Los ilustradores Elena Resko, Ella Ginn, Kendyll Hillegas, Kiki Lung y Luli Reis detallan sus enfoques para dibujar alimentos, alimentos gloriosos.
Kiki Lung
Me enfoco mucho en el color, ya que juega un papel importante en la determinación del estado de ánimo de una ilustración. En mi opinión, los colores deben sentirse audaces y vibrantes, ser fuertes y exigir atención. Cuando se trata de comida, el objetivo es a menudo celebrar, transmitir un sentimiento de alegría y resaltar su poder para unir a las personas el color hace un gran trabajo con eso.
Trabajo con vectores y los huesos de mis ilustraciones suelen ser geométricos. Me encantan los círculos perfectos y las líneas rectas. ¡La comida a menudo es desordenada! Y me gusta el desafío de traducir algo imperfecto en mi estilo limpio y digital. A menudo trabajo a partir de fotografías y crear carpetas con imágenes de referencia para dibujar. A veces trazó en la parte superior o combino un conjunto de imágenes diferentes, como un rompecabezas superpuesto, para crear una ilustración.
La comida es muy divertida de dibujar porque a menudo hay mucho que comunicar, desde colores y texturas contrastantes hasta honrar ciertos elementos culturales. Las consistencia (derretir chocolate) y las cantidades (granos de arroz en un tazón de arroz) pueden ser difíciles de dibujar, y es importante un buen equilibrio entre la estilización y hacer que un plato o comida parezca fiel a sí mismo.
Recientemente trabajé en un campo que lamentablemente fue rechazado ilustrando alimentos del Mediterráneo.Las escenas tenían que ser desordenadas, tener personalidad y mostrar movimiento. ¡Exactamente el tipo de ilustración de comida que me gusta hacer! Utilicé todas mis técnicas habituales, muchos colores vibrantes, composiciones geométricas para dar una ilusión de caos organizado y texturas contrastantes para dinamizar las cosas.
Encuentro el color muy importante y pasaré mucho tiempo haciendo bien la paleta. Intento no pensar en el color en absoluto (aparte de averiguar los contrastes con los degradados en blanco y negro) hasta que me haya decidido por una composición. Una vez que se establece, empiezo a incorporar color a medida que perfeccionó el diseño.
Es una respuesta frustrante, pero el mejor consejo para ser bueno en algo es «¡hazlo mucho»! Me gusta pensar en las cosas en términos de proyectos, por lo que podría ser divertido establecerse dibujando desafíos y crear series de proyectos a partir de ellos. «Todas las comidas que comí esta semana», «Recetas de mi infancia», «Alimentos que mis perros robaron del mostrador», etc. Envíe su trabajo a sus revistas de comida favoritas, blogueros o restaurantes locales.
Luisa Reis
Supongo que mi estilo visual se desarrolló al observar a mis artistas y diseñadores favoritos, y también una especie de «prueba y error». Veía algo que me gustaba e intentaba incorporarlo a mi estilo artístico. Sigo haciendo eso y creo que lo seguiré haciendo para siempre, ya que mi estilo siempre está evolucionando.
Mi mayor inspiración es la naturaleza misma, pero también me siento muy inspirado por el arte de otras personas. Mis ideas surgen al azar en mi cabeza y realmente me gusta discutirlas con algunos amigos para «pulirlas». Este método de discutir proyectos ha demostrado ser muy útil para mí a la hora de crear obras de arte.
Creo que retratar las formas y el contraste entre colores es realmente importante. Además, agregar algún tipo de textura hace que la ilustración sea mucho más interesante. Cómo uso acuarelas, me gusta dejar que la pintura fluya libremente y cuando se seca me gusta obtener texturas y patrones que dan un efecto realmente genial.
Para mí, el mayor desafío es ilustrar alimentos que no son realmente coloridos y atractivos en la vida real (como las papas) o alimentos muy texturizados (por ejemplo, piel de piña o una hamburguesa).
Recientemente he estado trabajando con una técnica de acuarela más suelta y fluida. Empiezo cualquier proyecto analizando mi referencia (su forma, la textura, cómo se refleja la luz en la superficie, cuáles son los colores principales, tiene algún detalle, etc) y decidiendo qué colores voy a utilizar.
