecho con sus llamas.
Luego, resalte todas las capas de llamas y Mayús + clic en la capa: Agregar nuevo grupo para unir todas las llamas en un grupo. Cambie el nombre de este grupo a ‘Flames’.
Paso 11
Comencemos ahora a mezclar un poco más estas llamas en su entorno. Primero, agregamos una capa de ajuste de Tono / Saturación sobre nuestro grupo ‘Llamas’.
Pase el cursor sobre la línea entre la capa de ajuste y el grupo mientras presiona Alt, hasta que aparezca un cuadro blanco con una flecha y luego haga clic para unir los dos. Esto se conoce como recorte.
Paso 12
Seleccione la capa de ajuste y vaya al panel Propiedades. Reduzca la saturación de las llamas para que coincida con su entorno.
Para mayor control, haga clic en Maestro para acceder a un menú desplegable de colores. Seleccione Amarillos y reduzca la saturación para que sus amarillos estén menos saturados que los rojos en las llamas.
Paso 13
De vuelta en el panel Capas, haga clic en el icono Crear nuevo relleno y elija Color sólido.
Como el ambiente tiene un tinte azul grisáceo, elegiremos un color similar para nuestro relleno. Una vez que esté satisfecho con el color, presione Aceptar.
Paso 14
En el panel Capas, cambie el modo de fusión de su capa de relleno de color a Superposición y recorte esta capa a la capa Tono / Saturación a continuación, siguiendo el mismo proceso que en el Paso 11.
Paso 15
Aún en el panel Capas, cambie el opacidad de la capa de relleno de color al 35% para reducir el efecto tonal en las llamas.
Paso 16
Resalte el grupo ‘Llamas’ y haga clic en el icono Agregar máscara de capa. En la máscara de nueva capa, use un cepillo negro suave para cepillar con cuidado la rejilla de la chimenea.
Paso 17
Duplique la capa de fondo y vaya a Filtro> Convertir para filtros inteligentes para convertir la capa en un objeto inteligente.
A continuación, vaya a Filtro> Filtro de Camera Raw para abrir el cuadro de diálogo Camera Raw. Haga clic en el icono de Filtro radial y agregue +0.5 Exposición y +50 Temperatura para crear un brillo para las llamas. Una vez hecho esto, presione OK.
Paso 18
Con un cepillo negro suave en la capa de Smart Filters, enmascare el cálido resplandor alrededor de la chimenea para terminar.
Ponte cómodo con pinceles de Photoshop personalizados con tinta y brillantes técnicas de fotomontaje.
Si aún no está utilizando pinceles personalizados de Photoshop, entonces se está perdiendo una de las características más útiles de Photoshop: si se usan bien, aportarán estilo e individualidad a sus diseños, además de ahorrarle mucho tiempo.
En este tutorial, Craig Shields muestra cómo puede alejarse de la pantalla y crear sus pinceles desde cero de formas decididamente no digitales, usando tinta y pinceles, antes de ajustarlos para usarlos en Photoshop.
Parte del placer de este tutorial es la oportunidad que ofrece de alejarse de la computadora y ensuciarse las manos; Perfeccionará sus habilidades combinando medios digitales y tradicionales, además de divertirse.
Puede descargar una imagen de una nebulosa, un pincel personalizado creado por Shields y una textura de fondo.
Paso 1
Para hacer sus propios pinceles de Photoshop personalizados, deberá buscar algunos pinceles viejos; cuanto más viejos, mejor. Además, necesitará un poco de tinta o pintura negra, una pequeña cantidad de agua y un poco de papel blanco normal para hacer sus marcas.
Paso 2
Coge una hoja de papel, moja tus pinceles en un poco de tinta y empieza a pintar. Sea tan rudo y experimental como desee: intente diluir un poco la tinta para que las marcas que haga no sean negras sólidas, lo que agrega textura adicional a sus trazos. Haz tantas como quieras y diviértete con ellas.
Paso 3
Ahora escanee sus marcas en Photoshop, luego vaya a Imagen> Ajustes> Desaturar para hacer todo completamente en blanco y negro. Finalmente, vaya a Imagen> Ajustes> Nivelación automática para hacer los blancos más brillantes y los negros más oscuros.
Paso 4
Con la herramienta Lazo, dibuje aproximadamente alrededor de una de las marcas que hizo, luego vaya a Seleccionar> Gama de colores. Establezca la falta de claridad en 200, luego use el selector de color para hacer clic en la parte más oscura del trazo que ha seleccionado.
Paso 5
Para convertir la selección en un pincel de Photoshop, vaya a Editar> Definir pincel preestablecido. Esto abre una ventana donde puede asignar un nombre a su pincel si lo desea. Su pincel personalizado ahora está en la paleta Pinceles. Repita este proceso para todos sus escaneos.
Paso 6
Ahora necesitamos algo para usar tus nuevos pinceles. En Photoshop crea un nuevo documento A4 y ve y descarga la imagen de nuestro modelo.
Esto fue creado por Voivodess, quien amablemente nos ha dado permiso para incluir la imagen. Arrastre la imagen a su nuevo documento y colóquela en la parte inferior del lienzo. Nombra esta capa ‘Modelo’.
Paso 7
A continuación, vaya a Imagen> Ajustes> Desaturar. Agregaremos nuestro propio color más adelante. También colocaremos cosas detrás de la modelo, por lo que debes cortarla del fondo. Con la herramienta Pluma, dibuja una ruta a su alrededor, haga clic con el botón derecho (Ctrl + clic) en la ruta y, a continuación, elija Hacer selección. Luego seleccione Capa> Máscara de capa> Revelar selección para hacer una máscara de capa.
Paso 8
En la paleta Capas, haga clic con el botón derecho (Ctrl + clic) en la máscara de capa y seleccione Aplicar máscara de capa. Ahora agregamos algo de textura. Vaya a Capa> Máscara de capa> Ocultar todo. Seleccione la herramienta Pincel y tome uno de los pinceles que hizo anteriormente. Usando #FFFFFF como su color de primer plano, comience a pintar para revelar partes del
modelo. Intente usar diferentes pinceles para obtener diferentes texturas.
