Revisión del monitor interactivo Wacom One: ¿el ‘Cintiq barato’ de Wacom es bueno para artistas y diseñadores?

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un efecto de serigrafía
  • Pros: Tiene las características clave que necesita. Coste muy bajo en comparación con otros productos de Wacom.
  • Contras: Sin borrador en el bolígrafo. Pantalla de baja resolución y baja sensibilidad y gama de colores en comparación con la línea Pro.

Los mejores precios hoy

Después de la del año pasado Wacom vuelvo a intentar, La Wacom One es más pequeña, sencilla y, quizás lo más importante, la tableta con pantalla más barata que la marca ha presentado hasta la fecha.

Con una pantalla de 13 ”, tan grande como mi propia Cintiq Pro 13, que costaba mucho más hace unos años, tenía curiosidad por ver cómo estaría a la altura.

El empaque es elegante y, a pesar del precio más bajo, está claro que Wacom se esfuerza por que se sienta como una compra de calidad. Todos los componentes están cuidadosamente organizados y con instrucciones claras y diagramas impresos en la caja real, todo se siente fácil de usar desde el momento en que comienza a desempacar. 

La configuración fue fácil: todo lo que tenía que hacer era conectar todo y descargar el controlador.

Wacom One

El Wacom One no ofrece mucho en el ámbito de las funciones adicionales, pero ofrece una que no pude probar: te permite conectarte a ciertos dispositivos Android a través de un cable de terceros, que luego presumiblemente puedes usar con un aplicación de dibujo (aún deberá poder conectar la tableta a una toma de corriente). Esto está restringido a sólo unos pocos modelos recientes (Samsung Galaxy / OneNote y Huawei P / Mate), pero suena impresionante en la situación correcta.

Sin embargo, los elementos esenciales están todos ahí. La etiqueta de tela icónica está presente, que puede usar para asegurar su bolígrafo, y las patas abatibles incorporadas ofrecen una segunda posición para dibujar con una inclinación de 19 grados.

Las puntas de repuesto para el lápiz se incluyen en un compartimento discreto debajo de la pata derecha (abajo), y el puerto para el conector único está en el borde superior de la pantalla, a salvo de golpes accidentales por manos sueltas. Diseño sólido y simple, pero ¿cómo le va una vez encendido?

Experiencia de dibujo de Wacom One

En general, dibujar en Wacom One se sintió bastante cómodo y sencillo. No necesité calibrar el lápiz óptico (una buena señal), y fue fácil sumergirme en él. Para esta revisión, usé Photoshop y Clip Studio Paint, que funcionó de manera similar.

El lápiz óptico es sencillo, no requiere batería y se siente bastante cómodo. Su único botón (configurado de forma predeterminada en Clic derecho, pero personalizable) está un paso por debajo de los dos botones habituales que se ofrecen, pero no es un problema para mí. Sin embargo, no pude evitar la decisión de no incluir una punta de borrador; se ha convertido en una parte clave de mi flujo de trabajo y me pareció muy extraño usar un Wacom sin esa función. Puede que esto no sea algo por lo que algunos usuarios se ofendan, pero curiosamente puede haber sido la característica que más extrañé. (Sí, probé el Pro Pen de mi propio Cintiq y no, lamentablemente no es compatible).

Wacom One

La pantalla parecía el equilibrio adecuado entre una superficie clara y duradera y una textura de dibujo suave, y cuando la punta se deslizó por la pantalla, no ofreció un paralaje ni un retraso perceptibles. Sin embargo, aunque los niveles de presión de la pluma se sintieron lo suficientemente competentes, hubo una consideración sutil pero notable con respecto a la variación de la línea. El Wacom One ofrece 4.096 niveles de presión del lápiz (la mitad de los 8.192 niveles de los que suelen presumir los modelos de gama alta), y aunque esto puede significar poco para algunos usuarios, ciertamente fue algo que me llamó la atención. No es un problema real, pero algo para tomar nota, especialmente cuando intenté hacer algunos bocetos rápidos con movimientos rápidos de la mano.

¿Qué tan buena es la pantalla de Wacom One?

Los colores en la pantalla son vívidos pero, como se esperaba, un poco difíciles de ajustar con un monitor de computadora. La gama de colores es útil, pero notablemente menos precisa que la de una tableta de gama alta: la Wacom One puede generar alrededor del 72% del espacio de color Adobe RGB, en comparación con la Cintiq Pro y MobileStudio Pro que producen más del 83%. Es importante tener esto en cuenta si produce un trabajo rico en color: me he acostumbrado a tener una segunda ventana en el monitor de mi computadora para verificar mis colores mientras trabajo, lo que parece un hábito esencial con este modelo.

En general, dejando de lado las preferencias y las características adicionales, la experiencia de dibujo se sintió agradable y precisa, con una excepción. Descubrí que, mientras hacía movimientos rápidos repetidos, ocasionalmente no se producía una línea de trazo, lo que provocaba que apareciera un punto donde la punta había tocado la pantalla por primera vez. Este no fue un gran problema (solo sucedió un puñado de tiempo en una hora completa de dibujo), y uno podría pensar fácilmente si podría ser un problema con mi máquina. Pero después de haber probado algunas tabletas diferentes en mi iMac de 2 años, esta es la primera vez que veo este problema específico, así que me pregunto si hay que hacer algunos retoques con el controlador.

Veredicto

Wacom One

Una cosa es obvia: Wacom One se apega a lo esencial. Las opciones de diseño son sólidas y muy inteligentes, y ciertamente brindan lo suficiente para cualquiera que busque una experiencia de dibujo de calidad. Sin embargo, un examen más detenido revelará las formas en que este dispositivo obtiene sus etiquetas de precio más bajas: la gama de colores reducida y los niveles de presión del lápiz son los factores principales. Ciertamente, también eché de menos algunas características que, aunque en última instancia son opcionales, realmente contribuyen a la comodidad y la calidad de vida de cualquiera que desee usarlo a diario como herramienta de trabajo, esto finalmente se siente como una oferta de Wacom realmente de bajo costo.

Los estudiantes de arte tienen mucho de qué entusiasmarse,  así como los usuarios ocasionales y entusiastas: la calidad está ahí y es probable que esta sea una herramienta valiosa. En cuanto a los profesionales, es posible que quieran sopesar sus opciones; tal vez las características que se ofrecen aquí sean suficientes para algunos.  pero si se parecen a mí, es posible que se encuentren anhelando un atajo rápido para deshacer o ese precioso , borrador valioso.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Tutorial de Photoshop: cómo crear trazados de recorte

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un efecto de serigrafía

Aprende a aplicar un trazado de recorte en Photoshop y cómo acceder a él en imágenes en InDesign.

Introducción

En este tutorial, descubrirá cómo crear, guardar y aplicar un trazado de recorte a un JPEG en Photoshop, así como cómo acceder a las opciones de recorte en InDesign.

Los trazados de recorte son un método tradicional para recortar objetos o personas en Photoshop que le permite crear archivos de imagen con fondos transparentes para usar en diseños de impresión, ya sean diseños de revistas, folletos o libros, en programas de software como InDesign o QuarkXPress.

Si bien los trazados de recorte se aplicaron originalmente en Photoshop para que aparezcan automáticamente como recortes, las versiones más nuevas del software ahora pueden recoger y utilizar trazados guardados ocultos dentro de los archivos Jpeg, lo que le brinda a los usuarios la opción de usar la versión completa o recortada. de una imagen al decidir el diseño.

Este enfoque funciona mejor con objetos o personas con bordes «duros» alrededor del objeto o la persona que desea recortar. Si hay materiales semitransparentes, cabello encrespado u otros bordes suaves, podría ser mejor usar los métodos de este tutorial.

Tiempo para completar

10 minutos

Software necesario

Photoshop e InDesign CC

Paso 1

Abra la imagen que desea recortar. tengo una foto de producto para Betty Blues Loungerie, que debe recortarse para su publicación en un lookbook de temporada.

Primero, limpie su foto según sea necesario.

Paso 2

Elija la herramienta Pluma (P) y haga clic alrededor de su imagen con cuidado para crear un camino, asegurándose de mantenerse justo dentro del borde del producto para que no termine con un halo blanco alrededor del borde de su recorte más tarde.

Paso 3

Una vez que haya recorrido todo el camino alrededor de su producto, haga clic en el punto de ruta original para cerrar la ruta.

Paso 4

En el panel Rutas, haga doble clic en Ruta de trabajo para guardar la ruta. Cambie el nombre de esta ruta a ‘Ruta recortada’. Esto incrusta la ruta dentro del documento para que esté disponible en el archivo Jpeg final.

Paso 5

Si sabe que solo necesitará esta imagen en su forma recortada, haga clic en el submenú de la derecha en el panel Trazados y seleccione ‘Trazado de recorte …’Trazado de recorte

Paso 6

Elija » en el menú desplegable y presione Aceptar para recortar el fondo.

Paso 7

Para guardar la imagen, vaya a Archivo> Guardar como… y guarde el archivo como un archivo JPEG normal.

Paso 8

Ahora echemos un vistazo a cómo se puede utilizar nuestro ‘Trazado de recorte’ en InDesign. Abra InDesign y cree un nuevo documento.

Paso 9

Vaya a Archivo> Colocar y busque la imagen JPEG que acaba de guardar en Photoshop. Haga clic en el documento para colocar el archivo.

Paso 10

A continuación, sigamos adelante y activemos la ‘Ruta de corte’. Vaya a Objeto> Trazado de recorte> Opciones… para abrir el cuadro de diálogo Trazado de recorte.

Paso 11

En el menú desplegable Tipo, elija Ruta de Photoshop. Luego, en el menú desplegable Ruta, elija ‘Cortar ruta’.

Paso 12

Deja todo lo demás como predeterminado y haz clic en el botón Aceptar. Su producto debería aparecer ahora en su forma recortada.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

12 consejos sobre arte vectorial geométrico

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un efecto de serigrafía
Diseños geométricos

Los ilustradores destacados comparten sus consejos para perfeccionar obras de arte y patrones basados ​​en formas geométricas.

Crear colecciones

«Cree un archivo de formas geométricas a partir de dibujos que haya creado a mano. Esto le brinda una colección de ideas con las que jugar cuando trabaja. Últimamente he estado escaneando muchas formas geométricas dibujadas con reglas y otras herramientas, y combinarlas en un solo archivo de trabajo PSD para sumergirme en cuando estoy trabajando. Este proceso se siente más natural e integrado con mi otro trabajo de ilustración.

«Una ilustración que produje recientemente para Wrap Magazine se hizo con una combinación de estas formas junto con líneas curvas trabajadas. El póster de Disko Vraiment está hecho completamente con formas del archivo de trabajo sin dibujar nada de antemano.»

