Tigz Rice analiza cómo se puede usar el área de enfoque en Photoshop CC 2014 para realizar selecciones automáticas en función de si los píxeles están fuera de foco.
Introducción
La nueva herramienta Área de enfoque de Photoshop CC 2014 es una herramienta útil, especialmente para los fotógrafos, que le permite realizar selecciones automáticas en función de si los píxeles están enfocados y desenfocados.
Ver también: 89 mejores tutoriales de Photoshop
En este tutorial, el fotógrafo Tigz Rice analiza cómo puede usar esta herramienta para hacer selecciones, así como cómo puede aplicar estas selecciones con una curva de tono para agregar un poco más de luz ambiental a una foto.
Tiempo para completar
5 minutos
Software necesario
Photoshop CC 2014
Paso 1
Abre la imagen elegida en Photoshop CC 2014 y tómate un par de minutos para corregir cualquier problema de exposición o balance de blancos en la imagen general.
Paso 2
Diríjase a Seleccionar> Área de enfoque que abrirá el nuevo cuadro de diálogo Área de enfoque. Photoshop analizará automáticamente su imagen y sugerirá un rango de enfoque.
Sugerencia: también puede elegir un modo de visualización para ver mejor la selección. Cada uno de ellos tiene sus propias ventajas, aunque para este tipo de trabajo de selección puede que Overlay sea el más útil.
Paso 3
Para agregar al área de selección, puede deslizar el control deslizante Rango de enfoque hacia la derecha para aumentar el rango tomado en consideración.
Alternativamente, con la herramienta Agregar área de enfoque seleccionada, cepille las áreas de su imagen que desea agregar a su selección.
También puede utilizar la herramienta Restar área de enfoque para eliminar las áreas no deseadas de su selección.
Paso 4
Si bien las herramientas de suma y resta son excelentes para bordes duros, es posible que tenga algunos bordes más suaves que necesiten atención. Para obtener un mejor resultado, haga clic en el botón Refinar borde y utilice este proceso como lo haría normalmente.
Sugerencia: una vez que haya ingresado a la ventana Refinar borde, no puede volver al cuadro de diálogo Máscara de enfoque, ¡así que asegúrese de haber seleccionado todo lo que desea primero!
Paso 5
Una vez que esté satisfecho con la selección, presione OK, que lo llevará de regreso a su imagen original con hormigas marchando resaltando el área seleccionada.
Para trabajar en el área de fondo desenfocada, invierta la selección presionando Cmd / Ctrl + Shift + I.
Paso 6
Haga clic en el icono Agregar ajuste de curvas en el Panel de ajustes para agregar una capa de ajuste de curvas no destructiva a la imagen. Debería notar que las hormigas que marchan desaparecen y la capa de ajuste de Curvas tiene una máscara en blanco y negro adjunta.
Paso 7
En el panel de propiedades de Curvas, haga clic en el medio de la curva de tono para crear un nuevo punto de curva y arrastre directamente hacia arriba en la línea guía central para iluminar el fondo.
Paso 8
Una vez que esté satisfecho con el efecto producido, continúe editando su imagen como de costumbre.
Dale a una de tus fotos un estilo retro pop vívido usando los filtros y estilos de capa de Photoshop.
Introducción
La creación de imágenes vibrantes y llamativas como esta no tiene por qué ser un asunto complejo o que requiera mucho tiempo. En este tutorial, James White muestra cómo agregar un estilo retro audaz de la cultura pop a una impactante foto de modelo proporcionada amablemente por ThinkStock.com.
Aprenderás a perfeccionar tus habilidades con el panel Capas y consejos útiles para aplicar enmascaramiento, modos de fusión y tono / saturación. También aprenderás cómo las capas reaccionan entre sí cuando se superponen de ciertas maneras y cómo se pueden agregar colores selectivos para mejorar el diseño general.
No tengas miedo de abrirse a la experimentación. Prueba diferentes cosas a medida que avanza para ver qué resultados puede obtener.
Tiempo para completar
3 horas
Software
Adobe Photoshop
Paso 1
Comienza con algunos bocetos para tener una idea general de cómo se verá la composición final. Estas son pautas útiles cuando comienzas a trabajar en los elementos en Photoshop. He incluido algo de inspiración con respecto a la forma y el estilo de las dos imágenes finales.
Paso 2
Descarga los archivos del proyecto y abra el archivo jw_lady.jpg. Con la herramienta Tampón de clonar con un cepillo suave, clone el collar y cualquier otra imperfección obvia o pelos sueltos. Trate de mantener el tono de piel uniforme en todo momento y observe los cambios en las luces y las sombras.
Paso 3
A continuación, corte la cabeza con la herramienta Lazo poligonal. Haga clic alrededor de la cabeza y el cuello para seleccionar, luego presione el botón Máscara de capa para eliminar el fondo.
A continuación, puedes utilizar la herramienta Pincel para redondear y arreglar la máscara según sea necesario.
Paso 4
Con la foto en la cabeza seleccionada, aplique un ajuste de Tono / Saturación y deslice el Tono a 187 y la Saturación a 9. Esto eliminará todo el color natural y dejará un toque de azul.
Luego, para agregar un poco de contraste, agregue un ajuste de Niveles. Mueva la flecha de Sombra a 21 y la flecha de Resaltar a 247.
Paso 5
Ahora necesitamos agregar un poco de suavidad a esa piel granulada. Duplique la capa de disparo a la cabeza, vaya a Filtros> Desenfoque gaussiano y aplique un desenfoque de 4.7 píxeles a la nueva capa, luego baje su opacidad al 51%. Es posible que deba realizar un enmascaramiento selectivo para conservar la nitidez en algunas áreas, como las gafas de sol.
Paso 6
Crea tres capas nuevas. En las dos primeras capas nuevas (que he llamado ‘garabato 1’ y garabato 2 ‘, seleccione la herramienta Pincel con un pincel de bordes duros y agregue algunos garabatos en la parte posterior de la cabeza del modelo.
Cambia a la tercera capa ( ‘relleno de cabello’), y con la herramienta Lazo poligonal, redondee y rellene las áreas planas donde se cortó la foto.
Paso 7
Crea una nueva capa llamada ‘labios’ y configure su modo de fusión en Multiplicar. Seleccione Lazo poligonal y haga clic para delinear el área de los labios, ignorando los dientes. Luego, rellene el área seleccionada con un rosa fuerte para agregar realmente un toque de color a la cara.
Paso 8
Crea una nueva capa llamada ‘lentes’. Haga clic alrededor de los bordes de la lentes con la herramienta Lazo poligonal hasta que se seleccionen y rellenar con negro.
Agrega un poco de un campo de estrellas sutil al mío para mayor interés. Aplique el mismo efecto a ambos lentes.
Paso 9
Para agregar más detalles al lente, agregué una segunda capa de estrellas y las cambié a un tono azul usando la paleta de Tono / Saturación. Hay muchas fotos de estrellas en la web para este efecto.
Paso 10
Para las lágrimas de mercurio, usé una imagen de gotas de agua, las cambié a escala de grises usando Tono / Saturación, luego utiliza un ajuste de Niveles para amplificar el contraste.
Usa la herramienta Lazo poligonal para seleccionar las gotas y presione el botón Máscara de capa para eliminar el fondo. Aplica un estilo de capa sutil Sombra paralela para agregar profundidad a tus gotas.
Paso 11
Crea una nueva capa y, usando la herramienta Pincel, agregue algunos colores salvajes sobre la parte superior de las gotas. Una vez que los colores estén listos, configure el modo de fusión en Superposición y reduzca la opacidad al 60%.
Paso 12
Busca un par de imágenes de fuentes de luz: sugiero farolas o tomas de eclipses. Pégalos en Photoshop, configura el modo de fusión en Pantalla, ajusta los niveles para eliminar el fondo y aplica cualquier máscara que sea necesaria.
