Ilustradores de todo el mundo que trabajan digitalmente o con medios mixtos nos revelan cómo crean sus mejores trabajos, incluido dónde encuentran sus pinceles y texturas.
Siempre uso una cuadrícula que ayuda con las formas y composiciones básicas. Una vez que estoy satisfecho con mi boceto, lo trazó con un delineador. En este caso, es un pincel delineador fino.
Todavía quiero tener la misma sensación en el proceso, aunque ahora es totalmente digital. En el proceso anterior, necesitaba eliminar las líneas de lápiz borrándose para que solo mantuviera las líneas finas.
Como todavía no estoy acostumbrado a colorear todo en mi iPad, transferir el dibujo lineal a Photoshop.
Levi Jacobs (Países Bajos)
Dibujo la línea de trabajo a mano y luego coloreo la obra de arte digitalmente usando Photoshop. Esto le da a la ilustración un toque artesanal.
A menudo también me gusta agregar algo de textura en el color para darle un aspecto más serigrafiado o impreso en riso.
Levi Jacobs (Holanda)
Llevo el trabajo a Photoshop y coloreo el dibujo de líneas archivando los espacios con la herramienta Cubo. Luego retoco los colores como los quiero. A menudo me gusta más la ilustración sin contornos, pero selecciono la capa del contorno y coloreo la línea del mismo color que el relleno. Es un proceso que requiere mucho tiempo.
Una vez que se quita el trabajo de línea, aplicó sombreado para dar a las formas planas algo de textura y plasticidad. También me gusta agregar más textura al resto de la ilustración para equilibrar el sombreado.
Levi Jacobs (Holanda)
Esta es la pieza final tal como fue publicada, en forma editorial.
Levi Jacobs (Holanda)
Normalmente empiezo investigando un poco sobre el tema y luego dibujó algunas miniaturas antes de enviar dos bocetos que me gustaron. Uno fue dibujado desde atrás con el automóvil conduciendo hacia una hermosa puesta de sol mientras que el otro estaba arriba, con un fuerte diseño diagonal.
Ambos tenían sentido del impulso, pero la imagen final es un poco más clara en términos de narración. Podemos ver que está feliz, y el equipo de oficina que se derrama en la calle da una sensación de libertad y liberación al mismo tiempo que proporciona un interés visual adicional al romper las líneas diagonales de la composición.
Steve Scott (Reino Unido)
A continuación, se muestran los brutos de colores. Quería que la imagen se sintiera alegre y contundente. Así que pruebo algunas variaciones diferentes antes de decantarme por la carretera roja y el coche azul. El rojo tiene energía real y no intenta ser realista.
Steve Scott (Reino Unido)
Normalmente dibujo en Clip Studio y creo que los pinceles son muy importantes para darle a la imagen una sensación de dibujo a mano suelta. Puede obtener pinceles fácilmente en Internet para crear los suyos propios.
Steve Scott (Reino Unido)
A lo largo de los años, parezco un círculo alrededor de mis favoritos. Me encanta algo que tiene un toque un poco angustiado. Quiero un buen equilibrio de formas limpias con bordes ásperos.
También quiero una soltura en la imagen que aporta un enfoque dibujado a mano. Si una imagen se vuelve demasiado trabajada y demasiado clínica, se siente demasiado inerte. Quiero algo que tenga vida y energía.
Steve Scott (Reino Unido)
Me gusta que mis imágenes sean un equilibrio entre limpio y sucio; hay tanto digital que es importante incorporar algo de analógico, así que agregué algunas texturas a los elementos y el fondo.
También es importante considerar el papel en el que se imprimirá. En algunos casos, el papel puede hacer el trabajo por usted, así que no se exceda.
Nate Kitch (Reino Unido)
Mira lo que te ha atraído de esa imagen / técnica, analiza lo que estás viendo y luego intenta replicar algo similar. Intentar capturar un elemento de una imagen fomenta la curiosidad creativa.
Nate Kitch (Reino Unido)
Cuando me contrataron para diseñar la portada de la edición centenaria de Penguin desde James Joyce Retrato del artista como un joven, inmediatamente tuve todo en mente, después de haber leído a Joyce religiosamente durante años. Sabía que debía confiar en mi intuición, ya que esa intuición se basaría en toda la investigación que ya había realizado.
La portada tenía que hacer un lazo en las solapas francesas y en el frente quería poner al protagonista en medio de un despertar poético, con los sombríos cielos irlandeses de repente volviéndose luminosos, tomando prestados los colores de cada sección del libro.
