Affinity Designer para iPad tiene todas las características de una herramienta de arte vectorial de escritorio, pero puede dibujar directamente en ella con el Apple Pencil para obtener la forma más natural de crear.
Cualquier duda persistente sobre la idoneidad del iPad como mejor que una computadora portátil para los profesionales creativos se borró con la llegada de Affinity Photo para iPad en junio pasado. La edición de fotos completa y de nivel de escritorio en la tableta de Apple, con la ventaja adicional de poder trabajar de manera más natural en sus fotos usando el Apple Pencil y el tacto, en lugar del teclado y el mouse / trackpad.
Si lo que más te gustan son los vectores, probablemente esto te pone terriblemente celoso. Bueno, su momento es ahora, porque Affinity Designer para iPad está trayendo la aplicación de ilustración y diseño de Serif a dispositivos móviles.
Serif ha trabajado junto a artistas, ilustradores y diseñadores influyentes para garantizar que todo se haya hecho bien. El resultado es una aplicación optimizada, potente e inmersiva para profesionales que lo libera de su escritorio y le permite diseñar e ilustrar en cualquier lugar.
Affinity Designer para iPad no encuentra pocas funciones creadas en un producto de escritorio y convertidas en una aplicación básica. Al igual que su hermano Affinity Photo para iPad, de hecho, es la aclamada versión de escritorio de Serif, pero en un iPad; en otras palabras, un entorno de diseño vectorial de nivel profesional en dispositivos móviles.
Al igual que la versión de escritorio, se basa en ‘personas’: espacios de trabajo que aumentan la eficiencia al organizar su flujo de trabajo. Dentro de cada uno, encontrará todas las herramientas habituales y mucha potencia para trabajar en documentos de diseño avanzados. Por ejemplo, puede dibujar y manipular nodos y controles de Bézier, como era de esperar, pero la estabilización del lápiz le brinda líneas suaves y precisas a mano alzada. En otros lugares, las mesas de trabajo.
El motor de texto tiene alcance. Las cuadrículas y guías ayudan a crear letras dibujadas a mano, mientras que el control total sobre los estilos de interlineado, interletraje, seguimiento y texto proporciona un entorno móvil óptimo para trabajar con tipografía en documentos más grandes. Las formas en vivo personalizadas son igualmente versátiles. Por ejemplo, coloque una rueda dentada en su lienzo y con unos pocos deslizamientos puede ajustar el recuento de dientes y el tamaño de la llanta, o dividir la cosa en curvas y editar nodos individuales.
También existe la posibilidad de mezclar vector y ráster. Affinity Designer para iPad tiene docenas de pinceles incorporados, que brindan contenido multimedia enriquecido a sus diseños. Los ilustradores pueden entintar en vector y colorear en raster, en dispositivos móviles, sin limitaciones de capa. Capas de ajuste de vista previa instantánea no destructivas, con soporte para máscaras, pilas y capas de recorte, mayor alcance creativo.
Todas estas funciones no servirían de nada si no fueran utilizables y accesibles. Afortunadamente, Affinity Designer para iPad no solo copia y pega la aplicación de escritorio. Ha sido completamente reelaborado para la tableta de Apple, con énfasis en la velocidad, la inmediatez y la inmersión.
El procesamiento de gráficos Advanced Metal ofrece ediciones en tiempo real sin demoras, incluso en archivos de gran tamaño. La precisión fuera del escritorio está garantizada por una serie de funciones: zoom con mejores funciones; chasquido inteligente; y la dinámica del Apple Pencil, como la inclinación, la presión y el ángulo, que se pueden ajustar a su estilo personal.
Los gestos infundidos en la memoria muscular de cada usuario de iPad son compatibles, como pellizcar el zoom y rotar con dos dedos. Pero Affinity Designer para iPad ofrece más que los gestos multitáctiles estándar, con gestos de dos y tres dedos para seleccionar varios objetos, bloquear relaciones de aspecto e incrementos de rotación, hacer copias rápidamente de elementos existentes y más.
Esta inteligencia se extiende por toda la interfaz. Puede: tocar y arrastrar los iconos del panel para hacer zoom en el lienzo o ajustar el trazo de un elemento; pellizcar para agrupar capas en el panel de capas; arrastre una capa a la miniatura de otra para crear instantáneamente una máscara; y use una ventana emergente similar a una calculadora para hacer tapping en cifras de precisión, o como × 2 en lugar de hacer primero las sumas en su cabeza.
Para el diseñador de trabajos, una aplicación móvil debe encajar perfectamente en su flujo de trabajo. Affinity Designer para iPad ofrece varias opciones, ya sea su forma principal de crear o un bloc de dibujo móvil para el contenido que luego trabajará en una Mac o PC.
Hay soporte para una variedad de formatos, edición de 16 bits por canal, CMYK de extremo a extremo, administración de color ICC y colores planos para impresión profesional. Solo con la aplicación para iPad, puede exportar para web o imprimir. En el primer caso, una vista previa táctil de píxeles le permite deslizar rápidamente hacia adelante y hacia atrás entre las ilustraciones vectoriales y los equivalentes de píxeles (o Retina).
Compartir contenido es muy sencillo, ya que el cuadro de diálogo de exportación principal contiene todas las opciones que necesita. Pero la naturaleza táctil del iPad trae más beneficios. Por ejemplo, para enviar rápidamente una vista previa acoplada de la obra de arte a un cliente, simplemente puede arrastrar el botón PNG a Correo. ¡Fácil!
Para enviar arte de un lado a otro al escritorio, hay soporte para iCloud Drive, y Affinity Designer para iPad puede exportar en mapas de bits y formatos vectoriales compatibles con otro software de diseño. Sin embargo, si prefiere Affinity Designer en su PC o Mac, también obtiene la ventaja de una integración perfecta, hasta el punto en que se conserva su historial de edición. Aunque si querrá dejar de trabajar únicamente en iPad cuando ahora es una posibilidad, es otra cuestión.
Aprende a aplicar un trazado de recorte en Photoshop y cómo acceder a él en imágenes en InDesign.
Introducción
En este tutorial, descubrirá cómo crear, guardar y aplicar un trazado de recorte a un JPEG en Photoshop, así como cómo acceder a las opciones de recorte en InDesign.
Los trazados de recorte son un método tradicional para recortar objetos o personas en Photoshop que le permite crear archivos de imagen con fondos transparentes para usar en diseños de impresión, ya sean diseños de revistas, folletos o libros, en programas de software como InDesign o QuarkXPress.
Si bien los trazados de recorte se aplicaron originalmente en Photoshop para que aparezcan automáticamente como recortes, las versiones más nuevas del software ahora pueden recoger y utilizar trazados guardados ocultos dentro de los archivos Jpeg, lo que le brinda a los usuarios la opción de usar la versión completa o recortada. de una imagen al decidir el diseño.
Este enfoque funciona mejor con objetos o personas con bordes «duros» alrededor del objeto o la persona que desea recortar. Si hay materiales semitransparentes, cabello encrespado u otros bordes suaves, podría ser mejor usar los métodos de este tutorial.
Tiempo para completar
10 minutos
Software necesario
Photoshop e InDesign CC
Paso 1
Abra la imagen que desea recortar. tengo una foto de producto para Betty Blues Loungerie, que debe recortarse para su publicación en un lookbook de temporada.
Primero, limpie su foto según sea necesario.
Paso 2
Elija la herramienta Pluma (P) y haga clic alrededor de su imagen con cuidado para crear un camino, asegurándose de mantenerse justo dentro del borde del producto para que no termine con un halo blanco alrededor del borde de su recorte más tarde.