Una vez hecho esto, comienzo a pintar pinceladas sueltas en mi papel para crear la forma base, teniendo en cuenta los colores y las luces, y dejo algunos espacios en blanco, sin agregar pintura en absoluto. Con la pintura aún húmeda, agrego algunos detalles y algunos colores más para profundidad y sombras. Después de que la acuarela esté completamente seca, veo si necesito agregar algún otro detalle (como tallos de hojas) y ¡listo!
El color es una de las cosas más importantes cuando se crea una obra de arte sólida y aprender la teoría del color es muy importante. No creo en las elecciones de color correctas o incorrectas porque el arte es una forma de expresión, y si quieres pintar una pizza rosa, ¡hazlo! Pero elegir la paleta de colores adecuada es clave para lograr un resultado final hermoso, equilibrado y sorprendente.
Por lo general, empiezo a pensar en mis colores al comienzo de un proyecto, justo después de elegir un tema de pintura. Decido mi paleta de colores incluso antes de empezar a dibujar. También mantengo un cuaderno de bocetos para estudios de color, donde pruebo nuevas combinaciones de colores y paletas de colores que me llamaron la atención.
Concéntrese en los colores de su ilustración. El cerebro humano funciona de una manera asombrosa y percibimos los alimentos no solo por su sabor, sino también por su aroma y color, y dado que no podemos trabajar con el sabor o el aroma en la ilustración, el color es clave para crear ilustraciones atractivas de alimentos. Intente crear una paleta de colores rica y brillante para sus ilustraciones.
Otra cosa a tener en cuenta es que tu ilustración no necesita ser perfecta. Cuando la comida es demasiado perfecta, ¡en realidad parece falsa! No existe una naranja perfectamente redonda o una magdalena supersimétrica, así que no te preocupes demasiado por eso. Y si es nuevo en la ilustración de alimentos, intente crear obras de arte de los alimentos que ama. Esto hace que el proceso sea mucho más divertido y placentero, y es más probable que esté satisfecho con el resultado.
Kendyll Hillegas
Gran parte de mi inspiración temprana más específica provino de la comida porque la cocina y la cultura gastronómica y las historias gastronómicas son algo que me encanta desde la infancia. Aprovechar esa inspiración realmente concreta y accesible fue vital para desarrollar mi práctica creativa, y si no la hubiera encontrado, no creo que hubiera tenido el impulso y la motivación para perfeccionar mis habilidades. Ahora, después de años y años de práctica, puedo encontrar inspiración en casi cualquier tema o tema, ya que lo que realmente amo es esa práctica de observación cercana.
Al principio, pintar comida era algo que hacía por diversión. Me había graduado de la escuela y había trabajado como barista, tutora, organizadora comunitaria, y unos años después, prácticamente había dejado de dibujar y pintar por completo.
Terminé lidiando con algunos problemas de salud importantes que significaron que tuve que dar un paso atrás en el trabajo y quedarme en casa y descansar la mayor parte del tiempo. Estaba aburrido, solo y buscando desesperadamente algo más que mi cuerpo en lo que concentrarme, así que comencé a pintar lo único que me parecía divertido: la comida.
Trabajo principalmente con medios tradicionales. La mayoría de mis ilustraciones son 100% analógicas, utilizando una mezcla de acuarela, lápiz de colores gouache y bolígrafos de pintura. De vez en cuando, para ciertos trabajos comerciales, incorporó un poco de pintura digital al final. Creo que solo he tenido dos asignaciones que eran 100% digitales de principio a fin. Trabajo principalmente a partir de fotos, ya que la comida es perecedera y mis piezas más grandes a veces pueden tardar varios días en completarse.
Para la editorial puede ser un desafío terminar las cosas a tiempo cuando los plazos son ajustados, lo que ocurre casi siempre. Para CPG, un desafío es tener más personas involucradas en el proceso de toma de decisiones y necesitar hacer revisiones para cumplir con muchas expectativas diferentes.
Creo que un desafío al que se enfrentan muchos ilustradores de alimentos principiantes es querer dibujar o pintar alimentos realmente bonitos (cocina ultramoderna, magdalenas elegantes o pasteles de cumpleaños con forma, por ejemplo). Ven las imágenes de este tipo de comida en las redes sociales y quieren utilizarlas como punto de partida para su trabajo. Sin embargo, en mi opinión, dibujar un pastel con forma de lámpara de mesa rara vez es una buena idea.
