Filip creó esta serie de ilustraciones para aprender a usar el software de pintura 3D Substance Painter, y acaba de lanzar algunos trabajos nuevos.
Presentamos la primera parte del artista 3D Filip Hodasla serie de distopía de la cultura pop en agosto del año pasado, pero para nuestro deleite, ahora ha lanzado la segunda parte, que incluye a Bob Esponja, un Stormtrooper y Mickey Mouse, entre otros íconos. Primero presentamos las nuevas ilustraciones, seguidas de la primera parte de la serie.
El arte atmosférico y terroso en 3D de este joven de 24 años con sede en Prada se puede comprar como impresiones o seguir en Instagram como (hoodass) para obtener una solución diaria de paisajes sensoriales, calmantes y, a veces, distópicos.
Esta serie se centra en un «mundo distópico de íconos de la cultura pop», en el que Filip representa íconos simbólicos como Pacman, Bender de Futurama, Hello Kitty y Mario Mushrooms en paisajes desolados, abandonados y cubiertos de maleza. Las imágenes son increíblemente deslumbrantes, impactantes y espeluznantes al mismo tiempo, lo que refleja la relación destructiva entre la humanidad y el medio ambiente (ya sea intencional o no). Simon Stalenhag fue una gran inspiración para la serie. Vea las ilustraciones de Simon de una invasión que salió mal.
Hablamos con Filip para averiguar un poco más sobre cómo funcionan exactamente estas herramientas juntas para crear la serie general, lo que podría darte una idea, si no inspiración, sobre cómo usar estas herramientas para tus propios proyectos.
Con Filip distopía de la cultura pop serie. Querrás aprender a pintar texturas con Substance Painter y ver hasta dónde podía llevar los mapas de desplazamiento dentro de OctaneRender.
«El objetivo principal de esta serie es aprender a utilizar Substance Painter (software de pintura 3D) e implementarlo en mi flujo de trabajo de texturizado», explica Filip.
Continúa proporcionando una lista muy larga de todas las herramientas y software involucrados en la creación de la serie 3D, incluidos nombres familiares como Cinema 4D, Adobe Photoshop, Illustrator y ZBrush, pero también Octane Render, Substance Painter, Substance Designer, 3D Coat y World. Máquina. En la segunda parte de la serie, Filip también comenzó a crear y usar activos de fotogrametría con una Sony A7 cámara Agisoft Photoscan.
En Alegorithmic’s Substance Painter puedes texturizar y renderizar tu trabajo usando un conjunto familiar de herramientas de texturizado, pintura de partículas, pincel con control de opacidad, máscaras inteligentes y otras herramientas. Al elegir entre una variedad de materiales escaneados o crear sus propios materiales adaptables a la malla, puede crear texturas que admiten la exportación de 8K y se puedan integrar en su flujo de trabajo fácilmente. Otra característica útil de Substance Painter para los desarrolladores de juegos es que puede obtener una vista previa de su trabajo exactamente como aparecería en Unity y Unreal Engine; sin embargo, Filip no ha usado estas herramientas para sus ilustraciones.
Filip combinó su creación de texturas en Substance Painter con Octane Render de Otoy para Cinema 4D, un renderizador acelerado por GPU que usa la tarjeta gráfica en computadoras para renderizar imágenes fotorrealistas rápidamente. El octano se usa ampliamente debido a su velocidad. Es compatible con un montón de complementos diferentes y tiene una ventana gráfica de edición 3D interactiva en tiempo real.
Al usar OctaneRender, puede crear geometría de superficie compleja en Cinema 4D usando mapas de desplazamiento de 8K.
«Exploré agregar detalles menores a mis objetos a través de Desplazamiento y crear mapas realistas de óxido, desgaste y suciedad basados en la forma del modelo», dice Filip. «Este proyecto fue ideal porque los objetos principales no eran demasiado complejos y podía ir con todo con el óxido y la suciedad «.
Dice que esto le permitió crear «mapas verdaderamente personalizados» basados en su geometría.
«Antes (de usar Desplazamiento), solo usaba el Nodo de suciedad de procedimiento (Octane) (enmascara los bordes cóncavos / convexos) con mapas de suciedad proyectados en cubos en la parte superior, lo que no produce resultados muy realistas la mayor parte del tiempo».
La generación procedimental del mapa de suciedad de Octane puede crear texturas para renderizar en Cinema 4D, pero tendrá menos control sobre la estética geométrica. Los mapas de suciedad se pueden usar para crear superficies oxidadas, efectos de pintura desgastada y desgastada, así como materiales manchados de agua, muchos de los cuales se pueden ver en el trabajo de Filip.
Tomando su ilustración de Mario Mushroom como ejemplo, Filip explica su flujo de trabajo. En esta ilustración, presenta otra herramienta, 3D-Coat, que es una aplicación que convierte su bloque 3D de arcilla digital en un modelo de superficie dura, orgánico o completamente texturizado listo para producción. 3D-Coat es útil para el arte conceptual y la escultura digital.
«Empecé por moldearlo en Cinema 4D y luego lo llevé a 3D-Coat para desenvolverlo», dice.
Desenvolver esencialmente ‘despliega’ una malla para que pueda crear una textura 2D que se ajuste al objeto 3D. Es ideal para cuando desea texturizar un objeto con precisión.
«Después de eso, entré en Substance Designer y creé algunos alfas de altura personalizadas (los ojos, por ejemplo). También hice un poco de material de óxido y suciedad.
«Luego fui a Substance Painter y comencé a agregar información de altura a través de alfas: los ojos, algunos tornillos , ventilaciones y conectores. Luego pinté los puntos en la parte superior del hongo. Cuando terminé, comencé a pintar óxido y usar máscaras con algunos pinceles físicos y generadores «, dice Filip.
Filip no usa Substance Painter para crear mapas completos, sino más bien para crear máscaras que usa más tarde en OctaneRender.
» Lo encuentro un poco más flexible cuando necesito ajustar algo más adelante. Cuando terminé, comencé a crear el material en capas en Cinema 4D usando OctaneRender a partir de las máscaras y los materiales que creé. «
Aquí está la primera parte de la serie ‘Distopía de la cultura pop’ de Filip Hodas.
Creando los modelos
Filip dice crear los diseños de modelos centrales (un ícono gigante de Pac Man, la cabeza de Hello Kitty, Mario Mushroom, la caja Happy Meal de McDonald’s, la lata de Coca-Cola y el ícono de Space Invaders) era bastante simple porque quería agregar tantos detalles como fuera posible a través de Desplazamiento. Freestyled la mayor parte del tiempo «.
Creando los Ambientes
La mayoría de los ambientes fueron creados usando materiales que él hizo en Substance Designer (como el suelo, rocas, acantilados, raíces, plantas y trozos de metal), pero Filip también usó Vizpark (una tienda en línea donde puede comprar paquetes completos de modelos 3D para software específico) y Laubwerk paquetes(específicamente modelos de plantas 3D) para plantas con materiales personalizados, y “un montón de otros paquetes para detalles más específicos”.
Experience Design CC (Beta) de Adobe – Adobe XD – es una excelente herramienta para diseñar y crear prototipos de sitios web y aplicaciones móviles, te explicaremos cómo usarlo.
Adobe XD recientemente lanzó nuevas funciones para Windows 10 la cuál lo utilizan los diseñadores de los principales gigantes digitales como Airbnb y Design Inc.
Los diseñadores ahora pueden citar wireframes, diseños de pantalla y prototipos interactivos, todo dentro de la misma aplicación utilizando herramientas poderosas como Repeat Grid específicamente desarrollada para XD. En un mundo del diseño donde las marcas valoran primero el diseño de UX y UI, es crucial que los diseñadores comprendan lo que es capaz en estas áreas y cómo construir una relación sólida con los desarrolladores.
Adobe XD es una herramienta útil para que los diseñadores vean y muestren sus diseños en un modo de prototipo de inmediato, para que puedas ver los cambios aplicados de inmediato en un teléfono inteligente o tableta. Cualquiera en la empresa en general puede ofrecer comentarios rápidos y los diseñadores pueden compartir su trabajo con los desarrolladores que, a su vez, construirán según las especificaciones.
Pero el software siempre está evolucionando e introduciendo nuevas funciones, afirma Adobe con una frecuencia mensual, a medida que aprendas de los propios diseñadores sobre qué funciones son importantes. Las últimas actualizaciones de Adobe XD en Windows 10, desde el 13 de junio, incluyen degradados, herramientas de texto estilizadas, símbolos y capas de arrastrar y soltar. Para ver una cronología de todas las funciones nuevas de Adobe XD.
Presentamos 50 tutoriales en línea de Adobe XD para principiantes o expertos. Algunos son tutoriales pagados y otros son gratuitos. A veces es difícil justificar el pago de tutoriales cuando hay alternativas gratuitas disponibles; sin embargo, la mayoría de los siguientes centros de aprendizaje basados en suscripción ofrecen una prueba gratuita, por lo que puede aprender Adobe XD de los mejores sin tener que pagar un centavo.
Todas las funciones de los sitios web ofrecen múltiples tutoriales, por lo que puede elegir exactamente qué características y habilidades desea aprender.
Hemos intentado incluir tutoriales recientes porque cuanto más antiguo se publicó un tutorial, más desactualizado estará el software. También vale la pena mencionar que muchas de las plataformas de tutoriales, como Dansky, envatotuts + y Udemy, cuentan con tutoriales del diseñador británico Daniel White. Daniel tiene más de 10 años de experiencia como diseñador en el Reino Unido.