Paso 3
Una vez que haya recorrido todo el camino alrededor de su producto, haga clic en el punto de ruta original para cerrar la ruta.
Paso 4
En el panel Rutas, haga doble clic en Ruta de trabajo para guardar la ruta. Cambie el nombre de esta ruta a ‘Ruta recortada’. Esto incrusta la ruta dentro del documento para que esté disponible en el archivo Jpeg final.
Paso 5
Si sabe que solo necesitará esta imagen en su forma recortada, haga clic en el submenú de la derecha en el panel Trazados y seleccione ‘Trazado de recorte …’Trazado de recorte
Paso 6
Elija » en el menú desplegable y presione Aceptar para recortar el fondo.
Paso 7
Para guardar la imagen, vaya a Archivo> Guardar como… y guarde el archivo como un archivo JPEG normal.
Paso 8
Ahora echemos un vistazo a cómo se puede utilizar nuestro ‘Trazado de recorte’ en InDesign. Abra InDesign y cree un nuevo documento.
Paso 9
Vaya a Archivo> Colocar y busque la imagen JPEG que acaba de guardar en Photoshop. Haga clic en el documento para colocar el archivo.
Paso 10
A continuación, sigamos adelante y activemos la ‘Ruta de corte’. Vaya a Objeto> Trazado de recorte> Opciones… para abrir el cuadro de diálogo Trazado de recorte.
Paso 11
En el menú desplegable Tipo, elija Ruta de Photoshop. Luego, en el menú desplegable Ruta, elija ‘Cortar ruta’.
Paso 12
Deja todo lo demás como predeterminado y haz clic en el botón Aceptar. Su producto debería aparecer ahora en su forma recortada.
Los ilustradores destacados comparten sus consejos para perfeccionar obras de arte y patrones basados en formas geométricas.
Crear colecciones
«Cree un archivo de formas geométricas a partir de dibujos que haya creado a mano. Esto le brinda una colección de ideas con las que jugar cuando trabaja. Últimamente he estado escaneando muchas formas geométricas dibujadas con reglas y otras herramientas, y combinarlas en un solo archivo de trabajo PSD para sumergirme en cuando estoy trabajando. Este proceso se siente más natural e integrado con mi otro trabajo de ilustración.
«Una ilustración que produje recientemente para Wrap Magazine se hizo con una combinación de estas formas junto con líneas curvas trabajadas. El póster de Disko Vraiment está hecho completamente con formas del archivo de trabajo sin dibujar nada de antemano.»
Rick Hedof (NL)
Usa tu imaginación
«Establecer las formas en Adobe Photoshop es un proceso de imaginar las formas en tres dimensiones. Cualquiera puede dibujar una gran cantidad de triángulos, pero hacer que sugieran una superficie redondeada, por ejemplo, es la tarea. Dibujo cada forma con la Herramienta de selección poligonal y relleno cada uno de los colores mencionados anteriormente en una capa separada si estoy siendo diligente para poder ajustarlos globalmente más adelante si me apetece.
«No hay una gran ciencia en las imágenes que creo. Rara vez esbozo la composición de antemano y prefiero moldear y dejar que evolucione durante la creación real (léase: diversión). Adobe Kuler es una gran herramienta para seleccionar paletas de colores limitadas – comenzando con un ‘oscuro’, un ‘medio’ y un ‘claro’, antes de trabajar en etapas / tonos complementarios en el medio. «
Liam Brasero (Reino Unido)
Herramientas prácticas
«Astute software hace que el perfecto plug-ins para experimentar con diseño geométrico en Adobe Illustrator. Vectorscribe con sus herramientas dinámicas esquinas y dinámico Shapes es una increíble pieza de kit. También el Colisionador Scribe plugines muy ingenioso y muy útil para crear elementos geométricos. Y la MirrorMe también puede ser muy útil para algunos «.
Loulou & Tummie (NL)
Superposición
«Al crear ilustraciones me gusta usar formas creadas con la herramienta de forma en Adobe Illustrator superpuestas. Me puse las formas de multiplicarse en la ventana de la transparencia. A continuación se utiliza la herramienta Pathfinder para sumar y restar las formas de cada uno otros. De esta manera puedo crear patrones dentro de las formas «.
Patrick Hruby (Reino Unido)
Inspiración en el bocetos
«Para mí, usar un cuaderno de bocetos es esencial para mantener un flujo de trabajo constante. Necesito una gran cantidad de dibujos. Así que puedo estar seguro de que, cuando hojee las páginas de mi cuaderno de bocetos, Siempre encuentro algunas pequeñas ideas que merecen una contemplación más de cerca y que inspirarán nuevos trabajos «.
Romano Klonek (GE)
Obtener las manos
«jugar con las formas artesanales como alternativa a trabajar de forma digital. La mayor parte de mi trabajo es hecho a mano por el dibujo y corte numerosos trozos de papel que tengo pintados a mano. Montaje de estas piezas cortadas en pedazos en una composición, utilizó adhesivo en aerosol para mantener todo en su lugar antes de escanear el papel terminado cortado en Photoshop y retocar cualquier pequeña imperfección «.
Ellen Giggenbach (NZ)
Líneas paralelas
«Aunque mi trabajo terminado es completamente digital, el boceto a mano es muy importante para mi proceso. Comenzando con los primeros bocetos en miniatura, trato de resolver las geometrías aproximadas de mis formas principales y hacer que se reproduzcan bien juntos. Una vez en la computadora, puedo comenzar a afinar los detalles de curvas y ángulos particulares y lograr que todo encaje.
«Un truco que la mayoría de los diseñadores tratan como una segunda naturaleza, pero que creo que es tan importante para los ilustradores que trabajan geométricamente, es asegurarse de que los elementos se alineen entre sí o corran en paralelo. Este tipo de precisión imbuye a la imagen de un sentido de orden subliminal.
«Aunque mi trabajo es muy geométrico, en realidad me siento más cómodo trabajando principalmente en Photoshop a alta resolución y me parece un entorno muy natural en el que crear mis formas, utilizando mi boceto a mano como guía. Utilizo Illustrator para creo ciertos elementos repetitivos, como los puntos de la esfera de un reloj, pero siempre los vuelvo a importar a mi imagen de Photoshop «.
Jesse Lefkowitz (EE. UU.)
Trabajar con cuadrículas
«Con la creación de formas y patrones geométricos, sigo un método y sistema que he usado durante años. Por lo general, para comenzar, crearé una cuadrícula con la herramienta de línea en Illustrator y mientras manteniendo presionada la tecla alt, duplica las líneas hasta que la cuadrícula esté hecha. A partir de ahí, sirve como una herramienta perfecta para experimentar con la geometría. Hay un montón de herramientas rápidas como la mezcla y la herramienta de tijera que se pueden usar para experimentar con formas «.
Gordon Reid (Reino Unido)
No se salte el boceto
«La etapa de boceto es de vital importancia, sin importar cuán controlada y no asociada pueda ser la obra de arte final. Los bocetos iniciales pueden conducir a formas completamente diferentes de resolver cómo funciona una línea o forma dentro de la ilustración y también amplíe su estilo, pasando por herramientas de software preestablecidas. El mayor desafío para mí siempre ha sido mantener la calidez y la fluidez del boceto y llevarlo al trabajo final. ¡A menudo prefiero el boceto! «
Aprende diseños de UX usando Sketch con estos cursos de UX en línea pagados y gratuitos.
