Tigz Rice analiza cómo se puede usar el área de enfoque en Photoshop CC 2014 para realizar selecciones automáticas en función de si los píxeles están fuera de foco.
Introducción
La nueva herramienta Área de enfoque de Photoshop CC 2014 es una herramienta útil, especialmente para los fotógrafos, que le permite realizar selecciones automáticas en función de si los píxeles están enfocados y desenfocados.
Ver también: 89 mejores tutoriales de Photoshop
En este tutorial, el fotógrafo Tigz Rice analiza cómo puede usar esta herramienta para hacer selecciones, así como cómo puede aplicar estas selecciones con una curva de tono para agregar un poco más de luz ambiental a una foto.
Tiempo para completar
5 minutos
Software necesario
Photoshop CC 2014
Paso 1
Abre la imagen elegida en Photoshop CC 2014 y tómate un par de minutos para corregir cualquier problema de exposición o balance de blancos en la imagen general.
Paso 2
Diríjase a Seleccionar> Área de enfoque que abrirá el nuevo cuadro de diálogo Área de enfoque. Photoshop analizará automáticamente su imagen y sugerirá un rango de enfoque.
Sugerencia: también puede elegir un modo de visualización para ver mejor la selección. Cada uno de ellos tiene sus propias ventajas, aunque para este tipo de trabajo de selección puede que Overlay sea el más útil.
Paso 3
Para agregar al área de selección, puede deslizar el control deslizante Rango de enfoque hacia la derecha para aumentar el rango tomado en consideración.
Alternativamente, con la herramienta Agregar área de enfoque seleccionada, cepille las áreas de su imagen que desea agregar a su selección.
También puede utilizar la herramienta Restar área de enfoque para eliminar las áreas no deseadas de su selección.
Paso 4
Si bien las herramientas de suma y resta son excelentes para bordes duros, es posible que tenga algunos bordes más suaves que necesiten atención. Para obtener un mejor resultado, haga clic en el botón Refinar borde y utilice este proceso como lo haría normalmente.
Sugerencia: una vez que haya ingresado a la ventana Refinar borde, no puede volver al cuadro de diálogo Máscara de enfoque, ¡así que asegúrese de haber seleccionado todo lo que desea primero!
Paso 5
Una vez que esté satisfecho con la selección, presione OK, que lo llevará de regreso a su imagen original con hormigas marchando resaltando el área seleccionada.
Para trabajar en el área de fondo desenfocada, invierta la selección presionando Cmd / Ctrl + Shift + I.
Paso 6
Haga clic en el icono Agregar ajuste de curvas en el Panel de ajustes para agregar una capa de ajuste de curvas no destructiva a la imagen. Debería notar que las hormigas que marchan desaparecen y la capa de ajuste de Curvas tiene una máscara en blanco y negro adjunta.
Paso 7
En el panel de propiedades de Curvas, haga clic en el medio de la curva de tono para crear un nuevo punto de curva y arrastre directamente hacia arriba en la línea guía central para iluminar el fondo.
Paso 8
Una vez que esté satisfecho con el efecto producido, continúe editando su imagen como de costumbre.
La pantalla de 27 pulgadas de Dell en la que puede aprovechar como una versión más barata y solo para Windows de la Wacom Cintiq 27QHD.
El Cintiq 27QHD de Wacom, que se coloca a ambos lados del escritorio, es la superficie creativa de ensueño de la mayoría de los artistas y diseñadores, pero su precio lo ha mantenido fuera del alcance de muchos. Ahora Dell ha lanzado un competidor de menor costo que coincide con la función por función del Cintiq, excepto uno. Leer: Revisión de Wacom Cintiq 27QHD
El Dell Canvas se anunció en la feria CES 2017 en enero, donde la compañía también lanzó actualizaciones para sus laptops Precisión de nivel profesional , incluida una nueva versión de Precisión 5510, que actualmente es la mejor laptop en el mercado de diseñadores y artistas: un todo-en-uno tipo iMac profesional y su primer monitor 8K.
Se suponía que The Canvas se enviaría en abril para coincidir con el lanzamiento de Creators Update para Windows 10 de Microsoft, que requiere el controlador de Canvas. Sin embargo, Dell ahora nos ha dicho que su lanzamiento se retrasó hasta agosto, cuando más aplicaciones clave lo admitirán.
Los precios del Dell Canvas en el Reino Unido no se anunciarán hasta que se envíe. Puede obtener una versión del Cintiq 27QHD sin soporte multitáctil, por lo que puede dibujar con el lápiz, pero no puede usar gestos como pellizcar para hacer zoom.
Dell Canvas vs Wacom Cintiq 27QHD
Multi-touch es un área en la que Canvas supera al Cintiq 27QHD, ya que admite hasta 20 dedos frente al Cintiq 10. Esto permite que dos usuarios trabajen en él a la vez, por lo que probablemente sea más apropiado para usuarios domésticos o de oficina que artistas o diseñadores.
Con el resto de sus especificaciones, el Canvas coincide con el Cintiq 27QHD. La pantalla de 27 pulgadas tiene una resolución de 2.560 x 1.440 y puede generar más de mil millones de colores, pudiendo igualar toda la gama de colores Adobe RGB.
Puede colocar el Dell Canvas casi plano (a 1,5 grados de la horizontal) o apoyarlo a 10 grados con sus patas. No quedará completamente plano, lo que un representante de Dell me dijo que probablemente era lo mejor, por lo que no tiene la tentación de poner su bebida encima y derribarlo.
El Canvas Pen es bastante diferente al de Wacom. Tiene el mismo nivel de sensibilidad a la presión (2048 niveles) y reconocimiento de inclinación, pero su diseño es diferente. Es más delgado y liviano que el lápiz de Wacom y más parecido al Apple Pencil (aunque mucho más corto que eso). Desde el poco tiempo que tuve para probarlo, se sintió bien equilibrado, no tan bueno para dibujar como el bolígrafo de Wacom o el lápiz, pero ciertamente más sustancial y menos parecido a un bolígrafo que el Surface Pen de Microsoft.