Adobe Experience Design CC (Beta) está disponible para descargar de forma gratuita durante el período de vista previa. Puede descargarlo de Adobe o mediante la aplicación de escritorio de Creative Cloud.
Aprenda y soporte Adobe XD
10 tutoriales diferentes
Nivel: principiante y experimentado
Precio: gratuito
Comenzamos con el propio servicio de soporte de Adobe. Divididos en una guía para principiantes y una guía para el usuario, los tutoriales de Adobe son muy fáciles de seguir y un excelente lugar para comenzar.
Hay siete tutoriales con la ayuda de videos para ayudar a los nuevos usuarios a manejar el software, como familiarizarse con la interfaz XD y dibujar iconos por primera vez.
Los tutoriales para principiantes incluyen diseño para aplicaciones web y móviles, cómo crear y compartir prototipos, exportar, dibujar iconos y formas y obtener una vista previa de su diseño en dispositivos reales.
Todos estos son para macOS, pero desde entonces se han agregado dos videos clave: un instructivo en Adobe XD para Windows y cómo hacer wireframe en un prototipo de alta fidelidad.
Los tutoriales experimentados cubren consejos, sugerencias y trucos profesionales para el diseño de UI / UX en macOS y wireframe de alta fidelidad.
Todo lo que necesitas hacer por adelantado es descargar Adobe XD y un archivo de muestra para practicar.
Dansky
24 tutoriales diferentes
Nivel: principiante y experimentado
Precio: Gratis
Dansky es probablemente el mejor sitio web para visitar para obtener una sólida comprensión de Adobe XD.
Dansky es una plataforma en línea dedicada a personas creativas, esencialmente un centro de habilidades creativas para diseñadores en Adobe Illustrator, InDesign, Photoshop Premiere Pro, Sketch y XD. Los tutoriales de transmisión en vivo grabados de Adobe XD son proporcionados por el diseñador Daniel White, el hombre detrás de Dansky. Aunque son geniales; necesitará un poco de tiempo libre en sus manos para ver cada video completo de una hora y 30 minutos aproximadamente.
Cada tutorial se enfoca en un tema específico. Daniel cubre el diseño y prototipo de aplicaciones, diseño de interfaz de usuario de chat, mesas de trabajo desplazables, bordes rectos y curvos, 10 iconos, interfaz de usuario de conmutador de trabajo, diseño y encuadre de cables, capas y símbolos, interfaz de usuario del navegador, icono del logotipo de Instagram y la lista continúa.
Udemy
5 tutoriales diferentes de
Nivel: principiante y avanzado
Los cursos de Udemy no te costarán mucho dinero de su bolsillo, pero te garantizarán el asesoramiento de expertos sobre cómo navegar en Adobe XD.
Cómo diseñar y crear prototipos en Adobe XD es un curso de formación sobre las herramientas de Adobe XD, cómo diseñar iconos y otros elementos populares de la interfaz de usuario, y cómo diseñar una pantalla de aplicación en Adobe XD.
Recibirá videos a pedido, recursos complementarios y acceso en dispositivos móviles y TV.
Este curso está dirigido no solo a diseñadores web, diseñadores de UI y diseñadores de UX, sino también a estudiantes interesados en aprender el diseño y la creación de prototipos de aplicaciones.
Lynda.com
7 tutoriales diferentes
Nivel: principiante
Lynda es un gran centro para todos los tutoriales para desarrolladores, diseño y web. Puedes probar Lynda gratis durante 30 días, y en ese tiempo aprender a usar Adobe XD de forma gratuita, o puedes suscribirte al mes y obtener acceso a todos los tutoriales en video y nuevos cursos semanalmente.
En un video tutorial de una hora para principiantes, aprenda a usar todas las funciones principales de Adobe XD, como mesas de trabajo, herramientas de dibujo y texto, enlaces e interacciones, panel de vista previa y funciones para compartir.
Aprenda también a usar Repeat Grid, una función para duplicar contenido en un diseño. Ten en cuenta que este tutorial tiene casi un año, por lo que puede haber nuevas funciones.
Pero hay muchos más tutoriales en video de Adobe XD disponibles en Lynda.com, que incluyen nuevas funciones y cómo diseñar un sitio web o una aplicación móvil, así que busca para descubrir qué tutorial se adapta mejor a tus necesidades.
Envatotuts +
4 tutoriales diferentes
Nivel: Principiante
Hay cuatro tutoriales prácticos de Adobe XD disponibles en Envatotuts + que definitivamente vale la pena revisar.
De hecho, Daniel White vuelve a aparecer con sus consejos sobre cómo crear un prototipo de una aplicación en Adobe XD, junto con Adobe XD en 60 segundos y los tutoriales This is Adobe XD, que cubren rellenos, degradados y sombras, transformación y alineación de formas, desenfoque de objetos y fondos, creación de prototipos. y transiciones.
También está la Rafiq El Mansy Cómo crear un prototipo de interfaz de usuario con Adobe XD de guía paso a paso.
Puede tomar un curso Envatotuts + de inmediato con una prueba gratuita de 10 días; de lo contrario, la plataforma cuenta con una subscripción mensual, lo que otorga acceso a cientos de cursos, y se agregan nuevos cada semana.
Le mostramos cómo disfrutar de la impresión desde su iPhone, iPod touch o iPad con la gama de impresoras y aplicaciones de Kodak.
Una de las mejores cosas de usar un dispositivo iOS, en lugar de una computadora portátil o computadora tradicional, es la increíble libertad que proviene de tener un dispositivo poderoso similar a una computadora como el iPad, iPhone y iPod touch donde quiera que vaya.
De hecho, estos dispositivos iOS se están apoderando lentamente del mercado de la tecnología, y Scott Forstall, vicepresidente senior de software iOS en Apple Inc, anunció recientemente que Apple ha vendido millones de dispositivos iOS.
Apple a menudo se refiere a los dispositivos iOS como ‘Post-PC’, lo que sugiere que se han movido más allá de la computadora tradicional y se han adentrado en un nuevo y valiente mundo de dispositivos portátiles siempre conectados. Sin embargo, una de las desventajas de tener un dispositivo iOS es que no siempre es obvio cómo integrarlo con equipos informáticos tradicionales, como una impresora. Los puertos tradicionales como USB o Firewire han sido reemplazados por funciones de red inalámbrica.
Afortunadamente, Kodak ha trabajado mucho para facilitar la impresión de todo tipo de cosas desde un dispositivo iOS con su gama de impresoras. Tomemos, por ejemplo, la nueva gama Hero de impresoras multifunción de Kodak. Estos vienen con una variedad de características y servicios diferentes, todos orientados a hacer que sea lo más fácil posible imprimir de forma inalámbrica directamente desde su dispositivo iOS.
Una característica clave es la integración con el servicio Cloud Print de Google. Google Cloud Print le permite imprimir todo tipo de documentos, desde procesadores de texto y hojas de cálculo, hasta correos electrónicos y páginas web. Simplemente regístrese en el servicio Google Cloud Print y configure su impresora Kodak. Ni siquiera necesita una computadora para configurar una impresora lista para la nube como la gama Kodak Hero All-in-One o Kodak ESP Office 2710. Como tal, es perfecto para aquellos usuarios que buscan reemplazar la computadora doméstica tradicional con un iPhone o iPad.
No se requieren controladores de impresión ni software adicional con Google Cloud Print, solo siga las instrucciones de configuración en la página Kodak Bienvenido a la impresión inteligente de.
Una vez que su impresora está configurada, puede usar la función print2go en Mobile Google Apps para enviar el documento a la impresora. Si prefiere utilizar una aplicación dedicada, instale PrintCentral Pro desde la App Store que le permite imprimir documentos con Google Cloud Print.
Si está en la misma red inalámbrica que su impresora multifunción Kodak Hero, puede imprimir documentos directamente con las aplicaciones Pic Flick de Kodak.
Una nueva incorporación al establo de aplicaciones de Kodak es Kodak Pic Flick HD para iPad, que le permite crear tarjetas fotográficas, collages e impresiones con funciones divertidas como subtítulos y bocadillos, y luego enviarlos a través de una red inalámbrica local directamente a una impresión. .
Kodak Pic Flick HD también puede identificar colores en fotos y generar bordes coincidentes para enmarcar.
La aplicación se puede descargar gratis y estará disponible en la tienda de aplicaciones en breve, por lo que los propietarios de iPad con impresoras Kodak deben estar atentos.
Si no puede esperar tanto o tiene un dispositivo iPhone o iPod touch, la aplicación Kodak Pic Flick para iOS ya está disponible y también se ejecuta en un iPad. Esta aplicación funciona con todas las impresoras Kodak de las series KODAK ESP 9200, 7200, 5200 y ESP Office 6100 en adelante, incluida la gama Hero y las nuevas ESP 1.2 y ESP 3.2.
Kodak Pic Flick le permite enviar fotos desde el carrete de la cámara en su dispositivo iOS directamente a una impresora Kodak, y puede crear marcos y elegir diferentes tamaños de impresión.
Otra aplicación que Kodak está desarrollando para iOS es su aplicación Document Print, que le permitirá imprimir documentos y páginas web de forma inalámbrica directamente en una impresora Kodak All-in-One habilitada para la nube.
Esto facilitará aún más la impresión de páginas web, documentos de Microsoft Office, PDF, texto y archivos, además de la mayoría de los archivos de imagen, desde su dispositivo iOS.
