32 consejos de ilustración para envases

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un efecto de serigrafía

Los ilustradores destacados que se especializan en la producción de arte para envases nos cuentan sus enfoques y técnicas favoritas.

El empaque está destinado a hacer dos cosas: llamar la atención y hacer que los clientes sientan todas las buenas sensaciones que tendrán del proyecto sin probarlo. La ilustración es muy emotiva, es un sueño, por eso es muy poderosa para este propósito.

Tania Yakunova (Ucrania) 

La ilustración para envases y marcas trata principalmente de sentimientos. Cuando trabajaba con Elate Tea mi tarea era llevar toda la emoción, frescura y sabor del té con ilustración.

También es muy importante tener en cuenta el contexto y el entorno donde el producto y la ilustración se encontrarán con el cliente. Para Alate Tea, está en el estante de su tienda de té de marca y en su tienda en línea.

Siempre trato de pensar cómo se verá este paquete en el estante: ¿el paquete llamará la atención del cliente, traerá suficiente sensación afrutada de verano al cliente, querrá probar este producto?

Tania Yakunova (Ucrania)

Cada campo de la ilustración tiene sus particularidades: no se puede tratar la ilustración editorial, de libros y de envases de la misma manera. Creo que es justo decir que en las ilustraciones de marca se trata mucho menos de ti como artista, y mucho más de la marca y su valor para el cliente. Hay más restricciones, como los colores de la marca, por ejemplo; pero la limitación es buena amiga de la creatividad, por eso hacen que las tareas sean más interesantes para mí.

Tania Yakunova

Hacer maquetas es bastante importante, ya que ayuda a ver cómo se verá una imagen 2D en un producto en la vida real. Y se necesita mucha más atención a los requisitos de producción.

Tania Yakunova (Ucrania)

Siempre trato de obtener la mayor cantidad de información posible sobre la empresa: historia, visión, estrategia, qué los hace diferentes, qué dicen de sí mismos, cuál es su comunicación y sus voces visuales, todo es importante.

Luego investigo, estudio el mercado, la competencia y las soluciones existentes. Luego esbozo las ideas y la composición; hago bocetos en un diseño de producto completo para que la ilustración se incorpore con todos los demás elementos desde el principio.

Tania Yakunova (Ucrania)

Es importante alejarse del Mac y esbozar ideas iniciales. Esto permite la libertad de considerar la idea general de la marca antes de entrar en otros elementos de estilo. Significa que permanece enfocado en la idea general en línea con el posicionamiento de la marca.

Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)

Nuestro trabajo de identidad de marca para la marca de refrescos artesanales Dalston’s es un buen ejemplo de este enfoque. El boceto original de los diseñadores para la identidad de Dalston era en realidad muy similar a lo que hay en las latas de hoy.

Cuando haces un boceto a mano, a menudo es la forma más pura y simple de capturar la idea y, por lo tanto, es realmente clave para mantener tus diseños guiados por la idea.

Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)

Nuestro diseño para The Duppy Share Spiced, la primera nueva extensión de línea de The Duppy Share, es un buen ejemplo de cómo el diseño de una extensión de marca puede retener y potenciar la historia detrás de la identidad original. , mientras se mantiene fuerte como un producto por derecho propio.

Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)

Inspirado en el folclore caribeño, el diseño Duppy Share Aged cuenta la historia de los duppies que surgen por la noche para robar lo mejor del ron de cada barril a medida que envejece. El Duppy Share Spiced va un paso más allá, representando a un duppy bailando mientras disfruta del ron. Colocado en el frente del paquete, el diseño ilustrativo resalta instantáneamente la estantería y cuenta la historia de la marca, construyendo su herencia de una manera clara e inmediata.

Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)

Aunque el ojo se siente atraído por la criatura que cambia de forma con su cabeza de cocodrilo y patas emplumadas, el diseño de fondo incorpora elementos visuales del diseño original de Duppy Share.

El paisaje caribeño, el sol y la paleta de colores dorado y naranja se entrelazan sutilmente. Como resultado, The Duppy Share Spiced trabaja para potenciar y reforzar la marca original y la historia de la marca.

Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)

La resolución de problemas relacionados con la sostenibilidad debe ser una prioridad para todos los diseñadores. Cuando creamos la marca belga de helados alcohólicos LIQ, queríamos lograr envases 100% biodegradables para las tarrinas y cucharas, sin comprometer el diseño o la paleta de colores.

Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)

Nuestros expertos en producción desarrollaron una paleta de colores inteligente para permitir que todas las variantes de sabor se imprimen juntas en una tirada de producción, en lugar de hacerlo individualmente.

Esta iniciativa permitió a la marca trabajar con impresores de envases biodegradables, demostrando que con el diseño y la experiencia de producción adecuados, las marcas no tienen que comprometer su apariencia con ser sostenibles.

Jennie Potts, directora de diseño, B&B Studio (Reino Unido)

Por lo general, cuando un cliente potencial se me acerca, hay algo que han visto antes en mi portafolio que sienten que podría funcionar en una colaboración. Para Donut Time, fue la colaboración perfecta: querían que mi enfoque maximalista divertido y colorido combinara con sus donas increíblemente deliciosas y exageradas.

Me encargaron después de ver mi trabajo en línea y querían traer mis coloridas ilustraciones al lanzamiento de su colección navideña. Las ventas ayudaron a recaudar fondos para una organización benéfica para niños increíble.

Linda Baritski (Reino Unido)

La marca tiene una comunidad muy divertida y animada a su alrededor, así que quería crear un empaque específicamente para ellos, que no tuviera un aspecto tradicional o tuviera colores clásicos aburridos. ¡Tenía que ser divertido y sentir que se estaban regalando un regalo a sí mismos!

 Linda Baritski

Pasamos por varias variaciones de color y tuvimos muchos ajustes rápidos, pero al final valió la pena; estoy muy contento de que a su comunidad también le encantó, instagramar el empaque y usar las pegatinas gif que creé para sus redes sociales.

Linda Baritski (Reino Unido)

Cuando colabora con una empresa emergente o una marca en su empaque, debe pensar en dónde se superpone su estilo con la personalidad de su marca o producto, y qué parte de su estilo de ilustración y diseño encuentran atractiva. .

Por lo general, cuando se te acercan, ya ven una coincidencia entre tu estilo y su marca. Esto es diferente a cuando creo proyectos editoriales, de ilustración personal y otros, donde solo pienso en mi estilo y mi interpretación de un tema.

Linda Baritski (Reino Unido)

Al igual que con cualquier otro trabajo de ilustración, es importante tener una idea del tamaño y la composición primero. Por lo tanto, el primer paso inevitable es crear un boceto y, en este caso, una pequeña maqueta.

Construí una pequeña caja de papel para ver qué lados se van a doblar y cómo se debe colocar la ilustración. Esto me permitió ver que tenía que colocar varios caracteres al revés en algunas solapas.

Mientras trabajaba digitalmente, coloqué la plantilla de caja como una capa transparente debajo de mi mesa de trabajo para vigilar los pliegues al dibujar y evitar cortes desagradables.

Lisa Tegetmeir (DE)

Para crear conciencia sobre el Día de la Tierra, la idea del diseño de la caja era mostrar varios escenarios de estilo de vida con personajes que hacen cosas respetuosas con el medio ambiente, como plantar un árbol, cambiar una bombilla y montar en bicicleta.

Lisa Tegtmeier

El cliente había preparado una lista de diferentes actos de los que podía elegir o encontrar nuevas ideas por mi cuenta. Fue muy útil recibir todos los comentarios que me dieron, especialmente fotos de diseños de cajas anteriores y, sobre todo, un video plegable de una caja terminada ayudó a comprender la estructura y el manejo con la plantilla de caja.

Lisa Tegetmeir (DE)

En última instancia, la forma más fácil de abordar esto fue crear primero una ilustración grande, o en realidad un patrón, que cubriera y superpusiera completamente la plantilla de la caja.

Era necesario prestar atención a la posición de cada solapa de la caja y cómo se tenían que colocar los personajes en ella, para asegurarse de que algunas figuras no terminaran al final boca abajo en la caja doblada.

Lisa Tegetmeir (DE)

Siempre es muy útil obtener ideas concretas y un informe bien preparado del cliente. Por supuesto, esto no solo se aplica al diseño de envases, sino a todos los proyectos de diseño.