Paso 10
Ahora que tiene el cabello listo, abra bg_texture.psd y arrástrelo detrás de la capa ‘Modelo’, nombrándolo ‘bg_texture’. Luego, seleccione la capa ‘Modelo’ y vaya a Imagen> Ajustes> Brillo y Contraste e ingrese los valores de 5 y 30. Esto hace que el contraste del modelo coincida un poco mejor con el fondo.
Paso 11
Cree una nueva capa sobre la capa ‘Cabello’, llámela ‘Color de cabello’ y establezca la opacidad de la capa al 85%. Vuelve a tu paleta de pinceles y pinta algunas secciones de cabello coloreadas. Recomiendo elegir un color llamativo, como el # 6ADAE6, para pintar, si desea que su imagen resalte.
Paso 12
A continuación, crea otra capa, en la parte superior de su pila de capas, y llámela ‘Primer plano gris’ en la parte superior. Establezca el color de primer plano en # 969798 y haga trazos similares a los que acaba de hacer con el color. Asegúrese de establecer el modo de fusión de capas en ‘Multiplicar’.
Paso 13
Y
a casi llegamos. Crea otra capa nueva y llámala ‘Gris oscuro’ y cambia tu color de primer plano a # 686868. Establezca el modo de fusión de la capa ‘Gris oscuro’ en ‘Multiplicar’ y pinte algunas formas y marcas más con los pinceles que creó anteriormente.
Paso 14
Abra lighting.psd, arrástralo a la parte superior de la pila de capas y configure el modo de fusión de capas en Pantalla, nombrelo ‘Iluminación’. Elegí un color rosa, pero si quieres cambiarlo, ve a Imagen> Ajustes> Tono / Saturación y juega con los calores.
Paso 15
Vaya a Capa> Nueva capa de ajuste> Niveles> Automático. Haz de esta la capa superior. Y por último, pero no menos importante, para obtener un detalle adicional, haz otra capa, llámala ‘Líneas blancas’ y dibuja tantas líneas blancas finas donde quieras, para terminar tu pieza.
La semana pasada tuve la oportunidad de pasar tiempo con Microsoft Surface Studio. Microsoft lo llama una nueva categoría de dispositivo, que es una PC de escritorio autónoma y una tableta de dibujo combinados, «diseñada para ponerlo en el centro del proceso creativo». Después de años en los que las tabletas de dibujo de Wacom eran la única opción real para los profesionales, es increíble estar viviendo una época en la que los dispositivos de alta calidad para dibujar son cada vez más abundantes. La desventaja, por supuesto, es que es más difícil saber cuándo debe actualizarse y a qué debe actualizarse. Aún así, con suerte, con más competencia, los artistas y diseñadores seremos los ganadores. Espero pasar más tiempo con el dispositivo pronto para poder brindar una revisión más detallada, pero mientras tanto, aquí hay algunas impresiones iniciales.
Solo como un poco de fondo, en mi estudio actualmente trabajo en un iMac 5K con una tableta Wacom Intuos Pro A4. También trabajó en un iPad Pro con el Apple Pencil, algo que se ha convertido cada vez más en parte de mi flujo de trabajo durante el último año. También revisé anteriormente un Wacom MobileStudio Pro y un Cintiq de 27 pulgadas para artes digitales.
Con una pantalla táctil de 28 ”’Pixel-Sense’, y una increíblemente delgada, solo 12,5 mm, la estética de Surface Studio claramente significa negocio. Con el marco negro y curvo, la base de aluminio y la pantalla increíblemente delgada, a primera vista esto podría confundirse fácilmente con un producto de Apple. Por un lado, podría tomar eso como uno de la pila de ‘la imitación es la forma más sincera de adulación’. Por otro lado, más generoso, también podría verlo como un equipo de diseño que ha trabajado duro para crear algo tan hermoso y mínimo como sea posible que funcione bien como la pieza central de una configuración creativa moderna.
Dicho esto, la base y el soporte tienen una sensación bastante angular, que se nota contra el generoso radio en las esquinas de la pantalla. Este detalle posiblemente traiciona sus orígenes ajenos a Apple, pero igualmente, dado que Apple aún no ha lanzado nada como esto, ya sea que algo esté en camino o no, la primera ronda va a Microsoft por defecto. El Wacom Cintiq 27HD es el equivalente más cercano, pero por supuesto es solo una pantalla secundaria, no una máquina y una pantalla autónomas.
La relación de aspecto de 3: 2 se debe a que se diseñó desde cero como una pantalla en la que se puede dibujar. El objetivo es brindarle la mayor comodidad posible, independientemente de lo que esté dibujando, donde una pantalla más ancha, por supuesto, lo restringiría un poco para el trabajo de retrato.
Con una bisagra de gravedad cero y un sistema de contra-resorte, la pantalla se puede mover a cualquier punto entre una vertical estándar al nivel de los ojos (arribaposición) hasta un ángulo de 20 grados (el ‘Modo Estudio’, abajo), haciendo coincidir un mesa de dibujo tradicional estándar. Solo pensando en términos prácticos, dibujar se siente más cómodo en la posición más plana, y la posición estándar del monitor tiene sentido para la mayoría de los otros usos, por lo que no estoy seguro de la frecuencia con la que lo usaría en un punto arbitrario entre los dos.
En este sentido, se invita a la comparación con los Cintiq más grandes. Hay muchas pruebas que demuestran que es mejor pasar (mucho) menos tiempo sentado a trabajar. Con el soporte ‘Ergo’ para los Cintiq, puede hacer precisamente eso y levantar la pantalla hacia usted en una posición de pie. También está el brazo de monitor LCD Ergotron LX de montaje en escritorio que le brinda una libertad de movimiento aún mayor e incluso puede girar el Cintiq en una orientación vertical.