Rick Hedof (NL)

Usa tu imaginación

«Establecer las formas en Adobe Photoshop es un proceso de imaginar las formas en tres dimensiones. Cualquiera puede dibujar una gran cantidad de triángulos, pero hacer que sugieran una superficie redondeada, por ejemplo, es la tarea. Dibujo cada forma con la Herramienta de selección poligonal y relleno cada uno de los colores mencionados anteriormente en una capa separada si estoy siendo diligente para poder ajustarlos globalmente más adelante si me apetece.

liam brasero

«No hay una gran ciencia en las imágenes que creo. Rara vez esbozo la composición de antemano y prefiero moldear y dejar que evolucione durante la creación real (léase: diversión). Adobe Kuler es una gran herramienta para seleccionar paletas de colores limitadas – comenzando con un ‘oscuro’, un ‘medio’ y un ‘claro’, antes de trabajar en etapas / tonos complementarios en el medio. «

Liam Brasero (Reino Unido)

Herramientas prácticas

«Astute software hace que el perfecto plug-ins para experimentar con diseño geométrico en Adobe Illustrator. Vectorscribe con sus herramientas dinámicas esquinas y dinámico Shapes es una increíble pieza de kit. También el Colisionador Scribe plugines muy ingenioso y muy útil para crear elementos geométricos. Y la MirrorMe también puede ser muy útil para algunos «.

Loulou & Tummie (NL)

Superposición

«Al crear ilustraciones me gusta usar formas creadas con la herramienta de forma en Adobe Illustrator superpuestas. Me puse las formas de multiplicarse en la ventana de la transparencia. A continuación se utiliza la herramienta Pathfinder para sumar y restar las formas de cada uno otros. De esta manera puedo crear patrones dentro de las formas «.

PATRICK HRUBY

Patrick Hruby (Reino Unido)

Inspiración en el bocetos

«Para mí, usar un cuaderno de bocetos es esencial para mantener un flujo de trabajo constante. Necesito una gran cantidad de dibujos. Así que puedo estar seguro de que, cuando hojee las páginas de mi cuaderno de bocetos, Siempre encuentro algunas pequeñas ideas que merecen una contemplación más de cerca y que inspirarán nuevos trabajos «.

Romano Klonek (GE)

Obtener las manos

«jugar con las formas artesanales como alternativa a trabajar de forma digital. La mayor parte de mi trabajo es hecho a mano por el dibujo y corte numerosos trozos de papel que tengo pintados a mano. Montaje de estas piezas cortadas en pedazos en una composición, utilizó adhesivo en aerosol para mantener todo en su lugar antes de escanear el papel terminado cortado en Photoshop y retocar cualquier pequeña imperfección «.

Ellen Giggenbach

Ellen Giggenbach (NZ)

Líneas paralelas

«Aunque mi trabajo terminado es completamente digital, el boceto a mano es muy importante para mi proceso. Comenzando con los primeros bocetos en miniatura, trato de resolver las geometrías aproximadas de mis formas principales y hacer que se reproduzcan bien juntos. Una vez en la computadora, puedo comenzar a afinar los detalles de curvas y ángulos particulares y lograr que todo encaje.

«Un truco que la mayoría de los diseñadores tratan como una segunda naturaleza, pero que creo que es tan importante para los ilustradores que trabajan geométricamente, es asegurarse de que los elementos se alineen entre sí o corran en paralelo. Este tipo de precisión imbuye a la imagen de un sentido de orden subliminal.

«Aunque mi trabajo es muy geométrico, en realidad me siento más cómodo trabajando principalmente en Photoshop a alta resolución y me parece un entorno muy natural en el que crear mis formas, utilizando mi boceto a mano como guía. Utilizo Illustrator para creo ciertos elementos repetitivos, como los puntos de la esfera de un reloj, pero siempre los vuelvo a importar a mi imagen de Photoshop «.

Jesse Lefkowitz (EE. UU.)

Trabajar con cuadrículas

«Con la creación de formas y patrones geométricos, sigo un método y sistema que he usado durante años. Por lo general, para comenzar, crearé una cuadrícula con la herramienta de línea en Illustrator y mientras manteniendo presionada la tecla alt, duplica las líneas hasta que la cuadrícula esté hecha. A partir de ahí, sirve como una herramienta perfecta para experimentar con la geometría. Hay un montón de herramientas rápidas como la mezcla y la herramienta de tijera que se pueden usar para experimentar con formas «.

Gordon Reid

Gordon Reid (Reino Unido)

No se salte el boceto

«La etapa de boceto es de vital importancia, sin importar cuán controlada y no asociada pueda ser la obra de arte final. Los bocetos iniciales pueden conducir a formas completamente diferentes de resolver cómo funciona una línea o forma dentro de la ilustración y también amplíe su estilo, pasando por herramientas de software preestablecidas. El mayor desafío para mí siempre ha sido mantener la calidez y la fluidez del boceto y llevarlo al trabajo final. ¡A menudo prefiero el boceto! «

Edward McGowan (Reino Unido)

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

34 consejos para convertir tu arte y gráficos en increíbles GIF animados

6 ilustradores revelan cómo convertir obras de arte en GIF animados divertidos, encantadores, poderosos o divertidos en Illustrator, Photoshop o After Effects.

Si no tiene experiencia en la creación de GIF, comience combinando dos o tres imágenes diferentes. Por ejemplo, crea un botón de interruptor que, cuando se presiona, enciende las luces y viceversa.

Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)

Los elementos básicos de un GIF llamativo son un lenguaje sencillo y un movimiento dinámico que se adapta al estado de ánimo del concepto y el mensaje.

Por ejemplo, un buen GIF a veces puede ser realmente divertido y lleno de dinamismo, o puede tener un movimiento realmente lento y suave que describa la sensación detrás de las imágenes en movimiento.

Fausto Montanari (Italia) & Nikolay Ivanov (Bulgaria)

Comenzamos a desarrollar el concepto para este GIF usando el logo del cliente como referencia principal. Queríamos recrear el estilo de la ilustración y mantener el mensaje que trae. Representaba una casa móvil que tiene cuatro ruedas, chimenea y humo saliendo de ella, lo que representa la comodidad de una casa. Las personas detrás del logotipo son un grupo de entusiastas que tienen el objetivo común de ayudar a las personas sin hogar a recuperarse. Les están encontrando un lugar para vivir, ayudándoles a conseguir un trabajo, para que puedan volver a estar bien.

Fausto Montanari

El desafío aquí fue crear una imagen que sea lo suficientemente simple para transmitir fácilmente el mensaje y lo suficientemente seria para ilustrar el tema. También tenía que darle al espectador la oportunidad de usar su imaginación para imaginar lo que está sucediendo a continuación.

Con la animación, era importante hacer que la actuación del personaje se sintiera auténtica. Los pequeños gestos, la parada repentina y la mirada confusa son importantes para transmitir los sentimientos de un hombre perdido. Todos los pequeños detalles en la creación del ambiente dinámico son importantes para lograr una historia conmovedora, a pesar de que no hay sonido y tiene una duración realmente corta.

Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)

Siempre comience con la acción principal y nunca trabajé en varias tareas al mismo tiempo, porque se confundirá. Intente animar escenas complejas paso a paso.

No es necesario animar todos los objetos en la pantalla para hacerlo poderoso. A veces, un simple movimiento puede ser más que suficiente.

Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)

Si quieres hacer un GIF que cuente una historia, necesitas saber exactamente qué tendrás que animar cuando hagas la ilustración. Debes pensar en tu GIF como en una pequeña película con una trama.

Haga un guión gráfico para que pueda seguir la historia más fácilmente, o para que el animador con el que trabaja pueda ver claramente lo que está sucediendo en la historia.

Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)

A veces puede ser un gran desafío mantenerse dentro del estado de ánimo. Ya sea que un GIF sea divertido, triste, aterrador, rápido o lento, se trata de las decisiones que tomas como artista para crear una buena historia.

Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)

Todo comienza con una idea. En este caso, me desperté una mañana y quería animar a un alce corriendo por la naturaleza. Pero en lugar de un fondo en movimiento, quería que todo el GIF en bucle fuera desde una perspectiva estacionaria. Así que se tuvo que crear algún tipo de máquina, que ‘simulara’ el mundo natural alrededor de ese alce.

Rafael Varona (Alemania)

Si bien algunas partes del fondo se animaron con interpolaciones de movimiento simple en After Effects, otras se crearon con un buen dibujo antiguo fotograma a fotograma.

Para que su animación sea lo más realista posible, elija el mejor ejemplo de la naturaleza que pueda encontrar, en este caso el famoso Caballo Muybridge , y copie su movimiento.

Rafael Varona

Siempre trato de agregar más detalles en cada nuevo cuadro como sea posible, lo que debería complacer al espectador a medida que descubre cosas nuevas dentro de cada bucle.

Rafael Varona (Alemania)

Creé una gran ilustración de escaparate para un fabricante de gafas con sede en Berlín llamado Mykita. Una vez hecho, me pidieron que hiciera un par de GIF en bucle para su proyecto anual de caridad con el mismo estilo. Comencé a desarrollar algunas ideas sobre cómo incorporar el pensamiento detrás de las diferentes organizaciones benéficas y cómo animar las ilustraciones y hacerlas emocionantes y visualmente atractivas.

Rafael Varona (Alemania)

La organización benéfica detrás de estos GIF está enseñando a personas ciegas la técnica de la ecolocalización, que les permite incluso andar en bicicleta. Era obvio colocar un personaje en una bicicleta en el centro.

Su cabello y su camisa estaban animados fotograma a fotograma. Para el fondo, utilicé una técnica muy fácil para crear una agradable sensación de profundidad: creé un par de capas con árboles y flores adicionales y agregué una interpolación de movimiento de izquierda a derecha. Cuanto más lejos esté el objeto, menor será la velocidad. Esta técnica, conocida como paralaje, le permite crear un fondo en movimiento realista.

Rafael Varona (Alemania)

Para crear GIF, primero abro un nuevo archivo (antes usaba Flash, pero ahora me gusta hacer animaciones en Photoshop). Creo una nueva capa de video y comienzo a dibujar una forma. Dibujo un movimiento cuadro por cuadro. Intento hacerlo interesante y volver al primer cuadro. Una vez que hay un bucle, lo exporto a After Effects, donde duplico el bucle y lo trato como una especie de bloque LEGO animado.

Construyo algo con los bloques y, a veces, también combino otros bucles. Juego con los tamaños, la rotación y la posición de los bucles, pero también con la forma en que se relacionan entre sí en la línea de tiempo: no comienzan y terminan al mismo tiempo. Lo que termino con es una escultura abstracta muy orgánica que está en constante movimiento. Lo exporto como un archivo MOV y lo llevo de regreso a Photoshop, donde lo guardo como un GIF (usando Legacy – Save for Web para mayor control).