Desde el principio tuve un buen sentido de lo que buscaba Causebox, y creo que la colaboración funcionó muy bien, porque cada detalle, desde la idea, pasando por los colores, hasta el tamaño de los personajes en la caja, había sido acordado. sobre antes.

Lisa Tegetmeir (DE)

Es bueno tener algunas ideas más allá del empaque en su bolsillo trasero, incluso si el resumen es ‘diseñar el empaque’. En algunos casos, es posible que esté creando una identidad de marca desde cero, por lo que todos los demás elementos de una identidad también entran en juego.

Hay una gran diferencia entre una caja cuadrada de 10 cm y un póster de 6 hojas, pero ambos necesitan trabajar, sentirse igual y trabajar juntos.

BOLD Stockholm (SE)

Suena obvio, pero incluso para soluciones de empaque relativamente simples, es imprescindible trabajar con maquetas físicas. Te permite refinar el diseño físico de formas que no puedes (¡y no debes!) Adivinar.

Y es emocionante tanto para nosotros los diseñadores como para el cliente ver el proyecto en tres dimensiones, especialmente después de que las primeras etapas de un proyecto a menudo se ven planas, ya sea impresas o en pantalla en presentaciones.

BOLD Stockholm (SE)

Es importante involucrar al cliente en el proceso más que solo las firmas regulares. Especialmente con el empaque, donde el cliente tiene que producir y vender el producto, es importante que se sienta dueño y que el empaque lo represente a él, a su empresa y al producto.

A veces lo hemos hecho mediante talleres o simplemente llevando al cliente a través de los diferentes bocetos e instrucciones. Pero siempre con una recomendación clara, ya que necesitas orientar y asesorar a tu cliente.

BOLD Stockholm (SE)

Creo que la ilustración funciona bien para visualizar nuestros pensamientos y sentimientos en torno a la comida. Con The Mallows, todos los malvaviscos están hechos a mano, y esto significa, bueno, que se ven hechos a mano.

Tienen formas y tamaños ligeramente diferentes, no son “perfectos” y son mucho mejores por eso. La ilustración dibujada a mano simplemente visualiza esto; tiene textura, una sensación que tiene el producto en sí. Creo que le está haciendo saber al cliente lo que está obteniendo.

BOLD Estocolmo (SE)

Puede ser un cliché, pero diviértete. No se limite a seguir ciegamente lo que se ha hecho antes, ni se deje limitar por la producción. Experimente y juegue, conceptualice, tanto visual como físicamente, para hacer el mejor producto para usted o un cliente.

BOLD Stockholm (SE)

A mi modo de ver, mi objetivo como diseñador de envases es crear una obra de arte o un envase atractivo que haga que los compradores quieran sacarlo de la estantería.

Mi objetivo es crear un diseño impactante con toda la información necesaria claramente legible en el paquete. Ser capaz de crear un diseño que pueda atraer la atención en un estante de supermercado lleno requiere investigar qué están haciendo los competidores y descubrir cómo puedo hacer algo ligeramente diferente.

Steve Simpson (IR)

Habiendo absorbido el resumen del cliente, el primer paso es obtener la plantilla y las especificaciones técnicas de la impresora. Puede comenzar con las limitaciones del proceso de impresión, la cantidad de colores, troquelados, papel, láminas y barnices. Obtener muestras impresas de la impresora es vital y le permite imprimir y pegar su diseño final en el empaque para comprender mejor cómo se verá.

Steve Simpson

Steve Simpson (IR)

Siempre empiezo a esbozar ideas en mi cuaderno de bocetos: miniaturas muy rápidas. Si va directamente a la computadora, puede perder mucho tiempo yendo en una dirección que, en última instancia, no es la mejor opción. También es muy difícil descartar un diseño una vez que ha invertido unas horas en él. 

Steve Simpson (IR)

Una vez que esté satisfecho con una idea de diseño en mi cuaderno de bocetos, imprimiré la plantilla y dibujaré directamente sobre ella. Antes de mostrárselo al cliente, a menudo hago una copia, la imprimo, luego la recorto y la aplico al empaque, especialmente si es para una lata o botella. Conseguir que el anverso contenga toda la información importante es vital.

Steve Simpson (IR)

Creo que la parte trasera de la mochila es tan importante como la parte delantera. Una de las formas en que hago esto es con códigos de barras ilustrados que están temáticos para reflejar el resto del paquete.

Steve Simpson (IR)

En la última década, los hábitos alimentarios de las personas han cambiado drásticamente. Al buscar un estilo de vida más saludable, prestan mucha más atención a lo que comen, favoreciendo los productos que son naturales, integrales, orgánicos; cuanto menos industriales, mejor.

En otras palabras, buscan acortar de alguna manera la distancia entre ellos y sus productores de alimentos, saltando a través de la cadena alimentaria industrial. En vista de este escenario, la ilustración y las señales hechas a mano son de hecho algo muy valorado en el diseño de envases.

Casa Rex (BR / UK)

Todo depende mucho de cada caso concreto. Por un lado, la ilustración de la mano podría necesitar ser protagonista en una portada, contando una historia propia. También pueden ser solo un detalle entre otros elementos, parte de una narrativa más compleja.

En el envasado de alimentos, es posible que necesiten transmitir un atractivo apetitoso, evocar los valores de la artesanía, o simplemente usarse como un medio para romper el desorden en los estantes.

Casa Rex (BR / Reino Unido)

No es suficiente que un proyecto de diseño sea simplemente «adecuado». Un buen proyecto de diseño debería aportar algo más, no meramente de comunicación, sino que de alguna manera se involucre con su audiencia. Cada vez más personas dejan de ver un producto como solo ‘un producto’, sino como parte de sus vidas, por lo que buscan marcas que creen que están alineadas con sus valores y estilo de vida. Y dentro de este escenario ‘más de lo mismo’ ya no es suficiente.

Casa Rex (BR / Reino Unido)

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

42 consejos para hacer obras de arte digitales que se vean hechos a mano

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un efecto de serigrafía

Ilustradores de todo el mundo que trabajan digitalmente o con medios mixtos nos revelan cómo crean sus mejores trabajos, incluido dónde encuentran sus pinceles y texturas.

Siempre uso una cuadrícula que ayuda con las formas y composiciones básicas. Una vez que estoy satisfecho con mi boceto, lo trazó con un delineador. En este caso, es un pincel delineador fino.

Todavía quiero tener la misma sensación en el proceso, aunque ahora es totalmente digital. En el proceso anterior, necesitaba eliminar las líneas de lápiz borrándose para que solo mantuviera las líneas finas.

Como todavía no estoy acostumbrado a colorear todo en mi iPad, transferir el dibujo lineal a Photoshop.

Levi Jacobs (Países Bajos)

Dibujo la línea de trabajo a mano y luego coloreo la obra de arte digitalmente usando Photoshop. Esto le da a la ilustración un toque artesanal.

Levi Jacobs

A menudo también me gusta agregar algo de textura en el color para darle un aspecto más serigrafiado o impreso en riso.

Levi Jacobs (Holanda)

Llevo el trabajo a Photoshop y coloreo el dibujo de líneas archivando los espacios con la herramienta Cubo. Luego retoco los colores como los quiero. A menudo me gusta más la ilustración sin contornos, pero selecciono la capa del contorno y coloreo la línea del mismo color que el relleno. Es un proceso que requiere mucho tiempo.

Una vez que se quita el trabajo de línea, aplicó sombreado para dar a las formas planas algo de textura y plasticidad. También me gusta agregar más textura al resto de la ilustración para equilibrar el sombreado.

Levi Jacobs (Holanda)

Esta es la pieza final tal como fue publicada, en forma editorial.

Levi Jacobs (Holanda)

Normalmente empiezo investigando un poco sobre el tema y luego dibujó algunas miniaturas antes de enviar dos bocetos que me gustaron. Uno fue dibujado desde atrás con el automóvil conduciendo hacia una hermosa puesta de sol mientras que el otro estaba arriba, con un fuerte diseño diagonal.

Ambos tenían sentido del impulso, pero la imagen final es un poco más clara en términos de narración. Podemos ver que está feliz, y el equipo de oficina que se derrama en la calle da una sensación de libertad y liberación al mismo tiempo que proporciona un interés visual adicional al romper las líneas diagonales de la composición. 