Kodak se ha esforzado por facilitar la impresión de fotografías y documentos a los propietarios de dispositivos iOS (como el iPad, el iPhone y el iPod touch). Esto es ideal para los propietarios de impresoras Kodak porque permite a los usuarios seguir usando una impresora incluso con un dispositivo móvil. Y hay muchos casos en los que los usuarios de iOS todavía necesitan imprimir elementos como tarjetas de embarque del aeropuerto, entradas para conciertos, correos electrónicos y documentos de trabajo. Y la integración con Google Cloud Print significa que ni siquiera necesita estar en la misma red que su impresora para imprimir el documento, un servicio que realmente aprovecha al máximo el aspecto móvil de los dispositivos iOS.
Agregue a esto el hecho de que las impresoras Kodak están diseñadas para tener costos de funcionamiento más bajos en forma de tinta de reemplazo que las impresoras de otros fabricantes, y puede ver por qué Kodak tiene la ventaja en las impresoras para el mundo Post-PC.
Transforme sus bocetos en impresionantes obras de arte con textura.
Transformar sus bocetos en pinturas digitales detalladas y texturizadas requiere tiempo y paciencia, pero la capacidad de mejorar una escena y crearla con estilo es una habilidad clave para cualquier artista digital.
En este gran tutorial, Patrick Auletto le muestra cómo convertir una pieza a partir de un boceto a lápiz en una pintura impresionante de colores vivos. La clave para crear este tipo de ilustración es pensar en su documento como un lienzo en blanco, listo para pintar.
Al superponer varias capas de luces y sombras, creará la ilusión de profundidad. A lo largo del tutorial, debería experimentar con transparencias de capas para encontrar el estilo que se adapte a sus necesidades.
01. En un nuevo documento de Illustrator, vaya a Archivo> Colocar y seleccione el dibujo. jpg del CD de la portada. Este es un boceto que creé; verá que tiene varios elementos diferentes. Cree y etiquete nuevas capas para cada elemento clave en la ilustración, ya que esto le ahorrará tiempo más adelante. En el panel Muestras, haga clic en la pestaña de la esquina y seleccione Abrir biblioteca de muestras. Seleccione una o más de estas opciones de color; esto le dará acceso rápido a su paleta de colores.
02. Utilice la herramienta Lápiz o Pluma para trazar los elementos básicos en su obra de arte, colocando cada elemento en su capa separada. La herramienta Pluma es ideal para trazar objetos como el vidrio, el líquido y la botella, mientras que el Lápiz sobresale con las formas que fluyen más libremente, como las llamas. Llene cada elemento con colores de su paleta de Muestras. Una vez que traces un elemento, baja la transparencia de tu objeto para que aún puedas ver el boceto.
03. Ahora que tiene sus elementos básicos delineados, haga que su capa escaneada sea invisible (haga clic en el símbolo del ojo en la paleta Capas) y lleve las otras capas a una transparencia total. A continuación, comience a jugar con degradados. Los degradados lineales y radiales le darán a su obra de arte un brillo que puede comenzar a construir cuando comience a sombrear. Asegúrese de que cada elemento tenga un trazo; esto es esencial para la ilustración final.
04. Para crear la ilusión de profundidad de campo, agregue un Desenfoque gaussiano (Filtro> Desenfoque> Desenfoque gaussiano) de alrededor de 6.5 a la capa de llamas. Esto difuminará los bordes de las llamas, dándoles un aspecto más estilizado.
05. Agregue algunas formas transparentes abstractas básicas sobre las llamas: esto comenzará a agregar complejidad a su ilustración, ya que el uso de tonos oscuros y claros contrastantes le dará profundidad a su arte. Puede resultar útil reunir fotografías de referencia de algunos de los elementos de su ilustración, para ayudarlo a representar su ilustración correctamente, en particular la iluminación y las sombras.
06. Empiece a añadir texturas de superficie dibujando trazados en forma de gusano en el primer plano, luego agregue un pincel de trazo personalizado. Abra la biblioteca de Pinceles, luego seleccione uno de los pinceles artísticos del menú. Cambiar el tamaño del punto de la ruta tendrá un gran efecto en la apariencia general.
07. Termine de agregar algunos colores oscuros al primer plano, y luego es el momento de crear el cielo, en una capa de fondo. En lugar de tener un cielo degradado vertical, podemos agregar una forma grande que cubra la mayor parte del fondo pero dejando algo de luz cerca de la línea del horizonte. Agrega un Desenfoque gaussiano, como hiciste con las llamas. Aplica un poco más de Desenfoque Gaussiano a un par de llamas.
08. A continuación, experimentemos con la herramienta Girar para agregar algo de dramatismo al cielo; en la paleta de Herramientas, es una de las opciones de la herramienta Deformar. Dibuje formas aleatorias en el horizonte, oscureciendo cuanto más cerca estén de la parte superior de su mesa de trabajo, luego déjelas rasgar con la herramienta Girar. La herramienta Deformar puede resultar útil para controlar la forma de la distorsión. Una vez que esté satisfecho con los resultados, cambie el modo de opacidad a Multiplicar. Esto ayudará a crear un horizonte psicodélico.
09. Ahora dirijamos nuestra atención al líquido que fluye de la botella al vaso. Mire fotografías de agua, luego intente simplificarlas en su arte. Dibuja formas abstractas que imitan ondas en una variedad de tonos, juega con la herramienta Girar y usa la herramienta Pluma para agregar bordes oscuros y áreas más oscuras.
10. La clave para hacer que el líquido se vea brillante y acabado es agregar reflejos blancos fuertes a las burbujas, el líquido y el vidrio. Utilice estos reflejos para mostrar el movimiento en el líquido. La superposición del sombreado agrega contraste al área.
11. Ahora use la herramienta Lápiz para modelar las alas y agregarles un marco multicolor. Ponga un degradado radial de un tono claro a uno más oscuro en las secciones internas de las alas. Dibujar trazos personalizados con los pinceles ayuda a agregar textura y otro nivel de interés a esta área.
12. Ahora dirija su atención a la botella. Agregar dos o tres áreas grandes de tonos claros sobre la botella le da una iluminación creíble. Use tonos oscuros para ayudar a modelar la forma. Dedique algún tiempo a agregar toques de color en las alas, la botella y en cualquier otro lugar que considere oportuno.
13. Agregue algunos reflejos a la botella: dibuje una forma en un área donde habrá un reflejo, luego coloque un relleno transparente en un color adyacente al color del objeto. Luego dibuja una forma con un contorno similar justo al lado y coloréala de manera similar. Esto agregará un acabado de alta calidad al área de la superficie de la ilustración.
14. A continuación, haremos que las calaveras de las botellas realmente se destaquen. Para hacer esto, tendremos que pensar en la dirección de la que proviene la iluminación para averiguar dónde agregar luces y sombras. Agregar colores complementarios transparentes para esculpir la cara de la calavera hará que esta imagen resalte. Intente usar azules para las sombras y amarillos para las luces. La opacidad del 50-60% es generalmente efectiva para trabajos como este.
15. Agregue colores de acento a su ilustración para darle un toque final. Intente experimentar con naranjas, amarillos y azules para ampliar la paleta de colores de la pieza. Asegúrese de convertir todos sus colores a CMYK para impresión comercial.
Sugerencia
Haga doble clic en la herramienta Lápiz para que aparezcan las opciones para ajustar preferencias como Fidelidad y Suavidad. Es importante experimentar con diferentes escenarios hasta que encuentre uno que se sienta apropiado. Practica dibujar formas abstractas, que se superponen en la imagen. Al ajustar las transparencias de estos objetos superpuestos, puede agregar dimensión a la sombra.
Quién: Patrick Auletto, radicado en EE. UU. Es un ilustrador, diseñador y profesor que se especializa en enseñar técnicas de ilustración tradicional y digital a estudiantes universitarios. Auletto también es un profesional de la preimpresión y pasa su tiempo libre trabajando independientemente en todo, desde diseño web hasta ilustraciones editoriales.
Software: Adobe Illustrator CS3 Tiempo para completar: 3-6 horas
Con las nuevas herramientas agregadas en la última actualización de Photoshop CC en 2014, se explica cómo modelar un juguete completamente en Photoshop y luego imprimirlo con una impresora 3D.
Introducción
De repente, todo se vuelve tridimensional. Las impresoras 3D fueron una vez el coto exclusivo de las imprentas de alta gama, que cobrarían una fortuna a las agencias de diseño por producir prototipos de productos futuros. Pero ahora puede comprar una impresora 3D de Maplin lo que le permitirá imprimir sus modelos en su propio estudio.
Esto le permite ver cómo aparecerá un objeto, como un juguete de diseño de cadera, antes de que se produzca una carrera completa. O puede producir sus propias tiradas limitadas de un juguete de edición especial, un tipo 3D ingeniosamente diseñado o cualquier cosa que su imaginación pueda concebir.
Sin embargo, la impresión 3D no siempre es sencilla, ya que lleva un tiempo instalar, y mucho menos dominar, los diversos programas que necesitará. Pero con algo de tiempo y esfuerzo se puede lograr.
Crear su modelo no significa necesariamente usar software 3D o CAD. Puede usar Photoshop CC, o si usa Photoshop CS6 Extended, siga nuestro tutorial de Impresión 3D desde Photoshop CS6.
Las opciones de modelado 3D de Photoshop se mejoraron enormemente en CS6 con controles en pantalla más intuitivos que brindan incluso al artista menos técnico la capacidad de producir modelos a partir de ilustraciones planas, fotografías o su imaginación, y luego se mejoraron aún más en Photoshop CC.