Ori Toor (Israel)

Recuerda adoptar la estética GIF. Tendrá que comprometer la calidad de la imagen para crear un GIF que sea compatible con la mayoría de las plataformas web. Eso significa que tendrás que crear algo que sea muy corto, que tenga una paleta limitada o que sea muy rico pero luego muy comprimido. No espere hacer una animación HD de 10 segundos con toneladas de color. Mire las pautas de Tumblr y prepárese con anticipación.

Ori Toor (Israel)

No hay una única forma de ganar atención y popularidad como creador de GIF; aquí no hay absolutamente ninguna regla. He visto GIF que se utilizan como imágenes promocionales en movimiento, una alternativa a un video musical (muy parecido a un video con letras) y, a veces, una ilustración editorial. También son un subgénero del videoarte.

Ori Toor

Mi experiencia me enseñó que es mejor para mí abordar cualquier proyecto de arte sin saber exactamente lo que estoy haciendo. Si tengo una idea general, es mejor mantenerla vaga y comenzar a trabajar de inmediato y no desarrollarla demasiado de antemano con bocetos y cosas por el estilo. Con los GIF no es diferente.

Ori Toor (Israel)

El principal don mágico de la ilustración es crear algo que no existe en la vida y te da absoluta libertad. Especialmente con Poltergeist en la serie que trabajé recientemente.

Tumblr me encargó que trabajara en el Poltergeist lanzamiento de la película. Me enviaron algunas imágenes de la película y el tráiler. El escrito fue muy gratuito: enviaron una referencia de un dibujo que había publicado anteriormente en mi blog y pidieron usar este estilo de grabado específico, así que me inspiré en un momento en el tráiler donde la adolescente de la familia tenía su teléfono poseído por el poltergeist.

En primer lugar, les envié esta animática para que pudieran ver el movimiento y dar su aprobación.

Laurène Boglio (FR / Reino Unido)

Lo incorporé a este GIF, pero Tumblr decidió simplificarlo eliminando los mensajes, lo cual me hizo muy feliz [resultados en la página siguiente].

Laurène Boglio (FR / UK)

Laurene boglio

Crear GIF es muy simple en Photoshop. Solo necesita estar organizado en sus capas y ser bastante paciente porque Photoshop es muy sensible y, a veces, mover la capa incorrecta podría arruinar toda la animación.

Laurène Boglio (FR / UK)

Snow Globe es mi reciente pieza inspirada en la Navidad. A diferencia de mis piezas habituales en las que planeo una escena meticulosa, mi objetivo era hacer un GIF más simple que transmita una idea rápidamente.

Nancy Liang (Australia)

Siempre comienza con bocetos y planificación. Hago un borrador usando miniaturas dibujadas rápidamente y apunto notas para la animación; necesito saber cómo se ve aproximadamente y necesito enumerar lo que se debe animar y cómo se hará.

Una vez que esté organizado, comenzaré el proceso de renderizado. Esto implica el dibujo y corte de elementos de ilustración que luego se escanean y organizan en Photoshop.

Una vez que estoy satisfecho con mi imagen estática, paso al proceso de animación.

Nancy Liang

Mi animación está muy controlada. Para mí, la organización es la clave absoluta del éxito: todo debe nombrarse en consecuencia y es especialmente importante clasificar los elementos animados de los fijos.

Nancy Liang (Australia)

Lo bueno de hacer GIF para un cliente es que ya tiene una idea, solo necesita que alguien se dé cuenta. Con eso en mente, el proceso de hacer un GIF para un cliente es bastante similar al de una ilustración fija: la planificación inicial y los bocetos, luego la fase de renderizado y animación y las revisiones posteriores.

Nancy Liang (Australia)

El principal desafío es la atención al detalle, especialmente durante la animación. Mi proceso es bastante laborioso, implica mover elementos fotograma a fotograma, por lo que cuando un fotograma se apaga, todo también se apaga. Si un cliente no está de acuerdo con cierto movimiento, a veces significa volver a realizar todo el movimiento desde cero.

Nancy Liang (Australia)

Para minimizar esta probabilidad, tengo que ser lo más específico posible conmigo mismo y con el cliente en la etapa de planificación, asegurándome de que ambos estemos en la misma página. Ah, y administrar el control de versiones, eso es útil.

Nancy Liang (Australia)

Uno de los proyectos más interesantes en los que he trabajado es el cambio de marca de la empresa de datos Quantcast. El estudio de diseño JaegerSloan me ayudó a crear GIF con patrones de bucle, que la empresa podría usar dentro de su logotipo. Estos GIF comunican los valores de la marca y los tipos de comportamiento que pueden medir en línea.

Te hablaré de uno de estos GIF, que se creó para comunicar las compras en línea. Al ser parte de un cambio de marca más grande, los GIF tenían que ser claros y concisos y seguir la paleta de colores de la marca.

La primera etapa fue la conceptualización de la pieza y la creación de la ilustración. Comenzó como un encargo de ilustración habitual, primero con bocetos, luego se desarrolló en Illustrator para que el cliente lo firmara. La diferencia fue que el archivo se configuró para que estuviera preparado para animar: todas las capas estaban separadas y etiquetadas.

Una vez firmado, es hora de llevarlo a After Effects. ¡Aquí es donde se pone divertido! Sabía aproximadamente lo que quería que hiciera la animación: los elementos se despliegan, la caja se pliega y la cinta se da vuelta. Pero, ¿en qué orden sucede esto? ¿Qué tan rápido caen los artículos? ¿Cómo se mueven los objetos cuando caen y rebotan? Todos estos se juegan en la etapa de animación. Este GIF en particular pasó por tres rondas de revisiones, en su mayoría afinando el tiempo, para obtener la pieza terminada.

Se trata de aprovechar al máximo la flexibilidad del medio digital. Las ilustraciones tradicionales son geniales, pero los GIF pueden ser realmente divertidos, atractivos e inteligentes. Comercialmente, he creado GIF para trabajos editoriales, redes sociales e incluso marcas. Para mí, los GIF más atractivos son los que se repiten de forma fluida e infinita, con mucho movimiento y alegría.

En mi opinión (sesgada), la ilustración puede comunicar un mensaje muy específico o un concepto complejo de una manera destilada, conmovedora, divertida o única, o todo lo anterior. Puede tener una voz muy distinta, lo que creo que la separa de la fotografía tradicional.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Los ilustradores más prometedores del 2019.

Algunas de las principales agencias del mundo eligen a las que hay que tener en cuenta para el año: familiaricese ahora con los artistas cuyo trabajo definirá 2019.

Ha comenzado, todos han vuelto oficialmente al trabajo, incluidos los artistas, y Ha llegado el momento de empezar a analizar las tendencias para el próximo año. Si bien siempre cubrimos nuevos lanzamientos de herramientas para hacer la vida creativa más fácil, también estamos ansiosos por encontrar los futuros talentos del mañana, aquellos que hasta ahora son nombres poco conocidos que están haciendo un gran uso de dichas herramientas.

Como todos los años, nos hemos acercado a agencias tanto boutique como establecidas para arrojar luz sobre las ilustraciones emergentes que trabajan en una variedad de campos, que van desde obras pictóricas hasta vectores y manualidades en papel. Ayudándonos con nuestra lista este año tenemos a JSR , que anuncia exclusivamente una nueva firma a continuación para Artes digitales , junto con B&A, Heart, Colagene, Grand Matter, Folio Art, Jellyy Agent Pekka. Entonces, muchos grandes nombres, dándonos muchos nombres importantes en el futuro para este último año de la década de 2010.

JSR: Aart-Jan Venema 

El nuevo fichaje Aart-Jan Venema vive y trabaja en La Haya, donde utiliza técnicas de pintura digital y tradicional para crear ilustraciones de múltiples capas y fantásticamente coloreadas, ancladas con un fuerte ojo compositivo. A Aaart le gusta llenar sus ilustraciones con historias, sorpresas y detalles para que el espectador los encuentre, que recuerdan a Hieronymous Bosch, uno de sus pintores favoritos. 

JSR: Aart-Jan Venema

Ganador de los premios Overall Professional y Design en los World Illustration Awards 2017 por el trabajo que destacamos aquí, la diversa cartera de Aart lo ha llevado a trabajar con clientes como Google, The New Yorker, revista ZEIT, Douwe Egberts, The New York Times, Wall Street Journaly Green Man Festival. Aart también completó recientemente su primer libro ilustrado Night Windows con Cicada Books.

Cuando no está ilustrando, lo cual es bastante raro, encontrarás a Aart navegando, jugando juegos de mesa, viendo Twin Peaks o leyendo Murakami.

JSR: Luke Waller

Luke Waller ha trabajado como narrador visual durante varios años, ilustrando regularmente para clientes como The Financial Times y BBC History, así como Twitter, Filadelfia y Playstation. El año pasado, Luke ha estado explorando la calidad cinematográfica de su trabajo con más profundidad, adaptando su estilo y paleta de colores característicos dibujados a mano a la animación.

Su animación a continuación utiliza una estética visual de Hong Kong, más específicamente lo que se conoce como la película de artes marciales Wuxia, para resaltar la necesidad de un cambio en las actitudes de los hombres hacia el acoso sexual, trazando paralelismos entre esta época antigua y las historias modernas de acoso y abuso.

El estilo de animación distintivo de Luke está cargado de un fuerte sentido de conexión humana, emoción y narración excepcional, que se presta a una amplia gama de temas.

Colagene: Victoria Bee

Victoria Bee nació y se crió en Bélgica. Después de cinco años de estudios en infografía y cuatro como directora de arte junior y artista de papel entre Montreal, París y Londres, se convirtió en artista independiente y se mudó a Berlín en 2015.

Sus imágenes están inspiradas en el surrealismo y siempre son muy coloridas. Está especializada en la creación de accesorios de tamaño pequeño o grande, ilustraciones en 3D (tangibles) y diseño de escenarios. Sus servicios abarcan desde la concepción hasta la producción, la fotografía y la postproducción.

Colagene: Amaël Isnard

Amaël ama componer imágenes divertidas, minimalistas y coloridas, a menudo pobladas de animales antropomórficos graciosos, objetos de museo misteriosos y plantas exóticas. También es un director de animación cuyo trabajo para el Observatorio Real de Greenwich ya hemos destacado antes.

Colagene: Amaël Isnard

Se graduó de Supinfocom en 2007 con la loca Musicoterapia, un musical en un hospital de animales, y luego pasó 5 años en Londres haciendo cortometrajes, películas educativas y comerciales. También desarrolló una pasión por el té Earl Grey y el rock británico. De vuelta en Francia, Amaël ahora vive en París con un compañero de piso de plástico Diplodocus.

Folio Art: Sarah Maxwell

Sarah es una ilustradora estadounidense que viajó a París para sus estudios. Su trabajo abarca desde la ilustración de moda hasta los GIF animados y editoriales con paneles. La mejor forma de describir su trabajo sería: nostalgia, ternura, feminidad y música electrónica de los 80. Entre sus clientes se encuentran Adidas, BBC Three, Playboy y Huffington Post.