Paso 13
Crea dos nuevas capas llamadas «superposición de color». En el primero, establezca el modo de fusión en Pantalla y la opacidad en 46%. Usa la herramienta Pincel para aplicar un color suave en la parte posterior de la cabeza; sugiero usar rosa y azul.
Luego, en la segunda capa, use la herramienta Degradado para aplicar un degradado completo de azul a rosa en el lienzo. Establezca el modo de fusión de esa capa en superposición y la opacidad en 22%.
Paso 14
Crea una nueva carpeta en el panel Capas llamada ‘Rayas’ y agregue una nueva capa dentro de ella. Con la herramienta Rectángulo con un azul desaturado, dibuja un rectángulo a lo largo de la cara.
Duplique esa capa, presione el botón Bloquear píxeles transparentes y llene el nuevo rectángulo con rosa. Seleccione ambas capas e inclinarlas usando los controles Transformar. Agregue una máscara de capa a la carpeta para eliminar las rayas de la cara.
Paso 15
Encuentra una textura arenosa con un buen contraste y péguela en tu trabajo para cubrir todo el diseño, llamando a la capa ‘Textura’. Usa un ajuste de Tono / Saturación para eliminar el color y los Niveles para agregar un poco más de contraste.
Paso 16
Configura el modo de fusión de la capa ‘Textura’ en Superposición y reduce la opacidad al 73%. Luego arrastre esa capa a la parte inferior de su panel Capas, justo encima de la capa de fondo.
Photoshop CS6.1 le permite agregar efectos de Desenfoque de campo, Desenfoque de iris e Inclinación y desplazamiento a objetos inteligentes.
Introducción
Photoshop CS6.1 le permite agregar efectos de Desenfoque de campo, Desenfoque de iris y Cambio de inclinación a objetos inteligentes, lo que significa que también puede usarlos con capas de video. Así es cómo.
Arrastre su video a Photoshop CS6.1. Haga clic con el botón derecho en el panel Capas y seleccione Convertir en objeto inteligente.
Paso: 1
Agregue un desenfoque de iris (Filtro> Desenfocar> Desenfoque de iris…). Utilice los controles en pantalla para colocarlo y ajustarlo para que se adapte a su metraje. Aquí lo hemos girado ligeramente, apretado el anillo interior y ampliado ligeramente el exterior. Esto hace que la flor realmente se destaque.
Paso: 2
El efecto final se aplica a todo el clip. Desafortunadamente, los parámetros del desenfoque no se pueden crear fotogramas clave a lo largo del tiempo, lo cual está bien para este clip en gran parte estático. Cualquier cosa más compleja requiere Premiere Pro.
Ollie Munden revela su proceso creativo, desde una composición digital aproximada hasta un arte lineal dibujado a mano para colorear y trabajar la pieza terminada en Photoshop.
Introducción
En este tutorial, el artista Ollie Munden lo lleva a través del proceso de creación de su pintura de tres colores, Chasing The Dragon, a través de una combinación de Photoshop y técnicas de lápiz. En primer lugar, creará una maqueta de lo que desea crear utilizando la fotografía, luego creará un dibujo a lápiz a partir de eso. Tomando su dibujo, lo trazará a mano con un Brush Pen y luego lo transformará en una obra de arte digital de tres colores de aspecto elegante.
El tutorial también le muestra cómo colorear su obra de arte terminada utilizando una combinación de técnicas digitales y dibujadas a mano.
Estas habilidades se pueden utilizar para producir sus propias obras de arte únicas con un estilo gráfico fluido pero audaz.
Tiempo para completar
1 día completo
Software
Adobe Photoshop 7 o posterior
Paso 1
Para comenzar esta pieza, reuní una variedad de fotos como referencia. La foto principal del ciclista realmente me inspiró ya que me gustó el ángulo desde el que fue tomada. Cuando haga sus propias obras de arte nuevas, mantenga los ojos bien abiertos para ver fotos que tengan fuertes cualidades visuales, buenos ángulos, buena iluminación y sean de alta resolución.
Para comenzar, abra CTD_PHOTOCOMP.psd (que se puede encontrar en los archivos del proyecto). Si prefieres crear tu propio ciclista esquelético, busca tus propias fotos y compálalas para crear tu propio ciclista único.
La herramienta Lazo poligonal, más las herramientas de transformación Deformar y Distorsionar resultan muy útiles para este tipo de tarea.
Paso 2
Con la herramienta Pluma, dibuje las formas curvas rojas. Desbastar áreas como esta sin apretar ayuda a guiar su dibujo. Una vez que haya completado esto, haga una copia impresa de su composición; A3 es un buen tamaño para dibujar. Si solo tiene una impresora A4, imprima cada lado de la composición y péguelas con cinta adhesiva.
Paso 3
Con un lápiz o un delineador fino, con lo que prefieras dibujar, comienza a dibujar usando la maqueta del torso del esqueleto y la bicicleta. Añadí en las manos esqueléticas, brazos y piernas sin referencia. Si se siente más cómodo rastreando esos dos, simplemente agréguelos a su CTD_PHOTOCOMP.psdvuelva a archivoyimprimir.
Mire la obra de arte terminada y observe las líneas fluidas; intente dibujarlos a mano, o si le resulta más fácil, agréguelos usando la herramienta Pluma en Photoshop, luego calquelos. Traté de romper el torso con estas líneas, que es una técnica muy japonesa.
Si prefiere concentrarse en la parte digital de este tutorial, imprima CTD_SKETCH.psd de los archivos del proyecto y vaya al Paso 6.
Paso 4
Una vez que haya esbozado el esqueleto y la bicicleta, es hora de ir realmente a la ciudad. el flujo de la pieza. El movimiento es a menudo algo que trato de capturar en mi trabajo. Al dibujar las líneas fluidas, manténgalo muy suelto. No seas demasiado precioso, ya que no importa si tu pieza resulta diferente a la mía; de hecho, sería mejor.
La pieza se titula Chasing the Dragon. Notarás que he tejido elementos en el cuerpo del dragón, entre las líneas fluidas. Usando el arte final como referencia, agréguelo a su boceto.
Paso 5
Una vez que tenga un boceto completo que coincida con el arte final lo más fielmente posible, escanéelo. Ordene el boceto para obtener líneas limpias en Photoshop ajustando primero los Niveles (Imagen> Ajustes> Niveles). Utilice la herramienta Esquivar configurada en Destacados y con una Exposición de alrededor del 20%. Ajuste este valor de acuerdo con la cantidad que necesite para aclarar ciertas áreas.
Paso 6
Ahora es el momento de imprimir su obra de arte una vez más y hacer su dibujo final. Para ello utilicé un bolígrafo, disponible en buenas tiendas de arte o directamente en empresas como Faber Castell. Estos tienen puntas flexibles y dan una línea fluida realmente agradable, perfecta para lo que estamos tratando de lograr en esta ilustración.
Para algunas áreas de detalle más pequeñas, especialmente alrededor de los ojos del esqueleto y en su cabello, utilicé un delineador fino, ya que esto ayudó a lograr un trazo de lápiz muy controlado.
Con los dos bolígrafos sugeridos, realice una versión detallada del boceto que ha impreso. Intente expresar realmente algunas de las líneas, especialmente en aquellas líneas que muestran movimiento.
Paso 7
Escanee y arregle su dibujo a tinta, como hizo con su dibujo a lápiz en el Paso 5. Esto debería requerir un poco menos de trabajo ya que el contraste entre la oscuridad del lápiz y la claridad del papel es mayor. Los ajustes de nivel (Imagen> Ajustes> Niveles) pueden resultar muy efectivos aquí.