UX y diseño de interfaz de usuario, wireframing, habilidades cómo creación de maquetas de aplicaciones son invaluables para los diseñadores y Sketch es uno de los principales software de creación de prototipos en el campo.
Aunque muchos de los nuevos trabajos que UX recientemente ha lanzado es la herramienta de diseño en conjunto con Sketch la cuál es una de las herramientas de diseño de interfaz de usuario y UX sumándole la popularidad lo convierte en uno de los principales competidores del software de creación de prototipos de Adobe Adobe XD.
Pero para usar Sketch de manera efectiva, necesitará aprender a navegar a través de las muchas funciones del programa. Es por eso que hemos encontrado los cursos de Sketch gratuitos y mejor pagados, para que pueda profundizar en Sketch sin problemas.
¿Qué es Sketch?
Sketch es una poderosa herramienta de diseño para Mac (requiere Mac OS X 10.11+) completamente enfocada en alojar el diseño de la interfaz de usuario, sitios web e íconos, diseño que es una parte fundamental de cualquier cambio de marca, campaña o lanzamiento de producto. Con una primera sociedad digital, las habilidades de un diseñador gráfico y de UX pueden superponerse.
La mayoría de los proyectos involucrarán la creación de una aplicación, como lo son: lanzamientos de redes sociales, sitios web o íconos, y Sketch se puede usar para crear diseños digitales brillantes, ya sea para dispositivos móviles o de escritorio.
Cómo se producen casi constantemente nuevos recursos y complementos (como el complemento de InVision que permite la capacidad de construir prototipos móviles livianos directamente en Sketch), el software es una excelente manera de mantenerse al día con la industria y mantenerse actualizado. En Sketch puede crear vectores, capas, texto, páginas y mesas de trabajo, cuadrículas y edición de mapas de bits. Puede exportar su diseño con herramientas de exportación integradas y puede verificar que todo funcione con una vista previa en tiempo real en su dispositivo.
Sketch es popular, pero no está tan establecido, no es tan caro como Photoshop, que tiene material de lectura oficial y, en gran parte, no oficial de toda la vida hemos rastreado la web para ayudarlo a abordar una de las herramientas de diseño de UX más populares.
¿Cómo comprar Sketch?
Para utilizar Sketch, descargue la versión de prueba gratuita o cómprela (que incluye un año de actualizaciones gratuitas).
Sketch 3 es a menudo la versión de la que oirá hablar, pero eso es solo porque esa es la última versión importante que Sketch ofreció antes de cambiar a un modelo de licencia de pago por año en 2016. Desde entonces, las actualizaciones se incluyen de forma gratuita y continua. Entonces, la versión de Sketch que obtienes ahora es técnicamente Sketch 5,4.
También hay descuentos para estudiantes e instituciones académicas, así que asegúrese de consultar las opciones si esto se aplica a usted. Los estudiantes y profesores pueden obtener un 50% de descuento y las instituciones pueden comenzar de forma gratuita.
Ya sea que sea un veterano seguro de sí mismo o un principiante tímido y quiera perfeccionar las habilidades ya existentes o crear otras totalmente nuevas, Sketchse adaptara a sus necesidades para aprender.
Cursos en línea pagados
Lynda (LinkedIn Learning)
Originalmente una empresa independiente, pero recientemente absorbida por el portal de educación en línea de LinkedIn, Lynda ofrece una colección de recursos más creativa a través del gigante del reclutamiento, con videos y cursos para aprender habilidades en negocios, software, tecnología y creatividad. Industrias.
Learn Sketch: The Basics , dirigido a diseñadores de todos los niveles, es un excelente lugar para comenzar si desea aprender Sketch y cubre todo, desde logotipos hasta wireframes, logotipos y maquetas.
Necesitarás una suscripción a LinkedIn para acceder a Lynda.com. También hay una prueba gratuita de un mes.
Treehouse
Treehouse es una plataforma de aprendizaje en línea líder en tecnología. Entonces, como era de esperar, su Sketch Basics curso es uno de los mejores, probablemente en parte porque fue creado con la ayuda del equipo oficial de Sketch. Aunque se centra en lo básico, también toca las funciones más avanzadas de Sketch, por lo que es perfecto para los veteranos que quieren un recordatorio y los principiantes que quieren esforzarse.
También hay una prueba gratuita de 7 días.
Udemy
Con más de 40.000 cursos y más de un millón de estudiantes, Udemy es un sitio web de pago por curso del que probablemente hayas oído hablar. Tiene cursos sobre casi cualquier cosa, incluidos muchos sobre Sketch.
Los mejores cursos de Sketch que ofrece incluyen Diseño de aplicaciones móviles en Sketch 3: UX y Diseño de interfaz de usuario desde cero, que recibe constantemente excelentes críticas que nombran el curso como una maravillosa introducción a Sketch 3. Puede inscribirse por un costo mensual.
Otro curso brillante es Sketch 3 de la A a la Z: Conviértete en diseñador de aplicaciones, que es otro gran curso dirigido a principiantes.
Pluralsight
Pluralsight es elegante, fluido y tiene una selección más pequeña de cursos de alta calidad que no son abrumadores en cantidad. Introducción a Sketch del ilustrador independiente Jay Boucher es una forma realmente fácil de aprender los conceptos básicos de Sketch, ya que utiliza un ejemplo real y concreto, que puedes seguir. Además del video, los estudiantes pueden usar ejercicios prácticos mientras siguen el tutorial.
Planificación y diseño de sitios web en Sketch También es un gran curso de Jay y uno de los más vistos en Pluralsight de todos los cursos de Sketch.
Envato Tuts +
Envato Tus +, originalmente conocido como TutsPlus, es una alternativa más barata a las gigantescas casas de aprendizaje en línea que hemos visto hasta ahora. En términos de la gran cantidad de materiales que se ofrecen, con más de 20,750 videos, tutoriales o contenido inspirador, Envato Tuts + tiene pocos rivales más allá de Udemy. Sin embargo, con lo económico, no viene como un excelente soporte al cliente, y ninguna de las asignaciones o pruebas que se ven en otros cursos en línea.
Pero nuestra favorita es la aplicación Sketch para principiantes: Envato en Pause Fest. Aunque solo dura una hora, a veces menos es más (como los diseñadores de UX deberían saber), y sirve como una descripción general realmente excelente de la aplicación Mac. Diseño de interfaz de usuario práctico con Sketch también es una excelente manera de cubrir el flujo de trabajo y la interfaz de usuario. Aunque es de ritmo rápido, puede pausar y rebobinar.
Para obtener EnvatoTuts +, deberá suscribirse a la biblioteca de diseño / stock de Envato Elements, donde se incluye como una parte ‘gratuita’ del paquete. Las suscripciones por mes.
Inicio rápido
Si tienes poco tiempo, el QuickStart curso de Diseño de aplicaciones móviles Sketch 3, lo que necesitas saber sobre Sketch 3 en solo una hora y media. El curso abarca 17 conferencias que sientan las bases para el diseño efectivo de UX y las herramientas de Sketch. También aprenderá a través de la aplicación práctica de crear una aplicación de Facebook de maqueta.
Cursos en línea gratuitos
LearnSketch.com
Antes de ser absorbido por Udemy, Learn Sketch dedicó toda su existencia, incluido su nombre, a ayudarte a aprender Sketch de forma gratuita. Aunque su curso completo solo está disponible como una compra, aún puede obtener tutoriales gratuitos sobre cómo administrar toneladas de capas, dar vida a los íconos planos o simplemente descubrir qué diablos es Sketch. Aunque estos tutoriales vienen en forma de tutoriales de YouTube de aspecto sospechoso (también hemos visto esos videos demasiado largos), no se desanime: los tutoriales de LearnSketch provienen de profesionales de Sketch y están respaldados por Bohemian Coding.