Arte en folio:  Jason Raish

Jason nació en Seúl, Corea del Sur y creció en los Estados Unidos. Después de graduarse, se embarcó en una aventura de seis años alrededor del mundo mientras trabajaba como autónomo, viviendo en Beijing, Tokio, Seúl, Barcelona, ​​Londres y París.

Ahora está de regreso en Nueva York, dibujando en su escritorio y construyendo una lista sustancial de clientes que incluye al Smithsonian y Nike.

Jelly: Alva Skog

Alva Skog es una ilustradora de Estocolmo, Suecia, que expresa y cuestiona ideas e ideales como la desigualdad de género y el racismo oculto a través de su trabajo de ilustración.

Jelly: Alva Skog

Después de graduarse de Central Saint Martins en 2018, Alva se unió al esquema Jelly Futures y ya ha trabajado con clientes notables como The Guardian, Apple y la zona minorista Coal Drops Yard de Londres (por nombrar algunos). Artes digitales la primera conoció porvez en la feria de graduados de CSM del año pasado y, sin duda, seguirá su trabajo durante el próximo año.

Jelly: Tom Guilmard

Tom Guillmard firmó con Jelly a finales de 2018 en su esquema Futures, que encuentra el mejor talento nuevo de todas las fuentes, ofreciéndoles una ruta hacia una carrera de arte comercial.

Desde que se graduó de Camberwell College of Arts, Tom ha creado ilustraciones para varios estudios de diseño, publicaciones y marcas como PULL & BEAR, The Rolling Home y la revista NEON y su trabajo ha sido galardonado con un lápiz D&AD.

Agente Pekka: Justyna Stasik

Presentamos por primera vez a la ilustradora polaca Justyna Stasik, residente en Montreal, el verano pasado, cuando su animación era parte de un escaparate de Punanimation que destacaba a mujeres, creadoras trans y no binarias.

Las obras impulsadas por los personajes de Justyna son absolutamente encantadoras, llenas de pequeños detalles extravagantes y rarezas. Al mismo tiempo, son muy accesibles y funcionan bien en una variedad de aplicaciones.

Ilustración central: Wooli Chen

Whooli Chen trabaja con una paleta delicada y capas pictóricas sensibles que lleva la ilustración caprichosa a otro reino.

Actualmente radicada en Taiwán, Whooli estudió una maestría en ilustración en la Universidad de las Artes de Londres, donde encontró una musa en un zorro callejero urbano. El mundo editorial está salpicado de su encanto con múltiples portadas para la Little White Lies revista, entre otras. Le encanta la literatura y el arte y, a menudo, se la puede encontrar con un bolígrafo junto a su tablero de dibujo.

Ilustración central: WRK

Equipo creativo WRK representa el trabajo colaborativo de Andrea Weber y Damoun Tamir, un joven dúo de diseñadores con sede en Alemania que se especializa en ilustraciones táctiles.

Ilustración central: WRK

WRK crea imágenes coloridas y audaces para una variedad de proyectos editoriales y comerciales. El dúo prefiere un enfoque lúdico, poco convencional y encantador que trabaja con una amplia gama de materiales, incluido el papel o el papier maché, y disfruta experimentando con materiales cotidianos.

Corazón: George Wylesol 

George tuvo un 2018 brillante, asegurando columnas regulares con Bloomberg Businessweek y Der Spiegel , además de trabajar en comisiones para Burberry y Penguin Random House, por nombrar algunos.

Con más proyectos de alto perfil actualmente en trámite, Heart está seguro de que 2019 será otro año emocionante para George. 

Corazón: Barry Falls 

Diseño de papel de envolver, promoción para Heart Agency

2018 también fue un gran año para Barry Falls. Paralelamente a su trabajo editorial para clientes internacionales, trabajó en una gran campaña para Brand USA, recibió el encargo de un libro regalado al Papa Y terminó el año con un proyecto para American Express.

2019 verá su primer libro para niños It’s Your World Now publicado por Pavilion, así como una colaboración con Laurence King Publishing.

Gran Materia: Thomas Hedger 

Premioganar artista visual Thomas Hedger mezcla sólida línea de trabajo, formas geométricas y fluidas, colores vivos y con frecuencia gradientes la creación de ilustraciones vectoriales garra con el ambiente y la belleza.

Su trabajo toma la forma de ilustración plana para aplicaciones impresas y digitales, así como instalación física en 3D y escultura. Ha trabajado con clientes como WeTransfer, el Museo Británico y Wolff Olins.

Grand Matter ha elegido a Thomas Hedger porque constantemente experimenta y supera los límites con su trabajo. Después de graduarse de Central St Martins el verano pasado, cuyo trabajo destacamos el año pasado en nuestro programa de graduación de CSM , ya se ha embarcado en una maestría en la RCA, y su hambre de aprender y desarrollarse es realmente emocionante. La agencia tiene la sensación de que ni siquiera ha arañado la superficie en términos de expresión creativa. 

Grand Matter: Jessica Dance

Jessica es una artista textil y creadora de modelos que se especializa en crear modelos y accesorios táctiles hechos a mano. Su versión lúdica de los artículos de uso diario, elaborados de manera intrincada en lana de cordero, son reconocibles al instante y muy solicitados por marcas de moda y medios como Tatler, Stylist, Liberty, Creative Review e ITV. Jessica teje todas sus creaciones lanudas en su máquina de tejer doméstica vintage y esculpe las bases de los modelos a mano en su estudio.

GM ha elegido a Jessica Dance como otro consejo para 2019, ya que es la reina de todos los textiles y está perfeccionando constantemente su oficio. El año pasado, Jessica comenzó a experimentar con bordados tipográficos, y este desarrollo ha introducido una dimensión gráfica audaz en su trabajo y debería ser emocionante ver cómo evoluciona a medida que lo integra en su práctica actual. 

B&A: Hunky Dunky

Hunky Dunky es un nuevo fichaje para la lista de Bernstein & Andriulli, formada por el artista 3D Yonito Tanu y la directora de arte Jessica Chapiness. El dúo crea mundos estáticos o animados maravillosamente surrealistas que están llenos de color y detalles y movimientos inesperados.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Los mejores teclados para diseñadores y artistas

Los mejores teclados para diseñadores y artistas

Desde marcas conocidas como Logitech hasta especialistas como Keychron, estos son nuestros teclados favoritos para Photoshop, Illustrator, InDesign, Lightroom y más.

Ya sea en su estudio, en una agencia u oficina, trabajar en nuestra computadora es un asunto diario. Es parte de nuestra sociedad digital y es importante crear una configuración adecuada para usted, ya sea que use su teclado principalmente para atajos y ediciones rápidas, o si pasa mucho tiempo elaborando presentaciones. A menudo damos un tiempo para considerar lo que serán las mejores portátiles, tabletas, tabletas de dibujo, computadoras de arte y diseño, pero no tanto en lo que preferimos teclado.

Al editar en la suite Adobe Creative Cloud, Final Cut Pro y otro software, aprendemos los mejores atajos y ritmos de nuestro proceso creativo, pero ¿y si su teclado pudiera ayudarlo a trabajar de manera aún más eficiente e intuitiva?

Aquí tenemos una lista de los mejores teclados para diseñadores, incluidos teclados con diales personalizables, iluminación de teclas específicas y cubiertas de atajos de teclado para aplicaciones individuales de Adobe como Photoshop y Lightroom. Solo incluimos teclados que hemos probado. También hemos incluido los accesorios de teclado favoritos, como los mejores mini teclados y consolas de edición del mercado.

Mejor Teclado general – Logitech Craft

Teclado Logitech

Su teclado es útil para cualquier persona que utiliza Adobe Photoshop, Illustrator, InDesign, Adobe Premiere Pro y Lightroom clásico CC – que es probablemente la mayoría de nosotros. Funciona tanto con Mac como con Windows para las herramientas de Adobe al menos, y está retroiluminado.

El nuevo Craft de Logitech tiene como objetivo hacer más por su creatividad que su teclado promedio. Cuenta con un dial en la parte superior izquierda que se puede usar para controlar parámetros en aplicaciones creativas, así como software de oficina como PowerPoint y Word. Logitech llama a este dial una corona, y funciona un poco como Surface Dial de Microsoft para Surface Pro y Surface Studio.

En Photoshop, por ejemplo, al girar la corona, se acerca y se aleja. Toque en la parte superior del dial y aparecerán los parámetros de la herramienta que está utilizando; por ejemplo, si está utilizando la herramienta Pincel, verá Tamaño, Dureza, Opacidad y Flujo. Puede tocar de uno a otro, ajustando cada uno girando el dial a medida que avanza. Tener un dial físico hace que ajustar los parámetros sea más fácil que usar los controles deslizantes en pantalla con un mouse (o un teclado), ya que puede realizar ajustes más grandes rápidamente con un movimiento rápido de la mano y luego disminuir la velocidad del movimiento de la mano para seleccionar con precisión el valor que desea. .

Sin embargo, que el dial esté a la izquierda del teclado seguramente molestará a algunos usuarios zurdos a quienes les gusta tener su mouse o tableta a la izquierda.

Una nueva actualización para Craft acaba de agregar soporte para Lightroom Classic CC; Adobe Reader DC y VLC Media Player en Windows; Vista previa, QuickTime y Safari; y Spotify para Mac y Windows.

La mejor combinación de teclado y mouse: Logitech MX Keys y MX Master 3

Logitech MX Keys - Teclado inalámbrico iluminado con ratón

Si el Craft no te enciende, busca la serie MX de Logitech. El teclado MX Keys y el mouse MX Master 3 son realmente los más cómodos que hemos usado: las teclas tienen la cantidad justa de recorrido para que nunca te equivoques al escribir, pero son lo suficientemente suaves como para que el sonido no moleste. incluso alguien sentado a tu lado.

El mouse está esculpido en su mano derecha, por lo que no funcionará para nadie que use un mouse con la mano izquierda, y tiene una gran cantidad de botones y ruedas. Un truco ingenioso es el botón en la parte superior que cambia el funcionamiento de la rueda de desplazamiento principal, ya sea ‘haciendo clic’ entre los estados establecidos o desplazándose suavemente para acercar o alejar con precisión o seleccionar un tamaño de pincel.

Hay mucha otra flexibilidad con la serie MX. Tanto el mouse como el teclado pueden funcionar con hasta tres computadoras, intercambiándose entre ellas con solo tocar un botón. La conectividad se realiza a través de Bluetooth o mediante un receptor USB incluido (un receptor funcionará tanto con el teclado como con el mouse). Y ambos tienen puertos de carga USB en ubicaciones sensibles.

MX Keys y Master 3 están disponibles en una versión multiplataforma (por lo que tiene diseños de Windows y Mac ) y un nuevo modelo específico de Mac.