Paso 8
Ahora que tiene líneas negras sólidas y una base blanca sólida, debe invertir toda la imagen (Imagen> Ajustes> Invertir).
Esta pieza utiliza una paleta de colores de estilo japonés tradicional, siendo el color de trabajo de línea de base el rojo. Para lograr esto, necesitamos eliminar el blanco de la capa ‘Obra de arte’, de modo que podamos poner una capa roja sólida detrás. Haz doble clic en la capa principal de ‘Obra de arte’ en el panel Capas. Ajuste el control deslizante Esta capa: degradado en la parte inferior del cuadro de diálogo Estilo de capa, de modo que el control deslizante de la derecha (blanco) se establezca en alrededor de 245. Esto elimina el blanco de la imagen. Presiona OK.
Crea una nueva capa y déjala en blanco. Fusionarlo con la capa ‘Obra de arte’. Esto le permite colorear las áreas negras de la imagen usando un estilo de capa; no estoy muy seguro de por qué funciona, pero funciona, así que siga adelante.
Paso 9
Cree una nueva capa llamada ‘Rojo’, luego presione Seleccionar> Todo (o Cmd / Ctrl + A). Rellena esta capa con un rojo similar al utilizado en la ilustración final. He usado Estilo de capa> Superposición de color para hacer esto. Organice la capa ‘Roja’ de modo que esté debajo de la capa ‘Obra de arte’. Usando Superposición de color nuevamente, haga que la capa ‘Obra de arte’ sea azul y cambie el nombre de esta capa a ‘Azul’.
Paso 10
Estoy usando crema como color de resaltado en esta ilustración. Elegí no usar el blanco, ya que la crema parecía darle una sensación japonesa un poco más auténtica. Esto es lo que estaba tratando de lograr: una ilustración moderna que toma como referencia la obra de arte japonesa.
Seleccione la herramienta Lazo y comience a seleccionar las áreas que aparecen como crema en la ilustración final. Recuerda que estás resaltando áreas que quieres resaltar, por ejemplo, la cabeza del esqueleto y la bicicleta.
Si tiene una tableta gráfica a mano, podría resultar muy útil en esta etapa.
Paso 11
Para darle a la coloración en crema la misma fluidez que la línea de trabajo, use su pincel. Primero, establezca qué áreas se resaltarán con las herramientas Lazo de Photoshop. Para hacer esto, seleccione estas áreas, cree una nueva capa (llámela ‘Crema’) y rellénela con un color crema usando un estilo de capa ‘Superposición de color’. Imprime la imagen para trazar el área que se va a resaltar, usando el mismo pincel. Puedes colorear los trazos en crema más tarde.
Paso 12
Con papel de calco y el Brush Pen negro, trace en el área de los reflejos en crema, como con el trazo. Recuerde darle a las líneas un buen flujo y energía, para que tengan un estilo similar a las líneas mismas.
Una vez que todas las áreas de crema estén cubiertas con tinta negra, escanéala y límpiala con la herramienta Esquivar y el comando Niveles.
Paso 13
Una vez más, haga doble clic en la capa ‘Ilustración’ para abrir el cuadro de diálogo Estilo de capa. Con el control deslizante Esta capa: degradado, elimine el blanco de la imagen. Presiona OK. Crea una nueva capa y fusiona las dos. Ahora puede aplicar una ‘superposición de color’ en crema a esta capa.
Paso 14
A continuación, arrastre la capa ‘Crema’ a su documento de ilustración principal y colóquela debajo de la capa ‘Azul’. Alinéelo como desea que aparezcan los aspectos más destacados. Es posible que deba acercar y ordenar algunas áreas con la herramienta Pluma seleccionando estas áreas y agregando más crema o eliminando las partes que no funcionan.
Paso 15
Para completar esta imagen, jugué con diferentes variaciones en los ojos. Intenté rellenarlos con crema y rojo. También probé diferentes variaciones con las pupilas, resaltadas con rojo o sin resaltar en absoluto. Al final, sentí que lo simple era lo mejor, como suele ser, y opté por un relleno de crema plano.
Esta variación hizo que los ojos se destacaran más, atrayéndote a ti y a su rostro. Por lo tanto, esto le ayuda a reconocer instantáneamente que el tema de la obra de arte es un esqueleto en una bicicleta.
Paso 16
Y eso es todo: el tutorial está completo. Maravíllate con la gloria de la pieza, agrega cualquier otro elemento que desees o quizás prueba otras variaciones de color.
Creo que se ve algo genial en verde y blanquecino.
Experience Design CC (Beta) de Adobe – Adobe XD – es una excelente herramienta para diseñar y crear prototipos de sitios web y aplicaciones móviles, te explicaremos cómo usarlo.
Adobe XD recientemente lanzó nuevas funciones para Windows 10 la cuál lo utilizan los diseñadores de los principales gigantes digitales como Airbnb y Design Inc.
Los diseñadores ahora pueden citar wireframes, diseños de pantalla y prototipos interactivos, todo dentro de la misma aplicación utilizando herramientas poderosas como Repeat Grid específicamente desarrollada para XD. En un mundo del diseño donde las marcas valoran primero el diseño de UX y UI, es crucial que los diseñadores comprendan lo que es capaz en estas áreas y cómo construir una relación sólida con los desarrolladores.
Adobe XD es una herramienta útil para que los diseñadores vean y muestren sus diseños en un modo de prototipo de inmediato, para que puedas ver los cambios aplicados de inmediato en un teléfono inteligente o tableta. Cualquiera en la empresa en general puede ofrecer comentarios rápidos y los diseñadores pueden compartir su trabajo con los desarrolladores que, a su vez, construirán según las especificaciones.
Pero el software siempre está evolucionando e introduciendo nuevas funciones, afirma Adobe con una frecuencia mensual, a medida que aprendas de los propios diseñadores sobre qué funciones son importantes. Las últimas actualizaciones de Adobe XD en Windows 10, desde el 13 de junio, incluyen degradados, herramientas de texto estilizadas, símbolos y capas de arrastrar y soltar. Para ver una cronología de todas las funciones nuevas de Adobe XD.
Presentamos 50 tutoriales en línea de Adobe XD para principiantes o expertos. Algunos son tutoriales pagados y otros son gratuitos. A veces es difícil justificar el pago de tutoriales cuando hay alternativas gratuitas disponibles; sin embargo, la mayoría de los siguientes centros de aprendizaje basados en suscripción ofrecen una prueba gratuita, por lo que puede aprender Adobe XD de los mejores sin tener que pagar un centavo.
Todas las funciones de los sitios web ofrecen múltiples tutoriales, por lo que puede elegir exactamente qué características y habilidades desea aprender.
Hemos intentado incluir tutoriales recientes porque cuanto más antiguo se publicó un tutorial, más desactualizado estará el software. También vale la pena mencionar que muchas de las plataformas de tutoriales, como Dansky, envatotuts + y Udemy, cuentan con tutoriales del diseñador británico Daniel White. Daniel tiene más de 10 años de experiencia como diseñador en el Reino Unido.
Adobe Experience Design CC (Beta) está disponible para descargar de forma gratuita durante el período de vista previa. Puede descargarlo de Adobe o mediante la aplicación de escritorio de Creative Cloud.
Aprenda y soporte Adobe XD
10 tutoriales diferentes
Nivel: principiante y experimentado
Precio: gratuito
Comenzamos con el propio servicio de soporte de Adobe. Divididos en una guía para principiantes y una guía para el usuario, los tutoriales de Adobe son muy fáciles de seguir y un excelente lugar para comenzar.
Hay siete tutoriales con la ayuda de videos para ayudar a los nuevos usuarios a manejar el software, como familiarizarse con la interfaz XD y dibujar iconos por primera vez.