El hecho de que Surface Studio no se pueda inclinar hacia atrás desde la posición más alta del brazo significa que, si bien se puede inclinar a una posición cómoda para sentarse y dibujar, sigue siendo menos flexible que una tableta más pequeña o una Cintiq grande con soporte. Por supuesto, no hay nada que le impida colocar el Studio en una mesa más alta y / o apilar algunos libros, pero eso anula parcialmente el punto de tener un dispositivo estéticamente agradable como este en primer lugar.
Dejando de lado la flexibilidad reducida, la pantalla de Surface Studio es excelente, y aunque encontré que el Cintiq 27HD se siente increíble para dibujar, la gama de colores y el brillo no son un parche en esto. Si bien no pude hacer una comparación lado a lado, es lo más cercano que he visto al increíble iMac 5K. Si te preocupas por tus píxeles, el Surface Studio de 28 ”mide 4.096 por 2.304, mientras que el iMac de 27” mide 5.120 por 2.880. Por supuesto, con el Cintiq, en parte los ‘sacrificios’ que hace la pantalla tienen que ver con el hecho de que está diseñado principalmente para que los artistas se basen en él. En realidad, no desea que una pantalla sea demasiado brillante, ya sea en términos de ser reflectante o no tener suficiente fricción para dibujar ‘contra’. El tiempo inicial que pasé dibujando en Surface Studio fue lo suficientemente cómodo, pero ciertamente más suave que el Cintiq o Intuos. Sin una sesión más larga, es difícil decir si esto es algo a lo que simplemente te acostumbras o si se convertirá en una debilidad más aparente.
Hay una variedad de puntas con diferentes niveles de fricción.
El lápiz en sí se siente bien para sostenerlo, aunque mi impresión inicial es que tiene una sensación más frágil y liviana que un lápiz Wacom o ese Apple Pencil perfectamente ponderado. También parecía haber una brecha más grande entre el lugar donde el lápiz toca la pantalla y la marca que se está haciendo (el efecto de paralaje) de lo que he notado en un Cintiq o un iPad, aunque se necesita más investigación aquí, e igualmente, el cerebro aprende rápidamente a compensar esto.
Finalmente, un componente adicional, disponible por separado, es el Surface Dial. Se ve muy bien en los videos promocionales con seguridad, y en teoría puedes hacer mucho con él, aunque por el momento no ha sido configurado por Adobe para Photoshop.
Además, a diferencia del control remoto de varios botones de Wacom que viene con los Cintiq más grandes, no puede configurar las funciones usted mismo. Con el dispositivo Wacom puedes personalizarlo por ti mismo y luego, gracias a la memoria muscular, pronto estarás usando esos atajos de teclado esenciales sin pensarlo dos veces. Esto es importante porque con una gran pantalla de dibujo en ángulo frente a usted, no hay espacio para el teclado frente a ella. Queda por ver si la rueda que gira suavemente podría ser tan útil.
La simple diferencia es que, sin importar cuántas funciones se incorporen, deberá apartar la vista de su dibujo para acceder a ellas. Por ejemplo, como pintor, estoy constantemente presionando la tecla ‘alt’ para usar mi selector de color en Photoshop. Con la rueda, presumiblemente va a estar al menos a un giro y un clic de distancia, por lo que aún necesitaría mi teclado al alcance, aunque al costado.
En teoría, podría ser útil para acercar y alejar, pero Surface Studio también es compatible con la función multitáctil, por lo que puedo hacer esto con mi mano de todos modos. Una característica interesante de la rueda es que puede girar para cambiar gradualmente el color seleccionado sobre la marcha en un continuo uniforme. Puedo ver que esto es genial para casos específicos como, por ejemplo, sacar agua, pero es difícil decir qué tan útil sería de otra manera. Estoy convencido de que podría ser tan rápido de usar como tener botones físicos separados y / o simplemente tener las paletas en Photoshop dispuestas adecuadamente para su flujo de trabajo.
Como se vio en los Grammy, la aplicación gratuita Plotagraph te permite agregar animacion a fotos y obras de arte. Así es cómo.
Agregar animación a ilustraciones y fotos es una forma garantizada de hacer que aparezcan en aplicaciones y sitios, desde Instagram hasta vallas publicitarias. Plotagraph le permite crearlos como GIF animados o vídeos listos para la web a partir de imágenes y fotos estáticas, por lo que no es necesario filmar videos o producir animaciones complejas, utilizando herramientas simples que no requieren ningún fondo en animación o VFX para lograrlo, puedes usar cualquier foto u obra de arte. Las imágenes que funcionan mejor para este efecto tienen áreas definidas de textura, especialmente aquellas que brillan para brillar.
Plotagraph está disponible como una aplicación gratuita para Mac y Windows e iOS.
Comenzaremos descargando la aplicación de fotografía en su teléfono o computadora de escritorio, abra el software continúe y cree una cuenta.
Trabajaremos en la versión de escritorio para este tutorial, aunque ambas plataformas tienen las mismas características. Puede comenzar con la versión gratuita por ahora y luego actualizar más tarde si lo desea.
Paso: 1
Haga clic en el símbolo + en la parte inferior de la aplicación y elija Crear fotografía.
Paso: 2
Elija la imagen en la que desea trabajar haciendo clic en el icono Elegir imagen, luego asigne un nombre a su proyecto y presione CREAR para comenzar a trabajar en su proyecto.
Paso: 3
Una vez que haya decidido a qué partes de la imagen desea agregar movimiento, haga clic en la herramienta Pincel y use el Pincel de máscara para pintar sobre cualquier área de la imagen que desee mantener congelada. Alternativamente, puede hacer clic en el botón Enmascarar todo y luego usar el Pincel borrador para quitar la máscara sobre secciones más pequeñas de su imagen. Deje un pequeño espacio alrededor de los bordes del área enmascarada para evitar que el efecto de animación se extienda al fondo más adelante.