No te convertirás en un maestro de Sketch a través de LearnSketch.com, pero es una excelente manera de familiarizarte con las áreas que encuentras difíciles, obtener algunos regalos y estar al tanto de algunos trucos y consejos geniales.
Fuentes de la aplicación Sketch Las fuentes de la aplicación
Sketch tiene una gran cantidad de Sketch tutoriales y consejos, complementos y artículos. Los ejemplos destacados incluyen 10 Sketch Tips, qué es una lectura rápida que utiliza elementos visuales muy bien para explicar sus ideas, y Get Started in 5 Minutes. Literalmente 5 minutos. El tutorial no pierde el tiempo en absoluto. Sketch App Sources no es el lugar donde desea aprender la totalidad de Sketch, pero es un gran lugar para buscar consejos rápidos o si tiene un problema específico.
Sketch
Sí, Sketch es un gran lugar para aprender Sketch, desde breves tutoriales en video y artículos hasta descargas y deportes comunitarios. También incluye una lista de cursos de terceros más largos, como Creación de gráficos con boceto: aprender por video y Level Up Tuts.
Prepárese para el rock: James Davies le muestra cómo dar a los carteles una sensación de bricolaje tosco y listo con efectos de semitono y serigrafía en Photoshop
Introducción
El surgimiento de sellos discográficos verdaderamente independientes y una escena musical de bricolaje ha proporcionado una gran cantidad de creativos emergentes para flexionar sus músculos artísticos. La estética que mejor capta el movimiento parece basarse en varias influencias: el punk, los garabatos y la ecléctica son las más obvias.
Nos concentramos en destilar esta estética en un póster de concierto. El diseño de carteles tiene desafíos especiales: debe funcionar como una obra de arte y como un poderoso atractivo para atraer personas al evento. Además de aprender algunos consejos para hacer que su póster sea llamativo, también aprenderá técnicas para recrear una apariencia de póster serigrafiado a mano en Photoshop.
Aprenda a emplear una mezcla de fotografías, dibujos y texto para crear una obra de arte funcional rica y con textura. Las técnicas que se ofrecen aquí también se traducen bien en la creación de folletos, fanzines, arte editorial, carátulas de CD y camisetas.
La textura de la tarjeta para el tutorial se puede descargar a continuación; las otras imágenes requeridas se pueden descargar de forma gratuita desde free images.
Software
Adobe Photoshop
Tiempo para completar
2 horas
Paso 1
Configure un lienzo A4 a 300 ppp en RGB, luego descargue y abra la imagen desde aquí. Presione Cmd / Ctrl + Shift + U para desaturar la imagen. Finalmente, vaya a Imagen> Tamaño de imagen y cambie la resolución (asegurándose de que todas las casillas en la parte inferior izquierda de la ventana estén marcadas) a 300 ppp, también cambie el ancho de píxel a 1,600.
Paso 2
Vaya a Filtro> Enfocar> Enfoque inteligente y ejecútelo al 500% con un radio de 6.2 píxeles. A continuación, vaya a Imagen> Modo> Escala de grises, luego Imagen> Modo> Mapa de bits. La resolución de entrada y salida debe coincidir con 300 ppp con el método establecido en Medios tonos. Aceptar esto y establecer la Frecuencia en 80 ppp, el ángulo en 25º y la forma establecida en Redondo.
Paso 3
Copie y pegue el mapa de bits en su documento de trabajo y presione Cmd / Ctrl + T. Cambie el tamaño hasta un 294%. Seleccione la herramienta Lazo poligonal (L) y corte toscamente alrededor de la figura separándola del fondo, recortando también el cuello.
Paso 4
Necesitarás una imagen de la cabeza de un monstruo. Usé uno propio, pero este sería igual de bueno (solo corta la cabeza). Vaya a Imagen> Modo> Escala de grises. A continuación, vaya a Filtro> Artístico> Bordes de póster y establezca el Grosor del borde en 10, la Intensidad del borde en 10 y la Posterización en 0. Córtelo y cópielo en el documento de trabajo.
Paso 5
Mueva la capa principal debajo de la capa del cuerpo en la paleta Capas y cambie su tamaño al 251%. Gire la cabeza -4,1º, luego seleccione la herramienta Rectangular Marquee y seleccione el área pequeña del cuello que tiene la aleta de escala. Cópialo y pégalo en una nueva capa y gira -19,5º para ajustarlo.
Paso 6
Use el borrador con un borde duro para recortar cualquier exceso del cuello y luego combínelo con la capa de la cabeza. Desactive la visibilidad de la capa del cuerpo (haga clic en el icono del ojo junto a la miniatura de la capa), luego vaya a Seleccionar> Gama de colores y configure la Fuzziness al 100%. Haga clic en un área negra de la cabeza y acéptelo.
Paso 7
Con la selección cargada, vaya a Seleccionar> Modificar> Expandir y expandir un píxel. Crea una nueva capa y rellénala de negro. Apague la capa de visibilidad de la capa negra y repita el proceso para la parte gris de la cabeza. Elimine la capa principal original dejando las capas principales negras y grises.
Paso 8
Luego aplique un desenfoque gaussiano de radio de dos píxeles (Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano) a cada una de las capas principales seguido de un Enfoque inteligente de 64 píxeles (Filtro> Enfoque> Enfoque inteligente) al 200%. Haga algunos ajustes finales para que se ajuste al cuerpo y dibuje un ojo de aspecto tosco en su propia capa con el pincel.
Paso 9
Abra card tif desde la descarga y vaya a Imagen> Modo> Escala de grises. Luego, vaya a Imagen> Ajustes> Niveles e ingrese los siguientes niveles de entrada: 24; 1,00; y 138. Seleccione la herramienta Esquivar y configúrela para resaltar con una exposición del 25%. Tome un pincel de borde suave de 1,000 píxeles y esquive el lugar donde descansaría la cabeza si superpusiera la imagen en su documento de trabajo.
Paso 10
Aplique un Desenfoque gaussiano de dos píxeles y luego vaya a Imagen> Modo> Mapa de bits. Debe ser de 300 ppp establecido en medios tonos. La configuración de la pantalla de medios tonos debe ser de 20 ppp; Ángulo de 25º; y de forma redonda. Copie y pegue esto en su documento de trabajo en la parte inferior de la jerarquía de capas.
Paso 11
Ahora para dibujar algunas llamas. Seleccione la herramienta Pluma y configúrela en Capas de forma, en lugar de Trazados. Dibuja las llamas internas y externas en sus propias capas. Seleccione las dos capas de Flame terminadas y vaya a Capa> Rasterizar> Capas. Aplique un Desenfoque Gaussiano de seis píxeles a cada una de las capas de Flame y luego, a su vez, vaya a Capa> Estilo de capa> Superposición de color y aplique un naranja y un rojo.
Paso 12
Aplique un enfoque inteligente de radio de 64 píxeles al 500%. No se preocupe por lo que esto le haga a los colores en esta etapa. Luego aplique un pincel grunge para borrar partes de las capas de Flame: es mejor usar un pincel grande y sellarlo una vez. Aplique un desenfoque gaussiano de radio de 3 píxeles seguido de un enfoque inteligente de 64 píxeles al 500%. Luego, vuelva a aplicar Sharpen.