Los tutoriales para principiantes incluyen diseño para aplicaciones web y móviles, cómo crear y compartir prototipos, exportar, dibujar iconos y formas y obtener una vista previa de su diseño en dispositivos reales.
Todos estos son para macOS, pero desde entonces se han agregado dos videos clave: un instructivo en Adobe XD para Windows y cómo hacer wireframe en un prototipo de alta fidelidad.
Los tutoriales experimentados cubren consejos, sugerencias y trucos profesionales para el diseño de UI / UX en macOS y wireframe de alta fidelidad.
Todo lo que necesitas hacer por adelantado es descargar Adobe XD y un archivo de muestra para practicar.
Dansky
24 tutoriales diferentes
Nivel: principiante y experimentado
Precio: Gratis
Dansky es probablemente el mejor sitio web para visitar para obtener una sólida comprensión de Adobe XD.
Dansky es una plataforma en línea dedicada a personas creativas, esencialmente un centro de habilidades creativas para diseñadores en Adobe Illustrator, InDesign, Photoshop Premiere Pro, Sketch y XD. Los tutoriales de transmisión en vivo grabados de Adobe XD son proporcionados por el diseñador Daniel White, el hombre detrás de Dansky. Aunque son geniales; necesitará un poco de tiempo libre en sus manos para ver cada video completo de una hora y 30 minutos aproximadamente.
Cada tutorial se enfoca en un tema específico. Daniel cubre el diseño y prototipo de aplicaciones, diseño de interfaz de usuario de chat, mesas de trabajo desplazables, bordes rectos y curvos, 10 iconos, interfaz de usuario de conmutador de trabajo, diseño y encuadre de cables, capas y símbolos, interfaz de usuario del navegador, icono del logotipo de Instagram y la lista continúa.
Udemy
5 tutoriales diferentes de
Nivel: principiante y avanzado
Los cursos de Udemy no te costarán mucho dinero de su bolsillo, pero te garantizarán el asesoramiento de expertos sobre cómo navegar en Adobe XD.
Cómo diseñar y crear prototipos en Adobe XD es un curso de formación sobre las herramientas de Adobe XD, cómo diseñar iconos y otros elementos populares de la interfaz de usuario, y cómo diseñar una pantalla de aplicación en Adobe XD.
Recibirá videos a pedido, recursos complementarios y acceso en dispositivos móviles y TV.
Este curso está dirigido no solo a diseñadores web, diseñadores de UI y diseñadores de UX, sino también a estudiantes interesados en aprender el diseño y la creación de prototipos de aplicaciones.
Lynda.com
7 tutoriales diferentes
Nivel: principiante
Lynda es un gran centro para todos los tutoriales para desarrolladores, diseño y web. Puedes probar Lynda gratis durante 30 días, y en ese tiempo aprender a usar Adobe XD de forma gratuita, o puedes suscribirte al mes y obtener acceso a todos los tutoriales en video y nuevos cursos semanalmente.
En un video tutorial de una hora para principiantes, aprenda a usar todas las funciones principales de Adobe XD, como mesas de trabajo, herramientas de dibujo y texto, enlaces e interacciones, panel de vista previa y funciones para compartir.
Aprenda también a usar Repeat Grid, una función para duplicar contenido en un diseño. Ten en cuenta que este tutorial tiene casi un año, por lo que puede haber nuevas funciones.
Pero hay muchos más tutoriales en video de Adobe XD disponibles en Lynda.com, que incluyen nuevas funciones y cómo diseñar un sitio web o una aplicación móvil, así que busca para descubrir qué tutorial se adapta mejor a tus necesidades.
Envatotuts +
4 tutoriales diferentes
Nivel: Principiante
Hay cuatro tutoriales prácticos de Adobe XD disponibles en Envatotuts + que definitivamente vale la pena revisar.
De hecho, Daniel White vuelve a aparecer con sus consejos sobre cómo crear un prototipo de una aplicación en Adobe XD, junto con Adobe XD en 60 segundos y los tutoriales This is Adobe XD, que cubren rellenos, degradados y sombras, transformación y alineación de formas, desenfoque de objetos y fondos, creación de prototipos. y transiciones.
También está la Rafiq El Mansy Cómo crear un prototipo de interfaz de usuario con Adobe XD de guía paso a paso.
Puede tomar un curso Envatotuts + de inmediato con una prueba gratuita de 10 días; de lo contrario, la plataforma cuenta con una subscripción mensual, lo que otorga acceso a cientos de cursos, y se agregan nuevos cada semana.
Transforme sus bocetos en impresionantes obras de arte con textura.
Transformar sus bocetos en pinturas digitales detalladas y texturizadas requiere tiempo y paciencia, pero la capacidad de mejorar una escena y crearla con estilo es una habilidad clave para cualquier artista digital.
En este gran tutorial, Patrick Auletto le muestra cómo convertir una pieza a partir de un boceto a lápiz en una pintura impresionante de colores vivos. La clave para crear este tipo de ilustración es pensar en su documento como un lienzo en blanco, listo para pintar.
Al superponer varias capas de luces y sombras, creará la ilusión de profundidad. A lo largo del tutorial, debería experimentar con transparencias de capas para encontrar el estilo que se adapte a sus necesidades.
01. En un nuevo documento de Illustrator, vaya a Archivo> Colocar y seleccione el dibujo. jpg del CD de la portada. Este es un boceto que creé; verá que tiene varios elementos diferentes. Cree y etiquete nuevas capas para cada elemento clave en la ilustración, ya que esto le ahorrará tiempo más adelante. En el panel Muestras, haga clic en la pestaña de la esquina y seleccione Abrir biblioteca de muestras. Seleccione una o más de estas opciones de color; esto le dará acceso rápido a su paleta de colores.
02. Utilice la herramienta Lápiz o Pluma para trazar los elementos básicos en su obra de arte, colocando cada elemento en su capa separada. La herramienta Pluma es ideal para trazar objetos como el vidrio, el líquido y la botella, mientras que el Lápiz sobresale con las formas que fluyen más libremente, como las llamas. Llene cada elemento con colores de su paleta de Muestras. Una vez que traces un elemento, baja la transparencia de tu objeto para que aún puedas ver el boceto.
03. Ahora que tiene sus elementos básicos delineados, haga que su capa escaneada sea invisible (haga clic en el símbolo del ojo en la paleta Capas) y lleve las otras capas a una transparencia total. A continuación, comience a jugar con degradados. Los degradados lineales y radiales le darán a su obra de arte un brillo que puede comenzar a construir cuando comience a sombrear. Asegúrese de que cada elemento tenga un trazo; esto es esencial para la ilustración final.
04. Para crear la ilusión de profundidad de campo, agregue un Desenfoque gaussiano (Filtro> Desenfoque> Desenfoque gaussiano) de alrededor de 6.5 a la capa de llamas. Esto difuminará los bordes de las llamas, dándoles un aspecto más estilizado.
05. Agregue algunas formas transparentes abstractas básicas sobre las llamas: esto comenzará a agregar complejidad a su ilustración, ya que el uso de tonos oscuros y claros contrastantes le dará profundidad a su arte. Puede resultar útil reunir fotografías de referencia de algunos de los elementos de su ilustración, para ayudarlo a representar su ilustración correctamente, en particular la iluminación y las sombras.
06. Empiece a añadir texturas de superficie dibujando trazados en forma de gusano en el primer plano, luego agregue un pincel de trazo personalizado. Abra la biblioteca de Pinceles, luego seleccione uno de los pinceles artísticos del menú. Cambiar el tamaño del punto de la ruta tendrá un gran efecto en la apariencia general.