Hay dos botones en el bolígrafo. Cuando no lo esté usando, puede pegarlo al borde de Canvas, donde permanece magnéticamente.
El Canvas Pen no requiere baterías: a diferencia del lápiz, Surface Pen o Pencil del Cintiq, pero como el nuevo Pro Pen 2 para MobileStudio Pro y Cintiq Pro.
Además del lápiz, también crea en el lienzo utilizando un dial redondo llamado Totem. Esto le permite controlar los parámetros en las aplicaciones colocando el dial en la pantalla y girando (y también puede tocarlo para confirmar si es necesario). Lo usé para cambiar colores usando una rueda de colores y ajustar la opacidad o el tamaño de un pincel, aunque estos estaban en una aplicación de dibujo de demostración.
Actualmente casi no hay soporte para el Tótem en aplicaciones creativas profesionales como Photoshop, Illustrator, Painter o Maya, pero eso no es sorprendente ya que el Totem usa tecnología incorporada en la próxima versión de Windows 10, apodada la ‘Actualización del creador’ y que debe presentarse poco antes de la Canvas se lanza a finales de marzo. Es probable que la compatibilidad con Tótem, al menos en Photoshop e Illustrator, se agregue en las actualizaciones de la aplicación después del lanzamiento de Creator ‘s Update (que también agrega compatibilidad con esa actualización del sistema operativo).
Por esta razón, Dell Canvas es solo para Windows 10. Lo siento usuarios de Mac.
La tecnología detrás del Tótem es la misma que alimenta el Dial incluido con Surface Studio de Microsoft, la computadora completa estilo iMac en la que puede dibujar con un Surface Pen.
Dell Canvas frente a Microsoft Surface Studio
Surface Studio es, al menos en concepto, un Canvas que también es una computadora. El todo en uno de Microsoft tiene una pantalla más grande y de mayor resolución que el Canvas (28 pulgadas, 4.500 x 3.000), pero tiene menos sensibilidad a la presión (1.024 niveles frente a los 2.048 del Canvas) y Microsoft no está haciendo ninguna afirmación audaz sobre su precisión de color o gama. El Surface Pen simplemente no es tan bueno para dibujar como el Canvas Pen.
Cargue fotos antiguastravés de este sitio web para agregar un poco de color al pasado.
El reciente documental de la Primera Guerra Mundial They Shall Not Grow Old cautivó a muchos durante la Navidad con sus horas de imágenes de guerra coloreadas, pero la capacidad de agregar color a las imágenes en blanco y negro ya no está en el dominio de los estudios de producción de alto nivel.
Creado por GovTech Singapore, el sitio web Colourise SG permite a cualquier persona cargar cualquier foto en blanco y negro para una coloración simple y casi instantánea. Esta es una herramienta de aprendizaje profundo entrenada con fotos antiguas de la vida de Singapur, Colourise Según sus creadores, mejora herramientas similares debido a que se basa solo en esas fotos y, sin embargo, como Twitter ha notado, la herramienta muestra resultados sobresalientes en una amplia variedad de de fotos.
Incluso funciona bien en imágenes modernas en blanco y negro, como el ya icónico cartel de Alfonso Cuarón Roma.
Jugamos con las imágenes de la Primera Guerra Mundial, la biblioteca de imágenes sin derechos de autor de la Biblioteca Británica y obtuvimos excelentes tomas de Antes y Después.
Compruébelo tú mismo utilizando gratuitamente Colourise SG , originalmente estaba destinado a desconectarse en febrero, pero el proyecto se ha mantenido durante más tiempo debido a su popularidad. Sin embargo, no se entretenga, ya que no estará disponible para siempre.
Jasmine Montgomery, directora ejecutiva y fundadora de la agencia de marcas Seven Brands que ha trabajado para países como Singapur y Bahrein, analiza cómo crear una identidad para un país que realmente se destaca.
La globalización, a pesar de todos sus beneficios, ha marcado el comienzo de un curioso unísono entre las naciones que florecen en los mercados emergentes. A pesar de una mayor exposición al mundo, pocos destinos han procedido a articular sucintamente su singularidad en una marca de destino que resuene a nivel mundial.
Logotipos de Identikit, el signo de exclamación habitual y eslóganes genéricos como «¡Notable …!» y «¡Increíble!» (ejemplos a continuación) son abundantes y prácticamente indistinguibles de los competidores. Peor aún, lo que los define, su gente, tierra, cultura, historia o cualquier combinación de ellos, no parece ser visto.
El gran anuncio de CNN o la valla publicitaria reutilizada con actores no auténticos y una visualización poco realista del destino conducen a mensajes sin sentido que no se cortan como se desea. Estos se combinan para despojar a una nación de su personalidad y su capacidad para crear una identidad auténtica y distinguida que atrae a los visitantes a lo que tiene para ofrecer. Estas estrategias de relaciones públicas y medios de talla única para todos son, entonces, una preocupación real.
Cómo mejorar la marca de los países
La marca de una nación tiene que ser un proceso consciente que se basa en todos o algunos de los activos que un estado, provincia o ciudad tiene a su disposición. Algunas ubicaciones como Silicon Valley y Buckingham Palace crean activamente sus marcas al destacar sus activos geográficos y visuales únicos o sus exportaciones culturales para distinguirse como marcas de destino efectivas.
Después de todo, todos los destinos tienen reputaciones que los preceden, moldeados por el paso de la historia y cosidos en su tejido a lo largo de los anales del tiempo. Sin embargo, estos son en su mayoría ignorados en el proceso de creación de marcas por parte de la junta de turismo y los comercializadores de un país. Y son estas cualidades las que impulsarán no solo el turismo, sino también la inversión extranjera directa y los negocios, contribuyendo a convertirlos en lugares deseables para vivir.
Si las marcas de destino toman la decisión de utilizar estos marcadores de identidad de reputación, pueden doblarlos creativamente a su voluntad y en el proceso tomar el control de su reputación global. Al hacerlo, activarán un escalofrío de emoción en las mentes de los visitantes primerizos a través de una creatividad convincente que se basa en estos activos y atrae a los viajeros de manera efectiva, tanto turistas como de negocios.