Paso 13
Ahora para el texto. Seleccione Avant Garde para el texto en mayúsculas en bloque, estableciendo el seguimiento en 100, y Bello para el texto rizado, estableciendo el seguimiento en 0. En esta etapa, hágalo todo más grande de lo que necesita, luego seleccione todas las capas de texto y vaya a Capa> Rasterizar> Capas. Utilice la misma técnica que utilizó para degradar las llamas para degradar las capas de texto, utilizando un Smart Sharpen de 7,5 píxeles.
Paso 14
Antes de modificar el texto, debemos ordenarlo: primero, cambie el tamaño de todo para arreglar la composición. Agregue una superposición de color a la capa Cabeza gris. Cmd / Ctrl + clic en la miniatura de la capa del cuerpo para hacer una selección y elimine la selección de las dos capas principales y la capa de fondo de medios tonos. Aplique un color claro a la capa de fondo real y establezca los modos de fusión Cuerpo y Semitono de la capa de fondo en Multiplicar.
Paso 15
Organice y cambie el tamaño del texto de manera coherente para que la información importante sea dominante. Para degradar aún más el texto, seleccione la herramienta Marco rectangular y seleccione una sola letra (asegurándose de estar trabajando en la capa correcta). Presione Cmd / Ctrl + T y empuje y gire hasta que esté feliz. Haga esto con unas pocas letras en cada palabra para darle un estilo desigual.
Paso 16
Utilizando las técnicas que ha aprendido hasta ahora, cree una placa para colocar el texto y algunas llamas adicionales en la parte posterior, como se muestra aquí. Finalmente, seleccione la capa superior y vaya a Capa> Nueva capa de ajuste> Tono / Saturación, y mueva el control deslizante de Saturación a -20. Luego agregue una capa de ajuste de color selectivo y ajuste los negros con los valores + 15% amarillo, -15% negro.
La noticia de que Netflix ha adquirido los derechos de transmisión del catálogo de Studio Ghibli acaparó los titulares esta semana, pero los fanáticos del universo animado de Hayao Miyazaki estarán igualmente encantados de saber de otro regalo en camino en 2020.
Saliendo este abril, Mi vecino Hayao es un colección de tapa dura de casi 300 nuevas ilustraciones que rinden homenaje a los clásicos de la animación japonesa de Ghibli, como El viaje de Chihiro y El castillo móvil de Howl, creada por ilustradores digitales de renombre como Dan Mumford y Stanley Chow.
Las piezas se hicieron originalmente para la exposición del mismo nombre de la galería estadounidense Spoke Art, que ha recopilado las piezas por primera vez en este libro, junto con piezas de sus otros espectáculos inspirados en Miyazaki la última década.
Las obras cubren una amplia gama de estilos, que abarcan un arte similar al anime, creaciones de arcilla lúdicas y algo incómodamente sexy de la artista Mimi Yoon. Verá lo que queremos decir más adelante en nuestra galería de piezas seleccionadas para abatir hasta que el libro salga el 14 de abril en todas las buenas librerías.
Mi vecino Totoro de George Townley
George Townley es un ilustrador londinense apasionado por la arquitectura americana.
Mi vecino Totoro de Jordan Bolton
Otra pieza de Totoro de otro artista del Reino Unido, esta vez Jordan Bolton, que es experto en carteles como estos que presentan colecciones de arcilla de objetos icónicos de una película de culto o un programa de televisión.
En el My Neighbor Hayao libro también encontrarás sus agradables tributos a El viaje de Chihiro, la princesa Mononoke y Howl’s Moving Castle.
Secret Place (Night Variant) por Dan Grissom
Austin La artista Dan Grissom en una variante de día y de noche, la última de las cuales es nuestra favorita.
Dantambién tiene una Howl’s Moving Castle pieza en el libro, que puedes encontrar aquí. Sus dos Totoro lamentablemente están agotadas.
No hay nada que temer … de Dan Mumford
Otro clásico de Dan Mumford, del que puedes encontrar impresiones aquí.
I Hate Humans por Fernando Reza
Lo sentimos princesa Mononoke , fanáticos de la, este está agotado, pero se incluirá para que lo mires con los ojos en la colección de tapa dura.
Heart My Neighbor
No comentes sobre esto, pero busca una copia si quieres darles a tus amigos la impresión de que tienes un Totoro.
Mi vecino Totoro de Tom Whalen
Se encuentra Agotado.
Ellos causan tsunamis por Arna Miller
Nos gustan los estilos vintage de Arna.
The Storyteller de Jason Edmiston
Este retrato de Hayao Miyazaki es tan bueno que ya no puedes encontrar una copia. De todos modos, puedes encontrar a Jason en Instagram.
Princesa Mononoke de Sarah Joncas
Hay algunas representaciones realistas y adultas de la princesa Mononoke en el libro, pero esta de Sarah Joncas de Toronto es la más destacada.
Miyazaki Dreams de Jackie HuangJackie Huang
Este tesoro cortado en papel desde Los Ángeles ya no se puede comprar, lo cual es una verdadera lástima. Nos encanta cómo incluye tantos personajes clásicos de Miyazaki.
Robando tu nombre por Leonardo Santamaria
Simplemente adoramos alucinante de la Leonardo Santamaria del versión alucinante El viaje de Chihiro.
Mi vecino Totoro de Guillaume Morellec
La pieza de Guillaume Morellec aquí se dobla como la portada de Mi vecino Hayao, que sale el 14 de abril de 2020 en Abrams Books.
La organización sin fines de lucro de EE. UU The One Club for Creativity, ha nombrado a 32 jóvenes creativos de 2017 a tener en cuenta, incluidos Jing Wei y Hattie Stewart.
La organización estadounidense sin fines de lucro The One Club for Creativity, que reconoce el talento de la publicidad y el diseño, celebra a 32 jóvenes creativos frescos al final de 2017, incluidos los ilustradores Hattie Stewart y Jing Wei.
The One Club Young Guns 15 lista de creativos se trata de celebrar a los profesionales creativos emergentes (aunque muchos de ellos ya han establecido carreras) de todo el mundo, menores de 30 años (sin embargo, la mayoría de ellos ahora vive en la ciudad de Nueva York).
Young Guns 15 se anuncia cada año como un proceso de entrada abierta que anima a los jóvenes creativos. La competencia ha sido bastante buena para detectar talentos excepcionales hasta ahora, con ganadores anteriores como Jessica Walsh, Stefan Sagmeister, Christoph Niemann y, más recientemente, Gemma O’Brien. Los ganadores de Young Guns 15 de este año tienen clientes como Coca-Cola, Spotify, The New York Times y Google, por nombrar algunos.
Este año, el concurso recibió participaciones de más de 40 países y los ganadores fueron decididos por un jurado compuesto por casi 50 creativos, igualmente equilibrado entre hombres y mujeres.
El jurado seleccionó a 84 personas para la lista de finalistas, que se reveló públicamente por primera vez antes de la ronda final de evaluación en la ciudad de Nueva York. Tanto la votación privada como el debate abierto de los jueces han llevado a la lista final completa de 32 ganadores, que puede consultar aquí.
Hemos seleccionado algunos de los mejores diseñadores gráficos e ilustradores de la lista y hemos mostrado su impresionante trabajo en esta función, comenzando con Jing Wei, con quien hablamos en agosto.
Por primera vez este año, después de la clase Young Guns 15, existe la posibilidad de que selecciones tu favorito de la alineación para ganar el premio Young Guns Creative Choice. La votación tendrá lugar el 15 de noviembre y el ganador de Young Guns con la mayor cantidad de votos se anunciará en una ceremonia al día siguiente en Nueva York.