07. Termine de agregar algunos colores oscuros al primer plano, y luego es el momento de crear el cielo, en una capa de fondo. En lugar de tener un cielo degradado vertical, podemos agregar una forma grande que cubra la mayor parte del fondo pero dejando algo de luz cerca de la línea del horizonte. Agrega un Desenfoque gaussiano, como hiciste con las llamas. Aplica un poco más de Desenfoque Gaussiano a un par de llamas.
08. A continuación, experimentemos con la herramienta Girar para agregar algo de dramatismo al cielo; en la paleta de Herramientas, es una de las opciones de la herramienta Deformar. Dibuje formas aleatorias en el horizonte, oscureciendo cuanto más cerca estén de la parte superior de su mesa de trabajo, luego déjelas rasgar con la herramienta Girar. La herramienta Deformar puede resultar útil para controlar la forma de la distorsión. Una vez que esté satisfecho con los resultados, cambie el modo de opacidad a Multiplicar. Esto ayudará a crear un horizonte psicodélico.
09. Ahora dirijamos nuestra atención al líquido que fluye de la botella al vaso. Mire fotografías de agua, luego intente simplificarlas en su arte. Dibuja formas abstractas que imitan ondas en una variedad de tonos, juega con la herramienta Girar y usa la herramienta Pluma para agregar bordes oscuros y áreas más oscuras.
10. La clave para hacer que el líquido se vea brillante y acabado es agregar reflejos blancos fuertes a las burbujas, el líquido y el vidrio. Utilice estos reflejos para mostrar el movimiento en el líquido. La superposición del sombreado agrega contraste al área.
11. Ahora use la herramienta Lápiz para modelar las alas y agregarles un marco multicolor. Ponga un degradado radial de un tono claro a uno más oscuro en las secciones internas de las alas. Dibujar trazos personalizados con los pinceles ayuda a agregar textura y otro nivel de interés a esta área.
12. Ahora dirija su atención a la botella. Agregar dos o tres áreas grandes de tonos claros sobre la botella le da una iluminación creíble. Use tonos oscuros para ayudar a modelar la forma. Dedique algún tiempo a agregar toques de color en las alas, la botella y en cualquier otro lugar que considere oportuno.
13. Agregue algunos reflejos a la botella: dibuje una forma en un área donde habrá un reflejo, luego coloque un relleno transparente en un color adyacente al color del objeto. Luego dibuja una forma con un contorno similar justo al lado y coloréala de manera similar. Esto agregará un acabado de alta calidad al área de la superficie de la ilustración.
14. A continuación, haremos que las calaveras de las botellas realmente se destaquen. Para hacer esto, tendremos que pensar en la dirección de la que proviene la iluminación para averiguar dónde agregar luces y sombras. Agregar colores complementarios transparentes para esculpir la cara de la calavera hará que esta imagen resalte. Intente usar azules para las sombras y amarillos para las luces. La opacidad del 50-60% es generalmente efectiva para trabajos como este.
15. Agregue colores de acento a su ilustración para darle un toque final. Intente experimentar con naranjas, amarillos y azules para ampliar la paleta de colores de la pieza. Asegúrese de convertir todos sus colores a CMYK para impresión comercial.
Sugerencia
Haga doble clic en la herramienta Lápiz para que aparezcan las opciones para ajustar preferencias como Fidelidad y Suavidad. Es importante experimentar con diferentes escenarios hasta que encuentre uno que se sienta apropiado. Practica dibujar formas abstractas, que se superponen en la imagen. Al ajustar las transparencias de estos objetos superpuestos, puede agregar dimensión a la sombra.
Quién: Patrick Auletto, radicado en EE. UU. Es un ilustrador, diseñador y profesor que se especializa en enseñar técnicas de ilustración tradicional y digital a estudiantes universitarios. Auletto también es un profesional de la preimpresión y pasa su tiempo libre trabajando independientemente en todo, desde diseño web hasta ilustraciones editoriales.
Software: Adobe Illustrator CS3 Tiempo para completar: 3-6 horas
Con las nuevas herramientas agregadas en la última actualización de Photoshop CC en 2014, se explica cómo modelar un juguete completamente en Photoshop y luego imprimirlo con una impresora 3D.
Introducción
De repente, todo se vuelve tridimensional. Las impresoras 3D fueron una vez el coto exclusivo de las imprentas de alta gama, que cobrarían una fortuna a las agencias de diseño por producir prototipos de productos futuros. Pero ahora puede comprar una impresora 3D de Maplin lo que le permitirá imprimir sus modelos en su propio estudio.
Esto le permite ver cómo aparecerá un objeto, como un juguete de diseño de cadera, antes de que se produzca una carrera completa. O puede producir sus propias tiradas limitadas de un juguete de edición especial, un tipo 3D ingeniosamente diseñado o cualquier cosa que su imaginación pueda concebir.
Sin embargo, la impresión 3D no siempre es sencilla, ya que lleva un tiempo instalar, y mucho menos dominar, los diversos programas que necesitará. Pero con algo de tiempo y esfuerzo se puede lograr.
Crear su modelo no significa necesariamente usar software 3D o CAD. Puede usar Photoshop CC, o si usa Photoshop CS6 Extended, siga nuestro tutorial de Impresión 3D desde Photoshop CS6.
Las opciones de modelado 3D de Photoshop se mejoraron enormemente en CS6 con controles en pantalla más intuitivos que brindan incluso al artista menos técnico la capacidad de producir modelos a partir de ilustraciones planas, fotografías o su imaginación, y luego se mejoraron aún más en Photoshop CC.
Photoshop puede estar limitado como programa de modelado, pero es mucho más fácil que aprender sobre NURB y superficies de subdivisión. Y una vez que domine el 3D en la herramienta de Adobe, es mucho más fácil pasar al trabajo 3D de gama alta en herramientas como Cinema 4D o Maya.
veremos cómo un diseñador de juguetes podría usar la tecnología para modelar una figura en Photoshop y luego imprimir una versión física de la misma. Aprenderá el proceso creativo y técnico, y algunas de las restricciones impuestas a su diseño por el proceso de impresión 3D. Steve ha utilizado una impresora 3D Ultimaker 2 para este tutorial, pero el proceso es muy similar en cualquier impresora 3D de escritorio.
También proporcionó el modelo 3D en los archivos del proyecto como referencia.
Tiempo para completar
2 horas de modelado y preparación, hasta 4 horas de impresión
Herramientas
Photoshop CC
Paso 1
Comience por crear un nuevo documento en Photoshop (2000 píxeles cuadrados es un buen tamaño) y, en una nueva capa, dibuje su diseño. Dado que se imprimirá capa por capa desde cero, es importante no tener ningún lugar donde la máquina imprima en el aire: no podríamos tener los brazos apuntando hacia abajo por esta razón.
Paso 4
En la sección Tapa del panel Propiedades, establezca el Ángulo de inflado en 90 grados para que se infle en ángulos rectos desde los lados. Luego, arrastre el control deslizante Intensidad hasta que el objeto se vea redondeado y tridimensional.
También puede inflarlo tocando la tecla V y arrastrando los controles frontales sobre el objeto mismo.
Paso 5
El comportamiento predeterminado es inflar solo la parte frontal del objeto. En el panel Propiedades, busque el menú emergente Lados en la parte superior y cámbielo a Frente y Atrás. Ahora, la inflación se reflejará.
Cuanto más grueso sea el dibujo original, más inflado estará el objeto, por lo que el cuerpo y la cabeza son más gruesos que los brazos y las piernas.
Paso 6
Necesita hacer algunos pies sólidos para que la figura se mantenga de pie; es esencial tener una superficie lo suficientemente grande que esté pegada a la base de la plataforma de impresión. Como antes, comience dibujando el contorno de un zapato en una nueva capa.