Creo que la mejor ilustración de comida suele mostrar comida que parece comida. Quieres que sea hermoso, sí, pero también humano y tal vez incluso un poco imperfecto. Si alguna vez tengo que sacar comida que sea realmente regular y ordenada, intentaré hacer algo para despeinarla, como darle un mordisco, agregar un goteo o untar, o partirla por la mitad. Creo que eso ayuda a que las cosas se vean realmente apetitosas y auténticas.
Recientemente, decidí hacer un proyecto autoiniciado en el que recreará algunos de los mismos temas que había pintado cuando me inicié en la ilustración de alimentos. Lo llamé «Entonces / Ahora» y animé a otros ilustradores a compartir sus propios Entonces / Ahora en las redes sociales. Una de mis piezas favoritas de la serie fue un frasco de mermelada Bonne Maman. Esta fue una de las primeras ilustraciones de comida que creé, por lo que volver a abordarla después de varios años fue realmente divertido.
Trabajando en papel prensado en frío de peso ultra pesado (Fabriano Artistico), comencé con capas de acuarela. Utilizo muchas formas diferentes de acuarela, incluido el tubo, el molde / pastel y el lápiz de acuarela, pero en los últimos años me he convertido en un gran fanático de la acuarela líquida (usé la línea Dr. Ph Martins Hydrus en esta pieza) porque no se levanta / reactiva después de que se seca. Esto significa que puede esmaltar y aplicar capas fácilmente, sin crear un enturbiamiento. También usé algunos bolígrafos Kuretake Mangaka para hacer las letras.
Mi objetivo al colocar primero la acuarela es doble: primero, me permite trazar los colores y valores de la pieza, similar a una pintura de base, para que cuando pase a los detalles con lápices de colores, no tenga que hacer como muchas de esas grandes decisiones y puede centrarse principalmente en los matices. En segundo lugar, dado que a menudo me gusta trabajar en papel realmente texturizado, usar solo lápices de colores tomaría mucho tiempo (y mucho lápiz) para rellenar el diente del papel.
Esencialmente, usar acuarela primero resuelve el problema de que los trozos de papel blancos se vean en la pieza terminada. Incluso con papeles más suaves como Rives BFK o papel de acuarela prensado en caliente (mis otros favoritos), sigo usando la acuarela como capa base porque hace las cosas mucho más fáciles más adelante.
Una vez que tengo ese mapa de colores, coloco lápices de colores en la parte superior para crear detalles y para refinar aún más los valores y el color. Otro cambio con respecto a la primera iteración de este tema es qué tan lejos voy con el lápiz de color y con el nivel de realismo.
Anteriormente, solo haría pequeños trozos aquí y allá con lápiz de color. Ahora, gran parte de la pieza, o incluso la mayor parte de la pieza, tiene al menos algún desarrollo con lápiz de color. También me he vuelto un poco más realista, tanto en el dibujo como en el color. Esta pieza es lo más lejos que me gusta ir con realismo, y puedes ver si la comparas con la imagen de referencia, que las proporciones / dibujo están muy cerca de la referencia, y el color obviamente se ha extraído de la referencia. pero también he llevado las cosas un poco más lejos.
Empiezo a pensar en el color desde el principio del proceso. Si es para una asignación comercial como las ilustraciones de empaque de Good Culture (arriba y abajo), a menudo sabrás de antemano que se debe usar un color específico o que se debe evitar otro color específico. Si es para un proyecto autoiniciado como Entonces / Ahora, normalmente empiezo a pensar en el color cuando miro la imagen de referencia. En esta referencia, supe de inmediato que quería seguir mis pistas de la referencia, pero quería llevar el color mucho más allá en términos de saturación y vitalidad. Esto es bastante típico, diría yo.
En general, mi objetivo es hacer que se parezca en un 80% a la referencia (en términos de color) y luego ser un poco más intenso (subiendo el volumen en los colores existentes) e incluso creativo (usando colores que no existen en absoluto) con el restante. Mi objetivo es hacer que parezca realidad, pero mejor evitando cualquier sensación de artificialidad. Básicamente, quiero que se vea bien, pero no demasiado. También tiendo a elegir colores para sombras y reflejos en función de lo que creará más vitalidad, por lo que generalmente opto por colores complementarios (por ejemplo, usando un poco de verde en la sombra de un sujeto rojizo).