MX Keys para Mac tiene un esquema de color Space-Gray-esque, un diseño específico de Mac que le brinda la tecla de opción correcta y, dice Logitech, una mejor compatibilidad con la implementación de Bluetooth de Mac para un mejor rendimiento. El mouse ‘para Mac’ tiene un color de acento al estilo Space-Gray, pero sigue siendo principalmente gris oscuro. 

El mejor teclado mecánico: Keychron K1

Teclado Keychron

Nos encantan los teclados mecánicos en Artes digitales, pero el Keychron K1 inalámbrico tiene que ser el mejor del mercado, y con 18 mm de grosor, también es oficialmente el tablero mecánico más delgado del mundo. También es uno de los más elegantes, especialmente sorprendente considerando el bajo precio. Este es un teclado que quedará genial en cualquier escritorio.

Otro USP es que el Keychron es uno de los más raros teclados mecánicos que tiene todas las teclas de función de Mac, con todas las teclas de función de macOS como se ve en el Apple Magic. Incluso hay un atajo de teclado para Siri y Dictation con sus símbolos icónicos.

¿No eres usuario de Mac? No se preocupe, ya que con un simple interruptor en la parte posterior puede cambiar al modo Windows, y con el botón para Siri puede convocar al asistente de Cortana si es necesario (elija la variante de Windows al finalizar la compra si, err, prefiere tener un Cortana clave estampada en su lugar).

También en la parte posterior hay un botón para encender su Bluetooth si desea conectarse de forma inalámbrica; de lo contrario, simplemente conecte un cable USB y listo.

Hablando de botones, incluso hay una tecla de captura de pantalla que funciona para todas las plataformas, por lo que ya no es necesario mantener presionado ‘cmd + shift + 4’. Guau.

Mejor teclado retro: Azio Retro Classic

AZIO Retro Classic Keyboard

Este teclado retroiluminado ofrece un elegante estilo vintage. Aunque puede que no sea del agrado de todos, y el teclado pesa 1,5 kg, es un diseño impresionante y atractivo. Se trata de estética, en otras palabras.

Si eres un fanático de las teclas mecánicas táctiles (aunque pueden hacer un poco de frío en el invierno) y disfrutas transportándote hacia atrás unas décadas, o simplemente quieres que tu escritorio de estudio se vea envidiosamente elegante, entonces este es el teclado. para ti.

Azio es conocido por sus robustos teclados dirigidos a jugadores y mecanógrafos incondicionales, pero su teclado Retro Class combina tecnología moderna con buena apariencia vintage. Este teclado tiene que ver con el detalle, como sus teclas circulares y placa de aluminio. Las teclas están retroiluminadas, con LED centrados debajo de cada tecla para una luz uniforme en todo el tablero. Hay cuatro modelos: Artisan, Psoh, Onxy y Elwood.

El Azio Retro Classic se envía con un diseño de Windows, pero incluye equivalentes de Mac en la caja. Simplemente saque cada tecla de la PC y cámbialas, encienda un interruptor en la parte posterior y tendrá un teclado nativo de Mac.

Mejor teclado con iluminación multicolor: Corsair K70 RGB

Teclado Corsair K70

No hay duda: el teclado mecánico Corsair K70 RGB es una monstruosidad. Está dirigido a jugadores de alto nivel (no hace falta decirlo), pero si tu principal prioridad es la funcionalidad sobre la estética, esto podría ser para ti.

La característica interesante de estos teclados es la capacidad de asignar a cada tecla su propio color (e intensidad) de retroiluminación para cualquier función, de modo que pueda coordinar el color de sus atajos. Esto podría ser útil si eres una persona visual.

Las combinaciones de teclas multicolores le dan el control y pueden acelerar su flujo de trabajo si trabaja con un plazo ajustado. El software Corsair Utility Engine (CUE) facilita la configuración de sofisticadas macros animadas y efectos de iluminación.

Cambie cualquier tecla del teclado a una configuración de color y brillo de su elección. Puede crear, guardar y cargar patrones personalizados para sus atajos favoritos.

El mejor teclado mecánico de formato completo: Keychron K4

Ha habido dos nuevas versiones desde ese lanzamiento, ambas evitando el elegante aspecto negro del K1 por un sabor más retro.

Cada uno conserva la retroiluminación del original, junto con la intercambiabilidad de Mac / Windows. También buscan mantener ese ojo de Keychron para un buen diseño.

Todas las versiones de Keychron hasta la fecha son sin teclas, excepto la versión K4 de 2020.

Esta versión le ofrece un teclado de aspecto retro muy parecido al K2 del año pasado, pero del mismo ancho que el K1.

Entonces, se ofrecen muchas claves, pero nos entristece informar que el K4 carece de la clave de captura de pantalla de las otras placas que usamos tanto para nuestro flujo de trabajo visual.

Nos dieron la versión de retroiluminación RGB del K4 con un interruptor rojo, y nos encanta lo silencioso que suena el modelo (a diferencia del K2 con interruptor rojo que se explica a continuación).

Las luces de fondo brillan muy bien, de alguna manera se mezclan bien con el aspecto vintage grueso de la tabla en su conjunto. Definitivamente no hay contrastes evidentes.

El mejor teclado clásico de Mac: Apple Magic Keyboard con teclado numérico

Magic Keyboard

No puede equivocarse al comprar un teclado fabricado por Apple para su Apple iMac. Aunque este teclado puede no parecerle nada especial, la mayoría de las Mac vienen con un teclado más corto que no incluye el teclado numérico, que en realidad puede ser útil para los atajos.

Y la batería recargable incorporada es de larga duración, y alimenta su teclado durante aproximadamente un mes o más entre cargas. Puede optar por alimentar este teclado con Bluetooth o mediante un cable Lightning a USB.

Otra opción es comprar el teclado numérico por separado, en lugar de comprar un teclado completamente nuevo. 

Mejor teclado mecánico compacto: el K2 de Keychron K2

2019 es el más compacto de los nuevos Keychron gens, cuya versión con retroiluminación blanca nos ofrecieron para su revisión. Ese modelo es probablemente el más sutil, así que no espere ninguna óptica de arco iris mientras escribe. 

Nuestro White K2 también vino con un interruptor ‘Rojo’ que se describe en el sitio de Keychron como ‘silencioso’ pero aún suena como un clic, así que tenga cuidado si espera usar uno en un espacio compartido.

La mayor diferencia entre este y los demás es el tamaño, con el K2 un juego de teclas mucho más compacto. Si le preocupa el espacio, conviértalo en su teclado mecánico preferido.

Los mejores accesorios para teclados

El teclado complementario de Rama Works M6

Rama Works siempre ofrece teclados y accesorios de diseño asombroso, y el M6-A no es una excepción.

Los botones basados ​​en interruptores le ofrecen la oportunidad de configurar seis opciones preestablecidas, perfectas cuando busca accesos directos simples en su flujo de trabajo, y sin necesidad de soldar, es fácilmente personalizable. Simplemente saque una tecla y reemplácela con otra de la hermosa gama de teclas de Rama Works.

Hemos jugado con una variante de la serie Liquid de la edición de coleccionistas de oro rosa y quedamos impresionados no solo con su diseño elegante, sino también con la construcción robusta pero liviana del M6-A.

Igual de genial es la forma en que se ilumina cuando lo conecta a su escritorio o Mac: todo lo que necesita es el cable USB provisto y listo. Muy recomendable, el Rama Works M6-A es definitivamente el mejor teclado complementario que existe.

Consola de edición de fotografías Loupedeck +

Esta Loupedeck Plus es la próxima generación del modelo original de 2017, una consola de edición de fotografías específicamente para Adobe Lightroom (cualquier versión superior a Lightroom 6), Premiere Pro y Photoshop, además de After Effects tanto en PC como en Mac a través de un USB estándar. También funciona en conjunto con el teclado Adobe Lightroom de Editor Keys.

Fuera de Adobe, la consola es compatible con Skylum Aurora HDR y también tiene una integración beta con Capture One.

Con Loupedeck +, puede controlar funciones, herramientas y configuraciones comunes dentro de Adobe Lightroom usando sus diversos botones y diales. Todo es personalizable. Sin embargo, la consola no es barata, así que asegúrate de usarla.

Kit de controlador de paleta

Si necesita más control que un solo dial, consulte Palette, que es una colección de diales, botones y controles deslizantes interconectados que pueden funcionar con muchas de las aplicaciones de Adobe, así como con Final Cut Pro, pero tenga en cuenta que el control deslizante no puede se restablece desde la última configuración utilizada, por lo que es inútil cuando se trabaja en más de una imagen. 

Cada control se encuentra en su propio módulo satisfactoriamente sólido, que puede conectar en cualquier diseño que desee, con un módulo de comando que conecta su configuración a su Mac o PC a través de USB.

Hay tres kits disponibles, cada uno con el módulo de comando y varios otros, y puede comprar módulos adicionales por separado. El kit estándar tiene dos botones, un dial y un control deslizante. El Expert Kit tiene dos botones, tres diales y dos controles deslizantes. El kit profesional tiene cuatro botones, seis diales y cuatro controles deslizantes.

Miniteclado Delux Designer

Nos ha gustado el estilo de este mini teclado desde que apareció como prototipo el año pasado; un producto final parece haberse enviado el otoño pasado después de una exitosa financiación colectiva, pero puede ser difícil conseguir uno ahora.

El Delux Designer le brinda solo la mitad del teclado que realmente usa mientras dibuja o hace diseños con una tableta de dibujo , además de un dial para zoom, tamaños de pincel, opacidad o simplemente para aumentar su volumen cuando aparece un golpe absoluto en Spotify. 

Es compatible con Adobe Illustrator, InDesign, Photoshop, After Effects, Premiere Pro, Maya, Rhino, además de otras aplicaciones 3D y CAD.

Editores Teclas Cubiertas de teclado

Aunque esta empresa de teclados vende principalmente teclados para edición de sonido, edición de audio y edición de video, ha creado cubiertas de teclado prácticas de accesos directos de Adobe para Mac y PC, incluso para Microsoft Surface Pro.

Editors Keys tiene una gama de cubiertas de teclado independientes con atajos específicos para todas las aplicaciones Creative Cloud de Adobe, como Photoshop, InDesign, Lightroom, After Effects, Premiere, Final Cut Pro X y muchas más.

Lo bueno de estas cubiertas de teclado es el hecho de que son asequibles y resultan una protección útil, para que sus teclas reales no se llenen de polvo ni sufran derrames.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un efecto de fuego

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un efecto de fuego

Crea un superhéroe al estilo de la antorcha humana, o un mago de fantasía que lanza bolas de fuego, con estas brillantes técnicas de Photoshop.

Introducción 

Los superhéroes dominan nuestros cines y pantallas de televisión en este momento, y ahora puedes participar en la acción [película]. En este tutorial, el maestro de Photoshop. Fabio Sasso demuestra cómo crear su propia Antorcha Humana usando poco más que imágenes de archivo, un poco de paciencia y mucho conocimiento de Photoshop.