Paso 7
Al igual que antes, extruye la ilustración para crear un nuevo objeto 3D. Esta vez, sin embargo, no desea reducir la profundidad de extrusión: establecerla en una cifra baja, como 20, le dará al zapato una suela plana sobre la que pararse. Gire el zapato 90 grados en el eje X, usando la pestaña Coordenadas en el panel Propiedades, para que quede plano en el suelo.
Paso 8
Utilice los controles de inflado una vez más para darle vida al zapato. Esta vez, solo se debe inflar el frente.
Paso 9
Duplique la capa del zapato 3D, luego seleccione las tres capas y elija Combinar capas 3D en el menú 3D. Todos se colocarán juntos, y es posible que obtenga una orientación que es tan desafortunada como la que se muestra. Todo es cuestión de azar.
Paso 10
Puede seleccionar cada zapato dentro del panel 3D o haciendo clic en él. Elija 3D> Ajustar objeto al plano de tierra y deslicelo hacia los lados para que encaje debajo de la pierna de la figura principal. Repite el proceso con el otro zapato. A continuación, seleccione Exportar capa 3D en el menú emergente del panel 3D y elija “objeto” como tipo de archivo.
Paso 11
Si ha combinado varios modelos para crear su escena, como lo hice aquí, deberá unirlos. Seleccione 3d> Unificar escena para impresión 3D y, como le indica el cuadro de diálogo de advertencia, el proceso combinará todos los elementos en una sola malla. A partir de ahora, las partes individuales ya no serán editables.
Paso 12
Elija Configuración de impresión 3D en el menú 3D para configurar cómo se imprimirá su modelo. Puede optar por imprimir en una impresora local, si tiene una conectada, o en el servicio Shapeways 3D-print-on-demand. Shapeways es el socio de impresión bajo demanda preferido de Adobe, por lo que puede utilizar rivales como Sculpteo.
También puede configurar la exportación del objeto a un archivo STL imprimible; también puede establecer la escala del modelo, que hasta este momento no ha sido relevante. La escala se establece en los controles de volumen de escena, donde Y es la altura (y no Z, como se usa en la mayoría de las impresoras 3D). También puede elegir si desea agregar una estructura de soporte en este punto.
Paso 13
Elija Imprimir en el menú 3D y Photoshop se encargará de preparar el modelo. Esto implica reparar las mallas para que el modelo sea ‘estanco’, lo que prácticamente garantiza que será imprimible. Si es necesario, Photoshop también agregará soporte cuando sea necesario.
Paso 14
una vez el archivo terminado hice todo lo posible para que el modelo se pudiera imprimir sin soporte, Photoshop ha decidido que se necesita soporte entre las piernas, y por eso ha agregado el andamio naranja que se puede ver.
Si tiene una impresora 3D recomendada conectada, presione el botón Imprimir en esta etapa para producir el modelo. De lo contrario, deberá exportar el modelo como un archivo STL y luego usar otra aplicación para cortarlo y listo para imprimir.
Paso 15
El archivo GCode es el archivo que su impresora puede leer. Los archivos se pueden imprimir directamente desde la computadora o, nuestro método preferido, colocándolos en una tarjeta SD y conectándolos a la impresora.
Paso 16
El objeto se imprime desde cero, capa por capa. Puede ver por qué no podíamos tener los brazos apuntando hacia abajo: habría significado imprimir las manos sin apoyo debajo de ellas. Si esto es inevitable, hay un par de formas de evitarlo. Puede construir soportes en su modelo y cortarlos / archivarlos después (lo que puede llevar mucho tiempo), o colocar bloques del tamaño exacto como plintos de soporte (que pueden ser complicados de configurar).
Así que ahora su primer prototipo está completo, listo para refinar, pintar y / o personalizar.
En este tutorial, veremos el enmascaramiento y cómo puedes darle a tu trabajo una sensación de profundidad usando esta técnica, así como capas de texturas y elementos para ayudar a realzar tu pieza.
Introducción
En este tutorial veremos el enmascaramiento y cómo puedes darle a tu trabajo una sensación de profundidad usando esta técnica, así como capas de texturas y elementos para ayudar a levantar tu pieza, en este caso usando papel para crear rocas y montañas. -Elementos similares.
Este tutorial es un ejemplo de cómo se pueden usar algunas técnicas simples para crear ilustraciones más elaboradas usando múltiples capas, máscaras, la herramienta Pluma, algo de iluminación básica y una textura simple. Usando los procesos aquí, podrá aplicar las mismas técnicas a su trabajo, con suerte le dará la confianza para usar máscaras y crear sus propias texturas para darle mayor alcance a su trabajo.
Para esta clase magistral, necesitará una foto en la cabeza de un modelo. Max Spencer ha utilizado un disparo de Pasi Lehtinen. También necesitará acceso a una cámara digital y algo de papel, aunque hemos incluido las fotos de Max de papel de seda arrugado en los archivos de nuestro proyecto.
Tiempo para completar
2 horas
Software
Adobe Photoshop
Paso 1
Para crear un elemento de fondo texturizado para esta pieza, simplemente arrugé un poco de papel de seda en una bola: esta es una buena manera de usar viejos trozos de papel por ahí. Se pueden lograr grandes efectos utilizando papel que ya tenga imágenes o garabatos.
Paso 2
Importe la textura de su papel a Photoshop. Desaturar la imagen usando Cmd / Ctrl + Shift + U. Cambie el contraste si cree que su textura lo necesita. Ahora invierta la textura presionando Cmd + I. Una vez que esté satisfecho, seleccione la herramienta Pluma (P) y trace alrededor de la bola de papel.
Paso 3
Una vez que haya terminado de trazar la bola de papel, seleccione la herramienta Marquesina y Cmd / Ctrl + haga clic en el contorno que ha creado en la paleta Capas. Esto mostrará el contorno que creó como una selección. Haga clic de nuevo en la capa de la imagen y simplemente copie (Cmd / Ctrl + C) y pegue (Cmd / Ctrl + V) y su bola de papel ahora estará en una capa propia.
Paso 4
Abra la imagen de su modelo. Seleccione la herramienta Pluma (P) y trace el contorno de la imagen. Intente ser lo más preciso posible; en este caso, he evitado deliberadamente cortarle la cola de caballo, teniendo en cuenta la composición de la pieza. Usando la misma técnica que en el Paso 3, coloque el recorte del modelo en su propia capa.
Paso 5
Cree un nuevo documento A4 a 300 ppp. Aquí es donde usamos la herramienta Elipse (E) para crear nuestra composición básica. Encuentro que es más fácil trabajar con los círculos al diseñar las diferentes áreas.
Paso 6
Abra la imagen del modelo que recortó anteriormente y arrastre la capa recortada a su nuevo documento encima de los círculos que ha creado. Coloca el modelo donde quieras que se siente dentro de tu pieza.
Paso 7
Haga clic en Agregar máscara de capa en la capa del modelo en su nuevo documento.
Paso 8
Seleccione la forma de fondo de la misma manera que seleccionó la bola de papel en el Paso 3. Haga clic con el botón derecho> Seleccionar inverso. Seleccione la herramienta Borrador (E) con un primer plano blanco y un fondo negro y borre los hombros y cualquier otra parte que no desee encontrar en la pieza final.
Paso 9
Abra la imagen de su bola de papel y arrastre la capa a su documento principal. Invierta la textura del papel y coloque la capa en la parte inferior. Seleccione la herramienta Marco (M) y en la bola de papel haga clic derecho> Transformación libre. Coloque la bola de modo que se asome por detrás del modelo. Crea bolas adicionales usando copiar y pegar y colócalas en el lienzo hasta que tengas una textura como la que se muestra arriba.
Paso 10
Con la misma técnica de enmascaramiento que en el Paso 8, puede agregar textura en las capas detrás de su modelo. He usado el mismo círculo para enmascarar la textura de la bola de papel. Usar máscaras de esta manera es una excelente manera de agregar profundidad a las piezas 2D que ha creado.