Photoshop puede estar limitado como programa de modelado, pero es mucho más fácil que aprender sobre NURB y superficies de subdivisión. Y una vez que domine el 3D en la herramienta de Adobe, es mucho más fácil pasar al trabajo 3D de gama alta en herramientas como Cinema 4D o Maya.
veremos cómo un diseñador de juguetes podría usar la tecnología para modelar una figura en Photoshop y luego imprimir una versión física de la misma. Aprenderá el proceso creativo y técnico, y algunas de las restricciones impuestas a su diseño por el proceso de impresión 3D. Steve ha utilizado una impresora 3D Ultimaker 2 para este tutorial, pero el proceso es muy similar en cualquier impresora 3D de escritorio.
También proporcionó el modelo 3D en los archivos del proyecto como referencia.
Tiempo para completar
2 horas de modelado y preparación, hasta 4 horas de impresión
Herramientas
Photoshop CC
Paso 1
Comience por crear un nuevo documento en Photoshop (2000 píxeles cuadrados es un buen tamaño) y, en una nueva capa, dibuje su diseño. Dado que se imprimirá capa por capa desde cero, es importante no tener ningún lugar donde la máquina imprima en el aire: no podríamos tener los brazos apuntando hacia abajo por esta razón.
Paso 4
En la sección Tapa del panel Propiedades, establezca el Ángulo de inflado en 90 grados para que se infle en ángulos rectos desde los lados. Luego, arrastre el control deslizante Intensidad hasta que el objeto se vea redondeado y tridimensional.
También puede inflarlo tocando la tecla V y arrastrando los controles frontales sobre el objeto mismo.
Paso 5
El comportamiento predeterminado es inflar solo la parte frontal del objeto. En el panel Propiedades, busque el menú emergente Lados en la parte superior y cámbielo a Frente y Atrás. Ahora, la inflación se reflejará.
Cuanto más grueso sea el dibujo original, más inflado estará el objeto, por lo que el cuerpo y la cabeza son más gruesos que los brazos y las piernas.
Paso 6
Necesita hacer algunos pies sólidos para que la figura se mantenga de pie; es esencial tener una superficie lo suficientemente grande que esté pegada a la base de la plataforma de impresión. Como antes, comience dibujando el contorno de un zapato en una nueva capa.
Paso 7
Al igual que antes, extruye la ilustración para crear un nuevo objeto 3D. Esta vez, sin embargo, no desea reducir la profundidad de extrusión: establecerla en una cifra baja, como 20, le dará al zapato una suela plana sobre la que pararse. Gire el zapato 90 grados en el eje X, usando la pestaña Coordenadas en el panel Propiedades, para que quede plano en el suelo.
Paso 8
Utilice los controles de inflado una vez más para darle vida al zapato. Esta vez, solo se debe inflar el frente.
Paso 9
Duplique la capa del zapato 3D, luego seleccione las tres capas y elija Combinar capas 3D en el menú 3D. Todos se colocarán juntos, y es posible que obtenga una orientación que es tan desafortunada como la que se muestra. Todo es cuestión de azar.
Paso 10
Puede seleccionar cada zapato dentro del panel 3D o haciendo clic en él. Elija 3D> Ajustar objeto al plano de tierra y deslicelo hacia los lados para que encaje debajo de la pierna de la figura principal. Repite el proceso con el otro zapato. A continuación, seleccione Exportar capa 3D en el menú emergente del panel 3D y elija “objeto” como tipo de archivo.
Paso 11
Si ha combinado varios modelos para crear su escena, como lo hice aquí, deberá unirlos. Seleccione 3d> Unificar escena para impresión 3D y, como le indica el cuadro de diálogo de advertencia, el proceso combinará todos los elementos en una sola malla. A partir de ahora, las partes individuales ya no serán editables.
Paso 12
Elija Configuración de impresión 3D en el menú 3D para configurar cómo se imprimirá su modelo. Puede optar por imprimir en una impresora local, si tiene una conectada, o en el servicio Shapeways 3D-print-on-demand. Shapeways es el socio de impresión bajo demanda preferido de Adobe, por lo que puede utilizar rivales como Sculpteo.
También puede configurar la exportación del objeto a un archivo STL imprimible; también puede establecer la escala del modelo, que hasta este momento no ha sido relevante. La escala se establece en los controles de volumen de escena, donde Y es la altura (y no Z, como se usa en la mayoría de las impresoras 3D). También puede elegir si desea agregar una estructura de soporte en este punto.
Paso 13
Elija Imprimir en el menú 3D y Photoshop se encargará de preparar el modelo. Esto implica reparar las mallas para que el modelo sea ‘estanco’, lo que prácticamente garantiza que será imprimible. Si es necesario, Photoshop también agregará soporte cuando sea necesario.
Paso 14
una vez el archivo terminado hice todo lo posible para que el modelo se pudiera imprimir sin soporte, Photoshop ha decidido que se necesita soporte entre las piernas, y por eso ha agregado el andamio naranja que se puede ver.
Si tiene una impresora 3D recomendada conectada, presione el botón Imprimir en esta etapa para producir el modelo. De lo contrario, deberá exportar el modelo como un archivo STL y luego usar otra aplicación para cortarlo y listo para imprimir.
Paso 15
El archivo GCode es el archivo que su impresora puede leer. Los archivos se pueden imprimir directamente desde la computadora o, nuestro método preferido, colocándolos en una tarjeta SD y conectándolos a la impresora.
Paso 16
El objeto se imprime desde cero, capa por capa. Puede ver por qué no podíamos tener los brazos apuntando hacia abajo: habría significado imprimir las manos sin apoyo debajo de ellas. Si esto es inevitable, hay un par de formas de evitarlo. Puede construir soportes en su modelo y cortarlos / archivarlos después (lo que puede llevar mucho tiempo), o colocar bloques del tamaño exacto como plintos de soporte (que pueden ser complicados de configurar).
Así que ahora su primer prototipo está completo, listo para refinar, pintar y / o personalizar.
Este escáner-cámara único ocupa mucho menos espacio que una cama plana A3 y puede escanear libros gruesos y otros objetos no planos, pero la calidad lo decepciona.
Descubrimos por primera vez el Fujitsu ScanSnap SV600 de una manera inusual, notando su uso en la creación de una enorme colección en línea de acuarelas históricas.
Lo que también se destacó fue el alcance del escáner. Al no ser su escáner plano normal de tamaño A4, el SV600 es una cámara de documentos que puede capturar cualquier cosa por debajo de su lente hasta el tamaño de las dimensiones A3.
Lo que esto significa para los artistas y diseñadores es que, en teoría, puede capturar una pieza grande sin necesidad de «unir» imágenes con un software de edición de fotografías, y sin gastar miles de dólares en un tipo de escáner plano más grande.
Si a menudo se encuentra en la necesidad de capturar piezas A3 que ha dibujado con tinta para digitalizar, siga leyendo para ver qué tan útil puede ser el ScanSnap SV600 para usted.
¿Qué hay en la caja?
Además del escáner en sí, se le proporciona un tapete marcado en tamaños de papel, cables de alimentación y un DVD que probablemente deseche al desempacar (simplemente conecte el escáner a su dispositivo por USB y luego descargue el Mac y Windows requeridos). -software amigable del sitio de Fujitsu).
La instalación es bastante fácil, aunque después de hacerlo, es posible que se le solicite que instale una actualización tan pronto como haya reiniciado su dispositivo, lo que significa otra espera y reinicio.
El dispositivo puede escanear a correo electrónico, impresora y móvil, pero intentar sincronizar el SV600 con la aplicación ScanSnap en nuestro iPhone fue un esfuerzo infructuoso. A pesar de muchos intentos, la aplicación simplemente no pudo detectar nuestro dispositivo.
¿Cómo se ven las líneas con el ScanSnap SV600?
Lo primero es lo primero: si lo que busca es escanear simplemente una hoja de tamaño A3, entonces el SV600 funciona. Pero si está buscando cierta fidelidad en la captura de su trabajo de línea, busque en otro lado.
Jugando con algunos bocetos que quedaron en la oficina de artes digitales por el artista de libros ilustrados Oliver Jeffers, está claro qué tan problemática es la baja resolución del dispositivo. Estamos hablando de un rango de DPI de 285-218 horizontal y menos para el escaneo vertical. Eso significa que sus diseños de lápiz y tinta se ven desgastados.
No se nota demasiado al escanear libros o revistas, por ejemplo, cualquier cosa con brillo y que ya esté bien producida, pero incluso allí encontrará problemas.
Si eres un estudio de diseño que busca escanear materiales impresos de un proyecto, o un artista que busca jugar con una imagen original en forma digital como plantilla para tu próxima pieza, entonces probablemente tendrás que mantener presionadas las páginas. para mantener las cosas planas.
Eso, por supuesto, significa que sus dedos se interponen en el camino, tan preciso es el alcance de la cámara, pero la herramienta Retoque de puntos que se ofrece en el SV600 para editar sus escaneos puede ser una bestia impredecible.
En algunos casos, limpia los dedos sin dejar rastro como por arte de magia, pero en otros notamos una marca roja que quedó después de limpiar el dedo, manchando el borde de las extensiones. Vea la marca en un círculo en naranja a continuación y observe que no hay ninguna marca en el lado opuesto, lo que demuestra la falta de consistencia del software.
Es molesto que no parezca haber una forma obvia de seleccionar tales marcas para su eliminación. Tampoco hay una opción Deshacer, por lo que parece que tendrás que salir de la pantalla Retocar sin guardar y luego comenzar a editar de nuevo.
También es incómodo que la herramienta Retoque de puntos no esté marcada automáticamente fuera de la caja, lo cual es una pena, ya que es un pequeño parpadeo y te lo perderás. Este problema se extiende a gran parte de la interfaz; por ejemplo, lleva un tiempo averiguar cómo se puede eliminar un escaneo de la selección de miniaturas antes de exportar sus imágenes como archivos guardados.