Como paso final, una vez que termine con el lápiz de color, a veces agrego algunos reflejos opacos con un lápiz de pintura Sharpie (acrílico a base de agua) o con gouache acrílico. Luego escaneo la pieza en alta resolución y, si la estoy creando para un cliente, eliminaré el fondo digitalmente para que pueda colocarse fácilmente en un diseño de página o una línea de corte.
Si ya eres un ilustrador establecido con un estilo bien definido y solo buscas entrar en un mercado, yo diría que comienzas a crear trabajos que se adapten al mercado en el que deseas ingresar. Entonces, si desea ilustrar un libro de cocina, comience a ilustrar algunas recetas que encuentre en línea. Incluso podrías colaborar con un blog de comida para ilustrar una o dos de sus recetas existentes (¡o hacer la tuya propia si te gusta cocinar!). Si desea entrar en la ilustración de envases, comience a observar los tipos de ilustraciones que se utilizan en los envases, tanto el tema como el estilo, y también la composición. Empiece a hacer este tipo de trabajo y a agregarlo a su portafolio. Esto es lo que hice.
Si eres un ilustrador nuevo o aspirante y aún no has encontrado tu ritmo, diría que lo más importante es trabajar para encontrar un sentido sostenido de inspiración y motivación y perfeccionar tu oficio. Esto es cierto si vas a pintar de manera realista o de una manera más estilizada. Si cree que podría querer dedicarse a la ilustración de alimentos, comience de manera simple y dibuje y pinte los alimentos que ya tiene en su cocina. Toma tus propias fotos de referencia o trabaja de la vida si tienes un proceso más rápido que yo.
Lo más importante al principio es simplemente dibujar y pintar tanto como sea posible, enfocándose en desarrollar un estilo consistente y un cuerpo de trabajo inicial. Sabrá que tiene un estilo consistente cuando deje de pensar en el estilo; Es como escribir a mano. Cuando aprendes a escribir por primera vez, piensas en cada aspecto de la redacción de cartas de una manera muy consciente, pero eventualmente se convierte en algo que haces sin siquiera pensar en ello.
Ella Ginn
Durante mi curso de ilustración en la universidad, pasé mucho tiempo en el estudio de impresión experimentando con diferentes técnicas. Descubrí que el linograbado me dio las líneas audaces y el movimiento que estaba buscando en mi trabajo. Intentó replicar lo que aprendí del grabado en mis ilustraciones digitales. Trabajar digitalmente hace que mi trabajo sea un poco más accesible para proyectos comerciales, ¡el grabado puede ser un proceso bastante largo y no siempre es fácil hacer cambios! Grabados antiguos, como obras de arte antiguas de cajas de cerillas, envases / carteles de alimentos e ilustraciones botánicas, también inspiran mis ilustraciones.
Encuentro que con la ilustración de alimentos tengo que exagerar demasiado la vitalidad y el color para que la comida se vea lo más atractiva posible, ¡incluso más que en la vida real! Los clientes siempre quieren que la comida se vea lo más fresca y sabrosa posible, por lo que siempre es importante tenerlo en cuenta. En mis pinturas más fotorrealistas, de frutas, por ejemplo, encuentro un buen par de gotas de agua que ayudan a dar esa sensación de frescura, así que no tengas miedo de usarlas, ¡aunque parezca un poco exagerado!
Me siento más creativo y menos restringido en el trabajo analógico al comienzo de un proyecto. Mi objetivo es dibujar tanto como sea posible sin usar referencias para tener una idea de la composición sin estar colgado de ninguna imagen de referencia; Utilizó principalmente fotografías como referencia, sin embargo, ¡trabajar desde la vida es algo que me gustaría hacer más! Recientemente invertí en un Ipad que me encanta usar, así que terminaré mi ilustración en procreate o photoshop.
A veces encuentro un poco desafiante hacer que las ilustraciones de alimentos sean dinámicas. ¡Aquí es donde el color realmente puede ayudar a dar vida a la ilustración! También trato de agregar tanto movimiento como puedo agregar algunas formas atrevidas y jugando con la composición. También me gusta incorporar letras a mi trabajo para agregar otra dimensión y punto de interés.