La Junta de Desarrollo Económico de Bahrein hizo precisamente eso. La Business Friendly Bahrein campaña aprovechó el legado de 4.000 años del estado como una encrucijada cosmopolita para el Golfo, digna de un estado que busca atraer expatriados e inversores económicos en medio de una feroz competencia regional.
Alentar a los espectadores a imaginarse a sí mismos en su nuevo hogar, una llamada a los sentidos fue primordial para crear demanda. Al mostrar también las delicias arquitectónicas de sus hoteles, así como al evocar el deleite de la cultura, expresado dentro del conducto de la comida, a través de imágenes de tonos cálidos, los placeres disponibles para viajeros y expatriados cobraron vida.
Entonces, en su esencia, la marca de destino se trata de unidad. Unificar todos los elementos dispares del diseño de marca, el turismo y las marcas corporativas, y la marca de reputación tácita que existe independientemente de los esfuerzos de marketing, es crear un trabajo duradero que se convertirá en una tarjeta de presentación de una nación para las generaciones venideras.
Dale a una de tus fotos un estilo retro pop vívido usando los filtros y estilos de capa de Photoshop.
Introducción
La creación de imágenes vibrantes y llamativas como esta no tiene por qué ser un asunto complejo o que requiera mucho tiempo. En este tutorial, James White muestra cómo agregar un estilo retro audaz de la cultura pop a una impactante foto de modelo proporcionada amablemente por ThinkStock.com.
Aprenderás a perfeccionar tus habilidades con el panel Capas y consejos útiles para aplicar enmascaramiento, modos de fusión y tono / saturación. También aprenderás cómo las capas reaccionan entre sí cuando se superponen de ciertas maneras y cómo se pueden agregar colores selectivos para mejorar el diseño general.
No tengas miedo de abrirse a la experimentación. Prueba diferentes cosas a medida que avanza para ver qué resultados puede obtener.
Tiempo para completar
3 horas
Software
Adobe Photoshop
Paso 1
Comienza con algunos bocetos para tener una idea general de cómo se verá la composición final. Estas son pautas útiles cuando comienzas a trabajar en los elementos en Photoshop. He incluido algo de inspiración con respecto a la forma y el estilo de las dos imágenes finales.
Paso 2
Descarga los archivos del proyecto y abra el archivo jw_lady.jpg. Con la herramienta Tampón de clonar con un cepillo suave, clone el collar y cualquier otra imperfección obvia o pelos sueltos. Trate de mantener el tono de piel uniforme en todo momento y observe los cambios en las luces y las sombras.
Paso 3
A continuación, corte la cabeza con la herramienta Lazo poligonal. Haga clic alrededor de la cabeza y el cuello para seleccionar, luego presione el botón Máscara de capa para eliminar el fondo.
A continuación, puedes utilizar la herramienta Pincel para redondear y arreglar la máscara según sea necesario.
Paso 4
Con la foto en la cabeza seleccionada, aplique un ajuste de Tono / Saturación y deslice el Tono a 187 y la Saturación a 9. Esto eliminará todo el color natural y dejará un toque de azul.
Luego, para agregar un poco de contraste, agregue un ajuste de Niveles. Mueva la flecha de Sombra a 21 y la flecha de Resaltar a 247.
Paso 5
Ahora necesitamos agregar un poco de suavidad a esa piel granulada. Duplique la capa de disparo a la cabeza, vaya a Filtros> Desenfoque gaussiano y aplique un desenfoque de 4.7 píxeles a la nueva capa, luego baje su opacidad al 51%. Es posible que deba realizar un enmascaramiento selectivo para conservar la nitidez en algunas áreas, como las gafas de sol.
Paso 6
Crea tres capas nuevas. En las dos primeras capas nuevas (que he llamado ‘garabato 1’ y garabato 2 ‘, seleccione la herramienta Pincel con un pincel de bordes duros y agregue algunos garabatos en la parte posterior de la cabeza del modelo.
Cambia a la tercera capa ( ‘relleno de cabello’), y con la herramienta Lazo poligonal, redondee y rellene las áreas planas donde se cortó la foto.
Paso 7
Crea una nueva capa llamada ‘labios’ y configure su modo de fusión en Multiplicar. Seleccione Lazo poligonal y haga clic para delinear el área de los labios, ignorando los dientes. Luego, rellene el área seleccionada con un rosa fuerte para agregar realmente un toque de color a la cara.
Paso 8
Crea una nueva capa llamada ‘lentes’. Haga clic alrededor de los bordes de la lentes con la herramienta Lazo poligonal hasta que se seleccionen y rellenar con negro.
Agrega un poco de un campo de estrellas sutil al mío para mayor interés. Aplique el mismo efecto a ambos lentes.
Paso 9
Para agregar más detalles al lente, agregué una segunda capa de estrellas y las cambié a un tono azul usando la paleta de Tono / Saturación. Hay muchas fotos de estrellas en la web para este efecto.
Paso 10
Para las lágrimas de mercurio, usé una imagen de gotas de agua, las cambié a escala de grises usando Tono / Saturación, luego utiliza un ajuste de Niveles para amplificar el contraste.
Usa la herramienta Lazo poligonal para seleccionar las gotas y presione el botón Máscara de capa para eliminar el fondo. Aplica un estilo de capa sutil Sombra paralela para agregar profundidad a tus gotas.
Paso 11
Crea una nueva capa y, usando la herramienta Pincel, agregue algunos colores salvajes sobre la parte superior de las gotas. Una vez que los colores estén listos, configure el modo de fusión en Superposición y reduzca la opacidad al 60%.
Paso 12
Busca un par de imágenes de fuentes de luz: sugiero farolas o tomas de eclipses. Pégalos en Photoshop, configura el modo de fusión en Pantalla, ajusta los niveles para eliminar el fondo y aplica cualquier máscara que sea necesaria.
Paso 13
Crea dos nuevas capas llamadas «superposición de color». En el primero, establezca el modo de fusión en Pantalla y la opacidad en 46%. Usa la herramienta Pincel para aplicar un color suave en la parte posterior de la cabeza; sugiero usar rosa y azul.