Steve Scott (Reino Unido)

A continuación, se muestran los brutos de colores. Quería que la imagen se sintiera alegre y contundente. Así que pruebo algunas variaciones diferentes antes de decantarme por la carretera roja y el coche azul. El rojo tiene energía real y no intenta ser realista.

Steve Scott (Reino Unido)

Normalmente dibujo en Clip Studio y creo que los pinceles son muy importantes para darle a la imagen una sensación de dibujo a mano suelta. Puede obtener pinceles fácilmente en Internet para crear los suyos propios.

Steve Scott

Steve Scott (Reino Unido)

A lo largo de los años, parezco un círculo alrededor de mis  favoritos. Me encanta algo que tiene un toque un poco angustiado. Quiero un buen equilibrio de formas limpias con bordes ásperos.

También quiero una soltura en la imagen que aporta un enfoque dibujado a mano. Si una imagen se vuelve demasiado trabajada y demasiado clínica, se siente demasiado inerte. Quiero algo que tenga vida y energía. 

Steve Scott (Reino Unido)

Me gusta que mis imágenes sean un equilibrio entre limpio y sucio; hay tanto digital que es importante incorporar algo de analógico, así que agregué algunas texturas a los elementos y el fondo.

También es importante considerar el papel en el que se imprimirá. En algunos casos, el papel puede hacer el trabajo por usted, así que no se exceda.

Nate Kitch (Reino Unido)

Mira lo que te ha atraído de esa imagen / técnica, analiza lo que estás viendo y luego intenta replicar algo similar. Intentar capturar un elemento de una imagen fomenta la curiosidad creativa.

Nate Kitch (Reino Unido)

Cuando me contrataron para diseñar la portada de la edición centenaria de Penguin desde James Joyce Retrato del artista como un joven, inmediatamente tuve todo en mente, después de haber leído a Joyce religiosamente durante años. Sabía que debía confiar en mi intuición, ya que esa intuición se basaría en toda la investigación que ya había realizado.

La portada tenía que hacer un lazo en las solapas francesas y en el frente quería poner al protagonista en medio de un despertar poético, con los sombríos cielos irlandeses de repente volviéndose luminosos, tomando prestados los colores de cada sección del libro.

Lo dibujé en Photoshop, luego lo revisé con una caja de luz entintado con pincel y tinta cada parte por separado: los cielos, el mar, las rocas y el protagonista. Luego compuse todo junto en Photoshop, coloreé algunas de las líneas y pasé muchas horas renderizando los cielos para evocar varias escenas y temas del libro sin referencias explícitas.

Estoy seguro de que nadie mirará un grupo de nubes e identificará a los moocows, pero eso está más allá del punto: la atmósfera está ahí, los moocows están en el libro, completamente desarrollado en las palabras de Joyce que no necesitan ninguna ilustración.

Roman Muradov (EE. UU. / Rusia)

Es bastante fácil combinar lo digital y lo tradicional en estos días. Mi método es bastante directo. Esbozo digitalmente para tener control sobre la composición, mientras lo mantengo ligero, luego repaso el boceto en una caja de luz. Hoy en día trato de mantenerlo bastante simple, pero solía hacer cada forma con tinta y luego hacer un collage, ¡lo que me llevó semanas!

Roman Muradov

Roman Muradov (EE. UU. / Rusia)

Para mí, ser ilustrador es una oportunidad para cambiar las cosas e inspirar una conversación: una ilustración sólida es siempre una pregunta, más que una afirmación. Y eso es algo que siempre les pregunto a mis alumnos cuando critico sus ideas: ¿por qué no puede ser una fotografía? Idealmente, la respuesta debería ser diferente para cada pieza.

Roman Muradov (USA / Rusia)

Definiría mi estilo como un acto de equilibrio entre accidente y diseño. Siempre permito que sucedan cosas inesperadas, pero también termino editando cada bit, ya sea que la edición implique mover un pequeño detalle un píxel hacia la izquierda o volver a dibujar todo.

A menudo pienso en los sueños, no en su significado, sino en sus mecanismos. Como escribió Borges, solo tenemos recuerdos de sueños con los que trabajar, así que es este estado de casi recordar, de estar medio despierto lo que estoy tratando de evocar. Y, por lo tanto, visualmente, a menudo es una combinación de formas fuertes y nítidas y detalles sin terminar.

Roman Muradov (EE. UU. / Rusia)

Si desea que su ilustración digital se vea más cálida, incorpore elementos hechos a mano. Crea tus propios pinceles y texturas a mano, usando técnicas como estas.

Mar Hernandez (España)

[Una vez que haya perfeccionado su oficio], dedique más tiempo a pensar en la idea; composición, paleta de colores, texturas: todas estas cosas se definen antes de comenzar a dibujar la ilustración final.

(También hay ocasiones en las que experimento e investigo nuevas herramientas, y luego entra en juego la intuición).

Mar Hernandez (España)

Actualmente estoy usando y amando un pincel de uno de estos juegos realmente agradables hechos por el ilustrador israelí Assaf Benharroch, pero También utilizo los estándar de Photoshop para algunas piezas. Están totalmente bien.

Mar Hernández

Raúl Soria (España)

También uso texturas donde siento que encajan, pero no pude expresar con palabras cómo decido cuál va a dónde y por qué. Hay literalmente miles de horas de prueba y error detrás de todo.

Solía ​​poner una textura en cada forma y superficie. Ahora creo que ya no es necesario y a menudo dejo algunos elementos y fondos planos y limpios. De todos modos, depende de lo que esté haciendo y de cuánto tiempo quiero que me lleve. El trabajo de textura puede llevar un tiempo y volverse tedioso fácilmente.

Raul Soria (España)

He estado recopilando texturas durante los últimos cinco o seis años. La mayoría de ellos son de fabricación propia, y ahora tengo una biblioteca bastante grande y un poco caótica que renuevo de vez en cuando.

Solo necesito colocarlos una vez en un archivo PSD y el proceso se vuelve más rápido y sofocante. Luego los copio y pego de una forma a otra y de una capa a otra, jugando con su opacidad, cambiando sus colores, duplicándolos, usando un modo de fusión Multiplicar a veces, y así sucesivamente.

Raul Soria (España)

Soy bastante intuitivo a la hora de tratar el color. También trato de ser práctico y no perder demasiado tiempo probando diferentes combinaciones de colores, especialmente si el plazo es ajustado (como suele ser). En los últimos meses, configuré algunas paletas de colores para elegir, con 8-10 colores cada una, por lo que siempre tengo algo para comenzar cuando estoy trabajando.

Luego solo elijo uno, verifico si funciona, ajusto algunos de los tonos si es necesario y luego trato de reducir la cantidad de colores tanto como sea posible. Me gusta cuando puedo usar cada color al menos en dos lugares o elementos diferentes de la ilustración en la que estoy trabajando, por lo que la imagen final es de alguna manera armónica.

Raúl Soria (España)

La revista La Maleta de Portbou me pidió que hiciera una ilustración para acompañar un artículo de Toni Sala sobre el libro Don DeLillo Falling Man También me enviaron el texto final, que es algo que siempre encuentro bastante útil. Básicamente, el artículo trataba sobre el 11 de septiembre y tenía muchas referencias a las pinturas de naturaleza muerta de Giorgio Morandi 

. Pensé que podría ser apropiado tratar de representar el 11 de septiembre dentro de una pintura de Morandi, así que hice el primer boceto. Parecía que funcionaría, así que hice uno más preciso, le mostré la idea a la directora de arte y a ella le gustó, así que continué.

A continuación, creé todas las formas. No quería que se vieran súper limpios y precisos porque se suponía que todo representaba una pintura, así que volví a trazar los contornos rectos a mano.

Al mismo tiempo probé algunas combinaciones de colores. Quería que pareciera de alguna manera nostálgico y, por supuesto, la referencia de Morandi debería ser reconocible a primera vista. Y todo tenía que ser llevado a mi propio terreno y al final tenía que verse fresco, no demasiado sucio y quizás un poco lúdico, pero al mismo tiempo respetuoso con el tema con el que estaba trabajando.