Sugerencia: para aquellos que están acostumbrados a enmascarar en Photoshop, las mismas teclas de corchetes se aplican para cambiar el tamaño del pincel en Plotagraph, o puede configurarlo manualmente en la barra de herramientas Herramientas de pincel.
Paso: 4
A continuación, haga clic en el icono Pluma en la barra de herramientas, que controla la suavidad de los bordes de la máscara. En este caso, se busca obtener un borde ligeramente suave para la cola del vestido para que se mezcle con los bordes, así que haga clic en Primer plano y deslice el control deslizante Primer plano un poco hacia la derecha.
Paso: 5
Ahora agregamos algo de animación a nuestra imagen. Haga clic en el icono de la bailarina para acceder a los puntos de animación. Haga clic en + Puntos de animación, lo que le dará el cursor que necesita para comenzar a agregar algunas pautas de movimiento.
Paso: 6
Cree pautas de movimiento en las áreas de la imagen que desea animar haciendo clic y arrastrando con el cursor en la dirección en la que desea que viajen los píxeles.
En la imagen se han utilizado los reflejos naturales de la tela para dictar la dirección de las pautas de movimiento. Presiona el ícono Reproducir en la parte inferior para obtener una vista previa de tu animación.
Paso: 7
La longitud de la guía de movimiento también dicta qué tan lejos se mueven los píxeles, por lo que cuanto más sutil desee que sea el efecto, más corta debe ser la longitud de las guías de movimiento. Puede ver aquí que se ha usado una variedad de pautas de movimiento de longitud diferentes según la forma de la tela.
Paso: 8
Sugerencia: Deberá crear algunas de estas pautas de movimiento en toda el área que desea animar. Recuerde, es posible que no desee que todas las pautas de movimiento vayan en la misma dirección, así que experimente cambiandolas un poco.
Paso: 9
Si elige desbloquear el modo Pro, puede activar Rutas personalizadas, lo que le permite dibujar físicamente la ruta que desea que tome su animación. Es genial para agregar un poco de curvatura en el movimiento.
Paso: 10
También puede incluir puntos de anclaje / estabilizador para preservar cualquier punto específico de su área animada que no desee mover. Simplemente haga clic en la herramienta en el submenú Puntos de animación y haga clic una vez sobre el área con el cursor para dejar un pequeño punto rojo. Estas áreas específicas ahora no estarán animadas. Puede ver que se ha puesto algunos de estos en los pliegues flotantes de la tela.
Fueron colocados ligeramente lejos del borde para permitirme animar hasta el borde del pliegue para una animación más realista.
Paso: 11
En la siguiente opción en la barra de herramientas, encontrará Propiedades de animación, donde puede establecer el estilo y la duración en segundos de la transformación total. Toma el tiempo necesario para crear una animación lenta y sutil.
Consejo: hay muchas más opciones en este panel cuando desbloquea la versión Pro, que son bastante útiles.
Paso: 12
Si ha actualizado a la versión Pro, en el lado derecho, haga clic en el símbolo de la eternidad para abrir la barra de herramientas de la biblioteca Plota FX.
Encontrará una biblioteca de archivos de video y audio que puede aplicar a sus imágenes para darles más vida a sus imágenes, o cargar las suyas propias si se siente creativo.
Apliqué el efecto de video ‘Partículas blancas’, el blanco lo configuré en un 5% de opacidad para un efecto muy sutil. Presiona el ícono de reproducción nuevamente para probar tu animación con la nueva superposición de efectos.
Paso: 13
También puede agregar su propio logotipo para marcar su creación utilizando la Biblioteca de imágenes fijas. Simplemente cargue su archivo, haga clic en Agregar y cambie el tamaño y la posición.
Paso: 14
Haga clic en el icono de sol en la barra de herramientas para que aparezcan los controles de Brillo / Contraste. También encontrará el tono , la saturación y contraste.
Paso: 15
Una vez que esté satisfecho con su animación, haga clic en el icono Exportar en la parte inferior derecha de la pantalla. Encontrará tres opciones. La opción de la izquierda es compartir su creación con la comunidad de Plotaverse. Y obtén comentarios sobre tus creaciones. La opción correcta lo lleva a sus exportaciones anteriores.
Paso: 16
La opción del medio le permite crear una exportación personalizada, donde puede controlar todo, desde el tamaño de la imagen hasta el tipo de archivo, e incluso el número de veces que se repite la animación.
Paso: 17
Una vez que haya creado una exportación, diríjase a su panel Mis exportaciones, donde puede ver y descargar sus animaciones en su escritorio para compartir.
Descubre cómo los artistas líderes crean collages divertidos y poderosos.
Valentina Brostean (Italia)
Prefiero hacer obras que tengan una atmósfera surrealista muy fuerte que involucre una especie de velo misterioso alrededor de su núcleo, dando al espectador la sensación de algo oculto y desconocido que le hace pensar en la imagen para descubrir su verdadero significado y mensaje.
Una iluminación fuerte es la clave principal para crear la atmósfera deseada. Para crear obras audaces y atractivas, intente combinar elementos opuestos: pequeño / grande, oscuro / claro, agradable / feo, agrio / dulce, nítido / borroso.
Una vez que encuentre el equilibrio entre los opuestos elegidos, tendrá casi garantizado que traerá un fuerte impacto en su trabajo.
Para crear mis obras, muchas utilizo Photoshop, a veces construyendo elementos en Illustrator. También utilizo elementos dibujados a mano a partir de bocetos y dibujos que estoy haciendo, combinados con fotos antiguas escaneadas de periódicos y revistas antiguas o obtenidas de Internet que poseen el tipo específico de textura y renderizado que necesito para crear mi atmósfera surrealista.
La elección cuidadosa de un fondo con una especie de textura de papel viejo ayuda a crear una sensación vintage.