Lo dibujé en Photoshop, luego lo revisé con una caja de luz entintado con pincel y tinta cada parte por separado: los cielos, el mar, las rocas y el protagonista. Luego compuse todo junto en Photoshop, coloreé algunas de las líneas y pasé muchas horas renderizando los cielos para evocar varias escenas y temas del libro sin referencias explícitas.
Estoy seguro de que nadie mirará un grupo de nubes e identificará a los moocows, pero eso está más allá del punto: la atmósfera está ahí, los moocows están en el libro, completamente desarrollado en las palabras de Joyce que no necesitan ninguna ilustración.
Roman Muradov (EE. UU. / Rusia)
Es bastante fácil combinar lo digital y lo tradicional en estos días. Mi método es bastante directo. Esbozo digitalmente para tener control sobre la composición, mientras lo mantengo ligero, luego repaso el boceto en una caja de luz. Hoy en día trato de mantenerlo bastante simple, pero solía hacer cada forma con tinta y luego hacer un collage, ¡lo que me llevó semanas!
Roman Muradov (EE. UU. / Rusia)
Para mí, ser ilustrador es una oportunidad para cambiar las cosas e inspirar una conversación: una ilustración sólida es siempre una pregunta, más que una afirmación. Y eso es algo que siempre les pregunto a mis alumnos cuando critico sus ideas: ¿por qué no puede ser una fotografía? Idealmente, la respuesta debería ser diferente para cada pieza.
Roman Muradov (USA / Rusia)
Definiría mi estilo como un acto de equilibrio entre accidente y diseño. Siempre permito que sucedan cosas inesperadas, pero también termino editando cada bit, ya sea que la edición implique mover un pequeño detalle un píxel hacia la izquierda o volver a dibujar todo.
A menudo pienso en los sueños, no en su significado, sino en sus mecanismos. Como escribió Borges, solo tenemos recuerdos de sueños con los que trabajar, así que es este estado de casi recordar, de estar medio despierto lo que estoy tratando de evocar. Y, por lo tanto, visualmente, a menudo es una combinación de formas fuertes y nítidas y detalles sin terminar.
Roman Muradov (EE. UU. / Rusia)
Si desea que su ilustración digital se vea más cálida, incorpore elementos hechos a mano. Crea tus propios pinceles y texturas a mano, usando técnicas como estas.
Mar Hernandez (España)
[Una vez que haya perfeccionado su oficio], dedique más tiempo a pensar en la idea; composición, paleta de colores, texturas: todas estas cosas se definen antes de comenzar a dibujar la ilustración final.(También hay ocasiones en las que experimento e investigo nuevas herramientas, y luego entra en juego la intuición).
Mar Hernandez (España)
Actualmente estoy usando y amando un pincel de uno de estos juegos realmente agradables hechos por el ilustrador israelí Assaf Benharroch, pero También utilizo los estándar de Photoshop para algunas piezas. Están totalmente bien.
Raúl Soria (España)
También uso texturas donde siento que encajan, pero no pude expresar con palabras cómo decido cuál va a dónde y por qué. Hay literalmente miles de horas de prueba y error detrás de todo.
Solía poner una textura en cada forma y superficie. Ahora creo que ya no es necesario y a menudo dejo algunos elementos y fondos planos y limpios. De todos modos, depende de lo que esté haciendo y de cuánto tiempo quiero que me lleve. El trabajo de textura puede llevar un tiempo y volverse tedioso fácilmente.
Raul Soria (España)
He estado recopilando texturas durante los últimos cinco o seis años. La mayoría de ellos son de fabricación propia, y ahora tengo una biblioteca bastante grande y un poco caótica que renuevo de vez en cuando.
Solo necesito colocarlos una vez en un archivo PSD y el proceso se vuelve más rápido y sofocante. Luego los copio y pego de una forma a otra y de una capa a otra, jugando con su opacidad, cambiando sus colores, duplicándolos, usando un modo de fusión Multiplicar a veces, y así sucesivamente.
Raul Soria (España)
Soy bastante intuitivo a la hora de tratar el color. También trato de ser práctico y no perder demasiado tiempo probando diferentes combinaciones de colores, especialmente si el plazo es ajustado (como suele ser). En los últimos meses, configuré algunas paletas de colores para elegir, con 8-10 colores cada una, por lo que siempre tengo algo para comenzar cuando estoy trabajando.
Luego solo elijo uno, verifico si funciona, ajusto algunos de los tonos si es necesario y luego trato de reducir la cantidad de colores tanto como sea posible. Me gusta cuando puedo usar cada color al menos en dos lugares o elementos diferentes de la ilustración en la que estoy trabajando, por lo que la imagen final es de alguna manera armónica.