Así que comencé con algunos colores de la última paleta con la que había estado trabajando y agregué un poco de marrón y beige, tratando de que pareciera un poco cremoso. La combinación no estaba funcionando muy bien, pero aparentemente lo suficientemente buena como para merecer ser salvada. En realidad, no estaba tan lejos de los colores que finalmente usé. Parece que instintivamente elegí algunos colores complementarios aquí.

Usé tres texturas. Usé lápiz, duplicando la capa varias veces, para todas las botellas, ambos bloques de piedra, el frasco y los hombros y el brazo de la figura. Usé tinta para el fondo y la cabeza negra, y acuarela para el piso.

Hice los trazos, el volumen y las sombras usando un pincel específico en diferentes tamaños para cada uno antes de refinarlo.

Esta es la obra de arte terminada.

Raul Soria (España)

Intento crear imágenes que tengan emociones. Me encanta experimentar con nuevas formas de dibujar y mezclo muchas técnicas. Pero es aún más importante centrarse en la historia que estoy contando: la atmósfera que creo y la emoción que expreso.

 Raúl Soria

Jun Chen (EE. UU.) 

Siempre hay espacio para la imaginación y la creatividad. A veces, el [artículo editorial que estoy ilustrando] y la ilustración pueden ser dos historias que comparten la misma idea central. Qué genial es tener una ilustración con apariencia de ciencia ficción para una historia de economía o una ilustración abstracta poética para una historia personal.

Jun Chen (EE. UU.) 

Esta ilustración Pushing Hands fue creada para un artículo llamado ‘Las bacterias son maestras de Tai Chi’ en la revista Nautilus y trata sobre cómo las bacterias se mueven y se deforman para desviar las fuerzas entrantes de otras bacterias. Fue una tarea editorial que me dio mucha libertad creativa.

Adopté un enfoque imaginativo que inicialmente se centró en la idea de equilibrio, fluidez y fuerzas neutralizadoras. En lugar de mostrar las bacterias literalmente, se me ocurrió la idea de crear dos personajes surrealistas con múltiples manos y trajes dramáticos que realizan empujones de manos.

La pieza trata sobre la interacción entre los dos personajes. Entonces llené todo el lienzo con los dos y sus brazos entrelazados.

Jun Chen (EE. UU.) 

Siempre es divertido agregar en secreto algo que me interesa en la pieza. Como estoy enamorada del estilo visual de la era del glam rock, me di cuenta de que podría poner un maquillaje dramático pesado con una sensación de glam rock en estos dos personajes femeninos. Fue un proyecto muy divertido.

Jun Chen (EE. UU.) 

Escribir palabras y conceptos en un papel, y conectarlos, me ayuda a definir un concepto para la ilustración antes de comenzar a dibujar bocetos muy toscos para tener una idea de la composición. Utilizo Guideguide, un plugin de Photoshop para crear cuadrículas para empezar a dibujar y adaptar la composición a las cuadrículas, trabajando con colores planos, la composición, formas y detalles [para crear toscos como este]. La construcción de diferentes capas es muy importante porque juego con diferentes texturas y opacidades con frecuencia.

Nicolás Valencia (España)

Luego paso a usar herramientas geométricas de Photoshop y la herramienta Pluma para corregir imperfecciones menores, antes de agregar texturas y pintar con pinceles digitales. Luego modifico los Niveles, el contraste o los colores para terminar.

Nicolas Valencia (España) 

La experimentación es fundamental porque encontrarás herramientas, texturas y colores que combinen con tu voz personal como ilustrador. También desarrollará un flujo de trabajo que le permitirá trabajar más rápido.

Nicolas Valencia (España) 

La paciencia es clave para crear una sensación ‘digital hecha a mano’, porque personalmente trabajo con muchas capas sobre capas con diferentes opacidades y texturas. Esto es fundamental para crear un trabajo coherente y estético.

Nicolas Valencia (España)

Mis pinceles digitales favoritos son de Kyle T Webster, es un ilustrador increíble que hace pinceles de Photoshop impresionantes.

Nicolas Valencia (España)

Para crear tonalidades, atmósferas, estados de ánimo y respuestas emocionales, he tenido que experimentar con los colores. En algún momento encontré colores que combinan con mis emociones y la voz personal de mis imágenes.

Creo que el color es el elemento más importante en mi trabajo: una buena elección de color puede llevar una imagen al siguiente nivel y una mala elección de color puede destruir una imagen.

Nicolas Valencia (SP)

La mayor parte de mi trabajo digital está directamente informado por las pinturas y dibujos que hago en mi estudio y cuaderno de bocetos, lo que significa que todo siempre comienza con 1 o 2 colores base. Poco a poco, empiezo a agregar sombras y profundidad para evocar ciertos estados de ánimo en relación con la pieza en la que estoy trabajando; a veces no se siente necesario.

Mi principal objetivo como artista ha sido simplemente tanto como sea posible, para contar la mayor parte de la historia con la menor cantidad de información. Trabajar en Photoshop me ha ayudado enormemente porque puedo usar herramientas de aerógrafo digital en varios elementos para hacer que desaparezcan, se mezclen o pasen al primer plano de la imagen, según lo que estoy tratando de decir.

Daniel Zender (EE. UU.)

Una imagen de dos colores puede sentirse inmediatamente extremadamente profunda y atmosférica al agregar leves luces o sombras a curvas específicas para separarlas de otros elementos de la imagen. Gran parte del trabajo que se realiza en mis obras de arte se basa en sumar y restar información para obtener el efecto deseado.

Daniel Zender

Daniel Zender (EE. UU.)

Para cualquier ilustración que hago, sigo prácticamente los mismos pasos. Siempre comienza con un concepto. No hago miniaturas en el sentido tradicional, generalmente mis bocetos se hacen primero en un tamaño de un cuarto de página. Esto no tiene mucho sentido cuando se trata de eficiencia en mi cuaderno de bocetos, pero por alguna razón es mejor para mí trabajar en cosas grandes y luego volver a entrar y ajustar al mismo tamaño.

Por lo general, hago de 8 a 12 bocetos, sin incluir variaciones en la composición de muchas de esas opciones. Luego escaneo TODO en

Daniel Zender (EE. UU.)

Hacer esto me permite comparar todo uno al lado del otro, y hacer mis propias ediciones antes de enviarlo al director de arte. Después del AD y me decido por un boceto, paso al final.

Recientemente, he adquirido el hábito de trabajar directamente sobre mi boceto aprobado en Photoshop. Esto es algo extraño, ya que los bocetos suelen ser bastante sueltos, pero ayuda a mantener algún tipo de coherencia entre el boceto aprobado y el arte final. 

Daniel Zender (EE. UU.)

Todos los elementos del arte se dibujan individualmente y se ensamblan [como en esta toma de trabajo en progreso]. Esto me permite hacer pequeños ajustes en el tamaño y la composición.

Utilizo una combinación de dos pinceles y un filtro secreto para lograr la calidad gráfica de mi trabajo. Se construye mucho y luego uso el modo de fusión de pincel transparente y el modo de fusión Disolver para construir formas y luego tallar cosas como una cuchilla exacta. Al separar los elementos individuales lo mejor que puedo, puedo cambiar de color, mover elementos y ajustar con la mayor flexibilidad, como un collage digital.

Por lo general, mis archivos de Photoshop terminan siendo 50-100 capas, aunque parecen simples (aunque muchas de esas capas están ocultas y descartadas cuando se aplanan).

Daniel Zender (EE. UU.)

Finalmente, cuando el arte está terminado, aplané todo para el AD. Antes de enviar, ajustaré el tono y la saturación para asegurarme de que la imagen final sea perfecta. A veces enviaré dos o tres variaciones de color de la imagen aplanada.

Daniel Zender (EE. UU.)

Intento evocar misterio y horror en mi trabajo, pero con un sentido del humor oscuro y una accesibilidad específicos. Creo que las cosas más extrañas y aterradoras ocurren cuando el espectador se da cuenta de que está sucediendo algo inesperado que no notó a primera vista. 

Daniel Zender (Estados Unidos)

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

12 consejos sobre arte vectorial geométrico

Tutorial de Photoshop: Cómo crear un efecto de serigrafía
Diseños geométricos

Los ilustradores destacados comparten sus consejos para perfeccionar obras de arte y patrones basados ​​en formas geométricas.