Valentina Brostean (Italia)
Mis escaneos hasta el punto en que la fuente básica es totalmente irreconocible. Por ejemplo, si elijo usar algún personaje humano, lo cortaré en partes. Separar cada elemento (ojos, piernas, brazos, dedos, cabello y también detalles como zapatos, sombreros o un vestido) y luego combinar algunos de esos elementos con los mismos elementos recortados de otras fotos que he elegido antes.
las herramientas y los filtros de Photoshop para ajustar la saturación, el balance de color, el contraste y la iluminación para ayudar a terminar la pieza.
Coloque los recortes, los colores y el fondo en una superficie:, quite la mitad a la vez y superponga las piezas hasta que se sienta bien.
Nunca pego hasta el final. A menudo dejo una pieza ‘terminada’ a un lado sin pegar para poder revisar en unos días con ojos nuevos y reorganizarla.
Hollie Chastain
Los collages enormes con muchas piezas no tienen el mismo peso para mí que una pieza con 3 formas involucradas.
Encuentro que cuantas menos formas, más importa «una fracción de pulgada hacia la derecha». Mueva las cosas hasta que algo haga clic.
En el pasado, rechacé la computadora como medio de creación. Siempre usé Internet para inspirarme y Photoshop para escanear y editar mi trabajo, pero no para generar imágenes o modificar imágenes preexistentes de una manera que no era reproducible en la vida real. A lo largo de los años, esto ha cambiado y ahora utilizo la computadora de muchas formas para crear y editar imágenes. La forma en que reconcilié mi aversión a la creación digital fue usar el medio como si fuera un medio permanente como la pintura física.
Si estuviera pintando en una foto, no podría volver atrás y deshacer las marcas que acababa de hacer. Yo hago lo mismo con la computadora. Me refiero a esta práctica como «compromiso con el primer intento». Mantendré todas mis ediciones en capas para poder volver atrás y elegir cuál usar, pero nunca borrar o tratar de trabajar en exceso nada, mantengo mis marcas sueltas y agresivas.
Jesse Draxler (EE. UU.)
No uses cualquier imagen que puedas encontrar. Ten intención. El hecho de que las revistas Life de la década de 1960 sean fáciles de conseguir no significa que sea la fuente de imágenes adecuada para el mensaje que recibes. estás tratando de transmitir. Si no hay ningún mensaje que estás tratando de transmitir, o si lo antiguo no es la intención, sino un subproducto de los materiales que tienes a mano, esfuérzate más.
Si solo estás mezclando imágenes por el mero hecho de hacerlo, es cuando el collage se convierte en un arte y nada más.
Elige tus herramientas con prudencia. ¿Tijeras o Xacto o Photoshop, o …? Lo que usas para hacer tus cortes es tan importante como cómo los ensamblas. Ciertas herramientas son mejores para ciertas cosas y presentan diferentes obstáculos
El collage se trata de trabajar con lo que tienes frente a ti, así que empiezo por reunir todo el material real que me permita el tiempo. Fotos, elementos de textura, extraños fragmentos de cualquier cosa, relevante y oscura.
Martin O’Neill (Reino Unido)
A veces es mejor inventar algo nuevo o unir cosas extrañas a la manera de Frankenstein, en lugar de buscar algo completo y perfecto para un collage. Luego fotocopio, escaneo y reimprimo muchos elementos potenciales en diferentes papeles y superficies, luego recorto todo esto (y lo eliminó) y comienzo a hacer collages de forma libre a mano. Luego mezclo esto con pintura y marcaje.
Tomo fotos a medida que avanzo y esto conduce a borradores para los clientes y, en última instancia, a un trabajo terminado listo para escanear y enviar.
Este sistema de forma libre abre avenidas y yuxtaposiciones inusuales que suelen ser más ricas que intentar recrear algo que has imaginado en tu cabeza para responder a un breve.
Es como prepararse para encontrar accidentalmente una mejor respuesta. No me gusta usar Internet demasiado para investigar o buscar imágenes, me gusta mirar libros antiguos y, si hay tiempo, buscar libros relevantes sobre el tema de la obra, el éxito en cualquier imagen llega a través de la experimentación con los contrastes.
Considere tener una imagen «frontal» y una imagen «posterior» y haga que funcionen juntas en armonía para ilustrar su narrativa.
En este collage, Ir a ninguna parte, la imagen frontal era una foto de una carretera que encontré con una pieza del automóvil. Ya había una buena perspectiva en él, así que lo que quería hacer era acentuar esto. Al dejar que el camino termine en la boca de la mujer, el punto de fuga de la perspectiva se acentúa naturalmente.
Tenía que hacer que la transición entre las dos imágenes se viera fluida, así que necesitaba un tercer elemento que pudiera hacer que esto funcionara. Usé una cadena montañosa formada por tres imágenes diferentes: la última es casi negra, por lo que fluiría naturalmente hacia el color negro del cabello de la mujer y le daría más profundidad.
Debajo de la carretera quería algo de color, así que usé una imagen de un desierto y la hice más naranja. Este elemento también funciona como un búfer entre mis imágenes frontal y posterior.
Estructurar imágenes como esta le dará algo a lo que aferrarse si desea crear un collage armonioso.
Sammy Slabbinck (BE)
Deje que su imaginación se haga cargo cuando esté hojeando libros y revistas en busca de material original. Trate de pensar fuera del contexto de la revista. La belleza de hacer un collage es que no hay reglas.
Una buena composición dentro de sus imágenes es importante. Incluso los mejores collages psicodélicos caóticos tienen una armonía de trabajo equilibrada entre los diferentes elementos. Juega con la perspectiva y acentúa y exagera para crear composiciones inusuales.
Me gusta el collage porque puedes trabajar rápida y libremente, creando yuxtaposiciones aleatorias o accidentales y combinaciones inesperadas de color e imágenes. La otra cara de esto es que una pieza puede convertirse rápidamente en un desastre desenfocado. Por eso es una buena idea trabajar dentro de un marco o estructura unificadora.