Sin embargo, puede recortar sus imágenes con bastante facilidad antes de guardar su salida PDF / JPEG. El marco de recorte en la interfaz SV600 es similar a las herramientas Lazo de Photoshop, que se adhiere a los bordes como una especie de cadena magnética. En su mayoría, es fácil de usar, pero hemos notado un recorte más sofisticado e intuitivo en aplicaciones simples de iPhone como TinyScanner.
Ya que estamos en el tema de la intuición, hay que decir que la elección de dos botones, Iniciar y Detener, hace que esta sea una herramienta muy fácil de usar. Sin problemas, sin despeinarse.
Garantizar menos problemas (en teoría) es la función de detección de página del SV600, que se activa cada vez que pasa la página. Sin embargo, por desgracia, nunca pareció funcionar para nosotros.
Escaneo de partes y piezas
Las otras capacidades de detección del SV600, sin embargo, se encuentran en buen estado. Aunque está diseñado para materiales más grandes, escanea piezas más pequeñas como este libro de bolsillo casi a la perfección en el primer intento (se ha dejado demasiado en la parte superior exponiendo así el tapete, y también un poco recortado en la parte inferior, lo que significa otra toma era necesario).
El SV600 también puede «leer» una serie de objetos debajo de su lente y generar cada uno como una imagen separada. Eso significa que puede colocar una selección de fotos o recortes en el tapete y digitalizar cada uno individualmente.
Un efecto secundario de esto es que, en raras ocasiones, las páginas del libro con más de una imagen se cortan en la salida, lo que es molesto si solo busca escanear una página, pero tal vez sea útil si desea dividir una página en componentes individuales.
Sin embargo, si este es el caso, hay dos inconvenientes: no hace esto todo el tiempo, especialmente si las imágenes son del mismo tipo de color o están dentro de bordes sombreados de manera similar y, como es de esperar, las imágenes resultantes tienen una resolución deficiente ( como el siguiente ejemplo del libro de mitología del dragón con el que jugamos para nuestra revisión). Tenga en cuenta que puede cambiar la configuración para asegurarse de que nunca se produzca un ‘empalme’, pero la opción no está dispuesta en un plato para usted.
¿El ScanSnap SV600 es bueno para los creativos?
Es difícil recomendar el ScanSnap SV600 a nadie más que a un archivero; aunque parece la solución perfecta para los artistas que desean escanear fácilmente (o más barato) en obras A3, en última instancia, se ve obstaculizado por su baja resolución. Las especificaciones significan baja fidelidad con su línea de trabajo y colores sin brillo que salen bastante granulados.
Debería querer tomar un boceto que cubra dos páginas de un libro en lugar de una extensión grande, luego espere hacer un poco de movimiento recortando los dedos si se involucran las manos. El problema proviene de que este no es el dispositivo más fácil de usar, con una interfaz que podría funcionar con algunos accesos directos más para la personalización.
Tal como está, el SV600 no es exactamente bueno para usar directamente de la caja, y si bien eso puede volar con los bibliotecarios y archiveros, desafortunadamente no será del agrado de los diseñadores y artistas.
En este tutorial, veremos el enmascaramiento y cómo puedes darle a tu trabajo una sensación de profundidad usando esta técnica, así como capas de texturas y elementos para ayudar a realzar tu pieza.
Introducción
En este tutorial veremos el enmascaramiento y cómo puedes darle a tu trabajo una sensación de profundidad usando esta técnica, así como capas de texturas y elementos para ayudar a levantar tu pieza, en este caso usando papel para crear rocas y montañas. -Elementos similares.
Este tutorial es un ejemplo de cómo se pueden usar algunas técnicas simples para crear ilustraciones más elaboradas usando múltiples capas, máscaras, la herramienta Pluma, algo de iluminación básica y una textura simple. Usando los procesos aquí, podrá aplicar las mismas técnicas a su trabajo, con suerte le dará la confianza para usar máscaras y crear sus propias texturas para darle mayor alcance a su trabajo.
Para esta clase magistral, necesitará una foto en la cabeza de un modelo. Max Spencer ha utilizado un disparo de Pasi Lehtinen. También necesitará acceso a una cámara digital y algo de papel, aunque hemos incluido las fotos de Max de papel de seda arrugado en los archivos de nuestro proyecto.
Tiempo para completar
2 horas
Software
Adobe Photoshop
Paso 1
Para crear un elemento de fondo texturizado para esta pieza, simplemente arrugé un poco de papel de seda en una bola: esta es una buena manera de usar viejos trozos de papel por ahí. Se pueden lograr grandes efectos utilizando papel que ya tenga imágenes o garabatos.
Paso 2
Importe la textura de su papel a Photoshop. Desaturar la imagen usando Cmd / Ctrl + Shift + U. Cambie el contraste si cree que su textura lo necesita. Ahora invierta la textura presionando Cmd + I. Una vez que esté satisfecho, seleccione la herramienta Pluma (P) y trace alrededor de la bola de papel.
Paso 3
Una vez que haya terminado de trazar la bola de papel, seleccione la herramienta Marquesina y Cmd / Ctrl + haga clic en el contorno que ha creado en la paleta Capas. Esto mostrará el contorno que creó como una selección. Haga clic de nuevo en la capa de la imagen y simplemente copie (Cmd / Ctrl + C) y pegue (Cmd / Ctrl + V) y su bola de papel ahora estará en una capa propia.
Paso 4
Abra la imagen de su modelo. Seleccione la herramienta Pluma (P) y trace el contorno de la imagen. Intente ser lo más preciso posible; en este caso, he evitado deliberadamente cortarle la cola de caballo, teniendo en cuenta la composición de la pieza. Usando la misma técnica que en el Paso 3, coloque el recorte del modelo en su propia capa.
Paso 5
Cree un nuevo documento A4 a 300 ppp. Aquí es donde usamos la herramienta Elipse (E) para crear nuestra composición básica. Encuentro que es más fácil trabajar con los círculos al diseñar las diferentes áreas.
Paso 6
Abra la imagen del modelo que recortó anteriormente y arrastre la capa recortada a su nuevo documento encima de los círculos que ha creado. Coloca el modelo donde quieras que se siente dentro de tu pieza.
Paso 7
Haga clic en Agregar máscara de capa en la capa del modelo en su nuevo documento.
Paso 8
Seleccione la forma de fondo de la misma manera que seleccionó la bola de papel en el Paso 3. Haga clic con el botón derecho> Seleccionar inverso. Seleccione la herramienta Borrador (E) con un primer plano blanco y un fondo negro y borre los hombros y cualquier otra parte que no desee encontrar en la pieza final.
Paso 9
Abra la imagen de su bola de papel y arrastre la capa a su documento principal. Invierta la textura del papel y coloque la capa en la parte inferior. Seleccione la herramienta Marco (M) y en la bola de papel haga clic derecho> Transformación libre. Coloque la bola de modo que se asome por detrás del modelo. Crea bolas adicionales usando copiar y pegar y colócalas en el lienzo hasta que tengas una textura como la que se muestra arriba.
Paso 10
Con la misma técnica de enmascaramiento que en el Paso 8, puede agregar textura en las capas detrás de su modelo. He usado el mismo círculo para enmascarar la textura de la bola de papel. Usar máscaras de esta manera es una excelente manera de agregar profundidad a las piezas 2D que ha creado.
Paso 11
Con la herramienta Pluma (P), cree algunas formas que complementen el flujo de la pieza. Esta es una gran oportunidad para agregar un toque de color, ya que en este momento la pieza es prácticamente en blanco y negro. Mueva la capa para que quede justo debajo de los círculos que creó al principio.
Paso 12
Crea una nueva capa sobre la forma y cambia la opacidad al 50%. Seleccione su forma fluida de la misma manera que lo hizo en el Paso 3. Elija un pincel suave de aproximadamente 200 px de tamaño, asegurándose de que el color de primer plano sea negro. Pinte alrededor de los bordes apropiados de su forma para crear una sombra.
Paso 13
Repita el paso 12 para crear más formas. Utilice esta etapa para modificar la ubicación final de los elementos.
Paso 14
Aquí es donde su pieza se unirá. Usando las técnicas aprendidas en este tutorial, podrá agregar detalles más pequeños. Se han usado técnicas de enmascaramiento para agregar pequeños trozos de papel alrededor de los bordes, así como algunos círculos más grandes a los que se les han borrado algunas partes.
Paso 15
Para terminar la pieza, cree una capa sobre todas las otras capas y establezca el modo de fusión en Pantalla, que se encuentra en la esquina superior izquierda de la paleta Capas; el valor predeterminado es Normal. Elija un pincel grande y suave entre 600 y 1000 px de ancho y un color vivo, en este caso naranja. Aplica el color alrededor de la composición en los lugares en los que quieras resaltar o dar color.
Acerca del artista: Max Spencer
Un ilustrador y diseñador gráfico que actualmente vive en la costa del suroeste de Inglaterra, el trabajo de Max Spencer consiste en una composición central, imágenes audaces y muchos detalles de textura, mientras mantiene un sentido de minimalismo. Max ha trabajado como autónomo durante los últimos tres años y ha trabajado en proyectos para Nike, Sprite, Charles Schwab y The KDU, entre otros.
De Kyle T. Webster a Edvard ‘Scream’ Munch, encuentre los 13 mejores pinceles gratuitos de Photoshop
Artes digitales recientemente pidió a ilustradores y artistas que nos dijeran sus pinceles de Photoshop gratuitos favoritos, y naturalmente obtuvimos algunas sugerencias geniales en adoración a la leyenda del arte digital que es Kyle T. Webster.