Paso 11
Con la herramienta Pluma (P), cree algunas formas que complementen el flujo de la pieza. Esta es una gran oportunidad para agregar un toque de color, ya que en este momento la pieza es prácticamente en blanco y negro. Mueva la capa para que quede justo debajo de los círculos que creó al principio.
Paso 12
Crea una nueva capa sobre la forma y cambia la opacidad al 50%. Seleccione su forma fluida de la misma manera que lo hizo en el Paso 3. Elija un pincel suave de aproximadamente 200 px de tamaño, asegurándose de que el color de primer plano sea negro. Pinte alrededor de los bordes apropiados de su forma para crear una sombra.
Paso 13
Repita el paso 12 para crear más formas. Utilice esta etapa para modificar la ubicación final de los elementos.
Paso 14
Aquí es donde su pieza se unirá. Usando las técnicas aprendidas en este tutorial, podrá agregar detalles más pequeños. Se han usado técnicas de enmascaramiento para agregar pequeños trozos de papel alrededor de los bordes, así como algunos círculos más grandes a los que se les han borrado algunas partes.
Paso 15
Para terminar la pieza, cree una capa sobre todas las otras capas y establezca el modo de fusión en Pantalla, que se encuentra en la esquina superior izquierda de la paleta Capas; el valor predeterminado es Normal. Elija un pincel grande y suave entre 600 y 1000 px de ancho y un color vivo, en este caso naranja. Aplica el color alrededor de la composición en los lugares en los que quieras resaltar o dar color.
Acerca del artista: Max Spencer
Un ilustrador y diseñador gráfico que actualmente vive en la costa del suroeste de Inglaterra, el trabajo de Max Spencer consiste en una composición central, imágenes audaces y muchos detalles de textura, mientras mantiene un sentido de minimalismo. Max ha trabajado como autónomo durante los últimos tres años y ha trabajado en proyectos para Nike, Sprite, Charles Schwab y The KDU, entre otros.
Echamos un vistazo a cómo usar un par de ingeniosas herramientas de Photoshop para eliminar las arrugas de sus fotos, sin dejar de tener un aspecto realista.
Introducción
Si está buscando eliminar una arruga o dos (o diez) de su foto, ha venido al lugar correcto. Es un trabajo rápido en Photoshop dependiendo de cuánto quieras retocar.
Es un proceso que también es fácil de exagerar, lo que puede resultar en una imagen final que parece, bueno, falsa. En este tutorial, veremos cómo usar la herramienta Pincel corrector puntual y la herramienta Tampón de clonar para reducir y suavizar las arrugas de una manera que parezca creíble.
Software necesario
Photoshop CS 5 o superior. Usamos Photoshop CC.
Tiempo para completar
30 minutos (dependiendo de la imagen y los gustos)
Paso: 1
Abra su imagen y cree una nueva capa.
Paso: 2
Seleccione la herramienta Pincel corrector puntual del menú de la izquierda como se muestra.
Paso: 3
Amplíe las áreas que desea retocar y arrastre el pincel sobre las arrugas que desea eliminar.
La herramienta Spot Healing Brush elimina rápidamente las líneas ásperas mientras mantiene la textura y el tono de la piel. Úselo para eliminar las arrugas importantes, pero evite usarlo en exceso. Esto puede hacer que la cara parezca antinatural.
Una vez que haya reducido las arrugas más duras, duplique las dos capas en el panel de capas.
Para hacer esto, mantenga presionada la tecla Mayús y haga clic en ambas capas para seleccionar, luego arrastre las capas seleccionadas al ícono de nueva capa (el segundo desde el ícono de la papelera, abajo a la derecha).
Paso: 4
Fusiona las dos nuevas capas seleccionando ambas, haciendo clic derecho y eligiendo ‘Fusionar capas’ de las opciones. Deberías tener 3 capas en total ahora.
Paso: 5
Una vez fusionado, crea una nueva capa.
A continuación, elija la herramienta Tampón de clonar en el menú de la izquierda. Ahora suavizamos las arrugas en lugar de eliminarlas por completo. Esto ayudará a que el efecto parezca más natural.
Paso: 6
Con la herramienta Tampón de clonar seleccionada, ajuste la configuración en la parte superior. Elija ‘Aclarar’ para el Modo y ‘50% ‘para la opacidad. A continuación, para la configuración de muestra, elija ‘Actual y por debajo’.
Deberá mantener presionada la tecla Alt (Opción en Mac) en su teclado y hacer clic para elegir la fuente de muestra para el Pincel de clonación. Haga clic cerca de la arruga que desea reducir y luego píntela.
Deberá elegir una nueva fuente de muestra para cada arruga que suavice.
Paso: 7
Hay una comparación lado a lado de nuestro progreso aquí. Hemos evitado exagerar con las mudanzas. De hecho, preservar las líneas y pliegues más finos puede ayudar a que el rostro luzca natural (¡y no plástico!).
Paso: 8
Esta es nuestra imagen final. Hemos aumentado ligeramente la saturación para hacer que el rostro de nuestro sujeto sea un poco más juvenil y optimista.
Becha explica cómo combinar una composición sin problemas.
Introducción
Este fotomontaje de la ilustradora serbia Becha fue creado para un editorial de moda de alta costura llamado Silent Spring que apareció en su país de Faar de origen revista. Muestra la ropa y los zapatos de colores brillantes de la diseñadora Ana Ljubinkovic, que se complementan perfectamente con el estilo de ilustración fotográfica de alta gama de Vesna.
La obra presenta elementos fotográficos tomados por Miloš Nadaždin en su estudio, y tipos y elementos dibujados a mano creados por Becha.
En este tutorial, aprenderá cómo incorporar todos estos elementos en una imagen y obtener una atmósfera surrealista y de ensueño inspirada en la naturaleza. Becha explica cómo hacer máscaras faciales de cerámica que combinen con la cara de un modelo y cómo dar a las letras vectoriales un aspecto tridimensional. También analiza cómo se pueden usar las texturas para mejorar una atmósfera y cómo las capas de ajuste pueden integrar elementos inusuales.
Tiempo para completar
3 horas
Herramientas
Photoshop CS3 o posterior
Paso 1
Para comenzar, deberá crear un documento de Photoshop de 25 cm de ancho, 31 cm de alto y 300 ppp.
Crea un relleno de degradado (Capa> Nueva capa de relleno> Degradado). Haga clic en el degradado predeterminado para editarlo: cambie ambas paradas de opacidad al 100%, luego use # dfe8d7 para la parada de color de la izquierda y # 68 abcd para la de la derecha para crear un fondo estilo cielo. Establezca la ubicación para la parada de la derecha en 70%. Haga clic en Aceptar y asegúrese de que el degradado se ejecute de claro a oscuro de abajo hacia arriba.
A continuación, aplique un filtro de ruido (Filtro> Ruido> Agregar ruido) con una cantidad del 4%, y seleccione Uniforme y Monocromático. Esto hará que el fondo sea menos limpio digitalmente.
Paso 2
Desde los del archivo proyecto (es necesario registrarse), abra la toma del modelo (model.jpg) en Photoshop. Queremos eliminarla del fondo, y la mejor manera de hacerlo es enmascararla, luego invertir la máscara para seleccionarla solo a ella. Con la herramienta Varita mágica con una tolerancia de 30, seleccione el fondo haciendo clic un par de veces y manteniendo presionada la tecla Mayús para que pueda agregar a la selección. También seleccione el área de su pecho que es visible.