Jing Wei
Hablamos con la ilustradora Jing Wei en agosto después de descubrir sus hermosas ilustraciones mensuales para las reseñas de novelas de The New York Times.
Su experiencia en grabado ha influido en gran parte de su trabajo comercial, incluido su papel como ilustradora de marca para Etsy e instructora visitante en la Universidad de Pratt.
Hablamos con Jing sobre el proceso creativo detrás de sus ilustraciones para The New York Times y el trabajo con las ricas imágenes de las reseñas que a menudo se dejan completamente abiertas a la interpretación.
Hattie Stewart
Las ilustraciones de la ilustradora británica Hattie Stewart son audaces, brillantes y extrañas, pero no es tan nueva en el juego. Habiendo diseñado ya la portada de Vogue del video musical Kylie Minogue, y más recientemente lanzado su nuevo libro de cocina con juegos de palabras, Hattie sin duda lo está matando.
Leta Sobierajski
Leta es diseñadora gráfica y directora de arte con sede en la ciudad de Nueva York. Combina el arte tradicional con la fotografía, creando imágenes brillantes, impresionantes y abstractas para clientes como Google, The New York Times y Tate Modern, por nombrar algunos.
El año pasado, Leta comenzó un estudio de diseño con su esposo y colaborador, Wade Jeffree.
Ricardo González
Ricardo González es un artista que vive en Brooklyn. Su estilo de escritura se ha utilizado desde murales a gran escala hasta una simple pegatina en la calle. Su uso de colores neón y letras cursivas ha sido recogido por MTV, Vice y Coca Cola.
Lisk Feng
Lisk Feng es una ilustradora independiente cuyo trabajo ha recibido múltiples premios desde su graduación en 2014 del Instituto de Arte de Maryland, incluida la lista de finalistas de los AOI Illustration Awards (Reino Unido), las semifinales del Adobe Design Award y la ganadora de American Illustration. .
Nos encantan sus entornos surrealistas y sus personajes extravagantes. Ha trabajado para una amplia gama de publicaciones, incluidas Wired, The Washington Post y Monocle.
Ben Crick
El diseñador Ben Crick tuvo el trabajo trascendental de diseñar el sistema de identidad visual global de Spotify en colaboración con la agencia Collins, notado y aplaudido por sus colores llamativos, formas geométricas y fotografías repletas de celebridades.
Ben ha tenido experiencia en estudios grandes y pequeños, y su visión de carrera particular es llevar la calidad creativa de los equipos pequeños a la escala internacional. Ben es de Australia, pero ha vivido en Nueva York durante cinco años.
Ben Grandgenett
Ben Grandgenett es diseñador gráfico y actualmente director de arte adjunto de la revista New York Times, donde podrá ver su trabajo visualmente impresionante. Es originario de Nebraska.
El trabajo de Ben ha sido reconocido por organizaciones como The Art Directors Club, Graphis, The Society of Publication Designers y The Type Directors Club.
CorelDraw llega a Mac por primera vez, pero los creativos estarán más entusiasmados con su nueva aplicación basada en web.
Ha tardado mucho en llegar, pero CorelDraw ha lanzado su primer itinerario nativo para Mac, junto con la última versión del software de diseño gráfico clásico.
CorelDRAW Graphics Suite 2019 para usar su nombre oficial traerá una serie de nuevas funciones para los usuarios de Windows, y esas mismas funciones para cualquiera que haya estado buscando probar la aplicación en sus computadoras de escritorio y portátiles Apple.
Diseñados desde cero para aprovechar al máximo cada plataforma, ambos paquetes también incluyen el nuevo CorelDRAW una opción basada en navegador que permite a los creativos realizar ajustes y correcciones esenciales mientras están en movimiento, cualquier edición realizada con su Mac o Windows sincronizandose instantáneamente con una versión web de su trabajo.
Esto será útil para cuando un cliente exija enmiendas de última hora y es algo que empresas como Adobe aún no ofrecen.
La nueva actualización marca el trigésimo año de funcionamiento de CorelDraw, con una versión para Mac solicitada durante mucho tiempo por su devota base de fans.
“CorelDraw se ha ganado la reputación de ser un paquete de gráficos líder que se centra en los resultados profesionales, la producción y la facilidad de uso”, dijo John Falsetto, director senior de productos, CorelDRAW y productividad.
“Con 2019, traemos el poder del software en una experiencia verdaderamente nativa para Mac, brindando las herramientas de alta gama que los profesionales necesitan”.
Los usuarios de ambas plataformas podrán utilizar nuevas funciones como Efectos no destructivos y una nueva ventana acoplable de objetos que ofrece control directo sobre la estructura de un documento y acceso rápido a todos sus componentes.
Las versiones completas de CorelDRAW Graphics Suite 2019 y CorelDRAW Graphics Suite 2019 para Mac ya están disponibles
Los usuarios registrados de cualquier versión anterior de CorelDraw Graphics Suite pueden actualizar a la suite de Windows RRP y el acceso a CorelDraw.app se incluye con cualquier CorelDraw Graphics Suite 2019.
Mercedes Crespo muestra cómo puedes dibujar rápidamente un personaje atractivo basado en unas pocas formas simples
Introducción
En este tutorial, Mercedes Crespo (también conocida como YemaYema) muestra cómo crea sus atractivos personajes de dibujos animados. Aunque están llenos de detalles, ricos en color y de apariencia compleja, son fáciles de dibujar, como ella revela.
Con solo la herramienta Lápiz más formas básicas y un buen ojo para el color y la composición, puede hacer que sus ilustraciones sean de gran utilidad.
Mercedes destaca la importancia de divertirse y jugar con las formas. Es posible lograr grandes cosas cuando menos lo esperas y explorar es una buena forma de permitir que esto suceda.
En nuestros archivos de proyecto, encontrará el boceto original de Mercedes y un archivo de textura que usará para agregar profundidad a su composición.
Tiempo para completar
2-3 horas
Software
Adobe Illustrator CS4 o superior, Photoshop CS4 o superior
Paso 1
Primero empiezo con un boceto rápido, que contiene formas básicas que determinarán la composición y cómo se verá el personaje. Intento dejarlo abierto para revisión, y no está destinado a parecer terminado. Es algo que se hace rápidamente para plasmar una idea.
Paso 2
En Illustrator, seleccione Archivo> Colocar, lleve el boceto a lo que será una capa de fondo y bloquéalo. Cree una nueva capa donde creará formas básicas que tracen la imagen, por ejemplo, solo un círculo para la cabeza, un rectángulo para los pantalones cortos. Recuerda jugar con la composición y cambiar las cosas si es necesario.
Paso 3
Comience a agregar los detalles más simples al personaje: dos círculos servirán para los ojos, mientras que para la boca, cree un círculo y divídelo. Ahora seleccione la herramienta Pluma y haga clic en ambos extremos para cerrarla.
Paso 4
Oculte la capa de fondo donde está el boceto. Ahora centrémonos en el torso. Coge la herramienta Pluma y crea una forma para la camiseta. Simplemente traza las esquinas exteriores de la chaqueta para crear la forma blanca interior. Ajuste con la herramienta Selección directa; necesitas tener líneas precisas y limpias. Trabaja con el cuello del abrigo según sea necesario.
Paso 5
Ahora vamos a agregar más detalles usando la misma técnica que usé para crear la camisa blanca. Para darle al abrigo un «contorno interior», utilice la herramienta Pluma y un color más oscuro. Para las mejillas, crea un círculo en un color contrastante y luego otro círculo dentro de ese en un tono aún más rico.