Luego, en la segunda capa, use la herramienta Degradado para aplicar un degradado completo de azul a rosa en el lienzo. Establezca el modo de fusión de esa capa en superposición y la opacidad en 22%.
Paso 14
Crea una nueva carpeta en el panel Capas llamada ‘Rayas’ y agregue una nueva capa dentro de ella. Con la herramienta Rectángulo con un azul desaturado, dibuja un rectángulo a lo largo de la cara.
Duplique esa capa, presione el botón Bloquear píxeles transparentes y llene el nuevo rectángulo con rosa. Seleccione ambas capas e inclinarlas usando los controles Transformar. Agregue una máscara de capa a la carpeta para eliminar las rayas de la cara.
Paso 15
Encuentra una textura arenosa con un buen contraste y péguela en tu trabajo para cubrir todo el diseño, llamando a la capa ‘Textura’. Usa un ajuste de Tono / Saturación para eliminar el color y los Niveles para agregar un poco más de contraste.
Paso 16
Configura el modo de fusión de la capa ‘Textura’ en Superposición y reduce la opacidad al 73%. Luego arrastre esa capa a la parte inferior de su panel Capas, justo encima de la capa de fondo.
El paquete Playing Arts presenta el trabajo de Joshua Davis, Justin Maller, Mike Perry y más. ha creado una baraja de diseños brillantes e inspiradores de 55 artistas y diseñadores líderes a nivel mundial, para llenar su cajón de barajas de cartas viejas y rotas con algo (cualquier cosa) que no sea el tema ‘Iconos de París de tu viaje olvidado en los noventa.
Estoy demasiado emocionado para mantener mi cara de póquer. La tercera edición de la baraja incluye el trabajo caótico de Joshua Davis, el mundo súper brillante de Justin Maller, las felices creaciones de Mike Perry y las Alessandro Pautasso Obras intensamente detalladas y absorbentes de, y más. En lugar de los temas aburridos de los mazos de juego habituales, esto promete ser una explosión de diferentes ideas.
Además de la tercera edición, mira la primera y la segunda edición , este año están lanzando un concurso internacional de diseño; de más de 550 artistas que ya están trabajando en sus cartas para la competencia con su propio estilo y técnica, 55 de los mejores formarán una nueva Edición Especial baraja, el ganador se basará en la originalidad, la interpretación creativa y la habilidad técnica.
Toda esta bondad es compatible con Kickstarter (donde también puede ayudar a apoyarlos). También puede reservar las dos ediciones de este año en Kick-Starter.
Photoshop CS6.1 le permite agregar efectos de Desenfoque de campo, Desenfoque de iris e Inclinación y desplazamiento a objetos inteligentes.
Introducción
Photoshop CS6.1 le permite agregar efectos de Desenfoque de campo, Desenfoque de iris y Cambio de inclinación a objetos inteligentes, lo que significa que también puede usarlos con capas de video. Así es cómo.
Arrastre su video a Photoshop CS6.1. Haga clic con el botón derecho en el panel Capas y seleccione Convertir en objeto inteligente.
Paso: 1
Agregue un desenfoque de iris (Filtro> Desenfocar> Desenfoque de iris…). Utilice los controles en pantalla para colocarlo y ajustarlo para que se adapte a su metraje. Aquí lo hemos girado ligeramente, apretado el anillo interior y ampliado ligeramente el exterior. Esto hace que la flor realmente se destaque.
Paso: 2
El efecto final se aplica a todo el clip. Desafortunadamente, los parámetros del desenfoque no se pueden crear fotogramas clave a lo largo del tiempo, lo cual está bien para este clip en gran parte estático. Cualquier cosa más compleja requiere Premiere Pro.
Ollie Munden revela su proceso creativo, desde una composición digital aproximada hasta un arte lineal dibujado a mano para colorear y trabajar la pieza terminada en Photoshop.
Introducción
En este tutorial, el artista Ollie Munden lo lleva a través del proceso de creación de su pintura de tres colores, Chasing The Dragon, a través de una combinación de Photoshop y técnicas de lápiz. En primer lugar, creará una maqueta de lo que desea crear utilizando la fotografía, luego creará un dibujo a lápiz a partir de eso. Tomando su dibujo, lo trazará a mano con un Brush Pen y luego lo transformará en una obra de arte digital de tres colores de aspecto elegante.
El tutorial también le muestra cómo colorear su obra de arte terminada utilizando una combinación de técnicas digitales y dibujadas a mano.
Estas habilidades se pueden utilizar para producir sus propias obras de arte únicas con un estilo gráfico fluido pero audaz.
Tiempo para completar
1 día completo
Software
Adobe Photoshop 7 o posterior
Paso 1
Para comenzar esta pieza, reuní una variedad de fotos como referencia. La foto principal del ciclista realmente me inspiró ya que me gustó el ángulo desde el que fue tomada. Cuando haga sus propias obras de arte nuevas, mantenga los ojos bien abiertos para ver fotos que tengan fuertes cualidades visuales, buenos ángulos, buena iluminación y sean de alta resolución.
Para comenzar, abra CTD_PHOTOCOMP.psd (que se puede encontrar en los archivos del proyecto). Si prefieres crear tu propio ciclista esquelético, busca tus propias fotos y compálalas para crear tu propio ciclista único.
La herramienta Lazo poligonal, más las herramientas de transformación Deformar y Distorsionar resultan muy útiles para este tipo de tarea.
Paso 2
Con la herramienta Pluma, dibuje las formas curvas rojas. Desbastar áreas como esta sin apretar ayuda a guiar su dibujo. Una vez que haya completado esto, haga una copia impresa de su composición; A3 es un buen tamaño para dibujar. Si solo tiene una impresora A4, imprima cada lado de la composición y péguelas con cinta adhesiva.
Paso 3
Con un lápiz o un delineador fino, con lo que prefieras dibujar, comienza a dibujar usando la maqueta del torso del esqueleto y la bicicleta. Añadí en las manos esqueléticas, brazos y piernas sin referencia. Si se siente más cómodo rastreando esos dos, simplemente agréguelos a su CTD_PHOTOCOMP.psdvuelva a archivoyimprimir.