Crear colecciones

«Cree un archivo de formas geométricas a partir de dibujos que haya creado a mano. Esto le brinda una colección de ideas con las que jugar cuando trabaja. Últimamente he estado escaneando muchas formas geométricas dibujadas con reglas y otras herramientas, y combinarlas en un solo archivo de trabajo PSD para sumergirme en cuando estoy trabajando. Este proceso se siente más natural e integrado con mi otro trabajo de ilustración.

«Una ilustración que produje recientemente para Wrap Magazine se hizo con una combinación de estas formas junto con líneas curvas trabajadas. El póster de Disko Vraiment está hecho completamente con formas del archivo de trabajo sin dibujar nada de antemano.»

Rick Hedof (NL)

Usa tu imaginación

«Establecer las formas en Adobe Photoshop es un proceso de imaginar las formas en tres dimensiones. Cualquiera puede dibujar una gran cantidad de triángulos, pero hacer que sugieran una superficie redondeada, por ejemplo, es la tarea. Dibujo cada forma con la Herramienta de selección poligonal y relleno cada uno de los colores mencionados anteriormente en una capa separada si estoy siendo diligente para poder ajustarlos globalmente más adelante si me apetece.

liam brasero

«No hay una gran ciencia en las imágenes que creo. Rara vez esbozo la composición de antemano y prefiero moldear y dejar que evolucione durante la creación real (léase: diversión). Adobe Kuler es una gran herramienta para seleccionar paletas de colores limitadas – comenzando con un ‘oscuro’, un ‘medio’ y un ‘claro’, antes de trabajar en etapas / tonos complementarios en el medio. «

Liam Brasero (Reino Unido)

Herramientas prácticas

«Astute software hace que el perfecto plug-ins para experimentar con diseño geométrico en Adobe Illustrator. Vectorscribe con sus herramientas dinámicas esquinas y dinámico Shapes es una increíble pieza de kit. También el Colisionador Scribe plugines muy ingenioso y muy útil para crear elementos geométricos. Y la MirrorMe también puede ser muy útil para algunos «.

Loulou & Tummie (NL)

Superposición

«Al crear ilustraciones me gusta usar formas creadas con la herramienta de forma en Adobe Illustrator superpuestas. Me puse las formas de multiplicarse en la ventana de la transparencia. A continuación se utiliza la herramienta Pathfinder para sumar y restar las formas de cada uno otros. De esta manera puedo crear patrones dentro de las formas «.

PATRICK HRUBY

Patrick Hruby (Reino Unido)

Inspiración en el bocetos

«Para mí, usar un cuaderno de bocetos es esencial para mantener un flujo de trabajo constante. Necesito una gran cantidad de dibujos. Así que puedo estar seguro de que, cuando hojee las páginas de mi cuaderno de bocetos, Siempre encuentro algunas pequeñas ideas que merecen una contemplación más de cerca y que inspirarán nuevos trabajos «.

Romano Klonek (GE)

Obtener las manos

«jugar con las formas artesanales como alternativa a trabajar de forma digital. La mayor parte de mi trabajo es hecho a mano por el dibujo y corte numerosos trozos de papel que tengo pintados a mano. Montaje de estas piezas cortadas en pedazos en una composición, utilizó adhesivo en aerosol para mantener todo en su lugar antes de escanear el papel terminado cortado en Photoshop y retocar cualquier pequeña imperfección «.

Ellen Giggenbach

Ellen Giggenbach (NZ)

Líneas paralelas

«Aunque mi trabajo terminado es completamente digital, el boceto a mano es muy importante para mi proceso. Comenzando con los primeros bocetos en miniatura, trato de resolver las geometrías aproximadas de mis formas principales y hacer que se reproduzcan bien juntos. Una vez en la computadora, puedo comenzar a afinar los detalles de curvas y ángulos particulares y lograr que todo encaje.

«Un truco que la mayoría de los diseñadores tratan como una segunda naturaleza, pero que creo que es tan importante para los ilustradores que trabajan geométricamente, es asegurarse de que los elementos se alineen entre sí o corran en paralelo. Este tipo de precisión imbuye a la imagen de un sentido de orden subliminal.

«Aunque mi trabajo es muy geométrico, en realidad me siento más cómodo trabajando principalmente en Photoshop a alta resolución y me parece un entorno muy natural en el que crear mis formas, utilizando mi boceto a mano como guía. Utilizo Illustrator para creo ciertos elementos repetitivos, como los puntos de la esfera de un reloj, pero siempre los vuelvo a importar a mi imagen de Photoshop «.

Jesse Lefkowitz (EE. UU.)

Trabajar con cuadrículas

«Con la creación de formas y patrones geométricos, sigo un método y sistema que he usado durante años. Por lo general, para comenzar, crearé una cuadrícula con la herramienta de línea en Illustrator y mientras manteniendo presionada la tecla alt, duplica las líneas hasta que la cuadrícula esté hecha. A partir de ahí, sirve como una herramienta perfecta para experimentar con la geometría. Hay un montón de herramientas rápidas como la mezcla y la herramienta de tijera que se pueden usar para experimentar con formas «.

Gordon Reid

Gordon Reid (Reino Unido)

No se salte el boceto

«La etapa de boceto es de vital importancia, sin importar cuán controlada y no asociada pueda ser la obra de arte final. Los bocetos iniciales pueden conducir a formas completamente diferentes de resolver cómo funciona una línea o forma dentro de la ilustración y también amplíe su estilo, pasando por herramientas de software preestablecidas. El mayor desafío para mí siempre ha sido mantener la calidez y la fluidez del boceto y llevarlo al trabajo final. ¡A menudo prefiero el boceto! «

Edward McGowan (Reino Unido)

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

34 consejos para convertir tu arte y gráficos en increíbles GIF animados

6 ilustradores revelan cómo convertir obras de arte en GIF animados divertidos, encantadores, poderosos o divertidos en Illustrator, Photoshop o After Effects.

Si no tiene experiencia en la creación de GIF, comience combinando dos o tres imágenes diferentes. Por ejemplo, crea un botón de interruptor que, cuando se presiona, enciende las luces y viceversa.

Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)

Los elementos básicos de un GIF llamativo son un lenguaje sencillo y un movimiento dinámico que se adapta al estado de ánimo del concepto y el mensaje.

Por ejemplo, un buen GIF a veces puede ser realmente divertido y lleno de dinamismo, o puede tener un movimiento realmente lento y suave que describa la sensación detrás de las imágenes en movimiento.

Fausto Montanari (Italia) & Nikolay Ivanov (Bulgaria)

Comenzamos a desarrollar el concepto para este GIF usando el logo del cliente como referencia principal. Queríamos recrear el estilo de la ilustración y mantener el mensaje que trae. Representaba una casa móvil que tiene cuatro ruedas, chimenea y humo saliendo de ella, lo que representa la comodidad de una casa. Las personas detrás del logotipo son un grupo de entusiastas que tienen el objetivo común de ayudar a las personas sin hogar a recuperarse. Les están encontrando un lugar para vivir, ayudándoles a conseguir un trabajo, para que puedan volver a estar bien.

Fausto Montanari

El desafío aquí fue crear una imagen que sea lo suficientemente simple para transmitir fácilmente el mensaje y lo suficientemente seria para ilustrar el tema. También tenía que darle al espectador la oportunidad de usar su imaginación para imaginar lo que está sucediendo a continuación.

Con la animación, era importante hacer que la actuación del personaje se sintiera auténtica. Los pequeños gestos, la parada repentina y la mirada confusa son importantes para transmitir los sentimientos de un hombre perdido. Todos los pequeños detalles en la creación del ambiente dinámico son importantes para lograr una historia conmovedora, a pesar de que no hay sonido y tiene una duración realmente corta.

Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)

Siempre comience con la acción principal y nunca trabajé en varias tareas al mismo tiempo, porque se confundirá. Intente animar escenas complejas paso a paso.

No es necesario animar todos los objetos en la pantalla para hacerlo poderoso. A veces, un simple movimiento puede ser más que suficiente.

Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)

Si quieres hacer un GIF que cuente una historia, necesitas saber exactamente qué tendrás que animar cuando hagas la ilustración. Debes pensar en tu GIF como en una pequeña película con una trama.

Haga un guión gráfico para que pueda seguir la historia más fácilmente, o para que el animador con el que trabaja pueda ver claramente lo que está sucediendo en la historia.

Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)

A veces puede ser un gran desafío mantenerse dentro del estado de ánimo. Ya sea que un GIF sea divertido, triste, aterrador, rápido o lento, se trata de las decisiones que tomas como artista para crear una buena historia.

Fausto Montanari (Italia) y Nikolay Ivanov (Bulgaria)

Todo comienza con una idea. En este caso, me desperté una mañana y quería animar a un alce corriendo por la naturaleza. Pero en lugar de un fondo en movimiento, quería que todo el GIF en bucle fuera desde una perspectiva estacionaria. Así que se tuvo que crear algún tipo de máquina, que ‘simulara’ el mundo natural alrededor de ese alce.

Rafael Varona (Alemania)

Si bien algunas partes del fondo se animaron con interpolaciones de movimiento simple en After Effects, otras se crearon con un buen dibujo antiguo fotograma a fotograma.

Para que su animación sea lo más realista posible, elija el mejor ejemplo de la naturaleza que pueda encontrar, en este caso el famoso Caballo Muybridge , y copie su movimiento.

Rafael Varona

Siempre trato de agregar más detalles en cada nuevo cuadro como sea posible, lo que debería complacer al espectador a medida que descubre cosas nuevas dentro de cada bucle.

Rafael Varona (Alemania)

Creé una gran ilustración de escaparate para un fabricante de gafas con sede en Berlín llamado Mykita. Una vez hecho, me pidieron que hiciera un par de GIF en bucle para su proyecto anual de caridad con el mismo estilo. Comencé a desarrollar algunas ideas sobre cómo incorporar el pensamiento detrás de las diferentes organizaciones benéficas y cómo animar las ilustraciones y hacerlas emocionantes y visualmente atractivas.

Rafael Varona (Alemania)

La organización benéfica detrás de estos GIF está enseñando a personas ciegas la técnica de la ecolocalización, que les permite incluso andar en bicicleta. Era obvio colocar un personaje en una bicicleta en el centro.

Su cabello y su camisa estaban animados fotograma a fotograma. Para el fondo, utilicé una técnica muy fácil para crear una agradable sensación de profundidad: creé un par de capas con árboles y flores adicionales y agregué una interpolación de movimiento de izquierda a derecha. Cuanto más lejos esté el objeto, menor será la velocidad. Esta técnica, conocida como paralaje, le permite crear un fondo en movimiento realista.

Rafael Varona (Alemania)

Para crear GIF, primero abro un nuevo archivo (antes usaba Flash, pero ahora me gusta hacer animaciones en Photoshop). Creo una nueva capa de video y comienzo a dibujar una forma. Dibujo un movimiento cuadro por cuadro. Intento hacerlo interesante y volver al primer cuadro. Una vez que hay un bucle, lo exporto a After Effects, donde duplico el bucle y lo trato como una especie de bloque LEGO animado.

Construyo algo con los bloques y, a veces, también combino otros bucles. Juego con los tamaños, la rotación y la posición de los bucles, pero también con la forma en que se relacionan entre sí en la línea de tiempo: no comienzan y terminan al mismo tiempo. Lo que termino con es una escultura abstracta muy orgánica que está en constante movimiento. Lo exporto como un archivo MOV y lo llevo de regreso a Photoshop, donde lo guardo como un GIF (usando Legacy – Save for Web para mayor control).

Ori Toor (Israel)

Recuerda adoptar la estética GIF. Tendrá que comprometer la calidad de la imagen para crear un GIF que sea compatible con la mayoría de las plataformas web. Eso significa que tendrás que crear algo que sea muy corto, que tenga una paleta limitada o que sea muy rico pero luego muy comprimido. No espere hacer una animación HD de 10 segundos con toneladas de color. Mire las pautas de Tumblr y prepárese con anticipación.

Ori Toor (Israel)

No hay una única forma de ganar atención y popularidad como creador de GIF; aquí no hay absolutamente ninguna regla. He visto GIF que se utilizan como imágenes promocionales en movimiento, una alternativa a un video musical (muy parecido a un video con letras) y, a veces, una ilustración editorial. También son un subgénero del videoarte.

Ori Toor

Mi experiencia me enseñó que es mejor para mí abordar cualquier proyecto de arte sin saber exactamente lo que estoy haciendo. Si tengo una idea general, es mejor mantenerla vaga y comenzar a trabajar de inmediato y no desarrollarla demasiado de antemano con bocetos y cosas por el estilo. Con los GIF no es diferente.

Ori Toor (Israel)

El principal don mágico de la ilustración es crear algo que no existe en la vida y te da absoluta libertad. Especialmente con Poltergeist en la serie que trabajé recientemente.

Tumblr me encargó que trabajara en el Poltergeist lanzamiento de la película. Me enviaron algunas imágenes de la película y el tráiler. El escrito fue muy gratuito: enviaron una referencia de un dibujo que había publicado anteriormente en mi blog y pidieron usar este estilo de grabado específico, así que me inspiré en un momento en el tráiler donde la adolescente de la familia tenía su teléfono poseído por el poltergeist.

En primer lugar, les envié esta animática para que pudieran ver el movimiento y dar su aprobación.

Laurène Boglio (FR / Reino Unido)

Lo incorporé a este GIF, pero Tumblr decidió simplificarlo eliminando los mensajes, lo cual me hizo muy feliz [resultados en la página siguiente].

Laurène Boglio (FR / UK)

Laurene boglio

Crear GIF es muy simple en Photoshop. Solo necesita estar organizado en sus capas y ser bastante paciente porque Photoshop es muy sensible y, a veces, mover la capa incorrecta podría arruinar toda la animación.

Laurène Boglio (FR / UK)

Snow Globe es mi reciente pieza inspirada en la Navidad. A diferencia de mis piezas habituales en las que planeo una escena meticulosa, mi objetivo era hacer un GIF más simple que transmita una idea rápidamente.

Nancy Liang (Australia)

Siempre comienza con bocetos y planificación. Hago un borrador usando miniaturas dibujadas rápidamente y apunto notas para la animación; necesito saber cómo se ve aproximadamente y necesito enumerar lo que se debe animar y cómo se hará.

Una vez que esté organizado, comenzaré el proceso de renderizado. Esto implica el dibujo y corte de elementos de ilustración que luego se escanean y organizan en Photoshop.

Una vez que estoy satisfecho con mi imagen estática, paso al proceso de animación.

Nancy Liang

Mi animación está muy controlada. Para mí, la organización es la clave absoluta del éxito: todo debe nombrarse en consecuencia y es especialmente importante clasificar los elementos animados de los fijos.

Nancy Liang (Australia)

Lo bueno de hacer GIF para un cliente es que ya tiene una idea, solo necesita que alguien se dé cuenta. Con eso en mente, el proceso de hacer un GIF para un cliente es bastante similar al de una ilustración fija: la planificación inicial y los bocetos, luego la fase de renderizado y animación y las revisiones posteriores.

Nancy Liang (Australia)

El principal desafío es la atención al detalle, especialmente durante la animación. Mi proceso es bastante laborioso, implica mover elementos fotograma a fotograma, por lo que cuando un fotograma se apaga, todo también se apaga. Si un cliente no está de acuerdo con cierto movimiento, a veces significa volver a realizar todo el movimiento desde cero.

Nancy Liang (Australia)

Para minimizar esta probabilidad, tengo que ser lo más específico posible conmigo mismo y con el cliente en la etapa de planificación, asegurándome de que ambos estemos en la misma página. Ah, y administrar el control de versiones, eso es útil.

Nancy Liang (Australia)

Uno de los proyectos más interesantes en los que he trabajado es el cambio de marca de la empresa de datos Quantcast. El estudio de diseño JaegerSloan me ayudó a crear GIF con patrones de bucle, que la empresa podría usar dentro de su logotipo. Estos GIF comunican los valores de la marca y los tipos de comportamiento que pueden medir en línea.

Te hablaré de uno de estos GIF, que se creó para comunicar las compras en línea. Al ser parte de un cambio de marca más grande, los GIF tenían que ser claros y concisos y seguir la paleta de colores de la marca.

La primera etapa fue la conceptualización de la pieza y la creación de la ilustración. Comenzó como un encargo de ilustración habitual, primero con bocetos, luego se desarrolló en Illustrator para que el cliente lo firmara. La diferencia fue que el archivo se configuró para que estuviera preparado para animar: todas las capas estaban separadas y etiquetadas.