Por supuesto, hay más opciones de paquetes de pinceles que las de Kyle que ya están incluidas en Photoshop CC, las mejores de las cuales hemos recopilado a continuación junto con los conjuntos de pinceles Webster más recomendados de todos los tiempos.
Siga leyendo para encontrar los mejores pinceles de Photoshop disponibles para su descarga gratuita a partir de 2020, y lo mejor de Kyle Webster. Cosas polémicas, lo sabemos, así que póngase en contacto con nosotros a través de las redes sociales si hemos pasado por alto alguno de sus pinceles favoritos a través de Behance, DeviantArt, Gumroad et al. Del mismo modo, si cree que hemos olvidado una creación clásica de Webster de su sección simplemente grite como una pintura de Edvard Munch y déjelo todo.
Para una delicadeza floral: los elegantes pinceles de flores de Milka Oxana
Comenzamos con los pinceles de Photoshop gratuitos más bonitos que existen, una colección botánica de 15 pinceles de Photoshop que consta de rosas, lilas y dientes de león, que varían en tamaño de 1500px a 4000px.
Juega con capas y transparencias para crear tu propia flor única y sigue a la creadora de pinceles Milka Oxana mientras lo haces.
Para la grandeza del gouache: Matt’s Painting Set para Photoshop CC
Luego, eche un vistazo al conjunto universal del artista para pintura tipo gouache, que presenta sombras, esculpir y pinceles de aire como extras, junto con pinceles para agregar detalles de forma y línea.
Los pinceles están hechos para emular la forma tradicional en que se pintan los fondos de animación, superponiendo pinturas de color de póster opacas con trazos de pincel no tan nítidos. Matt dice que sus pinceles funcionan mejor en archivos de tamaño de lienzo más grandes, como Full HD.
Para tintas: Itsy Bitsy Inkerz
Christi du Toit de Sudáfrica hace tanto arte dulce como pinceles dulces, con Itsy Bitsy Inkerz como nuestro pincel de tinta favorito y de sensación más natural.
Hecho a medida para ilustración, diseño, cómics e ilustraciones digitales, el juego de cuatro pinceles incluye dos pinceles de entintado y dos pinceles de textura dispersa como extras, cada uno con el nombre de líneas de la rima de Itsy Bitsy Spider.
Echa un vistazo a Christi’s Behance para ver muestras de pincel junto con algunos insectos de aspecto asombroso entintados con el juego.
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Para sentir la flora y la fauna: el paquete de cepillos 2018 de Lynn Chen,
La artista de desarrollo visual con sede en California, Lynn Chen, es otro nombre para observar, y su paquete de cepillos del año pasado es un gran éxito en Behance.
Compuesto por sus pinceles favoritos de otros artistas junto con sus propios pinceles personalizados, nos gusta el conjunto por tener un follaje limpio y texturas de pieles de animales, junto con algo de mezclilla emuladora y gusanos serpenteantes, como puede ver a continuación.
Por cierto, recientemente entrevistamos a Lynn y ella nos recomendó amablemente algunos otros excelentes paquetes de pinceles de Photoshop gratuitos que puede consultar.
Para todos: los mejores pinceles de Kyle T. Webster
El gurú del pincel Kyle Webster, por supuesto, tiene el mercado acorralado en pinceles de acuarela de Photoshop, con su mano de confianza ahora también guiando los paquetes de pinceles disponibles con la próxima aplicación Fresco para iPad de Adobe.
Cuando les preguntamos a los seguidores por sus pinceles de Photoshop favoritos, las creaciones de Kyle surgieron casi siempre, así que encuentre una selección a continuación de sus grandes éxitos, junto con los comentarios de los artistas sobre por qué los usan casi religiosamente en su trabajo.
Runny InkersRunny Inkers de el set deKyle obtuvo votos tanto de la aplastante Priya Mistry como de Juan Billy.
En los pinceles, Juan dice que le gusta «la textura orgánica que añade a mi trabajo.
«Mi favorito del set es el Blot Blot Bonus «, añade.
El Grand Budapest Hotel anterior tributo al propio Kyle.
EL ilustrador y La diseñadora Grace J Ward es una gran admiradora del conjunto de 40 pinceles Spatter de Kyle. encontrará una pieza hecha por Kyle con sus pinceles húmedos y salvajes, que están disponibles de forma gratuita como parte de Adobe CC.
Period, ilustradora de sexo y cuerpo positivo Hazel Mead es un gran admirador de Kyle’s Wet Fat Pen.
«Es una buena manera de sombrear sin hacer una línea demasiado dura y reacciona bien a diferentes cantidades de presión»,dijo en Instagram.
Kyle dibujó el Batman de arriba. Se puede hacer con el pincel de Photoshop a través de Adobe Creative Cloud.
También obtuvimos votos para los pinceles de acuarela, lápiz y gouache de Kyle de Harry Woodgate y Fancy Features pinceles de
Para realismo: Conjunto de ilustración de Photoshop de Matt Heath
Nos recomendó este paquete la ilustradora de libros para niños Rowena Aitken, conjunto gratuito de pinceles de Photoshop creados con un lápiz Staedtler 8B y configuraciones personalizadas que brindan una sensación natural y una amplia variedad de texturas.
Para paisajes de fantasía: pinceles PS gratuitos de Jeremy Fenske
Jeremy Fenske es conocido como artista conceptual para juegos como Destiny 2 y Elder Scrolls Online, con una habilidad particular para los reinos de fantasía verdes y deliciosos.
Para capturar esa misma magia, ¿por qué no descargar el paquete de pinceles de Jeremy en Gumroad? También ha incluido un video de instrucciones muy útil sobre cómo usar sus creaciones, lo que lo convierte en un paquete con una diferencia.
Para el arte conceptual: el paquete de pinceles Vol.3 de Zeding
Alexandre Diboine, mejor conocido como el artista conceptual y de vista Zedig, tiene un paquete genial que puedes descargar gratis en Deviantart.
Necesitará una cuenta para obtenerlo, así que regístrese o intente desenterrar su contraseña de principios de la década de 2000 para tener en sus manos algunos pinceles muy variados, que van desde bocetos hasta acuarelas.
Para una sensación clásica: juego de pinceles Mathias Zamacki
Este juego del artista conceptual Mathias Zamecki es ideal para aquellos que buscan crear pinturas digitales específicamente con un toque clásico.
Para texturas moteadas: Conjunto de pinceles de Photoshop Sushi Friends Texturas moteadas
La última recomendación que Lynn Chen nos hizo es este conjunto de su compañero artista de desarrollo, Syd Weiler.
Su juego de pinceles de Photoshop inspirado en el sushi incluye 14 ajustes preestablecidos de pinceles únicos y variados en un archivo .TPL más fondos de escritorio adicionales con arte hecho con los pinceles.!
Para las reinas del grito: Los pinceles originales de Edvard Munch
¿Sabías que Adobe recreó digitalmente los pinceles centenarios de Edvard Munch?
Siete de los pinceles originales de Munch se recrearon y se pusieron a disposición en Creative Cloud para usuarios de Photoshop y Sketch, con la ayuda del apoyo del Museo Munch en Oslo.
Los pinceles se fotografiaron en 360 grados utilizando cámaras de alta resolución para capturar todos los ángulos. Con las representaciones en 3D, el estilo de Munch fue inspeccionado por especialistas y combinado con datos sobre las propiedades físicas de los pinceles, como la flexibilidad y el tipo de cerda.
Echamos un vistazo a cómo usar un par de ingeniosas herramientas de Photoshop para eliminar las arrugas de sus fotos, sin dejar de tener un aspecto realista.
Introducción
Si está buscando eliminar una arruga o dos (o diez) de su foto, ha venido al lugar correcto. Es un trabajo rápido en Photoshop dependiendo de cuánto quieras retocar.
Es un proceso que también es fácil de exagerar, lo que puede resultar en una imagen final que parece, bueno, falsa. En este tutorial, veremos cómo usar la herramienta Pincel corrector puntual y la herramienta Tampón de clonar para reducir y suavizar las arrugas de una manera que parezca creíble.
Software necesario
Photoshop CS 5 o superior. Usamos Photoshop CC.
Tiempo para completar
30 minutos (dependiendo de la imagen y los gustos)
Paso: 1
Abra su imagen y cree una nueva capa.
Paso: 2
Seleccione la herramienta Pincel corrector puntual del menú de la izquierda como se muestra.
Paso: 3
Amplíe las áreas que desea retocar y arrastre el pincel sobre las arrugas que desea eliminar.
La herramienta Spot Healing Brush elimina rápidamente las líneas ásperas mientras mantiene la textura y el tono de la piel. Úselo para eliminar las arrugas importantes, pero evite usarlo en exceso. Esto puede hacer que la cara parezca antinatural.
Una vez que haya reducido las arrugas más duras, duplique las dos capas en el panel de capas.
Para hacer esto, mantenga presionada la tecla Mayús y haga clic en ambas capas para seleccionar, luego arrastre las capas seleccionadas al ícono de nueva capa (el segundo desde el ícono de la papelera, abajo a la derecha).
Paso: 4
Fusiona las dos nuevas capas seleccionando ambas, haciendo clic derecho y eligiendo ‘Fusionar capas’ de las opciones. Deberías tener 3 capas en total ahora.
Paso: 5
Una vez fusionado, crea una nueva capa.
A continuación, elija la herramienta Tampón de clonar en el menú de la izquierda. Ahora suavizamos las arrugas en lugar de eliminarlas por completo. Esto ayudará a que el efecto parezca más natural.