Para arreglar los detalles alrededor de las perlas y las flores, active el Modo de máscara rápida (Q) y, con un pincel, complete las áreas que deberían ser parte de su máscara. Desactive el modo de máscara rápida, luego vaya a Seleccionar> Selección inversa (Cmd / Ctrl + Shift + I). Copie y pegue el modelo en su composición principal.
Paso 3
Para integrar el modelo con el fondo y obtener el tono de color general que queremos para la pieza final, necesitamos reducir el contraste. Vaya a Imagen> Ajustes> Brillo / Contraste y reduzca el Contraste a -30.
Un truco útil es duplicar la capa con el modelo (Cmd / Ctl + J), seleccionar la capa inferior de las dos y usar Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano con un radio de 45px. Dale a esa capa un modo de fusión Hard Light. Esto pone un efecto de iluminación difusa detrás de ella como si realmente estuviera de pie contra el fondo.
Paso 4
A continuación, abra Deer.jpg desde los archivos del proyecto. Haga una selección de su cabeza, cuernos y flores, pero no la parte principal del zapato, usando la misma técnica que en el Paso 2.
Copie y pegue esto en la composición principal y colóquelo detrás de las capas del modelo en la escala que se muestra. Use Imagen> Ajustes> Niveles y mueva el control deslizante central de Niveles de entrada a 1.5 para alinearlo más con los tonos de la composición principal.
Paso 5
Ahora es el momento de agregar algunas flores. Desde los archivos del proyecto, abra Flowers.png (que ya corté), y cópielo y péguelo debajo de las capas del modelo, colocadas como se muestra. A continuación, abra Rose.jpg y haga una selección aproximada a su alrededor con la herramienta Lazo poligonal (L). Use este para llenar el vacío en su vestido.
Paso 6
Para agregar contraste, agregaremos algunos colores más cálidos y diferentes tipos de formas. Usaremos algunas ramas. Miloš tomó algunas fotos de las azules, pero cambiaremos su color a rojo.
Abra cada uno de los archivos de Ramas por turno y, con la Varita Mágica (W) configurada para tener una Tolerancia de 50, haga una selección de fondo. Use Seleccionar> Inverso (Cmd / Ctrl + Shift + I) y mueve las ramas a su composición. Para cambiar su color, aplique un ajuste de Tono / Saturación (Cmd / Ctrl + U) y mueva Tono a +180, luego use Niveles (Cmd / Ctrl + L) para iluminarlos, ingresando los valores de Niveles de entrada: 0 / 1.18 / 229.
Paso 7
Queremos formar las ramas en algo parecido a la copa de un árbol detrás del modelo. Utilice las herramientas de transformación de Photoshop (Cmd / Ctrl + T) para cambiar el tamaño y la rotación. Cuando obtenga la forma perfecta, seleccione todas las capas de las ramas y luego combínalas (Cmd / Ctrl + E).
Paso 8
Ahora necesitamos agregar algunos detalles a las ramas para hacerlas más interesantes. Ya hay perlas en el vestido de la modelo, así que las usaremos para las flores.
Abra Pearl.jpg Marco de los archivos del proyecto y seleccione una perla con la herramienta elíptico (M). Cópielo y péguelo en el archivo principal y para hacerlo más brillante use un estilo de capa Resplandor interior: use una opacidad de 72, un color de # d9f1fd y un Tamaño de 46. Haga clic con el botón derecho en la capa en el panel Capas y selecciona Rasterizar Estilo de capa para que el efecto permanezca en proporción a la perla cuando se cambia de tamaño.
Duplique la perla varias veces con Cmd / Ctrl + J, luego cambie el tamaño de cada una y colócalas en las ramas. Pon algunos de ellos hacia la parte superior, para que parezca que están flotando en el aire.
Paso 9
Quería darle a la pieza una sensación orgánica, algo que respalde el aspecto natural de esta obra de arte. Para ello, hice un boceto en papel que usé como base de un dibujo vectorial en Illustrator. Luego copié y pegué esto en Photoshop como un objeto inteligente. Mi dibujo original está en los archivos del proyecto Silent Spring Drawing.jpg Debería crear un tipo similar usando su método favorito.
Aplica estilos de capa a las letras para darles profundidad y hacer que parezcan nubes. Usé Bisel y Relieve con la configuración que se muestra (arriba). También aplique un estilo de capa de Superposición de color, usando # faf2dc como color.
Paso 10
Las letras tienen el color y el volumen adecuados, pero necesitan sombras. Para agregarlos, cree una nueva capa sobre su tipo, luego presione Cmd / Ctrl y haga clic en la miniatura de la capa de texto en el panel Capas para crear una selección basada en ella. Para pintar las sombras usa un pincel gris con bordes suaves, una opacidad del 50% y un Flow de 30. Esto te ayudará a darle un aspecto tridimensional.
Paso 11
Ahora es el momento de darle un halo al modelo. Al igual que con el tipo, queremos que tenga una sensación de hecho a mano, por lo que usaremos un dibujo.
Desde los archivos del proyecto, abra Circlescan.jpg escaneelo o dibuje el suyo propio,y cópielo y péguelo en su composición principal. Debido a que necesitamos el dibujo en blanco, invierta la imagen Imagen> Ajustar> Invertir (Cmd / Ctrl + I) y luego use el modo de fusión de Pantalla para mantener solo los elementos dibujados. Este blanco es demasiado brillante, así que reduzca la transparencia de esta capa al 80%.
Paso 12
Para hacer una máscara en su ojo que parezca estar hecha de cerámica, primero use la herramienta Pluma (P) para hacer con cuidado un contorno alrededor de su ojo.
Vaya a Ventana> Rutas y, mientras mantiene presionadas las teclas Cmd / Ctrl, haga clic en la miniatura de la ruta de trabajo para hacer una selección basada en la ruta. Crea una nueva capa y rellénala con blanco (Shift + F5).
A continuación, cargue la selección de esta capa, luego elija la capa del modelo y presione Cmd / Ctrl + J para duplicar solo esa parte de la capa. Mueva esta parte sobre la capa blanca en la pila de capas. Desaturar esta capa con Cmd / Ctrl + Shift + U.
Cargue nuevamente la selección de la máscara de esta capa y seleccione Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano con un radio de 5px.
Aplique un ajuste de Niveles y establezca el control deslizante blanco en 198. Ahora, debe aplicar algunas sombras adicionales para que parezca realista.
Elija un pincel con bordes suaves y un color de # 8b6952. Seleccione una opacidad del 40% y pinte sombras en una nueva capa con un modo de fusión Multiplicar. La mejor manera de hacer esto es usar una tableta gráfica y un lápiz, pero si no tiene uno, tenga mucho cuidado con el mouse.
Paso 13
Para darle al modelo un guante que parece estar goteando pintura, siga el mismo proceso que en el Paso 12. Esta vez, sin embargo, deberá crear las sombras para las gotas desde cero. Píntelos con cuidado utilizando el mismo pincel que antes, prestando especial atención a la procedencia de la luz en el resto de la pieza.
Paso 14
Para un toque atmosférico final, abra Texture.jpg de los archivos del proyecto, y cópielo y péguelo en la parte superior de la pila de capas. Utilice un modo de fusión Soft Light para esto. El propósito de esta textura es conectar visualmente todas las capas.
Me parece una buena práctica experimentar con diferentes tipos de texturas y modos de fusión hasta encontrar la correcta.
Finalmente, retoca el color seleccionando Capa> Nueva capa de ajuste> Curvas. Elija la curva verde y haga la Salida: 179 y la Entrada: 169.
Sobre el artista: Becha
Vesna Pesic, con sede en Serbia, también conocida como Becha, es una ilustradora independiente apasionada por el collage y las letras dibujadas a mano. Entre sus clientes se encuentran Elle, Emirates Airlines, Electa Interactive, Playboy, MTV y Universal Music. Ella está representada por Machas
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