Una vez firmado, es hora de llevarlo a After Effects. ¡Aquí es donde se pone divertido! Sabía aproximadamente lo que quería que hiciera la animación: los elementos se despliegan, la caja se pliega y la cinta se da vuelta. Pero, ¿en qué orden sucede esto? ¿Qué tan rápido caen los artículos? ¿Cómo se mueven los objetos cuando caen y rebotan? Todos estos se juegan en la etapa de animación. Este GIF en particular pasó por tres rondas de revisiones, en su mayoría afinando el tiempo, para obtener la pieza terminada.

Se trata de aprovechar al máximo la flexibilidad del medio digital. Las ilustraciones tradicionales son geniales, pero los GIF pueden ser realmente divertidos, atractivos e inteligentes. Comercialmente, he creado GIF para trabajos editoriales, redes sociales e incluso marcas. Para mí, los GIF más atractivos son los que se repiten de forma fluida e infinita, con mucho movimiento y alegría.

En mi opinión (sesgada), la ilustración puede comunicar un mensaje muy específico o un concepto complejo de una manera destilada, conmovedora, divertida o única, o todo lo anterior. Puede tener una voz muy distinta, lo que creo que la separa de la fotografía tradicional.

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

31 Consejos para el diseño de patrones repetidos

31 Consejos para el diseño de patrones repetidos

Los ilustradores y diseñadores destacados discuten sus técnicas para crear hermosos patrones utilizando su elección de Photoshop, Illustrator, bolígrafos, pinturas o lápices.

Yehrin Tong (Reino Unido)

Yehrin Tong crea patrones hipnóticos e ilustraciones tipográficas ganó el premio V&A Book Cover Illustration Award en 2015 por su portada de The Book of Strange New Things.

«Estudié diseño gráfico en Central St Martins, pero la mayor parte de mi aprendizaje fue después de la universidad a través de proyectos en los que trabajé para amigos. Tuve la suerte de encontrar trabajo en proyectos comerciales que ayudaron a armar un folio. Uno de ellos fue crear algunos patrones para una marca de ropa de calle llamada Maharishi. Uno de los primeros patrones que diseñe todavía está siendo utilizado por diferentes compañías en varios productos, lo cual es tranquilizador».

Yehrin Tong

«Disfruto del diseño de patrones por la misma razón por la que encuentro divertidos los rompecabezas, hay algo realmente satisfactorio y hermoso en encontrar el orden en el caos».

Se extiende desde ser un fanático del diseño desde la década de 1920 hasta, más recientemente, amar la naturaleza gráfica del arte indígena.

Al crear patrones, recuerde alejarse y tener una idea de la vibra general del patrón y lo que otras personas extraen de él cometí el error de entrar en detalles elaborados solo porque disfruté usando una técnica. Es fácil dejarse llevar y terminar con un desenfoque gris por demasiados detalles. A veces es mejor mantener las cosas simples y limpias.

Piensa en la fluidez de la pieza, debe fluir de manera rítmica y su ojo debe poder seguirlo fácilmente. Intento tejer una pieza tanto como sea posible para que se vea perfecta.

Intento tener una idea de cómo se verá un patrón en un producto final. Hay muchas aplicaciones 3D que te ayudarán a visualizar esto. Lo que se ve muy bien plano en su pantalla bien podría ser un fracaso una vez que se convierte en una bolsa o se envuelve alrededor de una botella.

En los últimos meses, disfruté mucho trabajar con la directora de arte Hannah Wood en una serie de portadas de libros para el 40 aniversario de Virago Modern Classics. Fue muy desafiante, ya que supuse que querían patrones de repetición sencillos, pero en realidad también querían un diseño que enmarcará sus cuadros de texto.

Fue una lucha encontrar la manera de que todos los patrones se adaptaran al diseño. A pesar de lo desafiante que fue, realmente disfruté trabajar en él por esa razón y creo que el set parece único para él. Me dieron rienda suelta para hacer lo que quisiera dentro de la plantilla, así que la usé como una oportunidad para probar diferentes enfoques para la creación de patrones para cada libro. El resultado es ecléctico pero claramente mi estilo.

El proyecto de patrones más difícil en el que he trabajado fue para Bombay Sapphire. Se esperaba que produjera una imagen detallada que representara su campaña “Infundida con imaginación” hecha de solo cinco tamaños de puntos. Fue reproducido como una enorme escultura usando cinco tamaños diferentes de cristales, así que tuve que ser increíblemente preciso. Era como producir joyas a gran escala.

Dan Funderburg (EE. UU.)

Dan Funderburgh es un ilustrador y diseñador de papel tapiz con sede en Brooklyn para el estudio Flavor Paper. Los papeles pintados se han presentado en el Museo de Arte y Diseño y forman parte de las colecciones permanentes del Museo Cooper-Hewitt y Brooklyn.

«Mi trabajo en indumentaria requería que aprendiera a hacer patrones para textiles. Primero me enamoré del camuflaje, sus increíbles variedades. Esto llevó a estampados florales y botánicos y luego a paislies y damascos. Me di cuenta de que hacer una repetición para una sudadera con capucha era genial, pero quería algo más grande y más permanente. Tuve la suerte de encontrarme con Flavor Paper, una impresora de papel tapiz que comparte mi afinidad por el arte mural hermoso y extraño». Dan Funderburg (EE. UU.)

No sé exactamente por qué me encanta el diseño de patrones, quizás la juventud que pasé haciendo graffitis terribles me hizo apreciar la idea de ocupar un espacio. 

Diseñar papel tapiz lo permite. El patrón se convierte en el entorno: puede expandir y alterar un espacio, pero en este caso legalmente y con suerte con la estética y la consideración que el espacio merece.

Lo que tengo que recordar constantemente es recordar la escala de la pieza terminada. Odio desperdiciar papel, pero es una necesidad total tener una muestra física para sostener o pararse al lado.

Respeta el espacio negativo. Muchos de nosotros sentimos la compulsión de llenar hasta el último centímetro, pero el espacio para respirar es bueno. Especialmente si está haciendo un papel tapiz para un espacio habitable. Puede volverse claustrofóbico.

Cuando te quedas atascado, la respuesta suele ser mirar el arte de otras personas.

Encuentro inspiración en la historia del arte decorativo en todas sus formas. No es necesario que sea antiguo u oscuro. Libros sobre ornamentación, Libros sobre textiles, El Museo Metropolitano, los detalles arquitectónicos de los edificios. Me encantan los motivos desiguales y contradictorios que ves en cada esquina de la ciudad.

El hotel Wythe me encargó la creación de un papel tapiz basado en la historia del edificio. Siguen siendo uno de mis clientes favoritos porque me dieron el tiempo y la libertad para construirlo exactamente como me pareciera conveniente.

«Terminé pasando casi seis meses y diseñando tres patrones diferentes, uno para cada iteración del edificio, primero alrededor del cambio de siglo era una tonelería, en los años 40 fabricaba ropa y cuerdas para barcos, y actualmente es un hotel elegante en el norte de Brooklyn». Dan Funderburg (EE. UU.)

«Probablemente he bloqueado de mi memoria los proyectos más dolorosos. Sí sé que cada vez que intento ilustrar un toile de jouy termina volviéndome un poco loco tratando de imitar los papeles pintados de estilo grabado. Ahora soy un poco mejor en eso, pero todavía significa que no puedo dormir. Simplemente no hay filtro, no hay sustituto para poder dibujar realmente bien, y es una batalla perdida comparar uno mismo con los grabados de los maestros del siglo XIX». 

Dan Funderburg (EE. UU.)

Lotta Kühlhorn (SE)

Para crear un patrón repetitivo llamativo, primero dibuje una variedad de motivos y formas a mano. No tengo una caja de luz, en su lugar utilizo dos bolígrafos de diferentes grosores y un bloc de papel de dibujo transparente del tamaño de una carta para trazar formas y motivos directamente de mis fotografías.

«Solo trazó los contornos: los contornos alrededor del objeto real y los contornos alrededor de las luces. Una cosa importante acerca de esta técnica en particular es que no debe haber interrupciones en la línea; cada motivo debe estar completamente contenido. De lo contrario, el color se ejecutará cuando complete el objeto en la computadora. Es fácil pasar por alto un espacio, pero puede completarlo más tarde en Photoshop».