Mire la obra de arte terminada y observe las líneas fluidas; intente dibujarlos a mano, o si le resulta más fácil, agréguelos usando la herramienta Pluma en Photoshop, luego calquelos. Traté de romper el torso con estas líneas, que es una técnica muy japonesa.
Si prefiere concentrarse en la parte digital de este tutorial, imprima CTD_SKETCH.psd de los archivos del proyecto y vaya al Paso 6.
Paso 4
Una vez que haya esbozado el esqueleto y la bicicleta, es hora de ir realmente a la ciudad. el flujo de la pieza. El movimiento es a menudo algo que trato de capturar en mi trabajo. Al dibujar las líneas fluidas, manténgalo muy suelto. No seas demasiado precioso, ya que no importa si tu pieza resulta diferente a la mía; de hecho, sería mejor.
La pieza se titula Chasing the Dragon. Notarás que he tejido elementos en el cuerpo del dragón, entre las líneas fluidas. Usando el arte final como referencia, agréguelo a su boceto.
Paso 5
Una vez que tenga un boceto completo que coincida con el arte final lo más fielmente posible, escanéelo. Ordene el boceto para obtener líneas limpias en Photoshop ajustando primero los Niveles (Imagen> Ajustes> Niveles). Utilice la herramienta Esquivar configurada en Destacados y con una Exposición de alrededor del 20%. Ajuste este valor de acuerdo con la cantidad que necesite para aclarar ciertas áreas.
Paso 6
Ahora es el momento de imprimir su obra de arte una vez más y hacer su dibujo final. Para ello utilicé un bolígrafo, disponible en buenas tiendas de arte o directamente en empresas como Faber Castell. Estos tienen puntas flexibles y dan una línea fluida realmente agradable, perfecta para lo que estamos tratando de lograr en esta ilustración.
Para algunas áreas de detalle más pequeñas, especialmente alrededor de los ojos del esqueleto y en su cabello, utilicé un delineador fino, ya que esto ayudó a lograr un trazo de lápiz muy controlado.
Con los dos bolígrafos sugeridos, realice una versión detallada del boceto que ha impreso. Intente expresar realmente algunas de las líneas, especialmente en aquellas líneas que muestran movimiento.
Paso 7
Escanee y arregle su dibujo a tinta, como hizo con su dibujo a lápiz en el Paso 5. Esto debería requerir un poco menos de trabajo ya que el contraste entre la oscuridad del lápiz y la claridad del papel es mayor. Los ajustes de nivel (Imagen> Ajustes> Niveles) pueden resultar muy efectivos aquí.
Paso 8
Ahora que tiene líneas negras sólidas y una base blanca sólida, debe invertir toda la imagen (Imagen> Ajustes> Invertir).
Esta pieza utiliza una paleta de colores de estilo japonés tradicional, siendo el color de trabajo de línea de base el rojo. Para lograr esto, necesitamos eliminar el blanco de la capa ‘Obra de arte’, de modo que podamos poner una capa roja sólida detrás. Haz doble clic en la capa principal de ‘Obra de arte’ en el panel Capas. Ajuste el control deslizante Esta capa: degradado en la parte inferior del cuadro de diálogo Estilo de capa, de modo que el control deslizante de la derecha (blanco) se establezca en alrededor de 245. Esto elimina el blanco de la imagen. Presiona OK.
Crea una nueva capa y déjala en blanco. Fusionarlo con la capa ‘Obra de arte’. Esto le permite colorear las áreas negras de la imagen usando un estilo de capa; no estoy muy seguro de por qué funciona, pero funciona, así que siga adelante.
Paso 9
Cree una nueva capa llamada ‘Rojo’, luego presione Seleccionar> Todo (o Cmd / Ctrl + A). Rellena esta capa con un rojo similar al utilizado en la ilustración final. He usado Estilo de capa> Superposición de color para hacer esto. Organice la capa ‘Roja’ de modo que esté debajo de la capa ‘Obra de arte’. Usando Superposición de color nuevamente, haga que la capa ‘Obra de arte’ sea azul y cambie el nombre de esta capa a ‘Azul’.
Paso 10
Estoy usando crema como color de resaltado en esta ilustración. Elegí no usar el blanco, ya que la crema parecía darle una sensación japonesa un poco más auténtica. Esto es lo que estaba tratando de lograr: una ilustración moderna que toma como referencia la obra de arte japonesa.
Seleccione la herramienta Lazo y comience a seleccionar las áreas que aparecen como crema en la ilustración final. Recuerda que estás resaltando áreas que quieres resaltar, por ejemplo, la cabeza del esqueleto y la bicicleta.
Si tiene una tableta gráfica a mano, podría resultar muy útil en esta etapa.
Paso 11
Para darle a la coloración en crema la misma fluidez que la línea de trabajo, use su pincel. Primero, establezca qué áreas se resaltarán con las herramientas Lazo de Photoshop. Para hacer esto, seleccione estas áreas, cree una nueva capa (llámela ‘Crema’) y rellénela con un color crema usando un estilo de capa ‘Superposición de color’. Imprime la imagen para trazar el área que se va a resaltar, usando el mismo pincel. Puedes colorear los trazos en crema más tarde.
Paso 12
Con papel de calco y el Brush Pen negro, trace en el área de los reflejos en crema, como con el trazo. Recuerde darle a las líneas un buen flujo y energía, para que tengan un estilo similar a las líneas mismas.
Una vez que todas las áreas de crema estén cubiertas con tinta negra, escanéala y límpiala con la herramienta Esquivar y el comando Niveles.
Paso 13
Una vez más, haga doble clic en la capa ‘Ilustración’ para abrir el cuadro de diálogo Estilo de capa. Con el control deslizante Esta capa: degradado, elimine el blanco de la imagen. Presiona OK. Crea una nueva capa y fusiona las dos. Ahora puede aplicar una ‘superposición de color’ en crema a esta capa.
Paso 14
A continuación, arrastre la capa ‘Crema’ a su documento de ilustración principal y colóquela debajo de la capa ‘Azul’. Alinéelo como desea que aparezcan los aspectos más destacados. Es posible que deba acercar y ordenar algunas áreas con la herramienta Pluma seleccionando estas áreas y agregando más crema o eliminando las partes que no funcionan.