Paso 6
Ahora vamos a empezar a dar cuerpo a nuestro pequeño pirata. Para el cabello, simplemente dibuja una forma de remolino. Agrega más detalles a los ojos creando más círculos que actúan como reflejos blancos. Para los dientes, simplemente crea rectángulos.
Por cierto, hago mucho a mano alzada, así que también me aseguro de eliminar los puntos de ancla sobrantes con la herramienta Pluma.
Paso 7
Para agregar más detalles al cabello, puede crear más mechones y mechones con la herramienta Lápiz. Sea creativo y, una vez más, recuerde eliminar los puntos de anclaje sobrantes. Para la nariz, usemos triángulos simples.
Paso 8
Para crear el gancho del personaje, dibuja un rectángulo para la base y hazlo más estrecho. Luego agregue una elipse para dar un poco de sombra y profundidad. Para ajustarlo al ras contra la manga, simplemente agrupe los objetos que forman la base del gancho (mantenga presionada la tecla Mayús y seleccione, luego haga clic derecho> Agrupar) y muévalos juntos.
Paso 9
Crea pestañas agregando pequeños triángulos alrededor del ojo, que también servirán como sombreado. Conecta los personajes menores a nuestro pirata usando arcos (crea un círculo, borra el color del interior y luego borra uno de los cuatro puntos de anclaje).
Paso 10
Sigue haciendo que el personaje sea más interesante agregando un poco más de detalle. Para terminar los pantalones, cree un rectángulo y luego seleccione la herramienta Pluma y agregue puntos de anclaje a la base del rectángulo. Luego, mueva todos los puntos de anclaje hacia arriba para crear el efecto rasgado.
Paso 11
Para crear el agua, seleccione la herramienta Lápiz y grandes gotas de agua a mano alzada, luego agrégueles algunos detalles. Démosle a nuestro pirata algunos reflejos en el pantalón y el abrigo también, agregando formas en zigzag en un color que se destaque. También termine la nariz creando más triángulos.
Paso 12
Ahora es el momento de agregar nubes y otras decoraciones. Copie y pegue y coloque donde desee, prestando atención a la composición. Hágalo divertido: experimente, juegue con formas y deje que su creatividad lo guíe.
Paso 13
¿Estás contento con tu diseño? Si es así, eso es todo lo que vamos a llegar en Illustrator. Ahora importamos el archivo a Photoshop para agregar textura.
Paso 14
En Photoshop, abra la textura layer psd. Seleccione Todo, luego cópielo y péguelo en su diseño. Establezca el modo de fusión en Pantalla y la opacidad en 23. Ajuste hasta que esté satisfecho.
Paso 15
Seleccione la herramienta Grabar y pinte sobre los bordes para darle algo de sombra. En la barra de Opciones, configure el menú desplegable Rango en Medios tonos y agregue algo de sombra a las esquinas. Piense en el sombreado básico al hacer esto.
Paso 16
Finalmente, seleccione la herramienta Esquivar. Establezca el menú desplegable Rango en Resaltados y agregue reflejos en los ojos, las mejillas y ciertas esquinas para que resalten un poco más.
6 ilustradores revelan cómo convertir obras de arte en GIF animados divertidos, encantadores, poderosos o divertidos en Illustrator, Photoshop o After Effects.
Si no tiene experiencia en la creación de GIF, comience combinando dos o tres imágenes diferentes. Por ejemplo, crea un botón de interruptor que, cuando se presiona, enciende las luces y viceversa.
Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)
Los elementos básicos de un GIF llamativo son un lenguaje sencillo y un movimiento dinámico que se adapta al estado de ánimo del concepto y el mensaje.
Por ejemplo, un buen GIF a veces puede ser realmente divertido y lleno de dinamismo, o puede tener un movimiento realmente lento y suave que describa la sensación detrás de las imágenes en movimiento.
Fausto Montanari (Italia) & Nikolay Ivanov (Bulgaria)
Comenzamos a desarrollar el concepto para este GIF usando el logo del cliente como referencia principal. Queríamos recrear el estilo de la ilustración y mantener el mensaje que trae. Representaba una casa móvil que tiene cuatro ruedas, chimenea y humo saliendo de ella, lo que representa la comodidad de una casa. Las personas detrás del logotipo son un grupo de entusiastas que tienen el objetivo común de ayudar a las personas sin hogar a recuperarse. Les están encontrando un lugar para vivir, ayudándoles a conseguir un trabajo, para que puedan volver a estar bien.
El desafío aquí fue crear una imagen que sea lo suficientemente simple para transmitir fácilmente el mensaje y lo suficientemente seria para ilustrar el tema. También tenía que darle al espectador la oportunidad de usar su imaginación para imaginar lo que está sucediendo a continuación.
Con la animación, era importante hacer que la actuación del personaje se sintiera auténtica. Los pequeños gestos, la parada repentina y la mirada confusa son importantes para transmitir los sentimientos de un hombre perdido. Todos los pequeños detalles en la creación del ambiente dinámico son importantes para lograr una historia conmovedora, a pesar de que no hay sonido y tiene una duración realmente corta.
Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)
Siempre comience con la acción principal y nunca trabajé en varias tareas al mismo tiempo, porque se confundirá. Intente animar escenas complejas paso a paso.
No es necesario animar todos los objetos en la pantalla para hacerlo poderoso. A veces, un simple movimiento puede ser más que suficiente.
Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)
Si quieres hacer un GIF que cuente una historia, necesitas saber exactamente qué tendrás que animar cuando hagas la ilustración. Debes pensar en tu GIF como en una pequeña película con una trama.
Haga un guión gráfico para que pueda seguir la historia más fácilmente, o para que el animador con el que trabaja pueda ver claramente lo que está sucediendo en la historia.
Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)
A veces puede ser un gran desafío mantenerse dentro del estado de ánimo. Ya sea que un GIF sea divertido, triste, aterrador, rápido o lento, se trata de las decisiones que tomas como artista para crear una buena historia.
Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)
Todo comienza con una idea. En este caso, me desperté una mañana y quería animar a un alce corriendo por la naturaleza. Pero en lugar de un fondo en movimiento, quería que todo el GIF en bucle fuera desde una perspectiva estacionaria. Así que se tuvo que crear algún tipo de máquina, que ‘simulara’ el mundo natural alrededor de ese alce.
Rafael Varona (Alemania)
Si bien algunas partes del fondo se animaron con interpolaciones de movimiento simple en After Effects, otras se crearon con un buen dibujo antiguo fotograma a fotograma.
Para que su animación sea lo más realista posible, elija el mejor ejemplo de la naturaleza que pueda encontrar, en este caso el famoso Caballo Muybridge , y copie su movimiento.
Siempre trato de agregar más detalles en cada nuevo cuadro como sea posible, lo que debería complacer al espectador a medida que descubre cosas nuevas dentro de cada bucle.
Rafael Varona (Alemania)
Creé una gran ilustración de escaparate para un fabricante de gafas con sede en Berlín llamado Mykita. Una vez hecho, me pidieron que hiciera un par de GIF en bucle para su proyecto anual de caridad con el mismo estilo. Comencé a desarrollar algunas ideas sobre cómo incorporar el pensamiento detrás de las diferentes organizaciones benéficas y cómo animar las ilustraciones y hacerlas emocionantes y visualmente atractivas.
Rafael Varona (Alemania)
La organización benéfica detrás de estos GIF está enseñando a personas ciegas la técnica de la ecolocalización, que les permite incluso andar en bicicleta. Era obvio colocar un personaje en una bicicleta en el centro.