Lotta Kühlhorn

«Normalmente, cuando escaneo mis dibujos, hago las líneas negras y elimino los parches del papel ajustando los niveles en Photoshop. Aplico diferentes controles, para que el negro se vuelva aún más negro y el blanco aún más blanco».

Divido las imágenes si resulta necesario para poder usar Photoshop, de modo que cada parte del motivo que tenga el mismo color se convierta en una imagen separada en una capa.

Cree tres originales diferentes (por ejemplo, para la lata de sardinas, elegí uno para las cosas que van a ser rosa, uno para el negro y otro para el amarillo). Colorea de negro en el área que es sólida usando el bote de color en Photoshop.

Es en esta etapa que la línea debe ser sólida para que el negro no ocupe toda la página. Continúe desmontando imágenes y guárdelas nuevamente de tonos de gris a blanco y negro. Espere hasta que haya ensamblado el patrón antes de comenzar a colorear.

Dinara es una ilustradora y diseñadora autodidacta, originaria de Uzbekistán, pero que ahora vive en Ohio. Recientemente ha publicado un libro de arte de grabado para niños, Hidden Forest.

Crear patrones para mí es como jugar un rompecabezas mental, como construir Lego o jugar al Tetris el ritmo de cada patrón depende de cómo se vaya a utilizar y el propósito del mismo.

Cuando diseño algo para papel tapiz, necesito asegurarme de que la repetición se vea uniforme y suave en una pared de 8 pies.

Dinara Mirtlipova (UZ)

Cuando se trata de una tela, la escala no es un gran problema, pero los colores pueden serlo, así que evito combinar tonos similares. Si pones rosa al lado de naranja, o azul cielo y azul bebé uno al lado del otro, probablemente aparecerán del mismo tono una vez impresos en una tela.

En mi tiempo libre me gusta el «patrón libre». No es un término técnico, simplemente se me ocurrió. Eso significa que sin un plan en mi cabeza: simplemente creo un cuadrado de 6×6 pulgadas y empiezo a crear un patrón.

Me gusta usar ilustraciones existentes y experimentar con ellas para hacer patrones; es un ejercicio divertido. Es como un caleidoscopio: cada vez que cambio o agrego un elemento, el aspecto general de un patrón cambia drásticamente.

Abigail Borg (Reino Unido)

Abigail es diseñadora e ilustradora de patrones de superficie, que anteriormente ganó el premio al Mejor Diseño Británico de Patrones y el nuevo Diseñador del Año.

No tengas miedo de experimentar con el color. Olvídese de las reglas sobre qué colores deben y no deben verse juntos. Si crees que funciona, hazlo.

Juegue con su diseño y, a menos que tenga una fecha límite de cliente, no se apresure.

Las repeticiones pueden ser complicadas, a menudo me resulta útil volver a los diseños días o semanas después de comenzar y mirarlos nuevamente con ojos nuevos para averiguar hacia dónde se dirigen.

Tómese su tiempo para experimentar con elementos que en su cabeza cree que no están juntos. No se limite ni intente planificar previamente de qué elementos desea que se componga su repetición.

Quizás podría comenzar un patrón y decir ‘Quiero que esto incluya rosas y peonías y eso es todo’. Es difícil imaginar cómo se verá el patrón final y, en mi caso, a menudo las repeticiones más llamativas son completamente accidentales.

Abigail Borg (Reino Unido)

Rachel Cave (Reino Unido)

Rachel es una diseñadora de patrones independiente con sede en Londres que se especializa en crear patrones a medida para artículos para el hogar, textiles, moda y más.

Todas mis obras de arte comienzan en Illustrator, ya que prefiero sumergirme directamente y comenzar a crear formas con la herramienta Pluma. A veces puedo hacer algunos bocetos de diseño rápido, pero generalmente juego con formas e ideas de patrones en la computadora.

Rachel Cave

«Con la herramienta Pluma, empiezo diseñando las formas básicas del patrón, que generalmente son diseños florales o geométricos. También utilizo la barra de herramientas de textura que tiene algunos efectos geniales, como carboncillo, lápiz y pincel. Mi estilo tiene un aspecto gráfico plano muy simple, pero es bueno jugar con estas texturas».

Rachel Cave (Reino Unido)

Una vez que se dibuja y colorea cada elemento, dependiendo de cómo quiero que se vea el patrón, simplemente lo repetiré hasta que haya creado un resultado con el que esté satisfecho.

Un consejo realmente útil es usar las ‘Guías’ en Illustrator. Estos le ayudan a medir con precisión una muestra repetible, lo que lo convierte en un patrón que se repite perfectamente.

Rachel Cave (Reino Unido)

Tengo una biblioteca o un trabajo. Siempre es muy útil conservar todo lo que diseñas, ya que siempre sabrás cuándo querrás devolverlo y reutilizarlo. 

Se pueden volver a trabajar y colorear muchos diseños; además, siempre es útil mantener sus ideas de diseño como material de referencia.

Rachel Cave (Reino Unido)

Mary Tanana (EE. UU.)

Mary es una diseñadora con experiencia en moda, y después de una carrera como diseñadora de joyas, ha abrazado su amor por el diseño de superficies y patrones y la ilustración.

Recuerdo que uno de mis profesores de ilustración me dijo en la universidad: «No hiele el pastel antes de que esté horneado: todavía me adhiero a esta filosofía al diseñar mis patrones.

Realmente dedico mucho tiempo al diseño, o los huesos de  cada patrón. Empiezo a diseñar en blanco y negro, ya que me resulta demasiado confuso agregar color de inmediato.

Mary Tanana (EE. UU.)

Una vez que el diseño está listo, agrego color. El color debe distribuirse de manera uniforme, por lo que utilizo el herramienta de zoom para comprobar mi patrón en una vista en miniatura para comprobar el equilibrio. Dedico mucho tiempo a ajustar mis combinaciones de colores para que sean las correctas.

Mary Tanana (EE. UU.)

Una vez que finalice mis colores, realizó una prueba de puntos para ver cómo reaccionan cada color entre sí. Esto me ayuda a diseñar impresiones complementarias y me ayuda a ahorrar tiempo.

Mary Tanana (EE. UU.)

Lesley Todd (Reino Unido)

Lesly Todd dirige un estudio de diseño de patrones de superficie, Finch Five, de Cheshire, Reino Unido.

Crea la ilusión de variedad en su patrón volteando un motivo repetido, girándolo o dándole un color diferente.

Lesley Todd (Reino Unido)

Me encanta agregar textura y patrón a mis motivos, pero es importante recordar que Adobe Illustrator solo le permitirá tomar una forma con un relleno de patrón en la herramienta de creación de patrones si primero expande el patrón. ¡Me tomó un tiempo darme cuenta de eso!

Lesley Todd (Reino Unido)

Es muy divertido jugar con la herramienta de patrones de Adobe Illustrator. Cuando creo un patrón, creo que los resultados más dinámicos e interesantes se obtienen cuando utilizo varios motivos.

Lesley Todd (Reino Unido)

Leslie A Wood (EE. UU.)

Leslie Wood es una ilustradora con sede en Brooklyn que produce un trabajo colorido y vibrante para clientes editoriales como Buzzfeed, Reader’s Digest y Anorak Magazine.

Dibuje formas algo básicas y luego construya el diseño colocando individualmente las formas capa por capa en Photoshop. Aunque consume mucho tiempo, el efecto es más interesante que un patrón de repetición estándar. Creo una capa para cada forma y luego copio y pego cada una para ver cómo encajan.

Es útil tener al menos cinco formas para que pueda haber una buena variedad dentro de la composición: la misma forma nunca aparecerá una al lado de la otra. Dejar espacio entre las formas también proporciona flexibilidad para volver y dibujar detalles más pequeños para ayudar a equilibrar la imagen general.

Leslie A Wood (EE. UU.)

Siempre hago varios bocetos cuando estoy trabajando en una nueva ilustración, pero lo encuentro especialmente útil cuando estoy desarrollando un nuevo patrón, ya que me ayuda a determinar qué diseño será el más exitoso. 

Leslie A Wood (Estados Unidos)

Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.

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