Paso 15
Para completar esta imagen, jugué con diferentes variaciones en los ojos. Intenté rellenarlos con crema y rojo. También probé diferentes variaciones con las pupilas, resaltadas con rojo o sin resaltar en absoluto. Al final, sentí que lo simple era lo mejor, como suele ser, y opté por un relleno de crema plano.
Esta variación hizo que los ojos se destacaran más, atrayéndote a ti y a su rostro. Por lo tanto, esto le ayuda a reconocer instantáneamente que el tema de la obra de arte es un esqueleto en una bicicleta.
Paso 16
Y eso es todo: el tutorial está completo. Maravíllate con la gloria de la pieza, agrega cualquier otro elemento que desees o quizás prueba otras variaciones de color.
Creo que se ve algo genial en verde y blanquecino.
Consulte la nueva herramienta Licuar con reconocimiento de rostros para un retoque más fácil, un recorte con reconocimiento de contenido, mejores herramientas de enmascaramiento y más.
Las primeras actualizaciones de Photoshop, Illustrator e InDesign CC de 2016 están aquí, así como las nuevas versiones de After Effects, Premiere Pro y Audition CC.
Adobe Photoshop CC 2016 (también conocido como Photoshop CC 2015,5).
La nueva versión de Photoshop se llama formalmente Photoshop CC 2015.5, pero como sabemos, muchos de ustedes están buscando en Google Photoshop CC 2016.
Photoshop CC 2015.5 obtiene la mayoría de las funciones nuevas, incluido el atractivo Face-Aware Liquify para un retoque más rápido y fácil de las características y expresiones faciales, recorte de Content-Aware, la capacidad de reconocer fuentes, herramientas mejoradas de selección y enmascaramiento, y una mejor integración con el nuevo Adobe XD software de diseño web y de aplicaciones.
Photoshop también ha recibido un impulso de rendimiento, y Adobe dice que, por ejemplo, las herramientas Content-Aware son hasta 3 veces más rápidas.
Licuar
Face-Aware Liquify, Sin Face-Aware Liquify es una herramienta increíble. Esto usa el reconocimiento facial para identificar los rasgos faciales y crea caminos basados en los contornos de la cara, como para hacer que una persona parezca más satisfecho con lo que está mirando (abajo) de lo que hizo originalmente (arriba)
A partir de estos contornos, puede manipular rasgos faciales como la boca, la nariz o los ojos para cambiar o refinar una expresión.
Aunque no es fácil de usar bien o sutilmente como lo hemos hecho , y es muy fácil crear caricaturas o hacer que alguien se parezca al Joker de Heath Ledger mientras solo trata de sonreír.
Coincidir con la fuente
Esta nueva tecnología busca un área de texto que usted selecciona e intenta identificar el uso de la fuente de las bibliotecas TypeKit de Adobe, o encontrar una coincidencia cercana.
Sin embargo, en una demostración de Adobe, los resultados no fueron excelentes. También deseamos que haya una versión de esta aplicación para nuestros teléfonos cuando estamos fuera de casa.
Según el recorte
El contenido rellena los espacios en blanco cuando expande o gira una imagen en Photoshop, como hemos hecho para enderezar esta foto de Sydney.
Al igual que con el Relleno según el contenido de Adobe, los resultados serán variables según la imagen que utilice, y las áreas con texturas aleatorias, como el cielo y la hierba, ofrecerán los mejores resultados.
Selección y enmascaramiento en Photoshop CC 2015.5
La versión de Photoshop tiene un espacio de trabajo especializado para la selección y el enmascaramiento, y hay una nueva herramienta llamada Refine Edge Brush para facilitar las selecciones en áreas difíciles como el cabello.
Panel Bibliotecas
Ahora puede filtrar las búsquedas en el panel Bibliotecas por tipo de activo, y los nuevos íconos facilitan saber cuándo las imágenes de Adobe Stock tienen licencia.
Lo que no está en Photoshop CC 2015.5
Hubo algunas características que nos hubiera gustado ver en este nuevo Photoshop, incluidas las demostraciones técnicas mostradas en la conferencia Adobe Max del año pasado , como la capacidad de crear retratos en 3D a partir de fotos en 2D.
Los ilustradores destacados que se especializan en la producción de arte para envases nos cuentan sus enfoques y técnicas favoritas.
El empaque está destinado a hacer dos cosas: llamar la atención y hacer que los clientes sientan todas las buenas sensaciones que tendrán del proyecto sin probarlo. La ilustración es muy emotiva, es un sueño, por eso es muy poderosa para este propósito.
Tania Yakunova (Ucrania)
La ilustración para envases y marcas trata principalmente de sentimientos. Cuando trabajaba con Elate Tea mi tarea era llevar toda la emoción, frescura y sabor del té con ilustración.
También es muy importante tener en cuenta el contexto y el entorno donde el producto y la ilustración se encontrarán con el cliente. Para Alate Tea, está en el estante de su tienda de té de marca y en su tienda en línea.
Siempre trato de pensar cómo se verá este paquete en el estante: ¿el paquete llamará la atención del cliente, traerá suficiente sensación afrutada de verano al cliente, querrá probar este producto?
Tania Yakunova (Ucrania)
Cada campo de la ilustración tiene sus particularidades: no se puede tratar la ilustración editorial, de libros y de envases de la misma manera. Creo que es justo decir que en las ilustraciones de marca se trata mucho menos de ti como artista, y mucho más de la marca y su valor para el cliente. Hay más restricciones, como los colores de la marca, por ejemplo; pero la limitación es buena amiga de la creatividad, por eso hacen que las tareas sean más interesantes para mí.
Hacer maquetas es bastante importante, ya que ayuda a ver cómo se verá una imagen 2D en un producto en la vida real. Y se necesita mucha más atención a los requisitos de producción.
Tania Yakunova (Ucrania)
Siempre trato de obtener la mayor cantidad de información posible sobre la empresa: historia, visión, estrategia, qué los hace diferentes, qué dicen de sí mismos, cuál es su comunicación y sus voces visuales, todo es importante.