Su cabello y su camisa estaban animados fotograma a fotograma. Para el fondo, utilicé una técnica muy fácil para crear una agradable sensación de profundidad: creé un par de capas con árboles y flores adicionales y agregué una interpolación de movimiento de izquierda a derecha. Cuanto más lejos esté el objeto, menor será la velocidad. Esta técnica, conocida como paralaje, le permite crear un fondo en movimiento realista.
Rafael Varona (Alemania)
Para crear GIF, primero abro un nuevo archivo (antes usaba Flash, pero ahora me gusta hacer animaciones en Photoshop). Creo una nueva capa de video y comienzo a dibujar una forma. Dibujo un movimiento cuadro por cuadro. Intento hacerlo interesante y volver al primer cuadro. Una vez que hay un bucle, lo exporto a After Effects, donde duplico el bucle y lo trato como una especie de bloque LEGO animado.
Construyo algo con los bloques y, a veces, también combino otros bucles. Juego con los tamaños, la rotación y la posición de los bucles, pero también con la forma en que se relacionan entre sí en la línea de tiempo: no comienzan y terminan al mismo tiempo. Lo que termino con es una escultura abstracta muy orgánica que está en constante movimiento. Lo exporto como un archivo MOV y lo llevo de regreso a Photoshop, donde lo guardo como un GIF (usando Legacy – Save for Web para mayor control).
Ori Toor (Israel)
Recuerda adoptar la estética GIF. Tendrá que comprometer la calidad de la imagen para crear un GIF que sea compatible con la mayoría de las plataformas web. Eso significa que tendrás que crear algo que sea muy corto, que tenga una paleta limitada o que sea muy rico pero luego muy comprimido. No espere hacer una animación HD de 10 segundos con toneladas de color. Mire las pautas de Tumblr y prepárese con anticipación.
Ori Toor (Israel)
No hay una única forma de ganar atención y popularidad como creador de GIF; aquí no hay absolutamente ninguna regla. He visto GIF que se utilizan como imágenes promocionales en movimiento, una alternativa a un video musical (muy parecido a un video con letras) y, a veces, una ilustración editorial. También son un subgénero del videoarte.
Mi experiencia me enseñó que es mejor para mí abordar cualquier proyecto de arte sin saber exactamente lo que estoy haciendo. Si tengo una idea general, es mejor mantenerla vaga y comenzar a trabajar de inmediato y no desarrollarla demasiado de antemano con bocetos y cosas por el estilo. Con los GIF no es diferente.
Ori Toor (Israel)
El principal don mágico de la ilustración es crear algo que no existe en la vida y te da absoluta libertad. Especialmente con Poltergeist en la serie que trabajé recientemente.
Tumblr me encargó que trabajara en el Poltergeist lanzamiento de la película. Me enviaron algunas imágenes de la película y el tráiler. El escrito fue muy gratuito: enviaron una referencia de un dibujo que había publicado anteriormente en mi blog y pidieron usar este estilo de grabado específico, así que me inspiré en un momento en el tráiler donde la adolescente de la familia tenía su teléfono poseído por el poltergeist.
En primer lugar, les envié esta animática para que pudieran ver el movimiento y dar su aprobación.
Laurène Boglio (FR / Reino Unido)
Lo incorporé a este GIF, pero Tumblr decidió simplificarlo eliminando los mensajes, lo cual me hizo muy feliz [resultados en la página siguiente].
Laurène Boglio (FR / UK)
Crear GIF es muy simple en Photoshop. Solo necesita estar organizado en sus capas y ser bastante paciente porque Photoshop es muy sensible y, a veces, mover la capa incorrecta podría arruinar toda la animación.
Laurène Boglio (FR / UK)
Snow Globe es mi reciente pieza inspirada en la Navidad. A diferencia de mis piezas habituales en las que planeo una escena meticulosa, mi objetivo era hacer un GIF más simple que transmita una idea rápidamente.
Nancy Liang (Australia)
Siempre comienza con bocetos y planificación. Hago un borrador usando miniaturas dibujadas rápidamente y apunto notas para la animación; necesito saber cómo se ve aproximadamente y necesito enumerar lo que se debe animar y cómo se hará.
Una vez que esté organizado, comenzaré el proceso de renderizado. Esto implica el dibujo y corte de elementos de ilustración que luego se escanean y organizan en Photoshop.
Una vez que estoy satisfecho con mi imagen estática, paso al proceso de animación.
Mi animación está muy controlada. Para mí, la organización es la clave absoluta del éxito: todo debe nombrarse en consecuencia y es especialmente importante clasificar los elementos animados de los fijos.
Nancy Liang (Australia)
Lo bueno de hacer GIF para un cliente es que ya tiene una idea, solo necesita que alguien se dé cuenta. Con eso en mente, el proceso de hacer un GIF para un cliente es bastante similar al de una ilustración fija: la planificación inicial y los bocetos, luego la fase de renderizado y animación y las revisiones posteriores.
Nancy Liang (Australia)
El principal desafío es la atención al detalle, especialmente durante la animación. Mi proceso es bastante laborioso, implica mover elementos fotograma a fotograma, por lo que cuando un fotograma se apaga, todo también se apaga. Si un cliente no está de acuerdo con cierto movimiento, a veces significa volver a realizar todo el movimiento desde cero.
Nancy Liang (Australia)
Para minimizar esta probabilidad, tengo que ser lo más específico posible conmigo mismo y con el cliente en la etapa de planificación, asegurándome de que ambos estemos en la misma página. Ah, y administrar el control de versiones, eso es útil.
Nancy Liang (Australia)
Uno de los proyectos más interesantes en los que he trabajado es el cambio de marca de la empresa de datos Quantcast. El estudio de diseño JaegerSloan me ayudó a crear GIF con patrones de bucle, que la empresa podría usar dentro de su logotipo. Estos GIF comunican los valores de la marca y los tipos de comportamiento que pueden medir en línea.
Te hablaré de uno de estos GIF, que se creó para comunicar las compras en línea. Al ser parte de un cambio de marca más grande, los GIF tenían que ser claros y concisos y seguir la paleta de colores de la marca.
La primera etapa fue la conceptualización de la pieza y la creación de la ilustración. Comenzó como un encargo de ilustración habitual, primero con bocetos, luego se desarrolló en Illustrator para que el cliente lo firmara. La diferencia fue que el archivo se configuró para que estuviera preparado para animar: todas las capas estaban separadas y etiquetadas.
Una vez firmado, es hora de llevarlo a After Effects. ¡Aquí es donde se pone divertido! Sabía aproximadamente lo que quería que hiciera la animación: los elementos se despliegan, la caja se pliega y la cinta se da vuelta. Pero, ¿en qué orden sucede esto? ¿Qué tan rápido caen los artículos? ¿Cómo se mueven los objetos cuando caen y rebotan? Todos estos se juegan en la etapa de animación. Este GIF en particular pasó por tres rondas de revisiones, en su mayoría afinando el tiempo, para obtener la pieza terminada.
Se trata de aprovechar al máximo la flexibilidad del medio digital. Las ilustraciones tradicionales son geniales, pero los GIF pueden ser realmente divertidos, atractivos e inteligentes. Comercialmente, he creado GIF para trabajos editoriales, redes sociales e incluso marcas. Para mí, los GIF más atractivos son los que se repiten de forma fluida e infinita, con mucho movimiento y alegría.
En mi opinión (sesgada), la ilustración puede comunicar un mensaje muy específico o un concepto complejo de una manera destilada, conmovedora, divertida o única, o todo lo anterior. Puede tener una voz muy distinta, lo que creo que la separa de la fotografía tradicional.
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