También puedes usar la misma técnica para un mago que lanza bolas de fuego en una obra de fantasía, un mago del mundo real o alguien que acaba de tener mucha mala suerte cerca de una fogata. 

Sasso le explicará cómo perfeccionar el uso de las capas, ajustar la misma imagen varias veces y superponer el modelo central. Utilizará estilos de capas que se ajustan para crear efectos y lograr un acabado sutil y pulido.

Sasso también tiene muchos consejos sobre cómo combinar a la perfección fotografías de archivo, utilizando la herramienta Deformar, efectos simples de Photoshop y algunas máscaras de capa. A lo largo del tutorial, aplicará sutilmente modos de fusión hasta que alcance el impresionante efecto que se muestra arriba.

Todas las imágenes que necesitará se pueden comprar a bajo costo en Shutterstock, o puede sustituir fácilmente sus propias fotos si lo prefiere.

Paso 1

Abra Photoshop y cree un nuevo documento que mida 1.920 x 1.200 píxeles. En la capa Fondo, aplique un Estilo de capa (Capa> Estilo de capa) y use una Superposición de degradado, estableciendo el modo de fusión en Normal, la opacidad en 100% y el estilo en Radial. Aumente la escala al 150%. Ahora, para los colores, use 040302 para el color más oscuro y 1b140b para el más claro.

Paso 2

Ahora agreguemos una foto: compre la imagen en Shutterstocko use una foto similar. Luego use la herramienta Pluma (P) para crear una ruta para extraer al hombre del fondo. Convierta la ruta en una selección manteniendo presionada la tecla Cmd / Ctrl y haciendo clic en la miniatura de la ruta.

Paso 3

Duplica la imagen en una nueva capa y usa un pincel grande y suave para borrar parte del brazo, pintando sobre la máscara. Nombra esta nueva capa ‘brazo modelo’ y la capa inicial ‘modelo’.

Paso 4

Duplica la capa ‘modelo de brazo’ y ve a Filtro> Otros> Paso alto. Establezca el radio en 10 píxeles y el modo de fusión en Luz intensa.

Paso 5

Ahora duplique la capa ‘modelo’, nombrando la nueva capa ‘modelo resplandor’. Vaya a Filtro> Estilizar> Bordes brillantes. Establezca el ancho del borde en 6, el brillo del borde en 7 y la suavidad en 7.

Paso 6

Aún en la capa de ‘brillo de modelo’, elimine el resto del cuerpo, dejando solo el brazo. Estos serán los aspectos más destacados del fuego. Además, cambie el modo de fusión a Pantalla.

Paso 7

Agregue una nueva capa, nombrándola ‘máscara de modelo’, luego seleccione Filtro> Render> Nubes, estableciendo blanco y negro como colores de primer plano y de fondo, respectivamente. Vaya a la paleta (Trazados) y cargue el trazado que creó en el paso 2. Con la selección cargada, vaya a Capa> Máscara de capa> Revelar selección.

Paso 8

Elimine el resto del cuerpo en la capa de ‘máscara de modelo’, dejando solo la mano, luego vaya a Capa> Estilos de capa y seleccione Superposición de color. Elija una naranja, cambie el modo de fusión a Sobreexposición lineal y establezca la opacidad en 88%. Use una naranja para el color y cambie el Modo de fusión a Sobreexposición lineal (Agregar). Cambie el modo de fusión de la capa a Sobreexponer color.

Paso 9

Agregue otra capa encima de las otras y asígnele el nombre «humo». Vaya a Filtro> Renderizar> Nubes. Una vez más, asegúrese de tener blanco y negro para el fondo y los colores de primer plano. Cambie el modo de fusión a Sobreexponer color y con la herramienta Borrador (E) configurada en un pincel grande y suave, elimine la mayoría de las áreas de la capa, dejando solo la parte cercana al brazo que va a prender fuego.

Paso 10

Seleccione Capa> Nueva capa de relleno> Color sólido, luego haga clic en la capa para abrir el cuadro de diálogo Estilo de capa. Seleccione Superposición de degradado y cambie el modo de fusión a Superposición.

Para los colores, use naranja y un naranja muy oscuro; establezca el estilo en Radial y mantenga la escala al 100%. Mueva el degradado para que la parte más clara quede encima de la mano del modelo.

Paso 11

Seleccione Capa> Nueva capa de ajuste> Mapa de degradado y cambie el modo de fusión a Luz suave.

Paso 12

Ahora agreguemos algunas llamas. Para hacer esto, necesitaremos otra foto de archivo. Puede comprar la imagen o usar una foto similar. Comienza a copiar partes de la llama y pégalas sobre el brazo en llamas del modelo. Establezca el modo de fusión en Pantalla, y luego vaya a Editar> Transformar> Deformar, y distorsione para que coincida con el brazo del modelo.

Paso 13

Ahora agreguemos una bola de fuego. Nuevamente usaremos otra foto de archivo; puede comprar la que se usa en el ejemplo. Cambie el modo de fusión a Pantalla y seleccione Imagen> Ajustes> Niveles. Aumente un poco la entrada de blanco para que los colores coincidan con las otras llamas.

Para terminar la pieza, puede hacer que los ojos ardan o crear algunos rayos de luz.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Sexo y arte: guía para crear trabajos elegantes, sensuales y divertidos

Sexo y arte: guía para crear trabajos elegantes, sensuales y divertidos

Hay un antiguo eslogan publicitario que se recicla sin cesar en las elecciones de las escuelas secundarias de películas estadounidenses, los anuncios en línea y los artículos sobre enfermedades venéreas. ‘¡SEXO!’ proclama, antes de continuar, ‘Ahora tenemos su atención’. 

Los estudios excitantes de la forma humana han sido una fuerza poderosa en el arte desde mucho antes de que Miguel Ángel cincelara las nalgas de su estatua de David, y en la era digital esto no muestra signos de desaceleración, sino todo lo contrario. Las imágenes sexualizadas abundan en la publicidad, pero también en la ilustración, muchos artistas conocen instintivamente esta simple regla: a las personas les gusta el sexo y les gusta mirar imágenes que les hagan pensar en el sexo.

El David de Miguel Ángel

No se puede evitar el hecho de que la mayoría de las veces cuando hablamos de sexo en la ilustración contemporánea, estamos hablando de imágenes de mujeres. Esto se debe en parte a la rica tradición de utilizar mujeres para vender productos, y también, sin duda, en parte a que la ilustración digital sigue siendo un campo dominado por los hombres. El artista Derek Santiago agrega: “A lo largo de la historia del arte hay una forma de arte que detiene a hombres y mujeres en su camino: la belleza femenina sensual en todas sus formas y tamaños variados. Nada se compara y nunca envejecerá».

Sin embargo, el sexo en el arte requiere un toque delicado: las representaciones explícitas de los fragmentos sexuales de las personas rara vez resultan seductoras. Los artistas que quieren crear un escalofrío erótico en sus imágenes deben trabajar más duro que eso. La sensualidad es una cualidad escurridiza y esquiva: a menudo se basa en el gesto, la sugerencia y el tono mucho más que en acres de carne. 

“El sexo significa cosas diferentes para diferentes personas, al igual que el gusto. Para mí, es el contraste entre dinamismo y moderación, alegría y elegancia, calor y frío. Todo se trata de fricción ”, dice Arn0 

A veces, la sensualidad no necesita piel en absoluto; por ejemplo, en su propuesta de portada para la revista gay Butt, Arn0 crea una atmósfera muy sugerente y cargada de erótica utilizando solo frutas y donas. 

Un puñado de bocadillos de formas sugerentes y un esquema de color caramelo saturado hacen que la propuesta de portada de Arn0 para Butt sea obscena sin un solo píxel de carne expuesta.

El arte de la seducción

Al evocar el sexo, los artistas caminan por la cuerda floja: las mismas cosas que pueden ser sensuales cuando se usan de una manera, de repente pueden volverse obscenas en un contexto diferente; una imagen que a una persona le parece una celebración de la figura femenina puede parecerle tremendamente explotadora y ofensiva para otra. Para complicar más las cosas, por su propia naturaleza, las imágenes sexuales son provocativas y un poco subversivas, pero ¿dónde está la línea entre provocar placer e indignación?

La clave suele ser coquetear en lugar de explícito, intrigar en lugar de abrumar. «La seducción es superpoderosa: te atrae, llega a las profundidades de tu imaginación y te hace preguntas oscuras e íntimas», dice MissLED, que crea chicas pin-up con estilo de graffiti y ojos . “La desnudez flagrante y la objetivación por el simple hecho de vender sexo no son nada sexys para mí, no se invoca ningún enredo o pensamiento». Vermeer Girl With The Pearl Earring de se está filtrando en una sugerencia poderosa, por ejemplo. La mirada confiada pero con los ojos muy abiertos por encima del hombro, los labios húmedos ligeramente entreabiertos. Caliente. Los pliegues de la tela, los mechones sueltos del cabello, las texturas, las manos delicadas, casi aduladoras. Fetichista tal vez, pero maravillosamente sexy para mí».

Girl with a Pearl Earring

Ya sea un cigarrillo, una piruleta o un revoltijo de rulos, MissLED usa accesorios para darle a su personaje una historia de fondo, un contexto, y una razón para el existente

El coqueteo en las imágenes es bastante similar al coqueteo en la vida real: es un juego de atrevimiento y subversión. , un sentido del humor y una vena traviesa a menudo son útiles. Para muchos artistas, el humor es una herramienta vital para suavizar el impacto de las imágenes obscenas. 

Kerry Roper creó su Girl Called Candy serie usando tarjetas telefónicas que se encuentran en cabinas telefónicas de Soho; Él socava la explicitación fría y frontal de la fotografía al reemplazar las cabezas con dulces hervidos con caras sonrientes. El resultado es vanguardista, divertido y estimulante: los elementos de desnudez y S&M son todo menos gratuitos. 

Mientras tanto, muchos artistas recurren al arte coqueto del pasado como una útil taquigrafía visual, minando portadas de ficción pulp, imágenes publicitarias antiguas, carteles de películas y otros géneros para crear imágenes sexys que tienen una sensación lúdica y ligeramente irónica; estas imágenes a menudo comparan y contrastan implícitamente nuestra noción de lo que es sexy hoy con épocas anteriores. Quizás debido a la tendencia actual del burlesque y todas las cosas retro de los años 50, el arte pin-up es actualmente muy popular.

El encanto a la antigua

Derek Santiago divide su propio trabajo en dos categorías: pin-ups y desnudos. Destaca el encanto del arte pin-up: «Los pin-ups clásicos son un poco más familiares, evocan una sexualidad inocente», dice, y enumera las características esenciales del pin-up como «ropa vintage, peinados atrevidos, flores, diversión y una gran sonrisa.» Los fusiona con todo, desde el graffiti hasta la aerografía; no puede decidir si su estilo debe etiquetarse como ‘arte pin up figurativo urbano multicultural híbrido retro-futuro’ o ‘pin-ups latinos de alta tecnología’.