Luego investigo, estudio el mercado, la competencia y las soluciones existentes. Luego esbozo las ideas y la composición; hago bocetos en un diseño de producto completo para que la ilustración se incorpore con todos los demás elementos desde el principio.
Tania Yakunova (Ucrania)
Es importante alejarse del Mac y esbozar ideas iniciales. Esto permite la libertad de considerar la idea general de la marca antes de entrar en otros elementos de estilo. Significa que permanece enfocado en la idea general en línea con el posicionamiento de la marca.
Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)
Nuestro trabajo de identidad de marca para la marca de refrescos artesanales Dalston’s es un buen ejemplo de este enfoque. El boceto original de los diseñadores para la identidad de Dalston era en realidad muy similar a lo que hay en las latas de hoy.
Cuando haces un boceto a mano, a menudo es la forma más pura y simple de capturar la idea y, por lo tanto, es realmente clave para mantener tus diseños guiados por la idea.
Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)
Nuestro diseño para The Duppy Share Spiced, la primera nueva extensión de línea de The Duppy Share, es un buen ejemplo de cómo el diseño de una extensión de marca puede retener y potenciar la historia detrás de la identidad original. , mientras se mantiene fuerte como un producto por derecho propio.
Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)
Inspirado en el folclore caribeño, el diseño Duppy Share Aged cuenta la historia de los duppies que surgen por la noche para robar lo mejor del ron de cada barril a medida que envejece. El Duppy Share Spiced va un paso más allá, representando a un duppy bailando mientras disfruta del ron. Colocado en el frente del paquete, el diseño ilustrativo resalta instantáneamente la estantería y cuenta la historia de la marca, construyendo su herencia de una manera clara e inmediata.
Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)
Aunque el ojo se siente atraído por la criatura que cambia de forma con su cabeza de cocodrilo y patas emplumadas, el diseño de fondo incorpora elementos visuales del diseño original de Duppy Share.
El paisaje caribeño, el sol y la paleta de colores dorado y naranja se entrelazan sutilmente. Como resultado, The Duppy Share Spiced trabaja para potenciar y reforzar la marca original y la historia de la marca.
Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)
La resolución de problemas relacionados con la sostenibilidad debe ser una prioridad para todos los diseñadores. Cuando creamos la marca belga de helados alcohólicos LIQ, queríamos lograr envases 100% biodegradables para las tarrinas y cucharas, sin comprometer el diseño o la paleta de colores.
Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)
Nuestros expertos en producción desarrollaron una paleta de colores inteligente para permitir que todas las variantes de sabor se imprimen juntas en una tirada de producción, en lugar de hacerlo individualmente.
Esta iniciativa permitió a la marca trabajar con impresores de envases biodegradables, demostrando que con el diseño y la experiencia de producción adecuados, las marcas no tienen que comprometer su apariencia con ser sostenibles.
Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)
Por lo general, cuando un cliente potencial se me acerca, hay algo que han visto antes en mi portafolio que sienten que podría funcionar en una colaboración. Para Donut Time, fue la colaboración perfecta: querían que mi enfoque maximalista divertido y colorido combinara con sus donas increíblemente deliciosas y exageradas.
Me encargaron después de ver mi trabajo en línea y querían traer mis coloridas ilustraciones al lanzamiento de su colección navideña. Las ventas ayudaron a recaudar fondos para una organización benéfica para niños increíble.
Linda Baritski (Reino Unido)
La marca tiene una comunidad muy divertida y animada a su alrededor, así que quería crear un empaque específicamente para ellos, que no tuviera un aspecto tradicional o tuviera colores clásicos aburridos. ¡Tenía que ser divertido y sentir que se estaban regalando un regalo a sí mismos!
Pasamos por varias variaciones de color y tuvimos muchos ajustes rápidos, pero al final valió la pena; estoy muy contento de que a su comunidad también le encantó, instagramar el empaque y usar las pegatinas gif que creé para sus redes sociales.
Linda Baritski (Reino Unido)
Cuando colabora con una empresa emergente o una marca en su empaque, debe pensar en dónde se superpone su estilo con la personalidad de su marca o producto, y qué parte de su estilo de ilustración y diseño encuentran atractiva. .
Por lo general, cuando se te acercan, ya ven una coincidencia entre tu estilo y su marca. Esto es diferente a cuando creo proyectos editoriales, de ilustración personal y otros, donde solo pienso en mi estilo y mi interpretación de un tema.
Linda Baritski (Reino Unido)
Al igual que con cualquier otro trabajo de ilustración, es importante tener una idea del tamaño y la composición primero. Por lo tanto, el primer paso inevitable es crear un boceto y, en este caso, una pequeña maqueta.
Construí una pequeña caja de papel para ver qué lados se van a doblar y cómo se debe colocar la ilustración. Esto me permitió ver que tenía que colocar varios caracteres al revés en algunas solapas.
Mientras trabajaba digitalmente, coloqué la plantilla de caja como una capa transparente debajo de mi mesa de trabajo para vigilar los pliegues al dibujar y evitar cortes desagradables.
Lisa Tegetmeir (DE)
Para crear conciencia sobre el Día de la Tierra, la idea del diseño de la caja era mostrar varios escenarios de estilo de vida con personajes que hacen cosas respetuosas con el medio ambiente, como plantar un árbol, cambiar una bombilla y montar en bicicleta.
El cliente había preparado una lista de diferentes actos de los que podía elegir o encontrar nuevas ideas por mi cuenta. Fue muy útil recibir todos los comentarios que me dieron, especialmente fotos de diseños de cajas anteriores y, sobre todo, un video plegable de una caja terminada ayudó a comprender la estructura y el manejo con la plantilla de caja.
Lisa Tegetmeir (DE)
En última instancia, la forma más fácil de abordar esto fue crear primero una ilustración grande, o en realidad un patrón, que cubriera y superpusiera completamente la plantilla de la caja.
Era necesario prestar atención a la posición de cada solapa de la caja y cómo se tenían que colocar los personajes en ella, para asegurarse de que algunas figuras no terminaran al final boca abajo en la caja doblada.