Paso: 6
Con la herramienta Tampón de clonar seleccionada, ajuste la configuración en la parte superior. Elija ‘Aclarar’ para el Modo y ‘50% ‘para la opacidad. A continuación, para la configuración de muestra, elija ‘Actual y por debajo’.
Deberá mantener presionada la tecla Alt (Opción en Mac) en su teclado y hacer clic para elegir la fuente de muestra para el Pincel de clonación. Haga clic cerca de la arruga que desea reducir y luego píntela.
Deberá elegir una nueva fuente de muestra para cada arruga que suavice.
Paso: 7
Hay una comparación lado a lado de nuestro progreso aquí. Hemos evitado exagerar con las mudanzas. De hecho, preservar las líneas y pliegues más finos puede ayudar a que el rostro luzca natural (¡y no plástico!).
Paso: 8
Esta es nuestra imagen final. Hemos aumentado ligeramente la saturación para hacer que el rostro de nuestro sujeto sea un poco más juvenil y optimista.
Ilustradores de todo el mundo que trabajan digitalmente o con medios mixtos nos revelan cómo crean sus mejores trabajos, incluido dónde encuentran sus pinceles y texturas.
Siempre uso una cuadrícula que ayuda con las formas y composiciones básicas. Una vez que estoy satisfecho con mi boceto, lo trazó con un delineador. En este caso, es un pincel delineador fino.
Todavía quiero tener la misma sensación en el proceso, aunque ahora es totalmente digital. En el proceso anterior, necesitaba eliminar las líneas de lápiz borrándose para que solo mantuviera las líneas finas.
Como todavía no estoy acostumbrado a colorear todo en mi iPad, transferir el dibujo lineal a Photoshop.
Levi Jacobs (Países Bajos)
Dibujo la línea de trabajo a mano y luego coloreo la obra de arte digitalmente usando Photoshop. Esto le da a la ilustración un toque artesanal.
A menudo también me gusta agregar algo de textura en el color para darle un aspecto más serigrafiado o impreso en riso.
Levi Jacobs (Holanda)
Llevo el trabajo a Photoshop y coloreo el dibujo de líneas archivando los espacios con la herramienta Cubo. Luego retoco los colores como los quiero. A menudo me gusta más la ilustración sin contornos, pero selecciono la capa del contorno y coloreo la línea del mismo color que el relleno. Es un proceso que requiere mucho tiempo.
Una vez que se quita el trabajo de línea, aplicó sombreado para dar a las formas planas algo de textura y plasticidad. También me gusta agregar más textura al resto de la ilustración para equilibrar el sombreado.
Levi Jacobs (Holanda)
Esta es la pieza final tal como fue publicada, en forma editorial.
Levi Jacobs (Holanda)
Normalmente empiezo investigando un poco sobre el tema y luego dibujó algunas miniaturas antes de enviar dos bocetos que me gustaron. Uno fue dibujado desde atrás con el automóvil conduciendo hacia una hermosa puesta de sol mientras que el otro estaba arriba, con un fuerte diseño diagonal.
Ambos tenían sentido del impulso, pero la imagen final es un poco más clara en términos de narración. Podemos ver que está feliz, y el equipo de oficina que se derrama en la calle da una sensación de libertad y liberación al mismo tiempo que proporciona un interés visual adicional al romper las líneas diagonales de la composición.
Steve Scott (Reino Unido)
A continuación, se muestran los brutos de colores. Quería que la imagen se sintiera alegre y contundente. Así que pruebo algunas variaciones diferentes antes de decantarme por la carretera roja y el coche azul. El rojo tiene energía real y no intenta ser realista.
Steve Scott (Reino Unido)
Normalmente dibujo en Clip Studio y creo que los pinceles son muy importantes para darle a la imagen una sensación de dibujo a mano suelta. Puede obtener pinceles fácilmente en Internet para crear los suyos propios.
Steve Scott (Reino Unido)
A lo largo de los años, parezco un círculo alrededor de mis favoritos. Me encanta algo que tiene un toque un poco angustiado. Quiero un buen equilibrio de formas limpias con bordes ásperos.
También quiero una soltura en la imagen que aporta un enfoque dibujado a mano. Si una imagen se vuelve demasiado trabajada y demasiado clínica, se siente demasiado inerte. Quiero algo que tenga vida y energía.
Steve Scott (Reino Unido)
Me gusta que mis imágenes sean un equilibrio entre limpio y sucio; hay tanto digital que es importante incorporar algo de analógico, así que agregué algunas texturas a los elementos y el fondo.
También es importante considerar el papel en el que se imprimirá. En algunos casos, el papel puede hacer el trabajo por usted, así que no se exceda.
Nate Kitch (Reino Unido)
Mira lo que te ha atraído de esa imagen / técnica, analiza lo que estás viendo y luego intenta replicar algo similar. Intentar capturar un elemento de una imagen fomenta la curiosidad creativa.
Nate Kitch (Reino Unido)
Cuando me contrataron para diseñar la portada de la edición centenaria de Penguin desde James Joyce Retrato del artista como un joven, inmediatamente tuve todo en mente, después de haber leído a Joyce religiosamente durante años. Sabía que debía confiar en mi intuición, ya que esa intuición se basaría en toda la investigación que ya había realizado.
La portada tenía que hacer un lazo en las solapas francesas y en el frente quería poner al protagonista en medio de un despertar poético, con los sombríos cielos irlandeses de repente volviéndose luminosos, tomando prestados los colores de cada sección del libro.
Lo dibujé en Photoshop, luego lo revisé con una caja de luz entintado con pincel y tinta cada parte por separado: los cielos, el mar, las rocas y el protagonista. Luego compuse todo junto en Photoshop, coloreé algunas de las líneas y pasé muchas horas renderizando los cielos para evocar varias escenas y temas del libro sin referencias explícitas.
Estoy seguro de que nadie mirará un grupo de nubes e identificará a los moocows, pero eso está más allá del punto: la atmósfera está ahí, los moocows están en el libro, completamente desarrollado en las palabras de Joyce que no necesitan ninguna ilustración.
Roman Muradov (EE. UU. / Rusia)
Es bastante fácil combinar lo digital y lo tradicional en estos días. Mi método es bastante directo. Esbozo digitalmente para tener control sobre la composición, mientras lo mantengo ligero, luego repaso el boceto en una caja de luz. Hoy en día trato de mantenerlo bastante simple, pero solía hacer cada forma con tinta y luego hacer un collage, ¡lo que me llevó semanas!
Roman Muradov (EE. UU. / Rusia)
Para mí, ser ilustrador es una oportunidad para cambiar las cosas e inspirar una conversación: una ilustración sólida es siempre una pregunta, más que una afirmación. Y eso es algo que siempre les pregunto a mis alumnos cuando critico sus ideas: ¿por qué no puede ser una fotografía? Idealmente, la respuesta debería ser diferente para cada pieza.
Roman Muradov (USA / Rusia)
Definiría mi estilo como un acto de equilibrio entre accidente y diseño. Siempre permito que sucedan cosas inesperadas, pero también termino editando cada bit, ya sea que la edición implique mover un pequeño detalle un píxel hacia la izquierda o volver a dibujar todo.
A menudo pienso en los sueños, no en su significado, sino en sus mecanismos. Como escribió Borges, solo tenemos recuerdos de sueños con los que trabajar, así que es este estado de casi recordar, de estar medio despierto lo que estoy tratando de evocar. Y, por lo tanto, visualmente, a menudo es una combinación de formas fuertes y nítidas y detalles sin terminar.
Roman Muradov (EE. UU. / Rusia)
Si desea que su ilustración digital se vea más cálida, incorpore elementos hechos a mano. Crea tus propios pinceles y texturas a mano, usando técnicas como estas.
Mar Hernandez (España)
[Una vez que haya perfeccionado su oficio], dedique más tiempo a pensar en la idea; composición, paleta de colores, texturas: todas estas cosas se definen antes de comenzar a dibujar la ilustración final.
(También hay ocasiones en las que experimento e investigo nuevas herramientas, y luego entra en juego la intuición).
Mar Hernandez (España)
Actualmente estoy usando y amando un pincel de uno de estos juegos realmente agradables hechos por el ilustrador israelí Assaf Benharroch, pero También utilizo los estándar de Photoshop para algunas piezas. Están totalmente bien.
Raúl Soria (España)
También uso texturas donde siento que encajan, pero no pude expresar con palabras cómo decido cuál va a dónde y por qué. Hay literalmente miles de horas de prueba y error detrás de todo.
Solía poner una textura en cada forma y superficie. Ahora creo que ya no es necesario y a menudo dejo algunos elementos y fondos planos y limpios. De todos modos, depende de lo que esté haciendo y de cuánto tiempo quiero que me lleve. El trabajo de textura puede llevar un tiempo y volverse tedioso fácilmente.
Raul Soria (España)
He estado recopilando texturas durante los últimos cinco o seis años. La mayoría de ellos son de fabricación propia, y ahora tengo una biblioteca bastante grande y un poco caótica que renuevo de vez en cuando.
Solo necesito colocarlos una vez en un archivo PSD y el proceso se vuelve más rápido y sofocante. Luego los copio y pego de una forma a otra y de una capa a otra, jugando con su opacidad, cambiando sus colores, duplicándolos, usando un modo de fusión Multiplicar a veces, y así sucesivamente.
Raul Soria (España)
Soy bastante intuitivo a la hora de tratar el color. También trato de ser práctico y no perder demasiado tiempo probando diferentes combinaciones de colores, especialmente si el plazo es ajustado (como suele ser). En los últimos meses, configuré algunas paletas de colores para elegir, con 8-10 colores cada una, por lo que siempre tengo algo para comenzar cuando estoy trabajando.