Para esta serie de portadas de libros utilicé un gran número central en cada portada, y dentro de cada número trabajé juguetonamente con trozos de patrones, texturas, tipografía, colores e imágenes encontrados.
Bill Zindel (EE. UU.)
Encontrar los materiales adecuados para un collage es una gran parte del proceso. Incluso cuando creo una pieza digitalmente, me gusta usar materiales que se encuentran en el mundo real y escanearlos.
Para mí, la edad y la pátina de los papeles son importantes, y me gustan los colores que solo se encuentran en revistas y libros más antiguos. Tengo carpetas y cajas llenas de elementos que utilizó repetidamente: esquinas redondeadas, rayas, estampados, tipografía grande, estéreos, coches, guitarras, etc. Todos están etiquetados para poder encontrarlos cuando los necesito.
Trabajar en un estilo de collage puede ser un desafío cuando una idea requiere imágenes muy específicas porque es posible que no pueda encontrar lo que está buscando. Es bueno tener esto en cuenta al comenzar y tratar de determinar cómo comunicar la idea de manera simple mientras sigue trabajando dentro de su propio estilo.
Por lo general, es útil esbozar primero para elaborar una composición y hacer que el cliente apruebe el concepto antes de recopilar los materiales.
La mayor parte de mi trabajo personal se crea a mano, utilizando tijeras para tela y tijeras UHU. Prefiero las tijeras para tela porque tienen un ligero dentado, por lo que ayudan a sujetar el papel cuando se recortan los detalles más finos.
De vez en cuando uso un bisturí, pero siempre tengo miedo de cortarme y sangrar por todo lo que estoy trabajando.
Anthony Zinonos (Reino Unido)
Para los encargos trabajo digitalmente, escaneando imágenes y trozos de papel en Photoshop como archivos en capas. De esta manera puedo componer un collage como lo haría a mano, pero aún tengo la libertad de hacer los cambios solicitados por los clientes. El proceso de encargo es muy diferente porque empiezo con una idea de un breve, luego trato de encontrar imágenes que pueda usar para crear lo que tengo en mente, mientras que con el trabajo personal encuentro primero la imagen, que luego lleva a la idea.
Mis lugares favoritos para encontrar materiales para collage son las ventas de maleteros y las tiendas de caridad, sin embargo, los materiales se pueden encontrar en todas partes y sin costo, por ejemplo; la copia de Metro dejada en el asiento de un tren, el interior de un sobre del correo basura que cayó a través de su puerta o la lista de compras descartada de alguien que se encuentra en el pavimento es todo un recurso potencial para el collage.
Trabajar con imágenes encontradas puede ser restrictivo y, a veces, limitante, sin embargo, no sienta la necesidad de hacer que todo se vea fotográficamente correcto, exagerar la escala y jugar con varias formas de colores para representar objetos agrega una sensación más lúdica a su trabajo.
Estoy constantemente buscando y recolectando materiales. Estos son el punto de partida de mi proceso, hojear revistas y libros viejos hasta que una imagen me llame la atención.
Se formará una historia o idea inspirada en la pieza que el libro o revista.
formas o los recortes de mi escritorio para experimentar con la composición y el diseño, verá lo bien que quedan junto a la imagen recortada e intentar dar vida a mi narrativa.
Las leyes de derechos de autor pueden ser una pesadilla porque son un área muy gris. Cuando se trata de mi trabajo personal, no me preocupo demasiado por el origen de la imagen, sin embargo, cuando produzco un trabajo comercial, definitivamente soy más consciente.
Algunos clientes no se inmuta, pero cuando trato con empresas más grandes, me parece que son más cautelosos sobre el origen de sus imágenes.
Para el trabajo comercial, tiendo a mezclar tantos elementos pequeños diferentes de tantas fuentes diferentes como sea posible. Si los clientes no se sienten cómodos con esto, pueden pagar por imágenes de archivo, que, desafortunadamente, no son baratas.
Por lo general, tiendo a usar imágenes de más de 40 años y publicaciones más raras que ya no están cubiertas por derechos de autor.
Comience con una forma geométrica de papel de color y vea lo que puede crear simplemente pegando otras imágenes y elementos.
Sonja Stangl nos cuenta sus 10 técnicas favoritas con lápices de colores: para ayudar a los artistas que actualmente usan el medio e inspirar a aquellos que no han tomado un lápiz de color desde la infancia.
La ilustradora Sonja Stangl comenzó a experimentar con el medio a menudo burlado de los lápices de colores hace unos cinco años, y desde entonces se han convertido en una gran parte de su trabajo y en un compañero constante dondequiera que vaya.
Sonja cuenta que han pasado por un largo período de ser subestimadas indebidamente, consideradas como un médium infantil o solo capaces de producir una apariencia de tweet, por lo que quiere defender la grandeza de los lápices de colores a través de una pequeña colección de consejos, técnicas y formas en que las uso.
Frottage para lápices de colores
La belleza de frotar el lápiz sobre la parte superior de la superficie del papel para recoger su textura, camino por el mundo de manera un poco diferente. Sonja Stangl nos comenta que: «Necesito tocar cada superficie, imaginar cómo se vería como textura y, a menudo, simplemente hacer una prueba rápida en mi cuaderno de bocetos de inmediato».
Frottage es la mejor manera de incorporar la superficie en la que se está dibujando. La mayoría de las veces se usa de una manera muy sutil, para que el underground no sea reconocible instantáneamente, pero aún así hace una gran diferencia en la sensación general de la pieza y aporta variedad a la textura.
Los envases de cartón pueden ser muy interesantes, ya que producen bonitas líneas y patrones debido a su estructura.
Más técnicas de Frottage
También se puede usar Frottage para subrayar la materialidad de ciertos objetos en un dibujo, como la madera o un muro de piedra.