Derek Santiago emplea las poses exageradas del arte pin-up con Pussy Cat From The Phillipines, y también toma prestado generosamente del género para todo, desde el encuadre hasta las flores en el cabello de las modelos. 

El artista japonés Rockin ‘Jelly Bean utiliza los estilos de carteles de películas de serie B de las décadas de 1950 y 1960 para crear bebés de pechos gigantes y cintura de avispa que hacen pucheros y chillan melodramáticamente cuando los monstruos marinos los atacan. En manos menos hábiles, esas niñas con proporciones de muñecas Barbie parecerían poco más que el resultado de las imaginaciones de un adolescente febril. Sin embargo, cuando se combina con letras de películas de terror de la década de 1950 y frases como «el ataque de los ladrones de bikini», el resultado es tan exagerado que es más divertido que sórdido, burlarse de la sexualización gratuita de las mujeres en el pasado mientras disfruta de la oportunidad de mostrar un pequeño pezón en el presente. Esta es la clara contradicción del arte retro.

Rockin ‘Jelly Bean templa a sus sujetos generosamente dotados con un sentido de travesura, ya sea una muñeca diabólica adicta al chocolate o una nena de película B derramada en bikini.

Los brillantes e ingeniosos collages de Peter Quinnell están llenos de fotos antiguas de modelos glamorosas intercaladas con bienes de consumo y elementos sugerentes como frutas y labios abiertos y brillantes. “Busco imágenes fuertes, coloridas y con cierta superficialidad; a menudo utilizando imágenes publicitarias antiguas diseñadas para agradar y vender ”, explica. 

La yuxtaposición de mujeres y bienes de consumo satiriza las técnicas publicitarias de la vieja escuela; para Quinnell, esto es esencial: «El humor es muy importante para mí; los elementos sexuales en mi trabajo son ligeros y divertidos en lugar de pornográficos y explotadores».

Ladyporn

Hay una sensación igualmente irónica en el trabajo de Arn0: el ilustrador francés típicamente hace referencia a la aerografía elegante de los años setenta y ochenta y al estilo retro de Miami para crear retratos sexualmente cargados de niños y niñas físicamente perfectos. Dice que una sensación de glamour tan extrema que lleva un toque de parodia es vital para sus imágenes: “Un agente anterior usó la expresión ‘hiperglamour’ para describir mi trabajo a los clientes. Me gusta eso porque evoca hiperrealismo y glamour, en la doble definición de sugestión y de hechizo mágico «.

La adopción de estilos particulares, especialmente los establecidos desde hace mucho tiempo, como el arte de carteles de los años 50 o los carteles de los años 70, permite a los ilustradores sostener una especie de lente que filtra la forma en que vemos el tema. Sin embargo, en el centro de casi todas las imágenes con carga sexual hay un cuerpo humano, generalmente femenino. La forma en que lo retratas puede marcar la diferencia entre lo elegante y lo vulgar.

Casi todos los artistas con los que hablamos subrayaron el hecho de que la imagen debe ser hermosa; una de las diferencias fundamentales entre el arte sexualizado y la pornografía es que tiende a idealizar a las mujeres en lugar de mostrarlas como una colección de partes carnosas. .

Kerry Roper dice: «Mi objetivo es provocar a la gente, también quiero crear imágenes hermosas». Hay dos tácticas clave que muchos ilustradores emplean aquí: sutileza y exageración. Agrega que lo que hace que una imagen sea sexy puede ser “cualquier cosa, desde la ropa hasta la pose. A veces, menos es más: lo sugerente a veces puede ser más sexy que una modelo puramente desnuda; simplemente insinuar a través de imágenes poderosas de ciertas partes del cuerpo, como labios y piernas «.

Paul Oakley crea elegantes siluetas en bloques de colores que son coquetas. Dice: “Lo que queda fuera de la imagen es crucial: quiero que la imagen conserve una ambigüedad que deje algo a la interpretación del espectador. Esta sutileza es muy importante para sugerir la belleza sin volverse demasiado descriptivo, o demasiado sexy o obsceno para su publicación. Esto es particularmente importante si se requiere que el contenido sea un poco atrevido «.

Sus elegantes imágenes a menudo presentan un solo elemento, como un atisbo de ropa interior o una correa de zapato, que transforma toda la pieza en algo bastante más atrevido. 

Martin Abel que crea arte pin-up con infusión de manga, dice: «Para mí, la sensualidad en una ilustración son características sutiles». El rostro, y en particular la mirada, son vitales: «Nunca puedes equivocarte con una expresión facial astuta, descarada y sexy, con los ojos fijos en el espectador».

Dice que la pose viene en un segundo estrecho: “Una pose sexy dinámica, donde las curvas fluyen y se exageran en las áreas correctas. Flujo direccional: de eso se trata ”. 

El estado de ánimo es clave para las buenas pin-ups, dice Martin Abel. “Mis personajes deben tener descaro y picardía, en lugar de ser simplemente guarras. Me gustaría pensar que son más que eso «.

A Martin le gusta equilibrar estas sutiles características con la exageración, pero esto no significa necesariamente que le dé a la modelo tetas de calidad de Baywatch: “La exageración es importante para mí, pero hay una línea muy fina. Me gusta exagerar solo ciertas características: las pestañas son mis favoritas; los senos no tanto, todas las formas y tamaños son fantásticos ”, dice. “Se trata de exagerar con una causa. ¿Cuáles son los elementos de la chica que quieres destacar? ¿Qué la hace diferente del resto? «

Kerry Roper creó su serie A Girl Called Candy utilizando tarjetas de visita de prostitutas, que se dejaron en cabinas telefónicas en el centro de Londres. Él dice: «Mi objetivo es tener un pensamiento claro detrás de la mayor parte de mi trabajo; me gusta recompensar al espectador por comprender y resolver las pistas visuales».

Las astutas mujeres  de MissLED lucen pucheros de gran tamaño, ojos enormes o peinados enormes y elaborados. “Creo que estas características, especialmente los ojos y los labios, son puntos de comunicación en contraposición a las partes objetivadas del cuerpo”, explica. “Tengo muchas ganas de ver hasta dónde podría enfatizar estos, sin perder el elemento de sensualidad y seducción. Creo que el cuello y los hombros fuertes son importantes para mí, sobre los senos y las nalgas últimamente «.

Al igual que con todo buen arte, la clave para hacer arte sexy que funcione es tener algo que decir y decirlo bien; como dice Martin Abel, si tus imágenes no son más que un atractivo visual, se verán pervertidas. «Lo principal es que no se trata solo de T y A. Está bien tener algunos, pero no servirá de nada si no se afinan sus habilidades con el lápiz y si se pierden esos importantes gestos».

La sensación de lentes de vaselina, la paleta de colores carnosos y la expresión sin aliento se combinan para garantizar que este retrato de Arn0 exuda glamour y sensualidad al estilo de los años 70.

Lo que se debe hacer y lo que no se debe hacer

coquetear con el espectador. Intriga y seducción son los nombres del juego.

NO seas demasiado fuerte. Si su espectador quiere ver pornografía, irá a un sitio de pornografía.

Haga que la publicación y los gestos sean correctos: su figura debe irradiar personalidad.

NO permita que las cosas se pongan demasiado serias: el sentido del humor es un activo sexy.

Experimenta con géneros y estilos retro como una forma de traspasar los límites.

NO te quedes atrapado en las mismas viejas nociones de lo que es sexy si eso no te excita.

Arn0 dice que el fotógrafo con carga sexual Helmut Newton y el ilustrador Hajime Sorayama se encuentran entre sus héroes: «Me gusta la distancia fría, aguda e ingeniosa de su trabajo».

¿Qué hace que una imagen sea sexy?

Puedes intentar romper las técnicas de los artistas para hacer que sus imágenes vibren con la sexualidad, pero la sensualidad es esquiva y mucho más que la suma de sus partes. La mayor parte del tiempo se reduce a la simple pregunta de si la imagen significa algo más que senos y una expresión sin aliento.

Para Derek Santiago lo primordial es la sensualidad, comunicada a través de la iluminación, la composición y el contexto, además de algo más indefinible: “La imagen no puede ser simplemente una chica bonita, desnuda o implícitamente desnuda. No importa cuán técnico sea el dibujo, cuán suave se vea su piel, cuán realista sea su cabello, cuán grandiosa sea la iluminación … Si un sujeto no exuda sensualidad, el espectador se aburrirá «.

Las figuras francas de Arn0, que te miran con un aire de desafío lúdico, tienen una cierta pasividad que invita al espectador a tomar la iniciativa; de hecho, coquetean contigo. Él dice: “Intento mezclar empoderamiento y estilo con disponibilidad, luego doy un paso atrás y dejo que suceda. Divertido, de mal gusto, inteligente, alegre, elegante, vacío. ¿Ninguna de las anteriores? Tú decides ”. 

Para MissLED, se trata de ambigüedad y yuxtaposiciones inesperadas; dice que sus imágenes son el resultado de lo que ella llama “mi perpetua obsesión por las contradicciones; inocencia y poder, peso y luz, claridad y caos «. Lo más importante es que sus personajes irradian descaro e independencia, insinuando una mente clara y opiniones firmes.

Ella dice: “Supongo que siempre trato de crear a la mujer perfecta. Fuerte, segura de sí misma, modesta, sabia, poderosamente en contacto con su sexualidad femenina; y como un amigo enumeró en sus condiciones para su mujer perfecta: «que parezca capaz de saltar vallas». Eso es más o menos a lo que aspiro de todos modos «.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Crea bellas obras de arte y magníficos diseños

Crea bellas obras de arte y magníficos diseños

¿Cómo elevar tus obras de arte de lo atractivo a lo verdaderamente impresionante? Alice Ross habla con artistas que han dominado los secretos de la belleza.

Muchos artistas digitales se esfuerzan todos los días por lograr esa calidad que llamamos belleza. Aquellos que tienen éxito, que crean el tipo de imágenes que te acercan simplemente para que puedas pasar la vista por los contornos y los detalles, han logrado una de las hazañas artísticas más difíciles de todas.

La belleza en el arte es mucho más que superficial: dibujar a una chica bonita es fácil, pero transformarla en una imagen que parece brillar ante el espectador exige habilidad en el color y la composición, y un dominio total del estilo.

Para el artista danés Mads Berg, se trata de ejecución. “Una hermosa obra de arte es aquella que se hace con habilidad, gracia y sensibilidad”, dice. El contenido no es tan importante cuando la estética manda «.

“Creo que el requisito más esencial para que una obra de arte se vea hermosa es que esté bien equilibrada”, dice Murilo Maciel, un artista brasileño radicado en Vancouver, Canadá. «Eso significa una buena composición y combinaciones de colores». Sus fotomontajes han aparecido en anuncios de Coca-Cola y Safeway, entre otros.