Recientemente trabajé en un proyecto divertido con Tangent Graphic para los gin-&-tonics premezclados de Eden Mill. El objetivo era ilustrar frutas y lúpulos de forma creativa, incorporando varias historias folclóricas para cada lata. El efecto general parece casi un patrón, por lo que era importante que la fruta se destacará sobre las otras ilustraciones basadas en historias. Empiezo trabajando en un color para crear la ilustración base. Una vez que la composición ha recibido el visto bueno, utilizo un segundo color de tono medio para crear el sombreado, esto me ayuda a resaltar la fruta y hacer que resalte contra el fondo.
El color es algo que solía tener bastante miedo durante la universidad, así que trabajaba principalmente en blanco y negro. Recientemente, he sido mucho más aventurero con mis elecciones de color y realmente ha valido la pena. Debido a esto, tiendo a pensar en el color desde el principio, ya que encuentro que ayuda a informar la ilustración. Tiendo a limitar mi paleta para no aburrirme demasiado con la elección y encuentro que evita que mi trabajo se vea demasiado desordenado.
¡No espere a que llegue el trabajo! Si le gustaría entrar en la ilustración de alimentos, establezca el proyecto de sus sueños y agrégalo a tu portafolio. Una vez que tenga un cuerpo de trabajo que lo represente, comuníquese con los estudios de diseño o las marcas para las que le gustaría trabajar. Nunca se sabe quién se comunicará con usted y qué podrían estar buscando. Finalmente, no tengas miedo de experimentar y divertirte, siempre encuentro que mi mejor trabajo es el proyecto que más me divertí.
Elena Rekso
La atención al detalle es la clave: imagina cuántos colores, texturas y formas diferentes tiene la comida en la vida real, ¡todo es tan diferente! Casi todo lo que comemos es una creación compleja, incluso si es solo una pieza de fruta o una baya, sin hablar de sándwiches de club o algunos platos locos de 100 ingredientes. Cuanto mejor muestra esta variedad, más rica será la ilustración de su comida. Agregue este queso extra, espolvoree más semillas de sésamo, gotee un poco de esta mayonesa.
Mi trabajo es 100% digital, desde los bocetos hasta el resultado final. Generalmente no dibujo de la vida ni de las fotos. Creo que limita tu imaginación tener un ejemplo de la vida real frente a tus ojos.
Si es necesario, vaya a Google o Pinterest para obtener ayuda visual, intente obtener algún tipo de «memoria colectiva» de cómo podría verse y luego interprete a su manera. ¡Es mucho más divertido así! En caso de algo particularmente complicado, estudie el objeto, tenga la idea de algunas características básicas para hacerlo reconocible y luego coloque la referencia lo más lejos posible para no apegarse demasiado a él. ¡Acercarlo a la realidad no es el punto!
Sin embargo, siempre es una buena idea hacer sus propias fotos de referencia. ¿Le gustó la combinación de colores? ¿Vio un gran arreglo de platos en la cafetería? Toma una foto; definitivamente te lo agradecerás más tarde.
Un proyecto reciente en el que me pidieron que dibujara un pastel como símbolo de unidad y celebración. Tenía que ser delicioso y desordenado. Me dieron los colores pastel Lila y verde para trabajar. Así que creé una paleta que complementaba estos dos colores bastante fríos y agregué trozos de ellos al pastel para brindar apoyo y equilibrio. Agregué mucha dinámica en los elementos / ingredientes para que se vea aún más festivo. Y, por supuesto, muchos detalles: el goteo, las salpicaduras, muchos pequeños detalles para mantenerlo todo lo más rico e interesante de ver como sea posible.
Si soy libre de elegir mi paleta de colores, sucede en la mayoría de los casos, tiendo a pensar en ello mientras ya hago bocetos. Simplemente repasando en mi cabeza cuál podría ser una buena solución de color para la pieza.
El punto principal: no tiene que estar cerca de la realidad en absoluto. ¡Realza los colores naturales, mezcla las cosas! Siempre trato de darle un toque diferente a los «colores normales». Sin embargo, no se exceda, aún debe ser apetitoso.
Tengo los colores que más uso, así que tengo algunos de ellos como elemento básico y luego agrego más a la gama de acuerdo con el tema de la pieza. A veces hay una necesidad de usar un color realmente específico (o el cliente puede pedirlo), así que lo tomo y trato de trabajar el resto de la paleta a su alrededor. También es un gran ejercicio.
Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.