En esta imagen se utiliza la superficie de un cuaderno, ya que tiene una sensación de tela de lino, que quedaría bien en sus pantalones. Las líneas de la medusa provienen de un color mate.
Elija el papel correcto
para pensar un poco en el papel que va utilizar. No es solo la superficie debajo del papel lo que tiene un gran impacto en el resultado de los lápices de colores. La elección del papel forma parte tanto de la estética como de las herramientas utilizadas.
A menudo escuchamos que es mejor usar papeles lisos con lápices de colores porque se mezclan y fluyan entre sí fácilmente. Pero, Sonja Stangl cree que evitar el papel granulado es perder mucho carácter y encanto que pueden incluirse en un dibujo.
A modo de comparación, el boceto rojo que se muestra a continuación se realizó en papel liso, mientras que los demás estaban en papel granulado. Aunque la suavidad del boceto rojo, hay un estado de ánimo muy diferente al de los otros dibujos. Al final, todo se reduce al tipo de energía y sentimiento que se quiera lograr.
Sangría
Sangría es una forma de hacer partes blancas con lápices de colores. Se usa cuando se quiere hacer resaltes o líneas que deberían permanecer solo en papel, pero tienen un borde más fuerte que simplemente omitirlas.
Pon un poco de papel de calco sobre el dibujo y traza las líneas que quieres que aparezcan blancas con una buena cantidad de presión. Luego, guarde el papel de calco y pase suavemente el área con un lápiz de color. Funciona mejor cuando sostiene el lápiz inclinado y usa el lado ancho de la punta.
Como el papel tiene sangrías en las partes donde debería estar el resaltado, se mantendrá relativamente limpio.
Dibujar reflejos con lápices de colores
A menudo no quieres que los reflejos sean solo blancos, y ahí es donde entran en juego los lápices brillantes. Como es imposible dibujar sobre un área más oscura con un lápiz brillante, algunos de ustedes se habrán preguntado por qué los fabricantes los incluyen en una caja de lápices. Pero son muy útiles.
La clave para resaltar con lápices de colores es dibujar primero las áreas claras. Cuando comienzas a dibujar, piensa dónde quieres que estén las áreas claras y las dibujas, nuevamente con una buena cantidad de presión para que el papel se llene con el pigmento brillante.
Luego vuelve a repasar suavemente el dibujo con un lápiz más oscuro, hasta que los reflejos comienzan a aparecer. No se mantendrán limpios al 100%, pero creo que eso es lo que les dará su carácter.
Los mejores lápices de colores: marcas y tipos
Antes de profundizar en la mezcla, debe tocar brevemente el tema de las diferentes marcas y tipos de lápices de colores.
En primer lugar: cuando piense en lápices de colores como ilustrador, no piense en los que usaba de niño. La diferencia de calidad es inmensa. Los lápices de colores para artistas profesionales tienen una proporción mucho mayor de pigmentos al aglutinante.
Hay lápices de colores a base de cera y a base de aceite, dependiendo de lo que se utiliza como aglutinante. Los lápices a base de cera son más comunes, más suaves y más fáciles de borrar. Los lápices a base de aceite son más resistentes y no sufren de «floración de cera».
Los lápices que utiliza Sonja Stangl son Polychromos de Faber Castell. Son a base de aceite y dan una línea muy suave y seca.
Mezclar con lápices de colores
Cuando quieras darle a tu dibujo un toque más pictórico, mezcla los colores entre sí. Hay muchas formas de hacerlo, y puedes comprar licuadoras especiales para diferentes tipos de lápices de colores.
Si utilizas lápices a base de aceite, un sustituto de trementina usado para pintura al óleo funciona muy bien. El que uso es de Schminckefinal y allo cepillaría sobre el dibujo.
Procura tener cuidado con el sustituto de trementina y solo usarlo sobre una capa gruesa de lápices de colores, de lo contrario el papel se engrasa y hace que el dibujo se vea embarrado.
Además, si los reflejos se pierden un poco después de haberles aplicado una gran cantidad de lápiz oscuro sobre ellos, se pueden revivir con la licuadora. Los puntos blancos de la ballena vuelven a ser mucho más visibles después de la mezcla.
Al estilo de la acuarela
Si eres fanático o estás aprendiendo a hacer un dibujo más suave al estilo de la acuarela, pero solo tienes lápices de colores, un pincel y un poco de agua la siguiente información será muy útil:
es posible tomar el pigmento directamente de la punta del lápiz de color con un cepillo mojado. Necesitan un poco de remojo en el agua, pero una vez que la punta está mojada, los pigmentos se desprenden bien (con la mayoría de los tonos, al menos). Cuando resulté difícil sacar el pigmento, hacer pequeños cortes en la punta ayudará.
Para ser justos, esto arruinará la punta del lápiz y luego tendrás que afilar un poco. Así que no es la forma más cuidadosa de hacerlo, pero funciona. Y te ahorra tener que mezclar el tono exacto con acuarelas o tinta.
Técnica mixta con lápices de colores
Los lápices de colores se pueden mezclar fácilmente con otros medios. Una buena técnica para crear un gran efecto es aplicar lápices de colores sobre pintura acrílica.
Realiza las formas básicas con acrílicos y luego usa tus lápices para agregar profundidad y textura, Conviértete en un gran admirador de resaltar los trazos de lápiz.
Calienta tu lapiz
Si quieres obtener una capa gruesa de color en un área grande sin tener que esparcirla infinitamente, aplica un poco de calor. Una temperatura más alta ablanda el aglutinante en el lápiz y, por lo tanto, hace que rinda más.
Para el calor, se utilizó mesas de luz baratas, que se calientan demasiado rápido. Al parecer, comprar dispositivos de mala calidad puede tener algunas ventajas.