Raúl Soria (España)
La revista La Maleta de Portbou me pidió que hiciera una ilustración para acompañar un artículo de Toni Sala sobre el libro Don DeLillo Falling Man También me enviaron el texto final, que es algo que siempre encuentro bastante útil. Básicamente, el artículo trataba sobre el 11 de septiembre y tenía muchas referencias a las pinturas de naturaleza muerta de Giorgio Morandi
. Pensé que podría ser apropiado tratar de representar el 11 de septiembre dentro de una pintura de Morandi, así que hice el primer boceto. Parecía que funcionaría, así que hice uno más preciso, le mostré la idea a la directora de arte y a ella le gustó, así que continué.
A continuación, creé todas las formas. No quería que se vieran súper limpios y precisos porque se suponía que todo representaba una pintura, así que volví a trazar los contornos rectos a mano.
Al mismo tiempo probé algunas combinaciones de colores. Quería que pareciera de alguna manera nostálgico y, por supuesto, la referencia de Morandi debería ser reconocible a primera vista. Y todo tenía que ser llevado a mi propio terreno y al final tenía que verse fresco, no demasiado sucio y quizás un poco lúdico, pero al mismo tiempo respetuoso con el tema con el que estaba trabajando.
Así que comencé con algunos colores de la última paleta con la que había estado trabajando y agregué un poco de marrón y beige, tratando de que pareciera un poco cremoso. La combinación no estaba funcionando muy bien, pero aparentemente lo suficientemente buena como para merecer ser salvada. En realidad, no estaba tan lejos de los colores que finalmente usé. Parece que instintivamente elegí algunos colores complementarios aquí.
Usé tres texturas. Usé lápiz, duplicando la capa varias veces, para todas las botellas, ambos bloques de piedra, el frasco y los hombros y el brazo de la figura. Usé tinta para el fondo y la cabeza negra, y acuarela para el piso.
Hice los trazos, el volumen y las sombras usando un pincel específico en diferentes tamaños para cada uno antes de refinarlo.
Esta es la obra de arte terminada.
Raul Soria (España)
Intento crear imágenes que tengan emociones. Me encanta experimentar con nuevas formas de dibujar y mezclo muchas técnicas. Pero es aún más importante centrarse en la historia que estoy contando: la atmósfera que creo y la emoción que expreso.
Jun Chen (EE. UU.)
Siempre hay espacio para la imaginación y la creatividad. A veces, el [artículo editorial que estoy ilustrando] y la ilustración pueden ser dos historias que comparten la misma idea central. Qué genial es tener una ilustración con apariencia de ciencia ficción para una historia de economía o una ilustración abstracta poética para una historia personal.
Jun Chen (EE. UU.)
Esta ilustración Pushing Hands fue creada para un artículo llamado ‘Las bacterias son maestras de Tai Chi’ en la revista Nautilus y trata sobre cómo las bacterias se mueven y se deforman para desviar las fuerzas entrantes de otras bacterias. Fue una tarea editorial que me dio mucha libertad creativa.
Adopté un enfoque imaginativo que inicialmente se centró en la idea de equilibrio, fluidez y fuerzas neutralizadoras. En lugar de mostrar las bacterias literalmente, se me ocurrió la idea de crear dos personajes surrealistas con múltiples manos y trajes dramáticos que realizan empujones de manos.
La pieza trata sobre la interacción entre los dos personajes. Entonces llené todo el lienzo con los dos y sus brazos entrelazados.
Jun Chen (EE. UU.)
Siempre es divertido agregar en secreto algo que me interesa en la pieza. Como estoy enamorada del estilo visual de la era del glam rock, me di cuenta de que podría poner un maquillaje dramático pesado con una sensación de glam rock en estos dos personajes femeninos. Fue un proyecto muy divertido.
Jun Chen (EE. UU.)
Escribir palabras y conceptos en un papel, y conectarlos, me ayuda a definir un concepto para la ilustración antes de comenzar a dibujar bocetos muy toscos para tener una idea de la composición. Utilizo Guideguide, un plugin de Photoshop para crear cuadrículas para empezar a dibujar y adaptar la composición a las cuadrículas, trabajando con colores planos, la composición, formas y detalles [para crear toscos como este]. La construcción de diferentes capas es muy importante porque juego con diferentes texturas y opacidades con frecuencia.
Nicolás Valencia (España)
Luego paso a usar herramientas geométricas de Photoshop y la herramienta Pluma para corregir imperfecciones menores, antes de agregar texturas y pintar con pinceles digitales. Luego modifico los Niveles, el contraste o los colores para terminar.
Nicolas Valencia (España)
La experimentación es fundamental porque encontrarás herramientas, texturas y colores que combinen con tu voz personal como ilustrador. También desarrollará un flujo de trabajo que le permitirá trabajar más rápido.