“También es fundamental que la obra de arte esté bien acabada. Es una pena cuando ves algo que se ve bien al principio, pero cuando miras más de cerca, las texturas se ven borrosas, por ejemplo. Prestar especial atención a los detalles generalmente hace que algo sea más hermoso «.

Raphaël Vicenzi, un ilustrador belga que trabaja bajo el mando creativo mydeadpony, dice que el equilibrio es lo más importante. Se ha hecho un nombre con diseños artísticamente maltratados con mujeres elegantemente desgastadas: en su obra, el cliché gastado está marcado por un estilo áspero.

“No sé si mis obras de arte son elegantes; Intentó equilibrar el lado femenino de mis trabajos con ideas, bordes y colores más toscos ”, dice. “Es un equilibrio que trato de lograr constantemente. Intento escuchar mi propio sentido de la belleza, por imperfecto que sea, y encontrar reglas internas «.

Raphaël añade que su composición es instintiva: “Hay una simetría en la mayoría de mis obras, pero no es algo que pueda describir. Es más como probar cosas hasta que se alcanza un equilibrio por sí solo.

«Es cuando no escucho esa voz interior que las cosas salen mal».

Patrimonio artístico

Para Ana Montiel, la composición también es instintiva y está informada por siglos de patrimonio artístico.

Habla de principios clásicos como el contrapposto, una forma de posar un modelo de modo que la mayor parte de su peso esté en un pie, lo que da como resultado una postura delicadamente curvada, y la sección áurea, una regla de proporciones basada en una proporción de 1: 1.6, que los estudiosos clásicos creían que agradaban de forma innata, siguen siendo fuerzas poderosas, incluso en el arte digital. 

“Hemos estado siguiendo estos conceptos ‘divinos’ durante generaciones. Hemos heredado toda esta información, está en nuestras células ”, dice. “En mi trabajo, son importantes, pero de una manera muy intuitiva, ya que no trato de usarlos particularmente; simplemente vienen de forma natural.

Para las obras de arte de sus carteles, Mads Berg cree que la belleza proviene de lo discreto. “La simplicidad y el equilibrio son cosas que adoro”, dice. 

“Supongo que sucede lo mismo con otras creatividades. Estos conceptos son algo muy profundo dentro de nosotros, como nuestra necesidad de comida o amor ”.

“La proporción es importante; la simetría no lo es ”, dice Mads Berg. Sus carteles de inspiración Art Déco, altamente estilizados, tienen un sentido de coherencia que es el resultado de una composición meticulosa. «Las cosas que están fuera de balance agradan a la vista … Trato de evitar poner las cosas en el medio, por lo que siempre están un poco descentradas».

Los pilares de la belleza

Aunque Mads no usa la sección dorada, dice que intenta “construir la composición con todo tipo de líneas y curvas que se conectan entre sí. Hay una especie de cuadrícula o arquitectura detrás ”. 

Y añade: “Se trata de  formas muy simples como actores bastante importantes en el escenario. Lo que hago cada vez más es comenzar con una composición fuerte, una forma que se gira en el sentido de las agujas del reloj unos 35 grados. Me temo que no tengo idea de por qué, todo suena muy técnico, pero parece correcto «.

Si la composición es importante, también lo es el color, ya sea que uses pasteles delicados o tonos sorprendentemente vívidos.

La ilustradora británica Sarah Arnett, que crea impresionantes patrones y fotomontajes semi-abstractos inspirados en la naturaleza, explica: “El color puede tener un efecto real sobre lo bello; afecta tu respuesta emocional inmediata «. Agrega que la paleta de una pieza puede tener un impacto más inmediato que incluso el tema de la obra.

Mads Berg dice que le gusta trabajar dentro de una paleta reducida, generalmente de tres colores o menos. «Siempre trato de tener solo unos pocos colores con los que trabajar y busco matices dentro de esos colores».

El uso del color de Ana Montiel está guiado por la intuición. “Para mí es muy instintivo utilizar mucho color en mi trabajo. A veces estoy de humor para colores más brillantes, pero en otras ocasiones me gustan más los colores apagados y muy pálidos. Realmente no puedo explicar cómo los uso, mi proceso creativo es muy intuitivo «.

Para Ise Ratinan Thaicharoen, que tiene su sede en Bangkok, Tailandia, el color es «uno de los factores más importantes» en sus collages. “El color puede comunicar sentimientos y contarnos una historia.

Me gusta usar una paleta de colores pastel, pero a veces me vuelvo negro, depende de lo que esté sucediendo en mi vida «.

Sarah Arnett agrega que el color y la composición pueden, entre ellos, seducir al espectador sin esfuerzo, y está de acuerdo con que el color puede tener un fuerte efecto narrativo. “Cuando has pensado en la composición y el color y cómo eso puede afectar a alguien, la forma en que el ojo se mueve a través de la imagen y el tema crea un proceso de pensamiento.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

Photoshop vs Photoshop Elements: ¿Cuál deberías comprar?

Photoshop vs Photoshop Elements

Comparamos al gran maestro del software creativo con su alternativa de Adobe más joven y simplificada. ¿Cuál da más valor a los profesionales creativos?

Photoshop Elements fue lanzado por primera vez por Adobe en 2018, posicionado para la comunidad creativa como un Photoshop para principiantes.

Si bien existen versiones reducidas de Photoshop CC para iPhone y Android, como Photoshop Express, Photoshop Mix y Photoshop Fix, Photoshop Elements 2019 es el primero de su tipo para escritorio y tiene el mismo uso único, sin suscripción, que sus alternativas móviles.

Pero, ¿cómo se compara la nueva aplicación con la Mac Daddy de Photoshop en términos de utilidad para su arte y diseño, y cuál te permitirá ahorrar dinero?

Si bien muchos creativos ya usan Photoshop, hay quienes usan el software Corel o Affinity que pueden estar listos para ver el bombo de Adobe por sí mismos y les gustaría saber si vale la pena suscribirse al Photoshop original o no y, en cambio, pagar por algo más simple.

Teniendo esto en cuenta, hemos comparado a continuación las versiones actuales de Photoshop Creative Cloud 2019 y Photoshop Elements 2019 para comprobar qué herramientas son únicas para cada uno y qué tan útiles serían tanto para un diseñador como para un artista.

Ten en cuenta que los elementos de Photoshop están actualmente a la venta en Newegg para el Black Friday 2019.

¿Cómo puedo comparar Photoshop y Photoshop Elements CC de forma gratuita?

Photoshop vs Photoshop Elements

La mejor manera de comparar los dos programas es probar sus versiones de prueba gratuitas. Puedes descargar Photoshop CC para una prueba de siete días solo en tu escritorio. Esta es una versión completa del software, por lo que podrás probar todo antes de decidirse a comprar o no.

También puedes probar Photoshop como parte de la suite Creative Cloud completa durante siete días.

¿Existe una versión de prueba de Photoshop Elements?

Puedes probar Photoshop Elements durante 30 días generosos.

La prueba también incluye la ventaja de usar Premiere Elements durante la misma cantidad de días, lo que puede ser de interés para los editores de video en ciernes o los profesionales que buscan cambiar de software y comprar Adobe Premiere completo para tu trabajo.

¿Necesito comprar una suscripción a Adobe Creative Cloud con Photoshop?

Puedes comprar Photoshop por una sola suscripción de aplicación sin optar por el conjunto completo de software creativo de Adobe CC.

Alternativamente, el plan de fotografía estándar te brinda Lightroom CC, Photoshop CC y Lightroom Classic (para escritorio) con 20 GB de almacenamiento en la nube. 

Lightroom, o Adobe Photoshop Lightroom en su totalidad, parece ser otra buena alternativa de Photoshop si estás buscando gastar menos, pero optar por la suscripción del Plan Lightroom tiene exactamente el mismo precio que el Plan de fotografía.

¿Está Photoshop Elements en Adobe CC?

Photoshop Elements 2019 solo viene como un pago único.

No hay suscripción ni opción de Adobe CC que debas tener en cuenta. 

Si lo deseas, puedes comprar un paquete de Photoshop Elements y Premiere Elements.

¿Cuáles son las ventajas de Photoshop CC?

Photoshop vs Photoshop Elements

Como artista o diseñador profesional, probablemente esté utilizando Photoshop, Procreate, Corel o Affinity en tu flujo de trabajo.

Si estás buscando cambiarte a Photoshop, encontrarás todos los beneficios de otras aplicaciones creativas importantes junto con capacidades infundidas con inteligencia artificial.

Si eliges Photoshop en lugar de Photoshop Elements, tendrá la útil herramienta Pluma para hacer selecciones de curvas y más, junto con la herramienta Parche ahora impulsada por AI para eliminar elementos no deseados de las fotos.

También es compatible con CMYK, útil para diseñadores que trabajan tanto en medios impresos como digitales, y puedes importar videos que se pueden cortar y exportar fácilmente a formato GIF.

También existe la capacidad de grabar acciones, lo que te permite ahorrar tiempo si gran parte de su trabajo gira en torno a procedimientos repetidos para animar, cambiar el tamaño y más.

¿Cuáles son las ventajas de Photoshop Elements?

Photoshop vs Photoshop Elements

Es posible que Photoshop Elements 2019 no tenga las funciones que acabamos de mencionar, pero el software tiene algunos trucos bajo la manga.

En primer lugar, Elements integra bien a los principiantes con accesos directos rápidos y herramientas guiadas, ambas en el acceso en la interfaz en todo momento. Esto puede no significar nada para los diseñadores experimentados, pero para un artista que simplemente quiere mejorar una imagen, puede ser una excelente manera de ahorrar tiempo y aprender algunos trucos.

Los profesionales que buscan más pueden presionar la pestaña Expertos en la interfaz de Elements, que es donde te espera el Photoshop simplificado que Elements representa.

Al hacer clic, los usuarios encontrarán algunas cosas que Photoshop no tiene: un Organizador para etiquetar y ordenar tu trabajo, además de plantillas, filtros y Acciones de plantilla para cambiar instantáneamente tu imagen (pero ten en cuenta que no podrás grabar ninguna de tus propias Acciones para agregar a la biblioteca).

Una de las mejores características de Elements que faltan en Photoshop es Photomerge Scene Cleaner, que te permite combinar varias fotos de la misma escena en una, eliminando elementos no deseados como peatones que pasan del fondo. 

Quizás la mayor ventaja de Elements es que no hay suscripción.

¿Debo comprar Photoshop o Photoshop Elements?

Como diseñador artístico serio, deberías comprar Photoshop. Si es un intermedio o un principiante criado en Adobe Illustrator, Elements sería una buena inversión si solo necesitas algunas de las capacidades de Photoshop para tu flujo de trabajo.

De cualquier manera, te recomendamos que descargues versiones de prueba de ambas aplicaciones para ver cuál es la mejor para ti.

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