Fragmento
Como muchas de las texturas provienen del frottage o del papel en sí,Sonja Stangl no aplica mucho punteado o tramado, pero se queda con el escamado. Esto significa que sostiene el lápiz inclinado y aplica la capa muy suavemente con un movimiento circular. De esta manera, las áreas adquieren un color uniforme y las líneas de lápiz no son visibles. Usando esto, agregó capa tras capa hasta que el dibujo obtiene el nivel deseado de profundidad y luminosidad.
Este monitor HP Z27 se verá bien en tu escritorio, pero ¿Tu trabajo se verá tan bien en su pantalla?
¿Qué deben esperar los creativos de un monitor 4K en 2019? El mercado está lleno de pantallas UHD con un mínimo de 3840 x 2160 píxeles, pero hay uno o dos monitores DCI 4K `verdaderos », como el Eizo ColorEdge CG, resolución de que tienen una 4096 x 2160.
Sin embargo, los artistas y diseñadores pueden arreglárselas bien con una pantalla UHD, siempre que la gama de colores esté a la altura y el monitor en sí no sea para juegos.
La última 4K del monitor dirigida a los creativos que hemos revisado en Artes Digitales era el Lenovo ThinkvisionP32U, una pantalla coronamos como lo mejor para MacBook Pro los usuarios en nuestra guía para el mejor monitor para el arte y el diseño gracias a su puerto Thunderbolt 3 que permite que conecte y carga tu computadora portátil Apple.
Entonces, ¿cómo se compara la opción 4K del siempre elegante y confiable HP? Hace poco nos pusimos manos a la obra con su Z27, un monitor 4K UHD de 27 «que la compañía está lanzando al mercado de los prosumidores a un precio menos que el Thinkvision.
Lo que encontramos fue un monitor que ciertamente no se queda atrás en el presupuesto, pero hace Seguro que no lo confunde con el HP DreamColor Z27x, un modelo 4K más reciente que cuesta.
Primeras impresiones del HP Z27
Lo primero es lo primero: este monitor se ve bien. Su negro metálico es tan elegante como usted ‘ esperaría de un producto HP, y su excelente diseño incluso se extiende hacia la parte trasera. La parte posterior del monitor es tan buena, de hecho, con una protuberancia de la marca agradable que lamentarás que nadie pueda ver.
Un buen toque cuando se desempaqueta la HP Z27 es que su pantalla viene cubierta con una guía de configuración rápida de papel. Esto no solo significa que no tendrás que buscar instrucciones en tu caja, sino también una capa adicional de protección para tu pantalla contra el polvo y los arañazos mientras está en tránsito. Tu pantalla definitivamente será excelente -dooper recién salido de la caja.
Configuración con el soporte proporcionado es muy fácil, y también obtiene la variedad esperada de cables y conductores.
Entrada, salida y ergonomía
Esto nos lleva a las opciones de puerto de los monitores: un DisplayPort; un mini DisplayPort; un HDMI 2.0, una salida de audio, un USB Type-C y un USB 3.0 x3 descendente.
Sin embargo, no hay opciones de Thunderbolt, por lo que hay un punto de diferencia entre este y el Lenovo Thinkvision.
Como la mayoría, sino todos los monitores del mercado, el HP Z27 se inclina entre -5 y + 23 °, y gira y gira hasta 90 °. En otras palabras, tiene un buen juego ergonómico.
Prueba de color HP Z27
Por lo tanto, la pantalla tiene un tamaño decente con 27 pulgadas y viene con una excelente resolución de 3840 x 2160 que es instantáneamente agradable a la vista. Pero, ¿qué pasa con su gama de colores?
Aquí es donde las cosas se ponen interesantes. Para un monitor 4K, el Z27 tiene un precio decente, y probablemente se deba a que no ofrece creatividades como la salida Adobe RGB que se ve en la mayoría de nuestros monitores recomendados, llegando al 74% cuando uno debería esperar algo más cercano al 98%.
El sitio de HP aparentemente oculta las especificaciones SRGB / RGB de la pantalla tanto de su sitio como de la hoja de especificaciones en PDF, lo que muestra lo útil que es invertir en un buen calibrador de monitores para conocer las especificaciones de tu equipo.
Probamos el Z27 con un colorímetro DataColor Spyder Elite para un examen de muestra de 48 colores. Además de los detalles RGB, también encontramos que el monitor tiene una calificación Delta-E de 1.35, una de las calificaciones más altas que hemos visto en nuestras pruebas hasta ahora.
Recuerde, cuanto menor sea el número DE, mejor; algo así como el iMac de 27 pulgadas 2017 tiene una puntuación de 0,68, mientras que uno de nuestros monitores favoritos, el Eizo ColorEdge CG2730, se las arregla para bajar hasta 0,47. Lo ideal es que desee algo lo más alejado posible de una puntuación de 1, aunque algo inferior a 2 no es demasiado desastroso. Pero como estamos acostumbrados a ver puntuaciones más bajas en las pantallas actuales del mercado, no podemos evitar marcar esto como un punto de fricción.
Dicho esto, el HPZ7 coincide con la curva gamma 2.2, por lo que no todo es pesimismo con este monitor.
Modos de visualización
Puede cambiar entre los modos de visualización mediante los botones de menú, que se encuentran ocultos debajo de la parte frontal del monitor.
Hay modos de visualización como Low Blue Light y Night que son útiles para la navegación nocturna por Internet, pero nos confundimos con el menú de control de imagen separado que ofrece Dynamic Contrast y Black Stretch. Jugando con estos, no encontramos una diferencia perceptible en la salida de la pantalla, para ser honesto.
Este también fue el mismo resultado al cambiar al modo HDEnhance +.
Finalmente, puedes cambiar entre la salida sRGB, como estándar, y una pantalla BT.709, que consideramos que es la primera vez. Este es el estándar HTV también conocido como Rec. 709, y puede ignorarse con seguridad por su arte y diseño. Simplemente agrégalo con los otros modos que amplían las especificaciones con fines de marketing.
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