Luego solo elijo uno, verifico si funciona, ajusto algunos de los tonos si es necesario y luego trato de reducir la cantidad de colores tanto como sea posible. Me gusta cuando puedo usar cada color al menos en dos lugares o elementos diferentes de la ilustración en la que estoy trabajando, por lo que la imagen final es de alguna manera armónica.
Raúl Soria (España)
La revista La Maleta de Portbou me pidió que hiciera una ilustración para acompañar un artículo de Toni Sala sobre el libro Don DeLillo Falling Man También me enviaron el texto final, que es algo que siempre encuentro bastante útil. Básicamente, el artículo trataba sobre el 11 de septiembre y tenía muchas referencias a las pinturas de naturaleza muerta de Giorgio Morandi
. Pensé que podría ser apropiado tratar de representar el 11 de septiembre dentro de una pintura de Morandi, así que hice el primer boceto. Parecía que funcionaría, así que hice uno más preciso, le mostré la idea a la directora de arte y a ella le gustó, así que continué.
A continuación, creé todas las formas. No quería que se vieran súper limpios y precisos porque se suponía que todo representaba una pintura, así que volví a trazar los contornos rectos a mano.
Al mismo tiempo probé algunas combinaciones de colores. Quería que pareciera de alguna manera nostálgico y, por supuesto, la referencia de Morandi debería ser reconocible a primera vista. Y todo tenía que ser llevado a mi propio terreno y al final tenía que verse fresco, no demasiado sucio y quizás un poco lúdico, pero al mismo tiempo respetuoso con el tema con el que estaba trabajando.
Así que comencé con algunos colores de la última paleta con la que había estado trabajando y agregué un poco de marrón y beige, tratando de que pareciera un poco cremoso. La combinación no estaba funcionando muy bien, pero aparentemente lo suficientemente buena como para merecer ser salvada. En realidad, no estaba tan lejos de los colores que finalmente usé. Parece que instintivamente elegí algunos colores complementarios aquí.
Usé tres texturas. Usé lápiz, duplicando la capa varias veces, para todas las botellas, ambos bloques de piedra, el frasco y los hombros y el brazo de la figura. Usé tinta para el fondo y la cabeza negra, y acuarela para el piso.
Hice los trazos, el volumen y las sombras usando un pincel específico en diferentes tamaños para cada uno antes de refinarlo.
Esta es la obra de arte terminada.
Raul Soria (España)
Intento crear imágenes que tengan emociones. Me encanta experimentar con nuevas formas de dibujar y mezclo muchas técnicas. Pero es aún más importante centrarse en la historia que estoy contando: la atmósfera que creo y la emoción que expreso.
Jun Chen (EE. UU.)
Siempre hay espacio para la imaginación y la creatividad. A veces, el [artículo editorial que estoy ilustrando] y la ilustración pueden ser dos historias que comparten la misma idea central. Qué genial es tener una ilustración con apariencia de ciencia ficción para una historia de economía o una ilustración abstracta poética para una historia personal.
Jun Chen (EE. UU.)
Esta ilustración Pushing Hands fue creada para un artículo llamado ‘Las bacterias son maestras de Tai Chi’ en la revista Nautilus y trata sobre cómo las bacterias se mueven y se deforman para desviar las fuerzas entrantes de otras bacterias. Fue una tarea editorial que me dio mucha libertad creativa.
Adopté un enfoque imaginativo que inicialmente se centró en la idea de equilibrio, fluidez y fuerzas neutralizadoras. En lugar de mostrar las bacterias literalmente, se me ocurrió la idea de crear dos personajes surrealistas con múltiples manos y trajes dramáticos que realizan empujones de manos.
La pieza trata sobre la interacción entre los dos personajes. Entonces llené todo el lienzo con los dos y sus brazos entrelazados.
Jun Chen (EE. UU.)
Siempre es divertido agregar en secreto algo que me interesa en la pieza. Como estoy enamorada del estilo visual de la era del glam rock, me di cuenta de que podría poner un maquillaje dramático pesado con una sensación de glam rock en estos dos personajes femeninos. Fue un proyecto muy divertido.
Jun Chen (EE. UU.)
Escribir palabras y conceptos en un papel, y conectarlos, me ayuda a definir un concepto para la ilustración antes de comenzar a dibujar bocetos muy toscos para tener una idea de la composición. Utilizo Guideguide, un plugin de Photoshop para crear cuadrículas para empezar a dibujar y adaptar la composición a las cuadrículas, trabajando con colores planos, la composición, formas y detalles [para crear toscos como este]. La construcción de diferentes capas es muy importante porque juego con diferentes texturas y opacidades con frecuencia.
Nicolás Valencia (España)
Luego paso a usar herramientas geométricas de Photoshop y la herramienta Pluma para corregir imperfecciones menores, antes de agregar texturas y pintar con pinceles digitales. Luego modifico los Niveles, el contraste o los colores para terminar.
Nicolas Valencia (España)
La experimentación es fundamental porque encontrarás herramientas, texturas y colores que combinen con tu voz personal como ilustrador. También desarrollará un flujo de trabajo que le permitirá trabajar más rápido.
Nicolas Valencia (España)
La paciencia es clave para crear una sensación ‘digital hecha a mano’, porque personalmente trabajo con muchas capas sobre capas con diferentes opacidades y texturas. Esto es fundamental para crear un trabajo coherente y estético.
Nicolas Valencia (España)
Mis pinceles digitales favoritos son de Kyle T Webster, es un ilustrador increíble que hace pinceles de Photoshop impresionantes.
Nicolas Valencia (España)
Para crear tonalidades, atmósferas, estados de ánimo y respuestas emocionales, he tenido que experimentar con los colores. En algún momento encontré colores que combinan con mis emociones y la voz personal de mis imágenes.
Creo que el color es el elemento más importante en mi trabajo: una buena elección de color puede llevar una imagen al siguiente nivel y una mala elección de color puede destruir una imagen.
Nicolas Valencia (SP)
La mayor parte de mi trabajo digital está directamente informado por las pinturas y dibujos que hago en mi estudio y cuaderno de bocetos, lo que significa que todo siempre comienza con 1 o 2 colores base. Poco a poco, empiezo a agregar sombras y profundidad para evocar ciertos estados de ánimo en relación con la pieza en la que estoy trabajando; a veces no se siente necesario.
Mi principal objetivo como artista ha sido simplemente tanto como sea posible, para contar la mayor parte de la historia con la menor cantidad de información. Trabajar en Photoshop me ha ayudado enormemente porque puedo usar herramientas de aerógrafo digital en varios elementos para hacer que desaparezcan, se mezclen o pasen al primer plano de la imagen, según lo que estoy tratando de decir.
Daniel Zender (EE. UU.)
Una imagen de dos colores puede sentirse inmediatamente extremadamente profunda y atmosférica al agregar leves luces o sombras a curvas específicas para separarlas de otros elementos de la imagen. Gran parte del trabajo que se realiza en mis obras de arte se basa en sumar y restar información para obtener el efecto deseado.
Daniel Zender (EE. UU.)
Para cualquier ilustración que hago, sigo prácticamente los mismos pasos. Siempre comienza con un concepto. No hago miniaturas en el sentido tradicional, generalmente mis bocetos se hacen primero en un tamaño de un cuarto de página. Esto no tiene mucho sentido cuando se trata de eficiencia en mi cuaderno de bocetos, pero por alguna razón es mejor para mí trabajar en cosas grandes y luego volver a entrar y ajustar al mismo tamaño.
Por lo general, hago de 8 a 12 bocetos, sin incluir variaciones en la composición de muchas de esas opciones. Luego escaneo TODO en
Daniel Zender (EE. UU.)
Hacer esto me permite comparar todo uno al lado del otro, y hacer mis propias ediciones antes de enviarlo al director de arte. Después del AD y me decido por un boceto, paso al final.
Recientemente, he adquirido el hábito de trabajar directamente sobre mi boceto aprobado en Photoshop. Esto es algo extraño, ya que los bocetos suelen ser bastante sueltos, pero ayuda a mantener algún tipo de coherencia entre el boceto aprobado y el arte final.
Daniel Zender (EE. UU.)
Todos los elementos del arte se dibujan individualmente y se ensamblan [como en esta toma de trabajo en progreso]. Esto me permite hacer pequeños ajustes en el tamaño y la composición.
Utilizo una combinación de dos pinceles y un filtro secreto para lograr la calidad gráfica de mi trabajo. Se construye mucho y luego uso el modo de fusión de pincel transparente y el modo de fusión Disolver para construir formas y luego tallar cosas como una cuchilla exacta. Al separar los elementos individuales lo mejor que puedo, puedo cambiar de color, mover elementos y ajustar con la mayor flexibilidad, como un collage digital.
Por lo general, mis archivos de Photoshop terminan siendo 50-100 capas, aunque parecen simples (aunque muchas de esas capas están ocultas y descartadas cuando se aplanan).
Daniel Zender (EE. UU.)
Finalmente, cuando el arte está terminado, aplané todo para el AD. Antes de enviar, ajustaré el tono y la saturación para asegurarme de que la imagen final sea perfecta. A veces enviaré dos o tres variaciones de color de la imagen aplanada.
Daniel Zender (EE. UU.)
Intento evocar misterio y horror en mi trabajo, pero con un sentido del humor oscuro y una accesibilidad específicos. Creo que las cosas más extrañas y aterradoras ocurren cuando el espectador se da cuenta de que está sucediendo algo inesperado que no notó a primera vista.
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