Nicolas Valencia (España)
La paciencia es clave para crear una sensación ‘digital hecha a mano’, porque personalmente trabajo con muchas capas sobre capas con diferentes opacidades y texturas. Esto es fundamental para crear un trabajo coherente y estético.
Nicolas Valencia (España)
Mis pinceles digitales favoritos son de Kyle T Webster, es un ilustrador increíble que hace pinceles de Photoshop impresionantes.
Nicolas Valencia (España)
Para crear tonalidades, atmósferas, estados de ánimo y respuestas emocionales, he tenido que experimentar con los colores. En algún momento encontré colores que combinan con mis emociones y la voz personal de mis imágenes.
Creo que el color es el elemento más importante en mi trabajo: una buena elección de color puede llevar una imagen al siguiente nivel y una mala elección de color puede destruir una imagen.
Nicolas Valencia (SP)
La mayor parte de mi trabajo digital está directamente informado por las pinturas y dibujos que hago en mi estudio y cuaderno de bocetos, lo que significa que todo siempre comienza con 1 o 2 colores base. Poco a poco, empiezo a agregar sombras y profundidad para evocar ciertos estados de ánimo en relación con la pieza en la que estoy trabajando; a veces no se siente necesario.
Mi principal objetivo como artista ha sido simplemente tanto como sea posible, para contar la mayor parte de la historia con la menor cantidad de información. Trabajar en Photoshop me ha ayudado enormemente porque puedo usar herramientas de aerógrafo digital en varios elementos para hacer que desaparezcan, se mezclen o pasen al primer plano de la imagen, según lo que estoy tratando de decir.
Daniel Zender (EE. UU.)
Una imagen de dos colores puede sentirse inmediatamente extremadamente profunda y atmosférica al agregar leves luces o sombras a curvas específicas para separarlas de otros elementos de la imagen. Gran parte del trabajo que se realiza en mis obras de arte se basa en sumar y restar información para obtener el efecto deseado.
Daniel Zender (EE. UU.)
Para cualquier ilustración que hago, sigo prácticamente los mismos pasos. Siempre comienza con un concepto. No hago miniaturas en el sentido tradicional, generalmente mis bocetos se hacen primero en un tamaño de un cuarto de página. Esto no tiene mucho sentido cuando se trata de eficiencia en mi cuaderno de bocetos, pero por alguna razón es mejor para mí trabajar en cosas grandes y luego volver a entrar y ajustar al mismo tamaño.
Por lo general, hago de 8 a 12 bocetos, sin incluir variaciones en la composición de muchas de esas opciones. Luego escaneo TODO en
Daniel Zender (EE. UU.)
Hacer esto me permite comparar todo uno al lado del otro, y hacer mis propias ediciones antes de enviarlo al director de arte. Después del AD y me decido por un boceto, paso al final.
Recientemente, he adquirido el hábito de trabajar directamente sobre mi boceto aprobado en Photoshop. Esto es algo extraño, ya que los bocetos suelen ser bastante sueltos, pero ayuda a mantener algún tipo de coherencia entre el boceto aprobado y el arte final.
Daniel Zender (EE. UU.)
Todos los elementos del arte se dibujan individualmente y se ensamblan [como en esta toma de trabajo en progreso]. Esto me permite hacer pequeños ajustes en el tamaño y la composición.
Utilizo una combinación de dos pinceles y un filtro secreto para lograr la calidad gráfica de mi trabajo. Se construye mucho y luego uso el modo de fusión de pincel transparente y el modo de fusión Disolver para construir formas y luego tallar cosas como una cuchilla exacta. Al separar los elementos individuales lo mejor que puedo, puedo cambiar de color, mover elementos y ajustar con la mayor flexibilidad, como un collage digital.
Por lo general, mis archivos de Photoshop terminan siendo 50-100 capas, aunque parecen simples (aunque muchas de esas capas están ocultas y descartadas cuando se aplanan).
Daniel Zender (EE. UU.)
Finalmente, cuando el arte está terminado, aplané todo para el AD. Antes de enviar, ajustaré el tono y la saturación para asegurarme de que la imagen final sea perfecta. A veces enviaré dos o tres variaciones de color de la imagen aplanada.
Daniel Zender (EE. UU.)
Intento evocar misterio y horror en mi trabajo, pero con un sentido del humor oscuro y una accesibilidad específicos. Creo que las cosas más extrañas y aterradoras ocurren cuando el espectador se da cuenta de que está sucediendo algo inesperado que no notó a primera vista.
Daniel Zender (Estados Unidos)
Lea a continuación: Las mejores alternativas a Illustrator.