Lisa Tegetmeir (DE)
Siempre es muy útil obtener ideas concretas y un informe bien preparado del cliente. Por supuesto, esto no solo se aplica al diseño de envases, sino a todos los proyectos de diseño.
Desde el principio tuve un buen sentido de lo que buscaba Causebox, y creo que la colaboración funcionó muy bien, porque cada detalle, desde la idea, pasando por los colores, hasta el tamaño de los personajes en la caja, había sido acordado. sobre antes.
Lisa Tegetmeir (DE)
Es bueno tener algunas ideas más allá del empaque en su bolsillo trasero, incluso si el resumen es ‘diseñar el empaque’. En algunos casos, es posible que esté creando una identidad de marca desde cero, por lo que todos los demás elementos de una identidad también entran en juego.
Hay una gran diferencia entre una caja cuadrada de 10 cm y un póster de 6 hojas, pero ambos necesitan trabajar, sentirse igual y trabajar juntos.
BOLD Stockholm (SE)
Suena obvio, pero incluso para soluciones de empaque relativamente simples, es imprescindible trabajar con maquetas físicas. Te permite refinar el diseño físico de formas que no puedes (¡y no debes!) Adivinar.
Y es emocionante tanto para nosotros los diseñadores como para el cliente ver el proyecto en tres dimensiones, especialmente después de que las primeras etapas de un proyecto a menudo se ven planas, ya sea impresas o en pantalla en presentaciones.
BOLD Stockholm (SE)
Es importante involucrar al cliente en el proceso más que solo las firmas regulares. Especialmente con el empaque, donde el cliente tiene que producir y vender el producto, es importante que se sienta dueño y que el empaque lo represente a él, a su empresa y al producto.
A veces lo hemos hecho mediante talleres o simplemente llevando al cliente a través de los diferentes bocetos e instrucciones. Pero siempre con una recomendación clara, ya que necesitas orientar y asesorar a tu cliente.
BOLD Stockholm (SE)
Creo que la ilustración funciona bien para visualizar nuestros pensamientos y sentimientos en torno a la comida. Con The Mallows, todos los malvaviscos están hechos a mano, y esto significa, bueno, que se ven hechos a mano.
Tienen formas y tamaños ligeramente diferentes, no son “perfectos” y son mucho mejores por eso. La ilustración dibujada a mano simplemente visualiza esto; tiene textura, una sensación que tiene el producto en sí. Creo que le está haciendo saber al cliente lo que está obteniendo.
BOLD Estocolmo (SE)
Puede ser un cliché, pero diviértete. No se limite a seguir ciegamente lo que se ha hecho antes, ni se deje limitar por la producción. Experimente y juegue, conceptualice, tanto visual como físicamente, para hacer el mejor producto para usted o un cliente.
BOLD Stockholm (SE)
A mi modo de ver, mi objetivo como diseñador de envases es crear una obra de arte o un envase atractivo que haga que los compradores quieran sacarlo de la estantería.
Mi objetivo es crear un diseño impactante con toda la información necesaria claramente legible en el paquete. Ser capaz de crear un diseño que pueda atraer la atención en un estante de supermercado lleno requiere investigar qué están haciendo los competidores y descubrir cómo puedo hacer algo ligeramente diferente.
Steve Simpson (IR)
Habiendo absorbido el resumen del cliente, el primer paso es obtener la plantilla y las especificaciones técnicas de la impresora. Puede comenzar con las limitaciones del proceso de impresión, la cantidad de colores, troquelados, papel, láminas y barnices. Obtener muestras impresas de la impresora es vital y le permite imprimir y pegar su diseño final en el empaque para comprender mejor cómo se verá.
Steve Simpson (IR)
Siempre empiezo a esbozar ideas en mi cuaderno de bocetos: miniaturas muy rápidas. Si va directamente a la computadora, puede perder mucho tiempo yendo en una dirección que, en última instancia, no es la mejor opción. También es muy difícil descartar un diseño una vez que ha invertido unas horas en él.
Steve Simpson (IR)
Una vez que esté satisfecho con una idea de diseño en mi cuaderno de bocetos, imprimiré la plantilla y dibujaré directamente sobre ella. Antes de mostrárselo al cliente, a menudo hago una copia, la imprimo, luego la recorto y la aplico al empaque, especialmente si es para una lata o botella. Conseguir que el anverso contenga toda la información importante es vital.
Steve Simpson (IR)
Creo que la parte trasera de la mochila es tan importante como la parte delantera. Una de las formas en que hago esto es con códigos de barras ilustrados que están temáticos para reflejar el resto del paquete.
Steve Simpson (IR)
En la última década, los hábitos alimentarios de las personas han cambiado drásticamente. Al buscar un estilo de vida más saludable, prestan mucha más atención a lo que comen, favoreciendo los productos que son naturales, integrales, orgánicos; cuanto menos industriales, mejor.
En otras palabras, buscan acortar de alguna manera la distancia entre ellos y sus productores de alimentos, saltando a través de la cadena alimentaria industrial. En vista de este escenario, la ilustración y las señales hechas a mano son de hecho algo muy valorado en el diseño de envases.
Casa Rex (BR / UK)
Todo depende mucho de cada caso concreto. Por un lado, la ilustración de la mano podría necesitar ser protagonista en una portada, contando una historia propia. También pueden ser solo un detalle entre otros elementos, parte de una narrativa más compleja.
En el envasado de alimentos, es posible que necesiten transmitir un atractivo apetitoso, evocar los valores de la artesanía, o simplemente usarse como un medio para romper el desorden en los estantes.
Casa Rex (BR / Reino Unido)
No es suficiente que un proyecto de diseño sea simplemente «adecuado». Un buen proyecto de diseño debería aportar algo más, no meramente de comunicación, sino que de alguna manera se involucre con su audiencia. Cada vez más personas dejan de ver un producto como solo ‘un producto’, sino como parte de sus vidas, por lo que buscan marcas que creen que están alineadas con sus valores y estilo de vida. Y dentro de este escenario ‘más de lo mismo’ ya no es suficiente.
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